Surrealizm: od XX wieku do sztuki współczesnej

Ok Belkina, Palce obcasy , 2022. Olej na płótnie, 30 x 40 cm.

Surrealizm: zabawne wprowadzenie

Salvador Dalí na zawsze zmienił podejście do świata sztuki, gdy jakieś osiemdziesiąt lat temu kupił kombinezon do nurkowania, chcąc go założyć na ważny wykład, aby „zagłębić się w głąb ludzkiej podświadomości”. Specjalny sprzęt został zakupiony przez artystę wiosną 1936 roku w sklepie nurkowym w południowo-wschodniej Anglii, gdzie hiszpański mistrz również przedstawił swoje zamiary urzędnikowi. Ten właśnie kombinezon do nurkowania, przekształcony przez ekscentrycznego Dalego w narzędzie do badania ludzkiej psychiki, był centralnym punktem Międzynarodowej Wystawy Surrealizmu, która odbyła się w Londynie w tym samym roku, zgromadziła największych mistrzów XX wieku, w tym m.in. Pablo Picasso, René Magritte, Max Ernst, Alexander Calder, Giorgio de Chirico, Marcel Duchamp, Alberto Giacometti, Paul Klee, Joan Miró i oczywiście Salvador Dali. Podczas tego ważnego wydarzenia odbył się wspomniany wcześniej wykład, podczas którego Dali, przebrany za nurka, „ciężko” wszedł na scenę: żelazny kostium był tak nieporęczny, że kilku przyjaciół musiało mu pomóc wejść na scenę. Dopiero gdy dotarł do celu, mistrz zdał sobie sprawę, że jego słowa, ukryte pod ciężką „zbroją”, nie mogą być słyszane przez publiczność; niemniej jednak kontynuował swoje przemówienie. W pewnym momencie jednak w skafandrze zaczęło brakować powietrza, a Dali zaczął się nerwowo wiercić, aby ostrzec publiczność przed nadchodzącym niebezpieczeństwem uduszenia. Uczestnicy nie od razu jednak zrozumieli prośby artysty o pomoc i nadal klaskali i śmiali się z pozornego występu. Niewątpliwie byłaby to jedna z najbardziej absurdalnych i głupich śmierci w historii sztuki, gdyby w pewnym momencie żona artystki nie zorientowała się w powadze sytuacji i zaapelowała do organizatorów imprezy o uwolnienie ukochanej. Po co opowiadać ten odcinek jako wprowadzenie do surrealizmu? Fakt ten podsumowuje bowiem z siłą, ironią i impetem ideologię wspomnianego ruchu, który często właśnie przez ekscentryczność stawiał w centrum swojej poetyki nieświadome i senne wymiary człowieka, uważanego za jedyne byty zdolne opowiadania rzeczywistości bez filtrów rozumu.

Dominic Virtosu, Różowy król, 2021. Olej na płótnie, 130 x 100 cm.

Taco Eisma, TV , 2022. Olej na płótnie, 80 x 80 cm.

Krótka historia surrealizmu

Termin surrealizm, wymyślony przez poetę Guillaume'a Apollinaire'a w 1917 roku, oznacza wszystko, co reprezentuje te ruchy i skojarzenia wywodzące się z ludzkiej nieświadomości, częściowo „namacalne” przez umieszczenie w wymiarze „superrzeczywistości”. Ruch surrealistyczny narodził się po I wojnie światowej, a dokładniej dwa lata po zakończeniu dadaizmu, nurtu artystycznego, z którego odziedziczył pewne aspekty, takie jak: reakcja na formalizm kubistyczny, bliskość buntu nihilistycznego, egzaltacja nonsensu i irracjonalność oraz wykorzystanie elementów automatyzmu psychicznego i przypadkowości. Pomimo ogromnej wagi, jaką surrealizm wywierał w świecie sztuki figuratywnej, powstał przede wszystkim jako ruch literacki, mający na celu eksplorację nieświadomości, bez pomocy racjonalności i logicznego myślenia. W rzeczywistości Manifest surrealistyczny, opublikowany w 1924 roku, został napisany przez literatów Louisa Aragona, Philippe'a Soupaulta i André Bretona, których zaintrygowała ekspresja najgłębszych ludzkich myśli i badanie ich przez znanego psychoanalityka Zygmunta Freuda. To właśnie ten ostatni został uznany za pierwszego inspiratora ruchu, a zwłaszcza jego książka z 1899 roku, zatytułowana Interpretacja snów, popchnęła surrealistów do zrozumienia mechanizmów nieświadomości poprzez badanie i analizę świata snu. Ponadto freudowskie teorie wolnych skojarzeń również w ogromnym stopniu wpłynęły na ruch, który dzięki temu ostatniemu był w stanie oddać głos najgłębszym wglądom człowieka. Krótko mówiąc, zastosowano surrealistyczne poszukiwania artystyczne, pozwalając ideom swobodnie płynąć, bez racjonalnych filtrów, dając początek formom, słowom, gestom, akcjom, liniom, rysunkom i kolorom, które zostały wyrażone w naturalnym automatyzmie. W odniesieniu do technik artystycznych i środków stylistycznych stosowanych przez surrealistów do realizacji powyższych celów, rozwinęły się trzy odrębne obszary metodologiczne: pierwszy to frottage, grattage i collage, które miały na celu stworzenie nowego języka figuratywnego poprzez unię. malarstwa olejnego z materiałami, które formowały postacie w reliefie; druga to „metoda” snu, czyli poświęcona badaniu świata snów, w której bez cienia wątpliwości wyróżnili się Salvador Dali i René Magritte; trzeci to abstrakcjonizm, w którym dzieła powstały z automatyzmu myślenia, podobnie jak obrazy Joana Miró. Podsumowując, głównym celem surrealizmu jest badanie jaźni; w rzeczywistości właśnie poprzez oglądanie dzieł tego ruchu widzowie mogą zostać pobudzeni do rozumowania na temat swojej nieświadomości w celu zrozumienia własnego umysłu. To poszukiwanie samoświadomości, które wiąże się z inną obserwacją siebie, sprawiło, że teorie surrealistów stały się jednymi z najciekawszych XX wieku.

Haydar Ekinekk, Kobieta i lina 2 , 2020. Olej na płótnie, 100 x 120 cm.

Arman Ohanyan, Ze szpitala psychiatrycznego, seria 2022. Olej na tekturze, 85 x 65 cm.

Surrealizm w sztuce współczesnej

Wielkim sukcesem, jaki surrealizm odniósł w sztuce współczesnej, jest manifestacją bardziej klasycznej koncepcji egzystencji, linearnej, w której czas, przedstawiony jako koło, na nowo proponuje zdarzenia, a co za tym idzie, prądy artystyczne w obrębie pokrewnych epok, podążając w nieustannym nieustannym ruch. W rzeczywistości surrealizm, który powstał w traumatycznym i niestabilnym klimacie kulturowym, po I wojnie światowej, jest dobrze proponowany w dramatach naszej nowoczesności, nieusuwalnie naznaczonej konfliktami, pandemią i kryzysami gospodarczymi, gdzie po raz kolejny pojawia się konieczne i pocieszające, aby schronić się w „superrzeczywistości”. To pragnienie eskapizmu można znaleźć w pracach wielu współczesnych surrealistów, takich jak na przykład Mary Reid Kelley, Penny Slinger, Nathaniel Mary Quinn, Jonathan Meese i Inka Essenhigh, ale także w artystycznych poszukiwaniach niektórych artystów Artmajeur , takich jak Sailev, Robert Van Den Herik i Jean-Marie Gitard (Pan STRANGE).

Sailev, Zakłócenie łańcucha pokarmowego, 2019. Olej na płótnie, 81,6 x 66,3 cm.

Sailev: Zakłócenie łańcucha pokarmowego

Sailev to współczesny malarz francuski, którego artystyczne poszukiwania dotyczą przede wszystkim tematów związanych z naturą i społeczeństwem ludzkim, wyrażanych poprzez poetyckie i prowokacyjne wizje, mające na celu odzwierciedlenie świata postrzeganego za pomocą onirycznych, psychodelicznych, symbolistycznych i ironicznych konstrukcji. Ponadto w obrazie zatytułowanym „Zakłócenie łańcucha żywnościowego ” do wspomnianych cech, które niejednokrotnie ożywiają twórczość artysty, dodawany jest dodatkowy punkt widzenia: promocja koncepcji związanych z eko-sztuką i sztuką społecznie zaangażowaną. W rzeczywistości płótno, na którym nakładają się zwierzęta chcące się „pożerać”, jak w swoistej wieży, dąży do otwartego potępienia zbliżającego się kryzysu ekologicznego, w którym zwyczaje łańcucha pokarmowego są często przerywane. Mówiąc o wspaniałych przykładach surrealizmu, inne zwierzęta, które „zjadają” się nawzajem, znajdują się także w kultowym obrazie Salvadora Dali zatytułowanym Sen spowodowany lotem pszczoły , gdzie w tej samej oniralnej atmosferze, ryba i dwa tygrysy z rozwartą szczęką podążajcie za sobą.

Robert Van Den Herik, Forever home , 2022. Olej na płycie MDF, 80 x 80 cm.

Robert Van Den Herik: Na zawsze w domu

O obrazie Na zawsze dom należy przytoczyć przede wszystkim słowa samego artysty: To surrealistyczne przedstawienie opuszczonej planety w kosmosie. Na pierwszy rzut oka ma wiele wspólnego z królewskimi galeriami nadmorskiego kurortu Ostenda (Belgia), które słynie z pięknej mozaikowej podłogi, z której roztacza się wspaniały widok na morze. Do tych wyczerpujących opisów Roberta Van Den Herika dobrze jest dodać, że oprócz wizji realistycznego pejzażu morskiego, dodaje się również obecność Ziemi i innych statycznych planet na niebie, w całkowicie surrealistyczny, senny i senny pomysłowy sposób, mający na celu ponowne zaproponowanie poetyki bezruchu, bezruchu i ciszy, która sprowadza nas z powrotem do metafizycznych cech stylistycznych Giorgio de Chirico, takich jak: ponadczasowa atmosfera, zbliżające się słońce, perspektywa, która jest fałszywie spójna, ale faktycznie odpowiada na różne punkty zbiegu, całkowity brak obecności człowieka, fascynacja kolumnami i płaskie gruntowanie koloru.

Jean-Marie Gitard (Pan STRANGE), Jesień , 2022. Olej na płótnie, 80 x 80 cm.

Jean-Marie Gitard (Pan STRANGE): Upadek

Obraz pana STRANGE, zatytułowany Upadek , wydaje się być kontynuacją, we współczesnej tonacji, historii bohatera kultowego arcydzieła Magritte'a Syn człowieczy , gdyż w obu obrazach odnajdujemy obecność dystyngowanego mężczyzny w meloniku. kapelusz. W Synu człowieczym stroje bohatera obrazu zostały przez francuskiego mistrza starannie dobrane tak, aby reprezentowały burżuazję, klasę, którą otwarcie pogardzał, uważał, że jest podła i obłudna. Pan STRANGE prawdopodobnie żywi też jakąś wrogość do tej klasy społecznej, którą z wielką ironią przedstawia w momencie swojego upadku.