Gracze w karty (1890-95) autorstwa Paula Cézanne'a

Paul Cézanne, Autoportret , 1888-1890. Olej na płótnie, 44×36 cm. Ny Carlsberg Glyptotek: Kopenhaga.

Kim był Paul Cézanne?

Paul Cézanne , urodzony w Aix-en-Provence w 1839 i zmarły w 1906, był częścią ruchu postimpresjonistycznego i położył podwaliny pod wiele ruchów awangardowych XX wieku, zwłaszcza pod względem formalnego uproszczenia. Cézanne nie był łatwy i miał napięte stosunki z ojcem, który chciał, aby był prawnikiem, a nie artystą. Zbuntował się i realizował swoją pasję do sztuki. Miał niewielu bliskich przyjaciół, ale artystka Camille Pissarro była jednym z nich i łączyła ich długa i owocna artystyczna relacja. Jednak pisarz Émile Zola nie miał tyle szczęścia i został ostro skrytykowany przez Cézanne'a po opublikowaniu jednej ze swoich powieści. Chociaż Cézanne bywał w Café Guerbois z impresjonistami w Paryżu, wkrótce rozwinął osobisty styl, który odzwierciedlał bardziej naukowe i refleksyjne podejście do malarstwa. Uważał, że sztuka powinna mieć prawowitą autonomię. Cézanne spędził większość swojego życia na francuskiej wsi w Prowansji, gdzie znalazł inspirację dla wielu swoich kultowych dzieł, takich jak góra Sainte-Victoire, martwe natury i portrety. Chociaż w młodości pociągało go paryskie życie miejskie, w późniejszym życiu wolał wiejskie otoczenie swojego domu.

Paul Cézanne, Nowoczesna Olimpia , 1888-1890. Olej na płótnie, 46×55 cm. Paryż: Musée d'Orsay.

5 kluczowych pojęć

1. Forma i kolor: Cézanne uważał formę i kolor za równie ważne w swoich kompozycjach i starał się stworzyć nową, subiektywną rzeczywistość malarską, która wykraczała poza zwykłe naśladowanie natury.

2. Uproszczenie: prace Cézanne'a charakteryzują się uproszczeniem form i redukcją przedmiotów do ich podstawowych kształtów geometrycznych. Uważał, że to uproszczenie było konieczne, aby ujawnić istotę jego poddanych.

3. Wpływ na sztukę współczesną: Innowacyjne podejście Cézanne'a do malarstwa miało znaczący wpływ na współczesne ruchy artystyczne, takie jak kubizm, fowizm i ekspresjonizm abstrakcyjny.

4. Martwa natura i pejzaż: ulubionymi tematami Cézanne'a były martwe natury i pejzaże. Często przedstawiał przedmioty ze swojego codziennego otoczenia w wyjątkowy i niekonwencjonalny sposób.

5. Życie osobiste: Cézanne był znany ze swojej samotniczej osobowości i trudnych relacji z rodziną i przyjaciółmi. Utrzymywał jednak bliskie relacje artystyczne z innymi artystami, takimi jak Camille Pissarro i Émile Zola, którzy wywarli wpływ na jego rozwój jako artysty.

Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire widziane z Bellevue , ok. 1895. Olej na płótnie, 73 cm × 92 cm. Pensylwania: Fundacja Barnesa.

Styl

We wczesnych latach Paula Cézanne'a ciężkie pociągnięcia pędzla i gruba warstwa farby tworzyły namacalną teksturę, a ślady jego pędzla były wyraźnie widoczne. Ten „brutalny” styl zmienił się, gdy poznał Camille Pissarro i zaczął malować na zewnątrz z natury. Jego styl stał się bardziej uporządkowany, a kolory jaśniejsze, ale pociągnięcia pędzla pozostały grube. Pod koniec lat 70. XIX wieku kompozycje Cézanne'a stały się gładsze, a on skupił się na tworzeniu formy za pomocą pędzla, inspirowanego Monetem. Jednak często pozostawiał swoje prace nieukończone, a ukończenie dzieła zajmowało miesiące. Zastosował analityczną metodę budowania na każdej poprzedniej postaci nowym konturem, a ukończenie portretów lub martwych natur zajęło miesiące. Metoda Cézanne'a była tak skomplikowana, że nie mógł użyć prawdziwych kwiatów, ponieważ więdną, zanim skończy malować. Chociaż używał rysunków i szkiców, większość pracy wykonano na samym płótnie. Praca z natury była dla niego wyzwaniem i często wielokrotnie wracał do tego samego tematu.

W latach siedemdziesiątych XIX wieku Paul Cézanne był pod wpływem impresjonizmu i przyciągnął go odrzucenie przez grupę jury Salonu. Chociaż sam nie był impresjonistą, współpraca Cézanne'a z artystami takimi jak Camille Pissarro i Claude Monet doprowadziła do jaśniejszej palety kolorów i malowania w plenerze. Jednak Cézanne ostatecznie zdystansował się od grupy z powodu różnic artystycznych. Pissarro wywarł znaczący wpływ na Cézanne'a i zachęcił go do pracy na zewnątrz z szerszą gamą kolorów. Pociągnięcia pędzla Cézanne'a stały się bardziej płynne i mniej gęste, ujawniając zwrot w kierunku impresjonizmu. Niemniej jednak nadal interesował się tematyką wnętrz, zwłaszcza martwymi naturami przedstawiającymi kwiaty. Później, pod koniec lat 70. XIX wieku, Cézanne odszedł od impresjonizmu i przyjął styl charakteryzujący się ciężkimi i ciemnymi kolorami. Chciał raczej analizować naturę niż po prostu kopiować jej powierzchowne piękno, co znalazło odzwierciedlenie w jego obrazach. Przez całe życie miłość Cézanne'a do natury i jego domu w Aix-en-Provence wpływała na jego prace, ponieważ starał się uchwycić stałe aspekty natury, a nie jej przemijające piękno.

Przedmioty

Wpływ Paula Cézanne'a na sztukę współczesną jest znaczny, mimo że jego wybór tematów był często tradycyjny, w tym owoce, martwe natury, portrety i pejzaże. Znany jest ze swojego nowatorskiego stylu, zwłaszcza w dziedzinie malarstwa martwej natury, które od lat 80. XIX wieku nabierało coraz większego znaczenia w jego twórczości. Jego martwe natury są uważane za jedne z jego najważniejszych osiągnięć artystycznych i wywarły głęboki wpływ na stylistyczny rozwój sztuki początku XX wieku.

Paul Cézanne, Gracze w karty , 1894–95. Olej na płótnie, 47,5 cm × 57 cm. Paryż: Musée d'Orsay.

Gracze w karty (1890-95)

Dwie osoby biorące udział w grze w karty są ustawione oddzielnie od reszty bywalców klubu. Ci mężczyźni prawdopodobnie byli chłopami i prawdopodobnie jeden z nich miał na imię Alexandre, który służył jako ogrodnik w posiadłości ojca artysty w Jas de Bouffan. Siedzą przy skromnym drewnianym stole, na którym stoi zakorkowana butelka wina. Gracze w karty są ubrani w skromne, ale przyzwoite stroje. Pan siedzący po lewej stronie ma na sobie zarówno marynarkę, jak i kapelusz. Kiedy dokładnie ogląda swoje karty, pali z fajki. Z drugiej strony gracz po prawej wydaje się młodszy i ubiera się bardziej swobodnie. W ich otoczeniu można zobaczyć drewniane dekoracje ścienne sali zwane boiserie oraz szklane drzwi.

Obraz „Gracze w karty” Paula Cézanne'a był częścią różnych kolekcji sztuki w całej swojej historii. Początkowo znalazł się w kolekcji Ambroise'a Vollarda, następnie przeszedł do kolekcji Denysa Cochina, a później stał się częścią kolekcji Duranda-Ruela. Wreszcie do 1911 roku znalazł swoje miejsce w zbiorach hrabiego Izaaka de Camondo w Paryżu. Następnie hrabia przekazał muzeom państwowym i ostatecznie trafił do Luwru. Od 1947 do 1986 był wystawiany w Galerie du Jeu de Paume w Paryżu, a później przeniesiony do Musée d'Orsay w 1986, gdzie jest obecnie wystawiany. Paul Cézanne stworzył pięć obrazów z tym samym motywem graczy w karty. Wersja wystawiona w Musée d'Orsay jest szczególnie godna uwagi, ponieważ ukazuje niezwykłe wyniki badań i eksperymentów artysty. Co ciekawe, w muzeum w Aix-en-Provence wystawiono pracę zatytułowaną „Gracze w karty” autorstwa braci Le Nain. Niewykluczone, że Cézanne czerpał inspirację z tego dzieła, tworząc własne obrazy z tej serii.

Dzieło powstałe w latach 1894-1895 to niezwykłe dzieło należące do serii obrazów olejnych karciarzy autorstwa postimpresjonistycznego mistrza Cézanne'a. Obrazy te powstały w końcowym okresie twórczości Cézanne'a, a konkretnie na początku lat 90. XIX wieku, a cykl składa się z pięciu unikatowych prac. Każda wersja różni się rozmiarem, liczbą przedstawionych graczy i oprawą gry karcianej. Przygotowując się do serii Gracze w karty, Cézanne obszernie stworzył liczne rysunki i studia. Warto zauważyć, że jedna z wersji z serii The Card Players została sprzedana w 2011 roku rodzinie królewskiej Kataru za szacunkową cenę 250 milionów dolarów (dzisiejsza równowartość 301,1 miliona dolarów), ustanawiając nowy rekord najwyższej ceny, jaką kiedykolwiek zapłacono za obraz. Rekord ten został pobity dopiero w listopadzie 2017 roku.

Styl

Paul Cézanne zastosował uproszczenie geometryczne podczas konstruowania postaci na scenie. Kapelusz, ramiona i tułów lewego gracza są zredukowane do cylindrycznych kształtów, podczas gdy mały stolik jest przedstawiony jako uproszczony równoległościan. Relacje między kończynami są również przekształcane w geometryczne wzory, z zgiętymi ramionami tworzącymi trójkąty. Głównym celem Cézanne'a była analiza rzeczywistych form i ich przedstawienie poprzez uproszczenie, dlatego jego podejście określane jest jako postimpresjonistyczne. Jego metoda pracy była całkowicie racjonalna, ponieważ nie chodziło mu o opowiadanie wydarzeń ani wyrażanie określonego stanu umysłu. Te poszukiwania badawcze wywarły ogromny wpływ na rozwój kubizmu. Pociągnięcia pędzla Cézanne'a są szerokie i regularne, tworząc rzeźbiarski efekt, który podkreśla geometryczne uproszczenie postaci i ich pierwotne bryły. Zastosowana technika modelowania jest syntetyczna i podkreśla geometryczne uproszczenie form.

Kolor i oświetlenie

Obraz Paula Cézanne'a „Gracze w karty” przedstawia zrównoważoną kolorystykę, wykorzystującą zarówno ciepłe, jak i chłodne kolory. Dwóch graczy i ich otoczenie są przedstawione w chłodnych odcieniach, takich jak niebieski, zielony i szary. Natomiast stolik kawowy, dłonie, twarze i stolarka są pomalowane na ciepłe odcienie różu, pomarańczy i brązu. Tworzy to główny kontrast uzupełniających się kolorów, z tendencją do niebieskiego i pomarańczowego. Aby uwypuklić punkty ogniskowe, zastosowano dodatkowy kontrast jasności, szczególnie widoczny na twarzy i kurtce gracza po prawej stronie. Ogólna kompozycja kolorystyczna obrazu osiąga harmonijną grę między ciepłymi i chłodnymi tonami, ustanawiając wizualną równowagę.

Przestrzeń

Stolik kawowy namalowany w centrum dzieła sztuki odgrywa kluczową rolę w tworzeniu poczucia trójwymiarowej przestrzeni poprzez wykorzystanie perspektywy. Linie perspektywiczne stołu tworzą głębię i pomagają uporządkować aranżację przestrzenną. Co więcej, nakładające się perspektywy przyczyniają się do właściwej reprezentacji graczy i ich interakcji przy stole. Kontrast oświetlenia postaci z tłem wpływa również na konstrukcję kompozycji przestrzennej, podkreślając relacje między elementami i wzmacniając percepcję przestrzeni.

Kompozycja i kadrowanie

Obraz Cézanne'a „Gracze w karty” przyjmuje niemal kwadratowy format, co przyczynia się do ułożenia centralnej symetrii wzdłuż osi pionowej. Ułożenie dwóch rąk, zbliżających się do siebie w środku, tworzy poczucie symetrii. Ramiona i ciała są następnie odzwierciedlane z niewielkimi różnicami w ich pozycjach. Mały stolik jest również przedstawiony z przodu, co poprawia ogólną stabilność obrazu. Tło charakteryzuje się boazerią i szklanymi elementami, zapewniając czyste i uporządkowane tło. W rezultacie obraz wywołuje poczucie stabilności, bezruchu i zawieszenia czasu. Dodatkowo figury nabierają monumentalnego charakteru, dzięki solidnemu odwzorowaniu form i powściągliwej kompozycji.

Spostrzeżenia

Podobnie jak wielu innych paryskich artystów, Paul Cézanne często odwiedzał bistra. Placówki te służyły jako tętniące życiem ośrodki życia społecznego i kulturalnego miasta. Klienci gromadzili się wokół stołów, angażując się w takie czynności, jak picie, palenie i granie w karty. W atmosferze, zaostrzonej obecnością dymu tytoniowego i alkoholu, toczyły się znaczące rozmowy, śpiewy, tańce, a niekiedy nawet zaciekłe bójki.

Paul Cézanne, Gracze w karty, 1892–93. Olej na płótnie, 97 × 130 cm, własność prywatna.

seria

Krytycy sztuki uważają serię obrazów Cézanne'a za fundamentalny aspekt jego rozwoju artystycznego od początku do połowy lat 90. XIX wieku. Prace te są również postrzegane jako prekursor jego późniejszych lat, kiedy stworzył niektóre ze swoich najbardziej uznanych arcydzieł. Każdy obraz z serii przedstawia chłopów z regionu Prowansji pogrążonych w grach karcianych i palących fajki. Badani, wyłącznie mężczyźni, są przedstawieni z poważną i skupioną postawą, z oczami utkwionymi w grze przed nimi. Cézanne czerpał inspirację z XVII-wiecznych holenderskich i francuskich malowideł rodzajowych, które często przedstawiały ożywione gry karciane w tawernach z hałaśliwymi i pijanymi hazardzistami. Jednak Cézanne zdecydował się na inne podejście, zastępując hałaśliwe postacie uroczystymi handlarzami w uproszczonej scenerii. W przeciwieństwie do dramatycznych i opartych na narracji kompozycji z poprzednich obrazów tego gatunku, portrety Cézanne'a charakteryzują się brakiem elementów dramatycznych, opowiadania historii i tradycyjnych charakteryzacji. W przeciwieństwie do gatunku XVII-wiecznego, prace Cézanne'a w szczególności wykluczają dominujące elementy alkoholu i pieniędzy, z wyjątkiem nieużywanej butelki wina obecnej w wersjach dla dwóch graczy. Modelami obrazów Cézanne'a byli miejscowi robotnicy rolni, z których niektórzy pracowali w rodzinnej posiadłości Cézanne, znanej jako Jas de Bouffan. Każda scena oddaje moment spokojnej koncentracji, kiedy mężczyźni kierują wzrok w dół na swoje karty, a nie na siebie. Same karty służą jako podstawowy środek komunikacji poza obowiązkami służbowymi. Jeden z krytyków opisał te sceny jako „martwą naturę człowieka”, podczas gdy inny spekulował, że intensywne skupienie, jakie wykazują gracze w karty, odzwierciedla zaangażowanie artysty w jego sztukę.

Obrazy

Cézanne stworzył w sumie pięć obrazów przedstawiających graczy w karty, ale ostatnie trzy obrazy mają podobne kompozycje i przedstawiają dwóch graczy. Z powodu tego podobieństwa czasami uważa się je za jedną wersję. Dokładne daty powstania tych obrazów są niepewne, ale tradycyjnie uważa się, że Cézanne zaczynał od większych płócien i stopniowo zmniejszał rozmiar w kolejnych wersjach. Jednak ostatnie badania zakwestionowały to założenie, wprowadzając wątpliwości co do chronologicznego porządku malowideł. Największa wersja obrazu karciarzy, powstała w latach 1890-1892, to kompozycja o wielkiej złożoności. Zajmuje płótno o wymiarach 134,6 x 180,3 cm (53 x 71 cali) i przedstawia pięć postaci. Na pierwszym planie trzech karciarzy siedzi w półkolu wokół stołu, a za nimi stoi dwóch widzów. Po prawej stronie obrazu, za drugim graczem i na prawo od trzeciego gracza siedzi chłopiec ze wzrokiem skierowanym w dół, uważnie obserwujący grę. Z tyłu, po lewej stronie między pierwszym a drugim graczem, stoi mężczyzna oparty o ścianę, palący fajkę i pozornie czekający na swoją kolej, by dołączyć do stołu. Sugerowano, że Cézanne umieścił stojącego mężczyznę, aby dodać głębi obrazowi i zwrócić uwagę na górną część płótna.

Obraz ten, podobnie jak inne wersje, przedstawia powściągliwą narrację, przedstawiającą wieśniaków ubranych w luźne szaty i przyjmujących naturalne pozy, całkowicie pochłoniętych grą w karty. Pisarz Nicholas Wadley odniósł się do „napięcia w przeciwieństwach”, w którym kontrastujące elementy, takie jak przesunięcia kolorów, wzajemne oddziaływanie światła i cienia, kształty kapeluszy i fałdy odzieży, tworzą historię konfliktu poprzez opozycję. Niektórzy opisali poczucie „wyobcowania” przedstawionego w serialu, co jest najbardziej widoczne w tej konkretnej wersji. Obecnie obraz jest własnością i jest wystawiany w muzeum Fundacji Barnesa w Filadelfii w Pensylwanii. W Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku znajduje się bardziej zwarta wersja obrazu, który przez długi czas uważano za drugą iterację serii Gracze w karty. Mierząc 65,4 x 81,9 cm (25 3/4 x 32 1/4 cala), jest o połowę mniejszy od obrazu Barnesa. W tym wykonaniu kompozycja pozostaje w większości niezmieniona, z wyjątkiem nieobecności chłopca. Perspektywa widza jest nieco bliższa grze, a odstępy między postaciami są zmniejszone. W przeciwieństwie do poprzedniego obrazu, wszyscy mężczyźni w tej wersji są przedstawieni w kapeluszach. Dodatkowo pominięto lewą półkę z wazonem i dolną połowę ramki obrazu na środku ściany, pozostawiając jedynie cztery fajki i wiszący materiał za graczami w karty.

Paul Cézanne, Człowiek z fajką , ok. 1890. Olej na płótnie, 90 × 72 cm. Ermitaż w Petersburgu.

Obraz ma jaśniejszą paletę kolorów, z mniejszym naciskiem na odcienie niebieskiego w porównaniu z większą wersją. Badania rentgenowskie i w podczerwieni przeprowadzone na tej wersji Graczy w karty ujawniły warstwy wstępnego rysunku grafitowego, wskazujące na spekulacyjny proces planowania Cézanne'a. Pokazuje również rozległe warstwy obrobionej farby olejnej, co sugeruje, że ta wersja mogła służyć jako wstępna praca dla dwóch największych wersji serii Cézanne'a, podważając historyczne przekonanie, że była to druga wersja. Podrysowanie wskazuje ponadto, że Cézanne miał trudności z przeniesieniem na jedno płótno poszczególnych postaci, namalowanych wcześniej w osobnych studiach. Uważa się, że w ostatnich trzech wersjach Graczy w karty Cézanne rozwiązał „przestrzenną zagadkę”, eliminując widzów i niepotrzebne szczegóły, skupiając się tylko na istotnych elementach: dwóch graczach pochłoniętych grą. Kompozycja sceny jest opisana jako wyważona, ale asymetryczna, z naturalną symetrią między dwoma graczami, którzy stają się swoimi odpowiednikami w celowej opozycji. Mężczyzna po lewej stronie, ubrany w ciemniejszy i bardziej formalny strój, jest przedstawiony z paleniem fajki i w cylindrze z rondem zarzuconym w dół, podczas gdy mężczyzna po prawej stronie, w lżejszym i luźniejszym ubraniu, jest bez fajki i nosi kapelusz z zadartym rondem, pochylony nad stołem. Nawet karty, które trzymają, mają kontrastujące jasne i ciemne odcienie.

Na każdym z obrazów dla dwóch graczy samotna butelka wina jest umieszczona na środku stołu, symbolizując zarówno linię podziału między dwoma uczestnikami, jak i środek symetrycznej równowagi obrazu. Spośród trzech wersji najbardziej znana i najczęściej reprodukowana znajduje się w Musée d'Orsay w Paryżu. Ten obraz jest również najmniejszy, mierzy 47,5 x 57 cm (17 3/4 x 22 1/2 cala). Historyk sztuki Meyer Schapiro opisał ją jako „najbardziej monumentalną i wyrafinowaną” z wersji, zawierającą prostsze, ale bardziej zróżnicowane relacje między kształtami. Jest słabo pomalowany i powszechnie uważany za końcowy element serii Gracze w karty. Scena ulega zmianie perspektywy, a gracz po lewej stronie jest bardziej widoczny w kadrze, w tym na krześle, tworząc iluzję bliskości. Natomiast partner po prawej stronie jest częściowo odcięty od sceny, zasłaniając jego plecy, a stół ukazany jest pod kątem. Krytycy zauważyli „powściągliwe oszustwo” w użyciu koloru przez Cézanne'a.

Solidne formy są renderowane za pomocą cienko nałożonych, stopniowanych warstw koloru „podkładowego”, aby przekazać strukturę, podczas gdy akcenty bzu i zieleni ożywiają płótno. Dolna połowa obrazu ma jasne, głębokie kolory obrusu. Ta konkretna wersja Graczy w karty była zamieszana w godną uwagi kradzież w sierpniu 1961 roku, kiedy osiem obrazów Cézanne'a zostało skradzionych z wystawy objazdowej w Aix. Skradzione dzieło, Gracze w karty, stało się tematem czterokolorowego znaczka pocztowego wydanego przez rząd francuski w celu potwierdzenia utraty. Na szczęście wszystkie obrazy zostały odzyskane kilka miesięcy później po zapłaceniu okupu. Pozostałe obrazy dla dwóch graczy znajdują się w Courtauld Institute of Art w Londynie oraz w prywatnej kolekcji. W lutym 2012 r. Vanity Fair poinformowało, że rodzina królewska Kataru nabyła w 2011 r. własną wersję obrazu z prywatnej kolekcji greckiego magnata żeglugowego George'a Embiricosa za rekordową cenę szacowaną na 250–320 mln USD.

Paul Cézanne, Gracze w karty, 1890–1892. Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Wersja 1890–92

Po pięćdziesiątce Cézanne rozpoczął projekt malarski skupiający się na uchwyceniu istoty tematu, który wcześniej inspirował cenionych artystów, takich jak Caravaggio i Chardin. Od samego początku był zdecydowany uczynić go wyjątkowym swoim własnym, co widać na tej solidnej prowansalskiej scenie. Cézanne skrupulatnie skonstruował tę kompozycję w oparciu o badania, które przeprowadził na miejscowych robotnikach rolnych. Kiedy już rozszyfrował swoją wizję, kontynuował udoskonalanie pozycji graczy w karty, aż, podobnie jak cztery rury wiszące na ścianie za nimi, idealnie pasowały na swoje miejsce. Poczucie cichego autorytetu, które osiągnął tutaj Cézanne, posłużyło jako podstawa do większej wersji dzieła sztuki (znajdującej się w Fundacji Barnesa w Filadelfii), a on dalej eksplorował serię, tworząc trzy dodatkowe prace, w których wyeliminował niepotrzebne szczegóły, aby skupić się wyłącznie na para graczy.

Zabarwienie

Na obrazie Paula Cézanne'a „Gracze w karty” można zaobserwować gamę ziemistych kolorów. Dwóch mężczyzn siedzących przy stole jest przedstawionych w odcieniach brązu i kremu, tworząc ciepłą i naturalną paletę. Zestawienie tej kolorystyki z głębszym niebieskim odcieniem marynarki mężczyzny siedzącego po prawej stronie dodaje kompozycji kontrastowego elementu. Podobnie stojący pod ścianą mężczyzna również ubrany jest w głębszą niebieską marynarkę, której towarzyszyć może czerwony krawat, co wprowadza subtelny kontrast z bardziej neutralnymi tonami obrazu. Ściana na obrazie prezentuje gamę kolorów, w tym jaśniejsze odcienie zieleni, błękitu oraz nuty różu i szarości. Ta kolorowa ściana służy jako kontrastowe tło dla głębszej żółtej lub brązowo-złotej zasłony po prawej stronie. Jasnoniebieski kolor stołu subtelnie rezonuje z odcieniem ściany, tworząc wizualne połączenie. Co więcej, barwy błękitu, czerwieni i bieli odbijają się również w karcie umieszczonej na środku stołu, dodając harmonijne powtórzenie tych barw w całej kompozycji.

Tekstura, kształt i forma

Pociągnięcia pędzla Paula Cézanne'a w „The Card Players” są wyczuwalne na płótnie, z miejscami, w których farba wydaje się być grubo nałożona. Pociągnięcia pędzla wykazują poczucie spontaniczności, przy czym niektóre są krótkie i nierówne, podczas gdy inne są dłuższe, równe i gładsze. Obraz reprezentuje naturalistyczne i organiczne formy, przedstawiając rozpoznawalne przedmioty z realnego świata, takie jak postacie ludzkie, stół, zasłonę, kapelusze, fajki i krzesła. Intrygującym aspektem artystycznego podejścia Cézanne'a, z którego jest znany, jest eksploracja kompozycji geometrycznych. „The Card Players” prezentuje różnorodne linie, z których wiele jest tworzonych przez widoczne pociągnięcia pędzla. Na przykład fałdy na męskich marynarkach, zwłaszcza wyraźne wzorzyste linie na mężczyźnie siedzącym po prawej stronie, fałdy na zasłonach po prawej stronie i ukośne linie na zasłonach, przyczyniają się do tworzenia wzorów w kompozycji.

Przestrzeń

Aranżacja przestrzeni Paula Cézanne'a w „The Card Players” przedstawia tę scenę tak, jakbyśmy my, widzowie, obserwowali grę w karty z niewielkiej odległości, z lekko pochyloną perspektywą z prawej strony. Kompozycja tworzy wrażenie głębi poprzez rozmieszczenie postaci. Na przykład dwie postacie siedzące na końcach stołu tworzą efekt warstw dla postaci pośrodku. To poczucie głębi jest dodatkowo wzmocnione obecnością postaci w tle. Przestrzenna głębia tła jest nieco niejednoznaczna, szczególnie zauważalna w przypadku mężczyzny przy ścianie. Nie jest jasne, czy opiera się o ścianę, czy stoi z pewną przestrzenią między sobą a ścianą. Jednak widoczność podłogi i listew po lewej stronie stanowi punkt odniesienia, pozwalający ocenić odległość mężczyzny z naszej perspektywy.

Studia i szkice

Cézanne poświęcił wiele wysiłku na stworzenie licznych studiów i rysunków przygotowawczych do serii Gracze w karty. Wcześniej uważano, że rozpoczął serię od pracy nad większymi obrazami, a następnie przeszedł do mniejszych wersji. Jednak współczesna analiza rentgenowska obrazów, wraz z dalszym badaniem szkiców przygotowawczych i studiów, skłoniła niektórych uczonych do zaproponowania, aby Cézanne wykorzystał zarówno studia, jak i mniejsze wersje, aby przygotować się do większych płócien. Przygotowując się do ostatecznych obrazów, Cézanne wykonał kilkanaście wstępnych szkiców i malarskich studiów lokalnych robotników rolnych. Spekuluje się, że modelki pozowały do tych studiów, a nie same ukończone prace, i możliwe, że artysta naszkicował wstępną pracę w kawiarni w Aix. Niektóre z tych studiów są wysoko cenione jako niezależne dzieła sztuki, ze szczególnym uwzględnieniem towarzyszącej pracy zatytułowanej „Człowiek z fajką”, która jest wystawiana obok The Card Players w Courtauld Gallery w Londynie. Wraz z dwoma podobnymi obrazami palaczy powstałymi w tym samym okresie, studia te są przez wielu uważane za jedne z najbardziej wyjątkowych portretów Cézanne'a.

Paul Cézanne, Gracze w karty , 1890–1892. Barnes Foundation, Filadelfia, Pensylwania.

Daleko od impresjonizmu

Motyw patronów w barze lub tawernie, widoczny na obrazie Cézanne'a, jest często kojarzony z impresjonizmem, przywołując dzieła takich artystów jak Manet, zwłaszcza "Bar w Folies-Bergère", Renoir i Degas. Jednak podejście Cézanne'a znacznie odbiega od typowego stylu impresjonistycznego. W przeciwieństwie do swoich impresjonistycznych odpowiedników, intencją Cézanne'a nie jest przedstawienie konkretnego momentu lub uchwycenie ulotnego wrażenia. Zamiast tego dąży do stworzenia spójnej formy, syntezy sceny, która pozostawia trwałe wrażenie w umyśle widza, niemal zamrożone siłą pamięci. Jego artystyczne poszukiwania wykraczają poza zwykłe wrażenia wizualne, dążąc do ujawnienia istotnej prawdy, której nie można uchwycić jedynie poprzez bezpośrednią obserwację. Jak stwierdził sam artysta: "W malarstwie istnieją dwa czynniki: oko i mózg, i oba muszą być zrozumiane. Trzeba pracować nad ich wzajemnym rozwojem: oko do postrzegania natury, a mózg do logicznego organizowania wrażeń, które poprzedzają środki wyrazu". Ambicją Cézanne'a było połączenie percepcji wizualnej z intelektualną interpretacją, pozwalając widzowi na głębsze zrozumienie tematu.

Odkrywanie istoty rzeczywistości

Cézanne przekazał swojemu przyjacielowi i współpracownikowi Émile'owi Bernardowi przekonanie, że artysta powinien podchodzić do natury, rozważając formy cylindra, kuli i stożka. Uważał, że postrzeganie natury wyłącznie za pomocą zmysłów nie jest wystarczające, aby uchwycić jej prawdziwą istotę. Zgodnie z filozofią artystyczną Cézanne'a, intelekt powinien również odgrywać rolę w badaniu i zrozumieniu świata. Wierzył, że pod skomplikowanymi i nieuchwytnymi pozorami rzeczy istnieją ponadczasowe i transcendentne archetypy, służące jako wieczne modele, które artyści mają obowiązek odsłonić. Geometria, ze swoją wszechobecną obecnością, staje się kluczem do odblokowania tej prawdy. Dzięki ponownemu wprowadzeniu geometrii do swojego artystycznego podejścia, malarze mogli nadać swoim postaciom większą monumentalność i podstawowe formy. Kolor również został wykorzystany w konstruktywnym celu, definiując płaszczyzny, zmiany perspektywy, krawędzie, krzywe i zmiany światła. Metodologia Cézanne'a, oparta na tych zasadach, miała daleko idące konsekwencje dla rozwoju późniejszego ruchu kubistycznego.

Wystawy

Wspólna wystawa została zorganizowana przez Courtauld Gallery w Londynie i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku w latach 2010-2011. Wystawa prezentowała obrazy The Card Players wraz z wczesnymi studiami, szkicami i powiązanymi dziełami sztuki. Wystawa odbywała się w Londynie od 21 października 2010 roku do 16 stycznia 2011 roku, a w Nowym Jorku od 9 lutego 2011 roku do 8 maja 2011 roku. Wystawa ta była o tyle znacząca, że stanowiła pierwszą w historii dedykowaną prezentację serii, zawierającą największą kolekcję obrazów Cézanne'a Card Players prezentowanych razem. Wystawa obejmowała dzieła sztuki należące do Courtauld, Metropolitan i Musée d'Orsay. Jednak wersje posiadane przez Fundację Barnesa i prywatną kolekcję zostały zaprezentowane jako wydruki, ponieważ Fundacja Barnesa nie wypożycza swoich dzieł sztuki, a prywatny kolekcjoner odmówił udostępnienia dzieła na wystawę. Oprócz serii The Card Players, na wystawie zaprezentowano również mini-serię znaną jako The Smokers, która obejmowała kilkanaście innych studiów i szkiców. Niestety, spór prawny uniemożliwił wystawienie w Nowym Jorku wersji "Człowieka z fajką" z Muzeum Ermitażu.