Simone De Rosa, Dziewczyna ze szpilką, Supreme , 2021. Rzeźba, akryl / spray / drewno / plastik na drewnie, 60 x 3 cm / 3,00 kg.
Banksy, undergroundowy artysta wywodzący się z Bristolu w Wielkiej Brytanii, rozpowszechnia swoje upolitycznione, wywrotowe i odważne graffiti od lat 90. także przez gotowość samego „artysty kontrowersji” do ukrycia swojej tożsamości, działanie, które wydaje nam się zgodne z najbardziej naturalną postawą superbohaterów: przebieranie się, aby móc bez ograniczeń przeciwstawiać się złu naszego społeczeństwa, zupełnie jak rodzaj Zorro wyposażonego w puszkę ze sprayem. W rzeczywistości zwykle „rewolucjonista” z Bristolu robił wszystko, co w jego mocy, aby szerzyć przesłanie pokoju, miłości i nadziei, sprzeciwiając się okropnościom wojen, antyliberalnym instytucjom, niesprawiedliwości, kapitalizmowi itp. W tym miejscu pojawia się pytanie: z pewnością przesłanie artysty realizuje te dobre intencje, ale czy naprawdę mamy pewność, że kapitalizm jest zwalczany poprzez przekształcanie sztuki ulicznej w produkt mainstreamowy? Prawdopodobnie nie taki był pierwotny zamiar naszego mistrza wyposażonego w spray, chociaż w każdym razie uwaga mediów skupia się teraz na nim, zbuntowanym synu bardziej tradycyjnego konsumpcjonizmu, którego artystyczne poszukiwania stały się popularnym tematem komercyjnych przeróbek mydła operowe zwroty akcji i owocne artykuły prasowe. W tym kontekście można porównać popularność Banksy'ego z „prywatnością”, wynikającą również z okresów historycznych przed nadejściem konsumpcjonizmu, niektórych z największych mistrzów naszych czasów, ale jak? Poprzez porównanie graficzne oparte głównie na badaniu powiązanych tematów. Takie porównanie, które jest zgodne z porządkiem chronologicznym, rozpoczyna się od rozważenia osobliwości Małej tancerki czternastolatki (ok. 1878-81) Edgara Degasa, rzeźby, która istnieje w dwudziestu sześciu przykładach, wśród których oryginalna wersja, bezpośrednio wykonane przez francuskiego mistrza, można uznać za wykonaną w wosku, przechowywaną obecnie w National Gallery of Art w Waszyngtonie, gdyż znane wersje w Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku itp., okazują się brązowymi „przeróbkami” wspomnianego wyżej. Omawiane arcydzieło przedstawia tancerkę stojącą z rękami za plecami, z prawą nogą umieszczoną przed lewą nogą, z młodą twarzą skierowaną do góry. Podobnie jak szeroko dyskutowane prace Banksy'ego, Mała Balerina wywołała wówczas spore poruszenie, powodując niemałe zamieszanie, ponieważ oprócz drastycznego odejścia od wyidealizowanych aktów tradycyjnej klasycznej francuskiej rzeźby, została wykonana z niekonwencjonalnych materiałów, w wyniku czego niezgrabna poza, podkreślona niekonwencjonalnymi prawdziwymi dodatkami. Dochodząc do tego momentu w opisie rzeźby, można zadać sobie pytanie: co ma z tym wszystkim wspólnego artysta z Bristolu? Banksy, dokładnie w 2007 roku, stworzył Balerinę z częściami Action Mana , rzeźbę, która ze względu na tematykę wydaje się być aktualizacją wspomnianej francuskiej wersji, w której młoda dziewczyna przedstawiona przez najsłynniejszego żyjącego artystę ulicznego wydaje się mieć na sobie maskę gazową w celu potępienia najbardziej aktualnych katastrof ekologicznych spowodowanych przez człowieka.
B-Lec, The Banksy miotacz kwiatów , 2021. Akryl na tkaninie, 80 x 80 cm.
Z drugiej strony, odnosząc się do tematu miłości, jednego z najpopularniejszych w historii sztuki, wydaje się konieczne przypomnienie mało znanego dzieła Edvarda Muncha Oczy w oczach (ok. 1899-1900) , kompozycja, która, zredukowana do możliwie najmniejszej liczby przedstawionych podmiotów, skupia się na dwóch postaciach kochanków umieszczonych na pierwszym planie, którzy niemal idealnie symetrycznie pozostawiają po sobie opuszczony krajobraz, zdominowany przez postać mocnego drzewa i mały dom w oddali. W takim kontekście kochankowie prawdopodobnie już nawet nie pamiętają, gdzie się znajdują, do tego stopnia, że są pochłonięci intensywnym patrzeniem sobie w oczy, chociaż z uwagi na brak ust ich „wizualna wymiana” okazuje się koniecznie milczeć. Gdybyśmy umieścili tę scenę w czasach współczesnych, wzrok dwojga ukochanych z pewnością byłby rozproszony przez liczne bodźce zmysłowe, które otrzymujemy każdego dnia, jak gdyby podczas pewnego rodzaju bombardowania, które między komputerami a telewizją przejęło teraz popularna forma smartfona. Ten „cyfrowy” portret współczesnego społeczeństwa, a także jego relacji międzyludzkich, przybrał formę Graffito Banksy's Mobile Lovers, które pojawiło się w 2014 roku na drzwiach umieszczonych w kamiennej ścianie przy Clement Street (Bristol), które po usunięciu z pierwotnego wsparcia do umieszczenia w bardziej odpowiednim muzeum miejskim, został sprzedany, w porozumieniu z samym artystą i za niezwykłą sumę pięciuset tysięcy euro, w celu sfinansowania Broad Plain Boy Club, klubu dla chłopców w Bristolu , która przeżywała poważne trudności gospodarcze. Dlatego przy tej okazji zestawienie dawnych mistrzów i obecnych artystów było funkcjonalne, aby pokazać, że Banksy, oprócz tego, że jest weteranem street artu, jest także niekwestionowanym mistrzem solidarności. Wreszcie, porównanie popularnego artysty z kultowym rzeźbiarzem Augustem Rodinem, autorem nieuniknionego arcydzieła historii sztuki, Myśliciela , jest koniecznością. Ta ostatnia rzeźba z brązu, odlana w 1902 r. z modelu gipsowego ok. 1880 r., przedstawia mężczyznę siedzącego na cokole, z tułowiem pochylonym do przodu, z twarzą opartą na lewej ręce, uniesionej w górę przez ramię oparte na łokciu, na jego udzie. Ta zamyślona postawa, która przybiera kształt w silnej budowie fizycznej, będącej wynikiem „niedokończonego” stylu wywodzącego się od Michała Anioła, miała w rzeczywistości reprezentować Dantego Alighieri, ponieważ została zaprojektowana jako integralna część Bram Piekieł, brązu portal, który francuski mistrz miał wykonać dla Muséè des arts Decoratifs. Podobne kontrowersje, co do umiejscowienia, dotyczyły także rzeźby Banksy'ego The Drinker , która właśnie zainspirowana The Thinker , tematem powracającym w ironicznym tonie, została pierwotnie umieszczona przez artystę w marcu 2004 roku na małym placu przy Shaftsbury Avenue w Londynie. Później dzieło zostało skradzione przez „artystycznego terrorystę” Andy'ego Linka, który, lepiej znany jako AK47, postanowił umieścić je w swoim ogrodzie. Mniej więcej rok później ten ostatni skontaktował się z Banksy'm, aby otrzymać ogromny okup, ale główny artysta odpowiedział, nieco kpiąco, oferując tylko dwa funty, aby zdobyć kanister benzyny i podpalić samo dzieło. W rezultacie Link wolał zatrzymać rzeźbę, chociaż dwa lata później została w tajemniczy sposób skradziona, certyfikowana i odkupiona. Jednak jesienią 2019 roku praca pojawiła się w katalogu aukcyjnym Sotheby's, co wywołało roszczenia AK47 do tego stopnia, że dom aukcyjny wycofał rzeźbę z partii. Abstrahując od kontrowersji, popularność Banksy'ego otwiera nie tylko pole do porównań ze sztuką przeszłości, ale także teraźniejszości, gdyż artysta z Bristolu w dużym stopniu wpłynął na twórczość współczesnych mu artystów, m.in. Artmajeur , dobrze zilustrowane przez figuratywne badanie Christophe'a Stephana Duranda, Starmonkeyza i Fabrice'a Huberta.
Joan Llaverias, Mickey Banksy Pop loco , 2022. Akryl na płótnie, 100 x 100 cm.
Christophe Stephan Durand, Banksy, aresztowany za uśmiechanie się bez zezwolenia , 2022. Olej na płótnie, 35 x 27 cm.
Christophe Stephan Durand: Banksy aresztowany za uśmiechanie się bez zezwolenia
Obraz olejny Duranda, poprzez swój aluzyjny tytuł, ujawnia wielką prawdę: sztuka uliczna, mimo że często jest identyfikowana jako przestępstwo niszczenia i niszczenia własności innych ludzi, w rzeczywistości jest w stanie szerzyć, łatwiej niż elitarne instytucje muzealne i galerie, miłość i kulturę sztuki, wyrywając z powracającą ironią najszczersze i nieoczekiwane uśmiechy. Oprócz tej „rewelacji” bohater dzieła artystki Artmajeur, którego rysy są sprytnie ukryte za uroczą buźką, niemal na pewno ma nawiązywać do sekretnej tożsamości najsłynniejszego artysty ulicznego naszych czasów: Banksy'ego. „Identyfikator” tego ostatniego to temat kultowy w sztuce współczesnej, który od wielu lat zastanawia się nad tym pytaniem, zaczynając od kilku podstawowych informacji: artysta znany ze swojej antyautorytarnej sztuki, często wykonywanej w miejscach publicznych a następnie, jak twierdził na swojej stronie na Instagramie, miał urodzić się mniej więcej w 1974 roku w Bristolu w Anglii. Takie pobieżne ogólniki zostały z biegiem czasu spotęgowane przez wiele teorii, według których za wspomnianym pseudonimem scenicznym kryją się głównie trzy możliwe postacie męskie: Robin Gunningham, Robert Del Naja i Jamie Hewlett. Jeśli pierwszy z nich to artysta urodzony w 1973 roku, pochodzący z Yate, pozostali dwaj są znacznie bardziej znanymi postaciami w świecie rozrywki, jak Del Naja jest wokalistą Massive Attack, podczas gdy Hewlett jest założycielem Gorillaz, obaj zagorzali graffiti entuzjaści. Pomimo tych wszystkich zwrotów, sprawa pozostaje nierozwiązana: tożsamość Banksy'ego jest nieznana!
Starmonkeyz, Banksy , 2018. Fotografia na papierze, 48 x 33 cm.
Starmonkeyz: Banksy
Fotografie Starmonkeyz są reinterpretacją, poprzez całkowicie kobiecy wariant, ikonicznego miotacza kwiatów Banksy'ego (2003), czyli jednego z najbardziej znanych szablonów brytyjskiego artysty, który znajduje się w Jerozolimie i przedstawia Palestyńczyka w akcie rzucania bukietu kwiatów , mając na sobie zwykłe ubranie, takie jak para dżinsów i sweter, którym towarzyszy czapka noszona do tyłu i chustka, mająca na celu zakrycie dolnej połowy twarzy. Takiego bohatera w „swobodnej” wersji, prawdopodobnie wściekłej, brytyjski pisarz uwiecznia jakby chciał naśladować najbardziej typowe obrazy zamieszek ulicznych, choć w rzeczywistości fundament jego postawy ujawnia wyraźnie lokalizacja samej pracy. W rzeczywistości „ Miotacz kwiatów ” został nakręcony na murze, który dzieli Izraelczyków i Palestyńczyków, stając się wyraźną aluzją do starożytnych wrogości, które dojrzewały między dwoma narodami, starając się zarówno zwrócić uwagę na konflikt, jak i zasugerować bardziej pokojowe sposoby konfrontacji , takie jak bardziej oswojone rzucanie kolorowych kwiatów, które w miejsce bardziej popularnego użycia broni palnej lub bomb dymnych zdaje się przywodzić na myśl mądre i starożytne hasło: włóż kwiaty do armat!
Fabrice Hubert, Girl Coca cola , 2022. Akryl, spray, ołówek, szablon na płótnie, 90 x 60 cm.
Fabrice Hubert: Dziewczyna Coca Cola
Już sam tytuł obrazu Huberta podsumowuje jego kluczowe tematy: mała dziewczynka, skupiona na trzymaniu balonika, ukazana jest na abstrakcyjnym tle, na którym wyraźnie widać jedynie słowa Coca-cola. Ten zwięzły opis jest również skuteczny w określeniu nurtów artystycznych, które naznaczyły twórczość artystki z Artmajeur, gdyż jeśli dziewczynka stanowi wyraźne nawiązanie do sztuki ulicznej Banksy'ego, po której odziedziczyła „ten sam” temat, napis nawiązujący do amerykańskiej marki powrót do pop-artu mistrza Andy'ego Warhola. Mówiąc o graffiti brytyjskiego pisarza, z którego czerpał inspirację Hubert, Girl with Balloon , seria szablonów zapoczątkowana w 2022 roku przez Banksy'ego wzdłuż schodów Waterloo Bridge, przedstawia małą dziewczynkę, która stojąc za wiatrem wieje za nią, jest skupiona na unosząc prawą rękę, puszczając czerwony balonik w kształcie serca. Pozycja dziewczynki skontrastowana jest wertykalnie z horyzontalnością ulicy, a jej uniesiona, ukośna ręka splata się z nitką balonu, stanowiąc drobne detale, mające na celu uformowanie kompozycji, która wznosząc się w górę ma w sobie posmak wolności. W przeciwieństwie do tej wizji malowana przez artystę Artmajeur dziewczynka, oprócz tego, że jest odwrócona do nas plecami, energicznie trzyma balon w dłoni, jakby chcąc wykluczyć widza ze swoich zabaw, „w akcie skrajnie dziecięcej zazdrości. "
Olimpia Gaia Martinelli
