CIRCLE 3 (2021) Kolaże autorstwa Morgana Pasliera.
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1...
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1: za pomocą tej numerycznej kulminacji, która nosi nazwę top 10, mającej na celu umieszczenie najistotniejszych kolaży w historii sztuki jeden po inne, w kolejności ważności, chcę przybliżyć Czytelnikowi znajomość techniki artystycznej, często spychanej na boczny tor wobec popularniejszego malarstwa, rzeźby i fotografii. Dlatego też, realizując ten cel czysto dydaktyczny, dążę do odpowiedniego wprowadzenia mojego selekcji kuratorskiej poprzez krótkie wyjaśnienie genezy i specyfiki kolażu, aby czytelnik mógł lepiej docenić ten sposób wykonania prac, uzyskiwany poprzez nakładanie papierów , fotografie, przedmioty, wycinki z gazet, czasopisma itp., które są przyklejone do podłoża, które może być różnego rodzaju, ale na ogół sztywne. Z punktu widzenia historii sztuki wspomniana technika powstała na początku XX wieku, w okresie, w którym została wykorzystana do stworzenia wielu arcydzieł awangardy, tworzonych przede wszystkim przez mistrzów kubizmu Picassa i Braque’a oraz , później także przez przedstawicieli futuryzmu i abstrakcjonizmu geometrycznego, a także bardziej złożone asamblaże neo-dada, surrealizmu, popu i nouveau realisme. Jest to jednak historia opowiadana nam przez eurocentryczne zachodnie książki o sztuce, które często są zbyt niedostateczne w wyjaśnianiu, w jaki sposób kolaż został po raz pierwszy użyty w czasie wynalezienia papieru, tj. w Chinach w 200 r. p.n.e. od X wieku przez japońskich kaligrafów, którzy przy pisaniu swoich wierszy zaczęli nakładać klejony papier, używając tekstów na powierzchniach. Niemniej światu zachodniemu z pewnością należy się zasługa wynalezienia fotomontażu, czyli kolażu ze zdjęć, techniki, której Richard Hamilton okazuje się do dziś jednym z największych propagatorów. W każdym razie warto zwrócić uwagę, jak inne metody łączenia obrazów nazywane są również fotomontażem, jak na przykład druk wiktoriański, druk z więcej niż jednego negatywu na jednym arkuszu papieru drukarskiego, projekcja przednia i techniki edycji komputerowej. Teraz, po tej krótkiej „lekcji”, doszliśmy do pamiętnego momentu, kiedy, teraz pełen pojęć, pozostawiam was do kontemplacji, a także zrozumienia, mojej 10 najlepszych technik, o których mowa…
CONTAINMENT (2020) Kolaże autorstwa Emily Coubard (Mil.)
Annegret Soltau (Autoportret).
10. Annegret Soltau (Autoportret)
Moja pierwsza dziesiątka zaczyna się od Annegret Soltau, niemieckiej artystki wizualnej, której twórczość, skupiona wyłącznie na sztuce fotomontażu, której tematem są głównie ludzkie ciała i twarze szyte lub łączone czarną nicią, była przełomem w sztuce lat 70. lata 80. Autoportret Soltau, który wybrałem do zilustrowania tego wyboru, jest podsumowaniem wielu kluczowych koncepcji, które powtarzały się w twórczości artysty, takich jak na przykład połączenie idei linii wyrażonej przez nici z ideą postać ludzka, w tym przypadku personifikowana przez samą Annegret. Ponadto takie zestawienie prowadzi do powstania prac, w których temat związany wspomnianymi czarnymi jedwabnymi nićmi generuje swoisty „autoportret”, w tym przypadku mogący łączyć dwa dość odmienne okresy życia artysty, przejawiała się jednocześnie w jej młodości i dojrzałości. W ten sposób Annegret pisze również swoją bardzo osobistą historię jako kobiety, której celem jest nawiązanie fragmentami jej postaci do konfliktów, które ożywiają marginalną pozycję „pięknej płci” w kontekście społecznym, a także do presji płciowej i dyskryminacji. W końcu, porównując dwie wersje siebie, jest w stanie dodatkowo podkreślić fizyczne i psychiczne zmiany, z którymi jednostka naturalnie musi się zmierzyć w ciągu swojego życia.
Hannah Höch, Cięcie nożem kuchennym Dada przez ostatnią weimarską epokę kultury piwnej w Niemczech, 1919–1920. Kolaż. Berlin: Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin.
9. Hannah Höch, Cięcie nożem kuchennym Dada przez ostatnią weimarską epokę kultury piwnej w Niemczech (1919–1920)
Na pozycji dziewiątej znajdujemy kolejną kobietę, a mianowicie Hannah Höch, niemiecką artystkę dadaistyczną urodzoną w 1978 roku, znaną z pionierskich politycznych kolaży i fotomontaży, konstruowanych z wykorzystaniem i łączenia obrazów i tekstów z mediów masowych, mających na celu objaśnienie krytyka kulturowa skierowana zarówno na niepowodzenia Republiki Weimarskiej, jak i społecznie konstruowane role kobiet. Warto zauważyć, że jej prace emanują nie tylko osobistymi poglądami artystki, ale wyrażają ideologię podzielaną przez znaczną część ówczesnego narodu niemieckiego, często ożywianą owym buntowniczym i krytycznym duchem, który charakteryzował okres między dwoma wojny, postrzegane przez wielu jako początek nowej ery, w której awangarda wzięła na siebie rolę wyjaśniania niezadowolenia. Jeśli chodzi o arcydzieło wybrane do zilustrowania mojego rankingu, a mianowicie Cięcie nożem kuchennym Dada przez ostatnią weimarską epokę kultury piwnej w Niemczech, w pełni oddaje ono opisane powyżej cechy stylistyczne i ideały artysty, w tym, że najsłynniejsze dzieło Höcha realizuje intencja, poprzez jej techniki syntezy, mające na celu łączenie wycinków z gazet, rzucić wyzwanie rasistowskim i seksistowskim kodom rządzącym weimarskimi Niemcami, eksperymen Nowoczesne życie.
John Stezaker (Portret z okładki monografii Whitechapel Gallery)
8. John Stezaker (Okładka monografii Portret galerii Whitechapel)
Osiągnąwszy pozycję numer osiem, korzystam z okazji, aby wyjaśnić, w jaki sposób podczas pisania tej pierwszej dziesiątki często desperacko szukałem tytułów omawianych prac, do tego stopnia, że często nie mogąc ich zlokalizować , w nawiasach podałem tylko rodzaj przedstawionego tematu, demonstrując mimowolnie to, czego przewidziałem we wstępie, a mianowicie mniejszą popularność techniki kolażu i wynikający z tego ograniczony dostęp do informacji z nią związanych. Wyjaśniwszy to, pokrótce przybliżę postać Johna Stezakera, brytyjskiego artysty konceptualnego urodzonego w 1949 roku, znanego ze swoich surrealistycznych kreacji tonowych, często wykonywanych techniką kolażu, mających za temat zdjęcia zaczerpnięte z pocztówek, fotosów filmowych i reklam fotografie. Głównie ten sposób pracy miał na celu pobudzenie kompozycji zdolnych zilustrować efektowne portrety z lat 50. , w kolażu wybranym na okładkę monografii Whitechapel Gallery (2011), gdzie kobieca postać jest rozbita na wysokości oczu przez skalisty skrót perspektywiczny.
7. Agar Eileen, kamienie szlachetne (1936)
Precious Stones, praca brytyjskiej fotografki i malarki Eileen Agar, przedstawia sylwetkę męskiej twarzy z profilu, która wydaje się być naklejona na białą kartkę papieru, gdzie z kolei jest otoczona obecnością trzeciego medium, jakim jest daje początek czerwonej ramce, która konturuje obraz. Wracając do głównego tematu, omawiana postać została wycięta z księgi ilustrującej kilka kamieni szlachetnych, których precyzyjny układ siatki kontrastuje z częściowo arbitralnym zarysem kukły, zwierciadłem surrealistycznych tendencji rzemieślnika, często wyrażającego się poprzez technikę kolażu. Poza tym, pomijając na chwilę powyższe opisy, praca ta jest aktualna także dlatego, że jest jedną z najwcześniejszych prac Agara, której celem było włączenie wizerunku głowy i popiersia z profilu, temat, który później stał się dla artysty nieco powracający . W każdym razie, w konkretnym przypadku tej pracy, należy zauważyć, że męska twarz była częściowo wzorowana na podobiznie męża Eileen, a mianowicie Josepha Barda, który nieprzypadkowo był rzeczywiście zapalonym kolekcjonerem kamienie szlachetne. Wreszcie, innym źródłem inspiracji dla realizacji Kamieni Szlachetnych były z pewnością starożytne monety, których portrety profilowe są teraz przedstawiane w znacznie bardziej zabawny, naiwny i pomysłowy sposób.
Mimmo Rotella, Euromsa, 1963. Dekolaż.
6. Mimmo Rotella, Pepsi (1979)
Fragment reklamy Pepsi z końca lat 70., naklejony na podkładkę, a może „wyrwany” z niej, przenosi nas w samo sedno ówczesnego Nouveau Réalism, współczesnego nurtu amerykańskiego pop-artu, często pojmowanego jako jego transpozycja do Francji, której głównym włoskim przedstawicielem był sam Mimmo Rotella. Twórczość tego ostatniego koncentruje się właśnie na eksploracji techniki decollage, której, bliskiej wspomnianemu podejściu artystycznemu, towarzyszył asamblaż i ready-made, wykonane z przedmiotów zakupionych od handlarzy śmieciami, takich jak kapsle od butelek, liny itp. Wszystkie nawiązuje do codziennych, codziennych przedmiotów współczesnego pop-artu, choć od początku lat 70. artysta, podobnie jak w przypadku Pepsi, zaczął wypracowywać dodatkowy punkt widzenia, zaczynając interweniować w reklamy magazynów z wykorzystaniem rozpuszczalników w celu sprowadzenia ich do etapu frotażu lub usunięcia.
Richard Hamilton, Co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak pociągające? , 1956. Kolaż, 26 cm × 24,8 cm. Kunsthalle Tübingen, Tybinga.
5. Richard Hamilton, Co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne i atrakcyjne? (1956)
Pod numerem piątym umieściłem ikonę techniki kolażu. Co właściwie sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak pociągające? jest uważany przez wielu krytyków i historyków sztuki za pierwsze dzieło popowe w historii! To arcydzieło powstało z połączenia wycinków fotografii i wizerunków zaczerpniętych z amerykańskiej prasy, które ożywiają przedziwne wnętrze domu, w którym rozmieszczonych jest wiele przedmiotów i postaci, wśród których z pewnością rysy półnagiego kulturysty wyróżniać się, logo Forda umieszczone na abażurze, postać pin-upa leżącego na sofie, wizerunek gospodyni domowej w oddali, komiks Young Romanca ułożony na ścianie itp. Jeśli to, co opisujemy, wyobrażamy sobie w kolorze, ważne jest, aby wiedzieć, że praca ta pochodzi z katalogu londyńskiej wystawy This is Tomorrow, wydarzenia, dla którego została faktycznie opublikowana w czerni i bieli, do tego stopnia, że później Hamilton stworzył także kilka wersji ten sam temat, w którym przerobił kompozycję.
Beeple, Codzienność: pierwsze 5000 dni , 2021. Sztuka cyfrowa.
4. Beeple, Codzienność: pierwsze 5000 dni (2021)
Pozycja numer cztery opowiada o fotomontażu w jego wariancie realizowanym za pomocą technologii komputerowej, narzędziu, za pomocą którego powstało Everydays: the First 5000 Days, cyfrowy kolaż, mający na celu zestawienie 5000 obrazów przedstawiających powtarzające się motywy i schematy kolorów, zdolny do tworząc estetyczną całość, która uporządkowana w porządku chronologicznym ujawnia obecność abstrakcyjnych, fantastycznych, groteskowych i absurdalnych obrazów, sprytnie umieszczonych obok aktualnych wydarzeń, a także momentów z życia osobistego. To, co właśnie zostało opisane, jest interpretacją najgłębszego lęku przed technologią, pożądania i niechęci do bogactwa, a także zawirowań politycznych w Ameryce, które artysta uznał za główne plagi społeczeństwa. Wreszcie, koniecznie trzeba wiedzieć, że ten kolaż został umieszczony w pobliżu podium, ponieważ odniósł kultowy sukces, ponieważ jego NFT sprzedano za 69,3 miliona dolarów w Christie's w 2021 roku, stając się najdroższym niezamiennym żetonem w historii. O twórcy, Michael Joseph Winkelmann (ur. 1981), znany jako Beeple, jest amerykańskim artystą cyfrowym, grafikiem i animatorem, którego sztuka wykorzystuje różne media do tworzenia dzieł komiksowych i fantasmagorycznych mających na celu wyjaśnienie komentarzy politycznych i społecznych, często z wykorzystaniem popkultury znaki jako odnośniki.
Man Ray, Dora Maar , 1936.
3. Man Ray, Dora Maar (1936)
Nie sposób zapomnieć o surrealistycznym Man Rayu, zwłaszcza jeśli bohaterką jego kolażu z 1936 roku jest właśnie Dora Maar, urodzona w Chorwacji francuska fotografka, poetka i malarka, znana z wieloletniego związku z Pablo Picasso, często uwieczniana przez amerykańska fotografka, która bawiła się kobiecością, formą i wielokrotnością ekspozycji. To właśnie dzięki temu drugiemu podejściu do tematu udało się uchwycić wizerunek wspomnianego odnoszącego sukcesy fotografa, który początkowo kształcił się jako malarz w pracowni André Lothe, a następnie na początku lat 30. Man Ray, miłośniczka obiektywu, znana z niezwykłych i fascynujących technik, które pozwoliły jej eksplorować alternatywne drogi artystyczne, takie jak fotografia filmowa, miejska i modowa. Z drugiej strony Pablo Picasso z pewnością był pod wrażeniem Maar jako modelki, do tego stopnia, że jeszcze zanim spotkał ją osobiście, nalegał na zachowanie jej portretu zrobionego przez Raya, a później nawet sam chciał ją uwiecznić, tak bardzo, że stała się tematem niektórych z jego najbardziej znanych arcydzieł, w tym na przykład: Portret Dory Maar (1937) i Płacząca kobieta (1937). Niestety, ta ostatnia praca odsłania przed nami całą kruchość kobiety, ukazaną jako postać udręczona, zdolna do przemiany w personifikację żalu. Mimo to hiszpański artysta przyznał, że to właśnie melancholia Dory dostarczyła mu godnej inspiracji, zdolnej powołać do życia silne emocjonalnie postacie kobiece, czasem nawet ukazane we łzach.
Georges Braque, Skrzypce i fajka , 1913. Kreda, węgiel drzewny, kolaż, papier, 74 x 106. Paryż: Centre Pompidou.
2. Skrzypce i fajka (1939)
Na początku XX wieku artyści tacy jak Braque i Picasso zaczęli wykorzystywać metodę zwaną kolażem do tworzenia nowatorskich dzieł sztuki. Między innymi dlatego jeden z dwóch zachodnich ojców tej techniki artystycznej, Braque, na drugim najwyższym stopniu podium ze Skrzypcami i fajką z 1913 roku, dziełem należącym do serii papiers collés, w których francuski artysta wysunął na pierwszy plan dwukierunkowe odczytanie stołu i samego obrazu. To figuratywne podejście jest wynikiem artystycznych poszukiwań prowadzonych przez kubizm syntetyczny w temacie martwej natury, która w tym konkretnym przypadku składa się z gazet, wycinanych i sklejanych drukowanych tapet, węgla drzewnego, grafitu i pasteli na papierze naklejonym na karton, na którym ożywają skrzypce i piszczałka, zinterpretowane w niemalże abstrakcyjnej tonacji. Pomijając arcydzieło, warto zauważyć, jak Braque wykorzystał technikę kolażu, aby rozwinąć świadomość interakcji formy i koloru na poziomie malarskim, dając przykład innym mistrzom, takim jak Jim Dine i Wayne Thiebaud.
Pablo Picasso, Gitara i kieliszek do wina , 1912. Kolaż, 47,9 × 37,5 cm. Nowy Jork: MET.
1. Pablo Picasso, Martwa natura z wypchanym krzesłem (1912)
Pierwsze miejsce zajmuje najstarszy w historii sztuki Zachodu kolaż: Martwa natura z wypchanym krzesłem, arcydzieło z 1912 roku, mające na celu uwiecznienie powierzchni owalnego stołu, pokrytego płócienną wycinanką, na której znajdują się różne przedmioty , wykonane również za pomocą interwencji malarskiej, a także z użyciem woskowanego płótna, papieru i liny na płótnie. Abstrahując od techniki, praca taka jest ważna również dlatego, że to ona wyznaczyła zaawansowanie procesu afirmacji kubizmu syntetycznego, w którym, po analitycznym, artysta dołożył wszelkich starań, by powołać do życia syntezę płaszczyzn, przedstawiając je na jednym poziomie płótna, redukując ruchy do jednej reprezentowanej chwili. Wracając na koniec do opisu pracy, we wspomnianym kolażu lina jawi się widzowi jako gzyms, a fragment trzciny reproponuje obraz wypchanego krzesła, obok którego artysta umieszcza inne ledwie zasugerowane, czasami fragmentaryczne przedmioty, jakby chciał je przywołać lub dać iluzoryczną reprezentację, zamiast opisywać je, trzymając się przestarzałych już rzeczywistych danych.
Olimpia Gaia Martinelli
