Kristina Korobeynikova, Fuzja , 2022. Akryl na płótnie lnianym, 180 x 110 cm.
Puentylizm według Georgesa Seurata
'Niezdolność niektórych krytyków do połączenia kropek nie czyni pointylizmu bezużytecznym'
Słowa pioniera puentylizmu Georgesa Seurata, prawdopodobnie urodzonego w „obronnym” kontekście artystycznych osobliwości techniki końca XIX wieku, doskonale podsumowują jej osobliwości, podkreślając sposób, w jaki kolory są rozbijane na małe kropki jako charakterystyczny element, który należy wywodzi się z ruchu neoimpresjonistycznego. Aby jednak zrozumieć rzeczywisty wkład puentylizmu w świat sztuki, konieczne jest zagłębienie się w materię, skłonienie wspomnianego malarza do wypowiadania się poprzez swoją pracę, w szczególności poprzez analizę obrazu Cyrk z 1891 roku, przechowywanego w Musée d'Orsay w Paryżu. To „cyrkowe” arcydzieło, uznane za jedno z największych badań puentylistów, uwiecznia wątek bliski światu sztuki lat 80. XIX wieku, badany także przez takich mistrzów, jak Renoir, Degas i Toulouse-Lautrec. Ponadto płótno jest częścią cyklu, który, obejmujący prace Cyrk Sideshow (1888) i Kankan (1889-1890), ma na celu „dokumentację” nocnej działalności rozrywkowej ówczesnego Paryża.
Georges Seurat, Cyrk , 1891. Olej na płótnie, 185,5 x 152, 2 cm. Paryż: Musée d'Orsay
O kompozycji arcydzieła z 1891 roku, praca przedstawia wnętrze cyrku, w którym odbywa się bogate i dynamiczne widowisko, ożywiane wieloma obecnościami, takimi jak: klaun, który uchwycony na pierwszym planie od tyłu prawdopodobnie reżyseruje jego spojrzenie na kolegów; amazonka zamierzająca balansować na pędzącym koniu, przedstawiona w najbardziej centralnej części obrazu; trener, który skupiony na kierowaniu biegiem wspomnianego zwierzęcia, umieszcza się w prawej części płótna; i dwóch klaunów przyłapanych na wykonaniu osobliwego i lekkomyślnego aktu cyrkowego, który miał miejsce na drugim końcu areny. Aby obserwować tę barwną, żywą i pełną wyobraźni scenę, napotykamy uporządkowany tłum widzów, ustawionych na wysokich kondygnacjach, w których wyróżniają się mniej lub bardziej eleganckie postaci, przy akompaniamencie orkiestry umieszczonej w górnej części dzieła. Mimo tak starannej aranżacji postaci, głównym założeniem płótna Seurata jest przywołanie najbardziej autentycznego ducha cyrkowego widowiska, odtworzonego poprzez umiejętne zestawienie kolorów czerwonego, żółtego, pomarańczowego i niebieskiego, które wzbogacone bielą czystego lekkie, sprawiają, że atmosfera jest autentyczna, intensywna, ujmująca, jasna i harmonijna. Na koniec należy podkreślić, że tej poszukiwanej chromatyce towarzyszą, wzmacniane i wzbogacane są same osobliwości techniki puentylizmu, w odniesieniu do której obraz został naniesiony na podobraziu poprzez tworzenie zestawionych ze sobą kropek czystego koloru. ze sobą, które badane w ich układzie chromatycznym są odbierane przez widza tak, jakby zostały kanonicznie pomieszane.
Frédéric Durieu & Nathalie Erin, Marilyn z motylami , 2016. Praca cyfrowa 2D na metalu, 40 x 40 cm.
Mariana Prochkaruk, Brązowo-niebieski , 2020. Olej na płótnie lnianym, 160 x 90 cm.
Ciekawostka: jaka jest różnica między francuskim puentylizmem a włoskim dywizjonizmem?
Wspomniane osobliwości puentylizmu są owocem pozytywistycznego klimatu końca XIX wieku, który nieodłącznie naznaczony panującą ideą triumfu postępu, a także skrajną wiarą w technikę i naukę, zaczął ładować racjonalność nawet świat sztuki, wcześniej zdominowany przez „romantyzm” impresjonistów. Rzeczywiście, wspomniane wyżej cechy stylistyczne Seurata stanowią artystyczną interpretację pewnych fundamentalnych odkryć naukowych, które, dokonujące się w dziedzinie optyki w tamtych latach, są nierozerwalnie związane z badaniami francuskiego chemika Michela Eugène'a Chevreula i amerykańskiego fizyka Nicholasa Ogdena Rooda. Dokładniej, pierwszy z nich odkrył, że dwa umieszczone obok siebie, nieco nakładające się lub bardzo blisko siebie odcienie, postrzegane przez ludzkie oko z pewnej odległości, dają efekt innego koloru (zasada „równoczesnego kontrastu”). Ponadto francuski chemik zauważył również, że zestawiając ze sobą dwa uzupełniające się odcienie, aura jednego wzmacnia aurę drugiego, wzajemnie zwiększając ich jasność. Mówiąc o Nicholasie Ogden Rood, jego badania można podsumować taką rewelacją: zestawienie barw podstawowych tworzy bardziej intensywny, świetlisty i przyjemny kolor niż przy bezpośrednim mieszaniu pigmentów. W konsekwencji malarz puentylista, odwołując się do wspomnianych studiów, skłania się do zestawiania barw uzupełniających się, układając je jako kropki czystego koloru na płótnie, które później będą „zinterpretowane” przez obserwatora poprzez „zmieszanie optyczne”. Z drugiej strony, jeśli chodzi o dywizjonizm, ten ruch malarski, który rozwinął się we Włoszech od ostatniej dekady XIX wieku, czerpiąc częściowe wskazówki techniczne z francuskiego puentylizmu, wywodzi się głównie z nurtu Scapigliatura Lombarda i dekadentyzmu. W rzeczywistości w dywizjonizmie małe neoekspresjonistyczne kropki stają się nitkowatymi, drobnymi i żywymi pociągnięciami pędzla czystego koloru, które oddziałując ze sobą w sensie optycznym, mają stać się rzecznikami intensywnych znaczeń symbolicznych, religijnych, politycznych i społecznych, mając rola ożywienia ideału zbawienia osiągalnego przez sztukę.
Van Lanigh, Błyski radości , 2022. Rzeźba, glina polimerowa / żywica na płótnie, 30 x 24 x 8 cm / 4,00 kg
Françoise Suzanne, Seria na torze - tory w krajach afrykańskich nr 11 , 2022. Akryl na tekturze, 80 x 60 cm.
Puentylizm w pracach artystów Artmajeur
Narracja puentylizmu, mimo że osiągnęła apogeum pod koniec XIX wieku, jest kontynuowana w sztuce współczesnej, gdzie wiele jej koncepcji, idei i punktów widzenia nabiera kształtu dzięki twórczości popularnych artystów, takich jak na przykład Miguel Endara, Ana Enshina, Kyle Leonard (KAL), Philip Karberg, Herb Williams, Jihyun Park i znany Yayoi Kusama. Takie „odrodzenie” odbywa się również poprzez twórczość artystów Artmajeur, o czym świadczą dzieła Dent-De-Lion Du Midi, Sophie Artinian i A-Criticart.
Dent-De-Lion Du Midi, poniedziałek | Seurat | Reimagine art , 2021. Obraz cyfrowy na papierze, 90 x 127 cm.
Dent-De-Lion Du Midi: poniedziałek | Seurat | Ponownie wyobraź sobie sztukę
Tak jak sugeruje sam tytuł pracy, poniedziałek | Seurat | Reimagine to remake „wczesnego tygodnia” Niedzielnego popołudnia na wyspie La Grande Jatte , „zatłoczonego” arcydzieła Georgesa Seurata, który datowany jest na lata 1884-1886 i jest przechowywany w Instytucie Sztuki w Chicago. Mówiąc o tym ostatnim obrazie, doskonale podsumowuje on obyczaje i zwyczaje Paryża epoki rewolucji przemysłowej, kiedy wraz z pojawieniem się pracy najemnej i fabrycznej, zarówno czas wolny jako czas społeczny, jak i zestawienie czasów i miejsc pracy z utrwaliły się czasy i miejsca życia codziennego. Istotnie, w niedzielnej atmosferze, którą francuski mistrz uchwycił w parku nad brzegiem Sekwany, „wdycha się” ten autentyczny nastrój dnia odpoczynku, który w tym przypadku wyraża się w zrelaksowanych postawach spacerujących kobiet. wokół schronienia się ślicznymi parasolkami, wioślarzy odpoczywających po zawodach, spokojnie bawiących się dzieci, oświeconej małpy na smyczy itp. Poniedziałek | Seurat | Sztuka reimagine pozwala natomiast poznać, jak wyglądałoby to samo miejsce w poniedziałkowe popołudnie, osadzone w ramach czasowych zarówno XIX wieku, jak i współczesności, gdyż mimo upływu wieków wiele aspektów zjednoczyć dzisiejsze życie z życiem największych mistrzów wszechczasów.
Sophie Artinian, Eternity , 2017. Olej na płótnie lnianym, 60 x 60 cm.
Sophie Artinian: Wieczność
W Eternity , obrazie olejnym Sophie Artinian, puentylizm spotyka się z abstrakcjonizmem, tworząc „symfonię” kolorów, która niemal każe nam wyobrażać sobie, że dostrzegamy zarys jakiejś góry, która idealnie umieszczona w dolnej połowie pracy, nabierz ciemniejszych odcieni płótna. Ponadto właśnie wspomniana chromatyczność, charakteryzująca się triumfem odcieni fioletu, różu, błękitu i jasnego błękitu, upodabnia obraz do znanego arcydzieła wykonanego w podobnych barwach i w tej samej technice, jakim jest Plaża w Ambleteuse at Low. Tide (1900) Theo van Rysselberghe. Ta ostatnia praca jest częścią serii pejzaży morskich stworzonych przez belgijskiego artystę w Ambleteuse we Francji, które, mając za przedmiot ten sam widok, ukazują jego wariacje w ruchu światła, przypływu i morza. Wreszcie, podobnie jak Eternity , arcydzieło z 1900 roku okazuje się podzielone na „pasma” światła, czyli mniej lub bardziej jasne obszary, zbudowane z pojedynczych plam czystego koloru przypominającego mozaikę.
A-Criticart, Pixel Jordan , 2019. Rysunek, conté / długopis / ołówek na papierze, 75 x 55 cm.
A-Criticart: Pixel Jordan
Kontemplacja Pixela Jordana zachęca do sformułowania odkrywczej myśli: pixel art reprezentuje w pewnym sensie najbardziej rozpowszechnioną i aktualną formę „puentylizmu”. W rzeczywistości sztuka pikselowa, starannie symulowana przez rysunek A-Criticart, jest formą sztuki cyfrowej, która narodziła się w latach 80. XX wieku z rozpowszechniania się monet i gier wideo, konstruuje obrazy, celowo kontrolując położenie pikseli lub tych małych jednostki kompozycyjne koloru w całej pracy. Tak więc, chociaż piksele mogą wydawać się wynikiem niedawnego rozwoju, w rzeczywistości są nowoczesnym zastosowaniem tych samych dziewiętnastowiecznych teorii leżących u podstaw puentylizmu. W związku z tym, Micheal Jordan autorstwa A-Criticart może reprezentować rodzaj niedawnej interpretacji „puentylistycznego” portretu, który wśród swoich głównych arcydzieł może pochwalić się takimi pracami jak Siedzący model Seurata, w Profilu, Studium dla modeli (1887), Seurat Młoda kobieta Pudrująca się (1890) i Młoda chłopka Pissarro przy swojej toalecie (1888). Wreszcie, do badań figuratywnych realizowanych przez te ostatnie prace, rysowanie Artmajeura przez artystę stanowi wyzwanie, gdyż „niska definicja” obrazu ma na celu sprawdzenie zdolności interpretacyjnych ludzkiego mózgu.
Olimpia Gaia Martinelli
