Sztuka ciała ludzkiego między realizmem a surrealizmem: analiza historyczno-artystyczna
Na przestrzeni dziejów sztuki ludzkie ciało przyjmowało różne znaczenia i reprezentacje, odzwierciedlając kulturowe, społeczne i filozoficzne zmiany każdej epoki. Pojawienie się realizmu w XIX wieku i surrealizmu na początku XX wieku oferują dwie diametralnie przeciwstawne, lecz głęboko znaczące wizje tego, w jaki sposób sztuka interpretuje ludzkie ciało, oscylując między namacalną rzeczywistością, światem snów i podświadomością.
Realizm narodził się jako reakcja na ideały romantyczne i neoklasyczne, które dominowały na scenie artystycznej tamtego okresu. Artyści tacy jak Gustave Courbet i Honoré Daumier skupiali się na życiu codziennym i często przedstawiali klasę robotniczą w realnych, a nie wyidealizowanych sceneriach. Ich podejście było bezpośrednie, często brutalne, a ich celem było potępienie trudności i niesprawiedliwości społecznych poprzez uczciwe i bezkompromisowe przedstawienie rzeczywistości.
Na przykład w dziele Daumiera Rue Transnonain z 15 kwietnia 1834 roku ludzkie ciało przedstawione jest w swojej największej słabości. Obraz nieuzbrojonego cywila i jego dziecka, zabitych podczas rządowej akcji represyjnej, przekazuje silny przekaz polityczny i społeczny, potępiając okrucieństwo i wyobcowanie jednostki.
W ostrym kontraście do surowych realiów realizmu, surrealizm wyłonił się jako ruch eksplorujący głębiny podświadomości, wykorzystujący sny i wizje przypominające sen jako główne narzędzia twórczości artystycznej. Pod wpływem teorii psychoanalitycznych, zwłaszcza Freuda, artyści surrealistyczni, tacy jak Salvador Dalí i Max Ernst, zrewolucjonizowali sposób przedstawiania ludzkiego ciała, przekształcając je w zbiornik tłumionych pragnień, lęków i obsesji.
Techniki takie jak automatyzm czy pismo automatyczne pozwalały artystom na obejście racjonalnego myślenia i nadawanie obrazom formy, która często przeczyła logice i konwencjonalnej percepcji. W dziełach takich jak Barbarzyńcy Ernsta ciało ludzkie jest zniekształcone i złączone z elementami naturalnymi i zwierzęcymi, co w dziwny i czasami niepokojący sposób odzwierciedla fuzję wnętrza człowieka ze światem zewnętrznym.
Kontrast między realizmem a surrealizmem w przedstawianiu ludzkiego ciała ilustruje zasadnicze zerwanie w artystycznym podejściu do rzeczywistości i marzeń. Podczas gdy realizm skupia się na wiernym i często surowym przedstawieniu świata fizycznego, surrealizm zagłębia się w najciemniejsze zakamarki ludzkiej duszy, odsłaniając zazwyczaj ukryty świat wewnętrzny.
To zerwanie nie tylko odzwierciedla napięcia kulturowe i filozoficzne tamtych czasów, ale także otwiera nowe spojrzenie na sztukę jako środek reprezentacji, a także eksploracji i osobistej transformacji. Dzięki surrealizmowi ciało przestaje być jedynie materią fizyczną, stając się symbolem wewnętrznej walki i tożsamości w świecie, w którym granice między rzeczywistością a nierzeczywistością są nieustannie kwestionowane.
Podsumowując, opozycja realizmu i surrealizmu w interpretacji ludzkiego ciała nie tylko uwypukla filozoficzne i kulturowe rozbieżności między tymi dwoma nurtami, ale także wzbogaca nasze zrozumienie dynamiki między zewnętrzną i wewnętrzną rzeczywistością człowieka. Aby lepiej zilustrować ten dialog między światem zewnętrznym i wewnętrznym, zaprezentowanych zostanie pięć dzieł artystów ArtMajeur. Dzieła te, balansujące na granicy realizmu i surrealizmu, stanowią konkretny przykład tego, w jaki sposób sztuka może badać i ukazywać złożoną rzeczywistość ludzkiego życia poprzez wizualne zestawienie tych dwóch odrębnych, ale powiązanych ze sobą światów artystycznych.
Kobieta z kwiatami (2024) Obraz Anastasiia Goreva
Łzy piwonii (2024) Obraz Vasyla Łuczkowa
Oba dzieła, Kobieta z kwiatami Anastasiji Gorevej i Łzy piwonii Wasyla Łuczkowa, ilustrują zasady realizmu i surrealizmu omówione powyżej.
W filmie „Kobieta z kwiatami” postać sprzedawczyni kwiatów jest głęboko zakorzeniona w codziennej rzeczywistości. Kobieta z wyrazem skupienia i skupieniem zajmuje się kwiatami, co stanowi główny element jej zawodu. Scena emanuje realizmem dzięki dbałości o szczegóły: fakturze drewnianego tła, precyzyjnemu oddaniu kwiatów i dłoni kobiety, a także jej prostemu, funkcjonalnemu ubraniu. Artystka zastosowała żywą paletę barw w przypadku kwiatów, które wyraźnie wyróżniają się na tle neutralnego tła i stonowanych odcieni stroju, odzwierciedlając namacalną i często brutalną rzeczywistość codziennej pracy. Praca ta uchwyciła moment z życia, podkreślając godność pracy fizycznej i interakcję człowieka z naturą poprzez kwiaty.
Z kolei Larmes de Pivoines zanurza się w onirycznej i surrealistycznej atmosferze. Obraz kobiety z zamkniętymi oczami skąpanymi w płatkach piwonii przywołuje uczucie spokoju i zespolenia człowieka z naturą. Jej włosy splatają się z kwiatami, tworząc wizualne połączenie symbolizujące harmonię między ludzkością a naturą. Zastosowanie pastelowych kolorów i miękkość kształtów przyczyniają się do stworzenia onirycznego nastroju. Tutaj rzeczywistość fizyczna miesza się z abstrakcją i symboliką, odzwierciedlając surrealistyczne teorie dotyczące eksploracji podświadomości i snów jako nośników prawdy emocjonalnej i psychologicznej.
Fryzjer (2023) Obraz autorstwa Awe Haiwe
„Rozkwit” (2025) Obraz autorstwa Victorii
„Fryzjer” uchwycił codzienny moment – fryzjera układającego włosy klientowi – ale uczynił to w artystyczny sposób, łącząc realizm z nowoczesnością. Widoczna jest dbałość o szczegóły: od skupionego wyrazu twarzy fryzjera, ubranego skromnie i noszącego maskę, po starannie ułożone w tle produkty do pielęgnacji włosów. Jednak zastosowanie jaskrawych i nieco przesadzonych kolorów, takich jak głęboki róż ścian i jasny błękit płaszcza, dodaje scenie witalności, odbiegającej od czysto tradycyjnego stylu realistycznego. To odważne użycie koloru emanuje energią i nowoczesnością, być może odzwierciedlając dynamiczną i kreatywną atmosferę typową dla współczesnego salonu kosmetycznego.
W przeciwieństwie do tego „Blooming” Victorii to surrealistyczny i poetycki portret, w którym ludzkość i natura łączą się w eteryczny sposób. Kobieta przedstawiona z dużą piwonią zakrywającą jej twarz wywołuje poczucie tajemniczości i głębokiej integracji ze światem przyrody. Technika ta łączy realistyczne elementy – takie jak szczegółowa faktura skóry i płatki kwiatów – z surrealistycznym podejściem, które wyobraża sobie fryzurę jako gigantyczny kwiat. Delikatne barwy i delikatne przejścia tonalne bieli, jasnego błękitu i bladej żółci tworzą oniryczną atmosferę, którą podkreśla rozmyte szare tło. Praca ta eksploruje tematy tożsamości i natury, bawiąc się kontrastem między solidną formą ludzką a ulotną i delikatną naturą kwiatu, sugerując refleksję nad pięknem i przemijalnością.
Obie prace podejmują temat piękna i przemiany poprzez fryzjerstwo, jednak w radykalnie odmienny sposób. „Hairdresser” celebruje codzienną i namacalną rzeczywistość zawodu kreatywnego, podczas gdy „Blooming” eksploruje bardziej metaforyczny i surrealistyczny wszechświat, w którym fryzjerstwo staje się symbolem fuzji i splątania tego, co ludzkie, z tym, co naturalne. Podczas gdy Awe Haiwe używa jaskrawych kolorów, aby ożywić zwyczajną scenę, Victoria preferuje stonowane barwy, aby podkreślić płynność i delikatność między człowiekiem a kwiatem.
Pracze (2018) Obraz Nicolasa Maureau
Prysznic hotelowy, obraz Ichtiocentaura autorstwa Christophera Walkera
„Les Lavandiers” Nicolasa Maureau to dzieło, które ukazuje historyczny zawód tradycyjnie kojarzony z kobietami, jednak zinterpretowany na nowo z męskiej perspektywy. Artysta czerpie inspirację z praczek pralniczych XIX wieku, postaci często pojawiającej się w malarstwie tego okresu i ilustrowanej dziełami Jeana-François Milleta. Na tym obrazie Maureau przedstawia dwóch mężczyzn zajętych praniem – codzienna scena przedstawiona w nowoczesnej formie. Realizm postaci i ich aktywności przejawia się w szczegółowym przedstawieniu ich mięśni i postaw, a także w szczególnej uwadze poświęconej fakturze tkanin. Mimo że obraz przedstawia zwyczajną czynność, wywołuje wrażenie siły i wysiłku, podkreślając żmudność ręcznej pracy poprzez obecność wody – niemal symbolu oczyszczenia i wysiłku.
Z kolei „Hotel Shower, Ichthyocentaur” Christophera Walkera zagłębia się w świat mitologii i wyobraźni. Dzieło to przedstawia ichtiocentaura – mityczne stworzenie będące pół człowiekiem, pół koniem, pół rybą – w codziennym otoczeniu hotelu. Woda odgrywa główną rolę, ale jest przedstawiona w zabawny i surrealistyczny sposób: mityczna postać zmaga się z hotelowym prysznicem, co tworzy zabawną i ironiczną scenę, w której woda jest wykorzystywana nie tylko jako naturalny element, ale także jako nowoczesne wyzwanie technologiczne. Żywa paleta barw oraz włączenie fantastycznych elementów jeszcze bardziej podkreślają kapryśny charakter dzieła, eksplorując motywy adaptacji i melancholii mitycznych istot we współczesnych realiach.
Olimpia Gaia Martinelli
