Jak kolekcjonowanie dzieł sztuki ewoluowało do dziś?
W ciągu ostatnich dwóch stuleci kolekcjonowanie dzieł sztuki osiągnęło niewyobrażalne wyżyny, ewoluując z praktyki zarezerwowanej dla nielicznych w powszechną pasję o znaczącym wpływie ekonomicznym. W przeszłości kolekcjonerzy gromadzili dzieła sztuki, kierując się przede wszystkim miłością do sztuki lub chcąc pokazać swój status społeczny, ale dziś motywacje rozszerzyły się o starannie zaplanowane strategie inwestycyjne. Kolekcjonowanie dzieł sztuki stało się coraz bardziej złożoną i ustrukturyzowaną praktyką, osadzoną w dynamicznym ekosystemie obejmującym galerie, targi sztuki, konsultantów, domy aukcyjne i platformy cyfrowe, których celem jest ułatwienie zakupu obrazów, rzeźb, fotografii i nie tylko.
Ponadto pojawienie się technologii cyfrowych jeszcze bardziej zwiększyło szybkość i bezpośredniość procesów kupna i sprzedaży, dzięki czemu dzieła sztuki stały się dostępne z każdego zakątka świata i promowano demokratyzację kolekcjonowania. Dzięki globalizacji sztuka nie jest już tylko ekskluzywnym i elitarnym doświadczeniem, ale zjawiskiem dostępnym dla kolekcjonerów ze wszystkich środowisk społecznych, zdolnym do generowania miliardów każdego roku. Jaki jest wynik? Krajobraz sztuki przekształcił się w złożoną i powiązaną sieć, w której posiadanie arcydzieł nie jest jedynie aktem nabycia, ale aktywnym i świadomym uczestnictwem w globalnym ruchu, który odzwierciedla i kształtuje współczesną kulturę.
Ira (2024) Obraz Björna Wiedemanna
Ale jakich rad można udzielić współczesnym kolekcjonerom?
Wejście na rynek sztuki współczesnej to niewątpliwie podróż wymagająca poświęcenia, wiedzy i starannego planowania. Kupno dzieła sztuki może wydawać się prostym do zrozumienia aktem, ale zbudowanie kolekcji to złożone i satysfakcjonujące wyzwanie, które wykracza daleko poza zwykły instynkt. Udana kolekcja musi z pewnością przyjąć strategiczne podejście, aby być wyjątkową i reprezentatywną.
Szukasz praktycznych wskazówek?
Pierwszym krokiem w podejściu do kolekcjonowania dzieł sztuki jest wykształcenie umiejętności kolekcjonowania: nawet jeśli nie jesteś ekspertem, ważne jest, aby odwiedzać galerie, zwiedzać muzea i uczestniczyć w wystawach, aby rozwinąć wyćwiczone oko i udoskonalić swój gust.
W tym względzie studiowanie postaci historycznych i wielkich kolekcjonerów z przeszłości może być również źródłem inspiracji i wskazówek, ponieważ odniesienia te pomagają umieścić dzieło w kontekście jego epoki i rozpoznać jego znaczenie. Czy pamiętasz więc Wawrzyńca Medyceusza? Cóż, „Wspaniały” nie był tylko genialnym politykiem, ale prawdziwym renesansowym influencerem! Jego kolekcja dzieł sztuki była wybuchową mieszanką dzieł Botticellego, Michała Anioła i starożytnych rzeźb, które obecnie wypełniają muzea na całym świecie. We Florencji, między Palazzo Medici-Riccardi a Uffizi, nadal można poczuć jego ducha seryjnego kolekcjonera: gdyby miał dziś Instagrama, publikowałby selfie z arcydziełami z hashtagami takimi jak #ArtLover.
Nie dając się ponieść wspaniałości inspirowanej naśladowaniem historycznych ikon, pamiętaj, że zawsze warto postępować ostrożnie: nie daj się zwieść dziełom, które naśladują style, nie dodając niczego oryginalnego! Co zatem wyróżnia autentyczną sztukę? Błyszczy swoją zdolnością do innowacji i kreatywnej interpretacji istniejących języków. Dlatego, aby dokonać właściwych wyborów, musisz zbierać przez czas, w sposób przemyślany, unikając zakupów napędzanych ulotnymi trendami lub wpływami zewnętrznymi i poświęcając czas na poznanie artystów i stylów, unikając impulsywnych zakupów, które mogą prowadzić do żalu. W tym sensie kluczowe jest również zrozumienie dynamiki rynku i jego osobliwości, śledząc pojawiające się trendy, a także evergreenowe ruchy i techniki.
Na koniec, wracając na chwilę do mojego drogiego Lorenzo, pamiętaj, że kolekcja jest z definicji odbiciem czyjejś tożsamości i musi zachować wyjątkowość, która odróżnia ją od innych, stąd wszystko sprowadza się do bycia wiernym sobie! Ale teraz nasuwa się jedno pytanie: jakie dzieła sztuki „Wspaniały” na pewno zebrałby, gdyby był kolekcjonerem dzisiaj?
Życie, do którego mnie przygotowałeś.. (2024) Rysunek Terzieva
Niezbędne rzeczy dla współczesnego kolekcjonera
Tworząc kolekcję sztuki współczesnej, należy wziąć pod uwagę elementy, które nie tylko odzwierciedlają osobisty gust, ale także reprezentują złożoność dzisiejszego krajobrazu artystycznego. Wśród niezbędnych elementów kolekcji XXI wieku znajdują się prace przyjazne dla środowiska, sztuka abstrakcyjna, współczesne portrety i sztuka uliczna — elementy, które każdy historyk sztuki uznałby za niezbędne dla kompleksowej, wyczerpującej i aktualnej kolekcji. Dla każdego z tych trendów zbadamy, dlaczego ich obecność jest fundamentalna w nowoczesnej kolekcji, prezentując przykłady wybrane z obszernego katalogu Artmajeur, opisane z perspektywy historyczno-artystycznej.
1. Prace przyjazne dla środowiska: Temat zrównoważonego rozwoju jest na czele globalnego dyskursu artystycznego i kulturalnego. W erze, w której kwestie środowiskowe mają pierwszorzędne znaczenie, prace przyjazne dla środowiska nie są tylko trendem, ale świadomym wyborem o symbolicznej, artystycznej i moralnej wartości. Artyści i targi sztuki coraz częściej promują prace wykonane z materiałów pochodzących z recyklingu, przy użyciu zrównoważonych technik i przy zmniejszonym śladzie ekologicznym. Posiadanie prac przyjaznych dla środowiska w kolekcji oznacza nie tylko posiadanie dzieła sztuki, ale także przyczynianie się do uniwersalnego przesłania odpowiedzialności i szacunku dla naszej planety.
Shore-break (2018) Rzeźba Jerome'a Poumesa
Wybrane dzieło: „Shore-break” Jerome’a Poumesa to wyjątkowa rzeźba, która doskonale ucieleśnia sztukę przyjazną dla środowiska, temat coraz bardziej centralny dla współczesnego kolekcjonowania. Wykonana w całości ze złomu odlewniczego z litej stali, kształtowana i kuta ręcznie przy użyciu tradycyjnych technik kucia, ta praca jest alegorią siły i piękna wielkiej fali oceanicznej. Eko-odpowiedzialne zaangażowanie artysty znajduje odzwierciedlenie w wyłącznym użyciu materiałów pochodzących z recyklingu, szczegół, który podkreśla znaczenie zrównoważonej i przyjaznej dla środowiska sztuki.
Proces tworzenia, w tym kształtowanie, spawanie łukowe i nakładanie lakieru antykorozyjnego, nadaje „Shore-break” potężną i dynamiczną estetykę, przywołującą dźwięk młota na kowadle i grę światła na metalowych powierzchniach. Ta rzeźba nie tylko oferuje silną obecność wizualną, ale także reprezentuje akt kreatywnej transformacji i regeneracji, podkreślając temat ekologicznego zrównoważonego rozwoju. Włączenie takiego dzieła do swojej kolekcji oznacza posiadanie symbolu naszych czasów, łączącego sztukę, zaangażowanie ekologiczne i ciągłe dążenie do piękna poprzez odnawiane materiały.
2. Sztuka abstrakcyjna: Sztuka abstrakcyjna jest jedną z najbardziej urzekających form sztuki współczesnej ze względu na jej zdolność do przekraczania czasu. Bez określonego tematu, prace w tym nurcie opierają się na kolorach, kształtach i liniach, tworząc bezpośredni dialog z emocjami widza. Ta wyjątkowa jakość sprawia, że są ponadczasowe i zawsze aktualne, wiecznie opierające się zmianom trendów i estetycznych preferencji. Włączenie abstrakcyjnych dzieł do kolekcji przynosi zatem poczucie ciągłości i nowoczesności, utrzymując energię, która nadal zaskakuje i inspiruje przez lata. To tak, jakby nieustanne kapanie Pollocka nadal oznaczało upływ historycznych momentów, nie tracąc intensywności. Na koniec, powszechnie wiadomo, że sukces sztuki abstrakcyjnej leży również w jej zdolności do pobudzania wyobraźni i interpretowania rzeczywistości w osobisty i głęboki sposób, co czyni ją pozycją obowiązkową w każdej kolekcji.
Springdance (2024) Obraz Davida Hathaway'a
Wybrane dzieło: „Springdance” Davida Hathawaya to dzieło, które doskonale uosabia ekspresyjną moc współczesnej abstrakcji, gatunku niezbędnego dla tych, którzy chcą zbudować kompletną i znaczącą kolekcję XXI wieku. Stworzone akrylem na płótnie dzieło uchwyca energię ruchu i świeżość wiosny, ucieleśniając żywy dialog między kolorem a fakturą. Hathaway, którego doświadczenie obejmuje fotografię, retusz i grafikę cyfrową, nasyca swoje dzieła niezwykłą głębią wizualną i wyjątkową wrażliwością. Jego doświadczenie w połączeniu z mistrzowskim wykorzystaniem światła i formy sprawia, że „Springdance” jest urzekającym przykładem „abstrakcyjnego impresjonizmu”. Kompozycja, w której kolor pozornie kaskadowo spływa po płótnie, zaprasza widza w emocjonalną i sensoryczną podróż, która wykracza poza widoczne, wzruszające intymne i uniwersalne akordy.
W dziedzinie kolekcjonowania „Springdance” zamienia ulotne chwile w eksplozję energii i witalności, utrzymując stały dialog z tradycją abstrakcji i promując jej ciągłą ewolucję. Ta praca ucieleśnia dynamicznego, niepowstrzymanego ducha sztuki współczesnej, odnawiając jej język i potwierdzając jej ponadczasową trafność.
3. Portrety współczesne: Portrety są kamieniem węgielnym kolekcjonowania sztuki, gatunku, który zyskał na znaczeniu od XVIII wieku jako symbol prestiżu i osobistej reprezentacji. Dziś tradycja ta jest kontynuowana za pomocą nowych technik i perspektyw, które odzwierciedlają złożoność współczesnego świata. Każdy utwór w tym gatunku jest znany ze swojej zdolności do opowiadania unikalnej historii, odzwierciedlającej wieloaspektową naturę ludzkiej tożsamości i uchwycenia istoty współczesnego społeczeństwa. Siła portretu leży w jego zdolności do uchwycenia istoty i emocji jednostki, tworzenia intymnej i bezpośredniej więzi z widzem i opowiadania historii za pomocą ekspresji, postaw, spojrzeń i otaczających szczegółów, które wykraczają poza czas i okoliczności. Posiadanie portretu oznacza przekroczenie indywidualnych granic, dostęp do odbicia wspólnych doświadczeń, emocji i uniwersalnych momentów. Te prace stają się zwierciadłami kondycji ludzkiej, zdolnymi do wywoływania empatii i zrozumienia, przemawiania do nas wszystkich i celebrowania naszej wspólnej obecności na Ziemi.
Quattro - Il quadrato (2024) Malarstwo Paoli Geranio
Wybrane dzieło: „Quattro - Il quadrato” Paoli Geranio to znaczący przykład współczesnego portretu, który eksploruje ludzką tożsamość i emocje poprzez innowacyjny język wizualny. Bliskie ujęcie twarzy i odważne użycie koloru pokazują zdolność artystki do łączenia elementów figuralnych z abstrakcyjnymi akcentami, tworząc dzieło, które przyciąga uwagę i skłania do refleksji. Cechy przedstawionej młodej kobiety, autentyczne i aktualne, odzwierciedlają wizerunek współczesnej dziewczyny, dzięki czemu obraz staje się natychmiastowo wiarygodny i bliski codziennemu doświadczeniu widza. Użycie koloru, z energicznymi i warstwowymi pociągnięciami pędzla, nasyca dzieło witalnością i głębią, sprawiając, że każdy pociągnięcie pędzla staje się częścią narracji wizualnej, którą artystka chce przekazać. „Quattro - Il quadrato” staje się zatem niezbędnym dziełem dla tych, którzy poszukują kolekcji, która eksploruje i dokumentuje współczesną kondycję człowieka, utrzymując związek z tradycją, a jednocześnie projektując w kierunku nowych i niespotykanych dotąd interpretacji.
4. Sztuka uliczna: Sztuka uliczna wyłoniła się jako najważniejsze artystyczne objawienie naszego stulecia, wyniesiona na światło dzienne przez ikonicznych i prowokacyjnych artystów, takich jak Banksy. Jej zdolność do poruszania tematów społecznych i politycznych za pomocą bezpośredniego i przystępnego języka przykuła uwagę krytyków i kolekcjonerów, ustanawiając ją jako fundamentalny element kolekcji sztuki współczesnej. Sztuka uliczna to coś więcej niż tylko miejska forma ekspresji, to zjawisko kulturowe, które kwestionuje tradycyjne normy i na nowo definiuje granice samej sztuki, przekształcając ulice w muzea na świeżym powietrzu i demokratyzując dostęp do ekspresji artystycznej. Media celebrują ją za jej prowokacyjną naturę i wpływ społeczny, uznając jej wpływ i zdolność do wywoływania znaczących debat. Posiadanie dzieła sztuki ulicznej oznacza trzymanie w rękach fragmentu współczesnej historii, symbolu oporu i innowacji, symbolu mocy sztuki, która może przemówić do każdego, wszędzie.
Ptak, który odważy się spaść, jest ptakiem, który uczy się latać (2022) Obraz Wilhema von Kalisza
Wybrane dzieło: „Ptak, który odważy się spaść, to ptak, który uczy się latać” autorstwa Wilhema von Kalisza to dzieło, które syntetyzuje dialog między przeszłością a teraźniejszością, łącząc techniki XXI wieku z przykładami ustalonymi przez starych mistrzów Europy Północnej. Ta kompozycja, która łączy malarstwo akrylowe, olejne i druk cyfrowy, eksploruje koncepcje wolności i wyzwania poprzez uderzający obraz ptaków, któremu towarzyszą enigmatyczne i symboliczne frazy w miejskim stylu. Rezultatem jest przeplatanie się szczegółowego realizmu fauny i nakładanie się elementów typowych dla sztuki ulicznej, takich jak graffiti i tagi, które dodają dodatkową warstwę narracji, która jest zdecydowanie bardziej współczesna i prowokacyjna.
Zdolność Von Kalisza do mistrzowskiego łączenia tradycyjnej estetyki z językiem sztuki ulicznej sprawia, że dzieło to jest niezbędne w nowoczesnej kolekcji, ponieważ odzwierciedla złożoność naszej ery: moment, w którym starożytność i współczesność łączą się, dając początek nowym formom ekspresji. Jeśli chodzi o znaczenie obrazu, służy on jako hołd dla idei, że odwaga, by rzucić wyzwanie swojej strefie komfortu i podjąć ryzyko, jest niezbędna do rozwoju i odkrycia swojej prawdziwej istoty. Cel jest jeden: zachęcić do refleksji nad kondycją człowieka i nieustannego poszukiwania egzystencjalnego sensu w coraz bardziej chaotycznym i „graffitowym” świecie.
Olimpia Gaia Martinelli
