W rozległym świecie technik artystycznych niektórzy zdają się przeciwstawiać sztywności tradycyjnych kategorii, zwinnie i płynnie pozycjonując się w połowie drogi pomiędzy różnymi dziedzinami twórczości. Biorąc na przykład obszar „pogranicza”, gdzie spotykają się malarstwo i rysunek, od razu przychodzą na myśl artystyczne formy markera, pasteli i długopisu.
W rzeczywistości cechą wyróżniającą, która łączy powyższe techniki, jest właśnie mieszanie elementów, zarówno rysunku, jak i malarstwa, każdy na swój własny sposób. Marker dzięki swojej płynności i możliwości tworzenia wyrazistych, żywych linii oferuje żywą gamę kolorystyczną i typowe dla malarstwa wrażenie ruchu. Z kolei kredki, dzięki swojej miękkiej fakturze i możliwości wtapiania się kolorów bezpośrednio w powierzchnię, pozwalają artyście eksplorować głębię i cieniowanie, zupełnie jak na obrazie. Wreszcie długopis, dzięki swojej precyzji i talentowi do tworzenia drobnych szczegółów, oferuje podobne wrażenia jak rysowanie, ale na szerszej gamie mediów i z możliwością eksperymentowania z różnymi teksturami i stylami „malarskimi”.
Dlatego warto już teraz zgłębić historię i ewolucję omawianych technik artystycznych, podkreślając te elementy, które wywodzą się zarówno z rysunku, jak i malarstwa, zawieszając jako modele niektóre prace z kolekcji Artmajeur.
Prace Artmajeur wykorzystujące marker, pastel i długopis
Markery i kreatywność
Marker to narzędzie do pisania i rysowania z porowatą końcówką, uwalniające atrament na różne powierzchnie, takie jak papier, plastik, szkło i metal. Zawiera własne źródło atramentu w korpusie pióra i jest dostępny w różnych kształtach i rozmiarach, oferując szeroką gamę kreatywnych możliwości.
Markery mają bogatą i ciekawą historię, sięgającą 1910 roku, kiedy Lee Newman opatentował pierwszy model z pisakiem. Na przestrzeni XX wieku marker przeszedł znaczącą ewolucję, a jego kluczowe kamienie milowe to patent Benjamina Paskacha z 1926 r. na „pędzel fontannowy” i wprowadzenie magicznego markera przez Sidneya Rosenthala w 1953 r. W 1962 r. Yukio Horie opracował nowoczesny marker z końcówką światłowodową Tokyo Stationery Company, zwiastując nową erę artystycznej ekspresji i pisania.
Markery to niezbędne narzędzia w arsenale każdego artysty, ponieważ oferują szeroką gamę rozmiarów, kształtów i kolorów, zaprojektowanych tak, aby umożliwić eksperymentowanie i swobodę twórczą. Różnorodność ta wynika w dużej mierze z końcówki instrumentu, która może być odpowiednia do precyzyjnych linii lub szeroka do szerszych wypełnień. Co więcej, wiele markerów zawiera specjalne tusze, na przykład wodne lub pigmentowe, które również mają zapewnić większe możliwości wyrazu.
Markery, nawiązując do bogatego języka, nadają się zarówno do rysowania, jak i szkicowania, idealnie nadają się do tworzenia precyzyjnych konturów, misternych szczegółów i szybkich w wykonaniu dzieł sztuki. Co więcej, jeśli chodzi o kolorowanie i wypełnianie, narzędzie to pozwala na kolorowanie dużych i małych powierzchni szeroką gamą dostępnych odcieni. Warto zauważyć, że markery nadają się również do technik mieszanych, gdzie są używane wraz z innymi językami artystycznymi do tworzenia złożonych, wielowarstwowych, unikalnych i innowacyjnych dzieł sztuki. Wreszcie, w świecie sztuki ulicznej markery są używane głównie do tworzenia graffiti i murali na ścianach i powierzchniach miejskich, przekształcając je w galerie sztuki na świeżym powietrzu.
Wracając na chwilę do relacji marker-malowanie: technicznie rzecz biorąc, odpowiedni nacisk i kąt markera modulują intensywność koloru, pozwalając na stopniowe cieniowanie podobne do tego, jakie osiąga się farbą akwarelową lub akrylową. Dodatkowo markery można nakładać na siebie lub mieszać bezpośrednio na powierzchni, aby tworzyć nowe odcienie i efekty mieszania, które dodają głębi i wymiaru dziełom sztuki. Niektórzy artyści używają nawet technik takich jak pointylizm lub mieszanie za pomocą markerów, stosując małe kropki lub cienkie linie w celu stworzenia tekstur i niuansów. Takie podejście może dać rezultaty podobne do tych uzyskanych w przypadku malarstwa olejnego lub akrylowego, gdzie powierzchnia jest stopniowo budowana poprzez serię drobnych akcentów lub odcieni.
Podsumowując, podając kilka godnych uwagi przykładów markerów, na przestrzeni lat wielu artystów używało tego narzędzia jako środka wyrazu do tworzenia kultowych dzieł sztuki, takich jak dzieła Keitha Haringa, Banksy’ego i Quentina Blake’a.
MADAME RĘVE (2022) Obraz Jeana-Humberta Savoldelliego
JE L'AI ADOPTÉ! (2022)Malarstwo Johanne Proulx
Odkrywanie potencjału markerów
Współczesne dzieła sztuki często stanowią wizualny dialog pomiędzy tradycyjnymi technikami a nowoczesną ekspresją artystyczną, a artyści wyruszają w eksplorację nowych mediów i form. Dwa uderzające przykłady fuzji malarstwa i użycia markerów można znaleźć w pracach „Madame rêve” Jeana-Humberta Savoldelliego i „Je l'ai adopté!” autorstwa Johanne Proulxa, oba z 2022 r.
„Madame rêve” łączy akryl i markery na płótnie i stanowi przykład przejścia malarza od hiperrealizmu i Trompe-l'oeil do swobodniejszej, bardziej abstrakcyjnej ekspresji. Trzon dzieła stanowią postacie ludzkie i scenariusze namalowane szpachelką, a otaczająca dekoracja, bogata w kolorowe motywy, wykonana została markerami Posca i farbą akrylową. Ten wizualny kontrast nie tylko podkreśla głębię kompozycji, ale także odzwierciedla pragnienie Savoldelliego, aby przywoływać fantazję i marzenia poprzez sztukę. Jego styl wyróżnia bogata kolorystyka i dynamika kształtów, często wzmocniona użyciem kół i kul, aby zasugerować pewną wizualną równowagę.
„Je l'ai adopté!” z drugiej strony przedstawia bardziej intymną narrację wizualną, wysoce introspekcyjną i spontaniczną. Proulx, kanadyjska malarka, bada raczej emocjonalny i fizyczny związek ze swoimi materiałami, od papieru czerpanego po malowane powierzchnie. Dzieło łączące malarstwo i marker charakteryzuje się szeroką gestykulacją i wyrazistymi fakturami, które w naturalny sposób manifestują się na podłożu. Wreszcie połączenie żywych kolorów i bezpośredniej manipulacji materiałami ma odzwierciedlać osobiste podejście artystki, mające na celu przekształcenie jej sztuki w tekst biograficzny.
Obie prace stają się zatem manifestem tego, jak markery, powszechnie kojarzone ze szkicami czy wstępnymi rysunkami, mogą również urosnąć do rangi pełnoprawnego medium malarskiego, zwłaszcza w połączeniu z bardziej tradycyjnymi technikami. Rzeczywiście, obaj artyści wykorzystali swoją wszechstronność, aby dodać skomplikowane detale lub stworzyć kontrasty w fakturze, poszerzając w ten sposób zakres ekspresji współczesnego malarstwa.
Wyrażenia w pastelach
Pastel to narzędzie artystyczne służące do rysowania i malowania, charakteryzujące się jednolitym kolorem, wykonanym głównie z pigmentów, kredy lub ich kombinacji, połączonych spoiwem. Zwykle ma kształt patyczków, ale można go również znaleźć w formie ołówka. Znany jest ze swojej wszechstronności i umiejętności tworzenia żywych kolorów i delikatnych odcieni.
Stosowanie pasteli sięga wielu wieków wstecz, a dowody historyczne sięgają starożytnego Egiptu i Cesarstwa Rzymskiego. Jednak pastel, jaki znamy dzisiaj, ma swoje korzenie w XV wieku, kiedy europejscy artyści zaczęli używać pigmentów zmieszanych z kredą, aby uzyskać gęste i żywe kolory. Na przestrzeni wieków pastel ewoluował, stając się ulubionym medium wielu mistrzów ze względu na łatwość użycia i możliwość tworzenia efektownych wizualnie dzieł sztuki.
Pastel oferuje mnóstwo możliwości technicznych, idealnie sprawdza się przy konturowaniu, detalowaniu, skomplikowanych kompozycjach i szybkich szkicach. Dzięki miękkiej fakturze artyści mogą z łatwością uzyskać precyzyjne, delikatne, proste i wyraziste linie, tworząc rysunki bogate w ekspresję i osobowość. Co więcej, dzięki szerokiej gamie dostępnych kolorów, pastele pozwalają artystom wypełniać duże i małe obszary wieloma żywymi i nasyconymi odcieniami. Można je nakładać lub mieszać bezpośrednio na powierzchni nośnej, gdzie mogą uzyskać miękkie odcienie i płynne przejścia między kolorami. Artyści mogą także mieszać kolory bezpośrednio na powierzchni, używając samych palców i specjalistycznych narzędzi.
Cechy te można wykorzystać w różnych dziedzinach sztuki: w rysunku i malarstwie, zarówno poprzez nakładanie cienkich, jak i grubych warstw matowej faktury, a także w połączeniu z innymi technikami artystycznymi, takimi jak akwarela, tusz czy tempera.
Pastel można uznać za środek pomiędzy rysunkiem a malarstwem ze względu na jego hybrydowy charakter i wiele możliwości wykorzystania. Z jednej strony pastel oferuje precyzję i kontrolę typową dla rysunku, umożliwiając artystom tworzenie określonych linii, szczegółowych konturów i szybkich szkiców. Z drugiej strony pastel, dzięki swojej miękkiej fakturze i stonowanej, ale mocnej kolorystyce, umożliwia tworzenie obrazów bogatych w niuanse i faktury, zbliżonych do tych uzyskiwanych za pomocą malarstwa.
Wśród słynnych dzieł sztuki stworzonych przy użyciu pasteli wyróżniają się arcydzieła takich artystów jak Edgar Degas, Mary Cassatt i Henri de Toulouse-Lautrec. Szczególnie Degas znany jest ze swoich mistrzowskich obrazów i rysunków baletnic wykonanych pastelami, oddających wdzięk i ruch przedstawionych postaci. Mary Cassatt malowała intymne i delikatne portrety pastelami, a Toulouse-Lautrec tworzył żywe plakaty i ilustracje, których celem było uwiecznienie tętniącego życiem paryskiego życia nocnego.
DU LIMONCELLO? NON JE NE CONNAIS PAS (2024) Malarstwo G. Carty
Prace wykonane pastelami
Dwie wybrane prace, „Le Ballet des Éclats” Ivana Colasa i „Du Limoncello? Non je ne connais pas” G. Carty, oferują intymny obraz harmonii osiągniętej pomiędzy pastelem a malarstwem, pokazując, jak te media mogą łączyć się w jedną całość tworzyć głębokie i wciągające wypowiedzi artystyczne.
„Le Ballet des Éclats” Ivana Colasa, stworzony w 2023 roku, bada żywą interakcję między światłem i kolorem na papierze za pomocą pasteli, akryli, ołówków i węgla drzewnego. Każdy kwadrat dzieła sztuki reprezentuje celebrację życia, która ma się ukazać poprzez użycie odważnych i świetlistych kolorów, które wydają się wyłaniać z pęknięć ciemności. W rezultacie pastel staje się symbolem tego, jak natura ukazuje się niespodziewanie, a piękno zwycięża pomimo wszelkich przeciwności losu. Rzeczywiście, „Le Ballet des Éclats” jest w rzeczywistości zaproszeniem dla widza do refleksji nad odpornością i odrodzeniem.
Z kolei „Du Limoncello? Non je ne connais pas” G. Carty odzwierciedla odmienne, ale uzupełniające się podejście. Używając pasteli olejnych na papierze, artysta skonstruował bogate tekstury, które wychwytują i odbijają światło, nadając dziełu poczucie głębi i złożoności. Ta metoda, wymagająca ostrożności, ponieważ pastel olejny nie wysycha całkowicie, zwiększa emocjonalną płynność dzieła sztuki, gdzie każde pociągnięcie przyczynia się do opowiedzenia historii ludzkich chwil przesiąkniętych emocjami, człowieczeństwem, dzieleniem się i nadzieją.
Staje się oczywiste, że te dwie prace można interpretować jako symbole pokrewieństwa malarstwa i pastelu, dwóch mediów, które po połączeniu oferują większą swobodę ekspresji oraz doskonałe połączenie faktur i kolorów. Ta synergia nie tylko przyciąga uwagę wizualną, ale także angażuje emocjonalnie i bezpośrednio angażuje widzów, przenosząc ich w głębokie przeżycie artystyczne.
Atrament i wyobraźnia
Długopis, często nazywany po prostu „biro”, to narzędzie do pisania wyposażone w małą obracającą się kulkę na końcówce, której zadaniem jest rozprowadzanie atramentu, podczas gdy plastikowy korpus ślizga się po powierzchni. Mechanizm ten pozwala na płynne i równomierne pisanie, dzięki czemu długopisy są chętnie wybierane zarówno w dziedzinach artystycznych, jak i do różnych codziennych zadań pisarskich.
Początki długopisu sięgają końca XIX wieku, choć nowoczesny długopis narodził się dopiero w połowie XX wieku. Węgierski dziennikarz László Bíró wraz ze swoim bratem György Bíró opatentowali w 1938 roku pierwszy udany projekt długopisu. Ten rewolucyjny wynalazek zastąpił ówczesne niechlujne i zawodne pióra wieczne, szybko zyskując popularność na całym świecie.
Długopisy kulkowe są dostępne w różnych kolorach i rozmiarach końcówek, co zapewnia wszechstronność przy różnych zadaniach związanych z pisaniem i rysowaniem. W świecie sztuki długopisy są cenione za precyzję i kontrolę, dzięki którym artyści mogą tworzyć skomplikowane detale i cienkie linie. Niemniej jednak artyści eksperymentują z różnymi sposobami wykorzystania długopisu, wykorzystując go także do tworzenia kreskowań, cieniowania i niepowtarzalnych efektów teksturalnych.
Mówiąc bardziej ogólnie, długopis jest zwykle używany do wstępnych szkiców i rysowania precyzyjnych konturów. Artyści wykorzystują również techniki kreskowania i tepowania, aby tworzyć odcienie i niuanse szarości. Techniki te pozwalają na zmiany tonalne i realistyczne tekstury, dodając głębi i objętości rysunkom. Długopisy służą także do tworzenia cieni, pozwalając na uzyskanie efektów trójwymiarowości i kształtowanie formy rysowanych obiektów. Ten tryb wykonania wymaga pewnej ręki i precyzyjnej kontroli nacisku pisaka, aby uzyskać płynne przejścia pomiędzy kolorami.
Do najpopularniejszych motywów tworzonych długopisem należą z pewnością portrety, gdyż precyzja tej techniki pozwala na precyzyjne uchwycenie charakterystycznych rysów twarzy, od linii twarzy po szczegóły oczu i ust. Długopisy są również powszechnie używane do przedstawiania krajobrazów miejskich i naturalnych, często przeznaczone do renderowania szczegółowych rysunków budynków, ulic, drzew i innych elementów krajobrazu. To właśnie różnorodność linii i faktur, jakie można osiągnąć za pomocą długopisu, pozwala uchwycić złożoność i głębię tego ostatniego tematu. Wreszcie, jeśli chodzi o inny znany gatunek w historii sztuki, długopis jest często używany do tworzenia martwych natur, przedstawiających przedmioty nieożywione o wyrafinowanych konturach i szczegółach, mających na celu ożywienie zrównoważonych i realistycznych kompozycji.
Jeśli chodzi o skojarzenie z malowaniem długopisem, po pierwsze, długopisu można używać do tworzenia dzieł sztuki charakteryzujących się różnymi stylami i podejściami, podobnie jak w malarstwie. Rzeczywiście artyści mogą bawić się liniami, kształtami i odcieniami, aby stworzyć unikalne efekty artystyczne, od realistycznego przedstawienia po abstrakcyjne eksperymenty, tak samo jak w przypadku pędzli i kolorów. Ponadto trwały charakter atramentu długopisowego może skłonić artystów do pracy warstwowej, co przypomina malarską technikę nakładania warstw. Wreszcie, długopis zapewnia większą kontrolę w porównaniu z innymi narzędziami do rysowania, a taka precyzja pozwala artystom dokładnie uchwycić niuanse i aspekty swoich obiektów, tworząc dzieła sztuki porównywalne z obrazami.
Kończąc na słynnych przykładach techniki długopisu, można wymienić kilku znanych artystów, którzy w znaczący sposób przyczynili się do określenia estetyki i potencjału tego medium, jak Juan Francisco Casas, Lennie Mace czy mniej współczesny Alberto Giacometti.
WENECJA. KANAŁ WIELKI (2022)Malarstwo Marii Susarenko
RYSUNEK AKADEMICKI. FANTASY (2022)Malarstwo Marata Myrzakhmetova
Sztuka pióra kulkowego
Prace Marii Susarenko i Marata Myrzakhmetova stanowią intrygujący przykład tego, jak długopis może służyć nie tylko jako narzędzie do pisania, ale także jako środek artystyczny o wysokich walorach estetycznych. Artyści ci pokazują, jak długopis może harmonijnie współistnieć z innymi technikami artystycznymi, tworząc bogate i złożone kompozycje wizualne.
„Wenecja. Kanał Grande” (2022) Marii Susarenko, wykonany przy użyciu połączenia akrylu, długopisów żelowych, markerów i ołówków na tekturze, oddaje tętniącą życiem i historyczną esencję Wenecji. Artysta wykorzystuje karton, mniej popularny i teksturowany materiał, do tworzenia płynnych linii oraz mieszanki kolorów i odcieni, które mają odzwierciedlać ruch wody i złożoną dynamikę architektoniczną miasta. Rezultatem jest scena zarówno chaotyczna, jak i harmonijna, w której technika mieszana pozwala Susarence na dodanie drobnych szczegółów mających na celu podkreślenie pewnych strukturalnych i świetlistych aspektów kompozycji, ukazując wszechstronność długopisu w przedstawianiu zarówno architektury, jak i świetlistości. elementy wodne.
„Rysunek akademicki. Fantazja” (2022) Marata Myrzakhmetova przyjmuje podejście bardziej surrealistyczne i symboliczne. Praca, wykonana głównie długopisem na papierze, ukazuje przydatność tego medium w skrupulatnym badaniu organicznych kształtów i precyzyjnych geometrii. W rzeczywistości „zazębiająca się” kompozycja Myrzachmetowa zawiera zarówno elementy naturalne, jak i sztuczne, zaprojektowane tak, aby spotykać się w równoległym wymiarze, tworząc wizualny dialog między rzeczywistością a wyobrażeniem. W tym kontekście użycie długopisu ma kluczowe znaczenie dla zdefiniowania precyzyjnych linii i dodania szczegółów, które niemal się ze sobą łączą, pokazując zdolność tego narzędzia do wywoływania głębokiego i zróżnicowanego zakresu emocji.
Ostatecznie staje się jasne, w jaki sposób prace Susarenko i Myrzachmetowa, poprzez ich unikalny styl i wybór tematów, podkreślają zdolność długopisu do bycia równie wyrazistym i wszechstronnym, jak bardziej tradycyjne techniki malarskie. Ich prace nie tylko celebrują walory estetyczne danego medium artystycznego, ale także otwierają nowe możliwości jego zastosowania w sztukach wizualnych, rzucając wyzwanie tradycyjnemu postrzeganiu i zachęcając do nowej otwartości na bardziej innowacyjne twórcze eksperymenty.
Olimpia Gaia Martinelli
