Carlos Blanco Artero, Walka byków , 2014. Olej na płótnie, 200 x 180 cm.
Krótka refleksja na temat współczesnego świata sztuki
Wiek XX obfitował w liczne ruchy artystyczne, nurty i wyrażenia, wśród których nie sposób nie wspomnieć kubizmu, dadaizmu, surrealizmu, ekspresjonizmu, pop-artu, sztuki konceptualnej i minimalizmu. Dla porównania, XXI wiek wciąż okazuje się pozbawiony jakiejkolwiek formy znaczącego nurtu artystycznego, ponieważ po mitycznym Andym Warholu artyści uważali się za nieufnych wobec grup kilku samozwańczych elit, preferując orientację głównie konceptualną , zdolny do połączenia nawet fundamentalnie różnych praktyk. W każdym razie, przy wszystkich swoich osobliwościach, artystyczne przejawy naszych czasów wyraźnie odwołują się do panującej „etykiety”, czyli globalizacji, zjawiska, które zrodziło rozległy, trudny do sklasyfikowania świat twórczy, którego celem jest obracanie się głównie wokół „boga”. " pieniądze. Jednak najsłynniejsze nurty XX wieku nadal urzekają świat sztuki współczesnej, w ramach którego artyści często reinterpretują jej cechy stylistyczne, które do dziś służą klasyfikowaniu tych samych dzieł sztuki. W tym kontekście nie sposób nie pomyśleć o kubizmie, jednym z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku, który nadal wywołuje fale w dzisiejszych badaniach nad sztuką.
Georgi Demirev, Magiczny pejzaż II , 2022. Akryl / pastel / ołówek na płycie MDF, 63 x 79 cm.
Maria Tuzhilkina, Świeże kiwi , 2022. Akryl na płótnie lnianym, 50 x 50 cm.
Krótka historia kubizmu
„To, że przez długi czas kubizm nie był rozumiany i że nawet dzisiaj są ludzie, którzy nic w nim nie widzą, nic nie znaczy. Nie czytam po angielsku, angielska książka jest dla mnie pustą książką. Nie oznacza to, że język angielski nie istnieje. Dlaczego miałbym obwiniać kogokolwiek poza sobą, skoro nie mogę zrozumieć tego, o czym nic nie wiem?»
Kultowe, głębokie i zdecydowane słowa Pabla Picassa doskonale nadają się do wprowadzenia w koncepcję kubizmu, ruchu artystycznego opartego głównie na trzech składnikach: geometrii, jednoczesności wielu wizji i chęci oddania „czwartego wymiaru”. Wszystkie te elementy łączą się, tworząc bezprecedensowy światopogląd, ponieważ kubizm jest, pod każdym względem, szczególnym rodzajem „realizmu”. Można wyjaśnić to, co zostało powiedziane, na konkretnym przykładzie: usta każdego wazonu okazują się wyraźnie okrągłe dla oka, ale aby uchwycić je w graficznej reprezentacji perspektywicznej, często robi się je tak, jakby były były owalne. Z drugiej strony kubizm przedstawiałby ją jako koło, przywracając jej prostszą, ale prawdziwą istotę. Ale jak doszło do tej formy „objawienia” najbardziej oryginalnej natury rzeczy? W 1907 roku francuski malarz Georges Braque, odwiedzając pracownię swojego przyjaciela Pabla Picassa, znajdującą się w kultowej dzielnicy Montmartre (Paryż), był dosłownie przytłoczony widokiem jednego z największych arcydzieł hiszpańskiego mistrza, Les Demoiselles d'Avignon (1907). ). To właśnie w osobliwościach tego monumentalnego płótna, naznaczonego załamanymi geometrycznymi płaszczyznami, maskopodobnymi twarzami i kanciastymi ciałami, można doszukiwać się genezy ruchu kubistycznego. W rzeczywistości, po tej wizji malarstwo Braque'a obrało nowy kierunek, co doprowadziło go do stworzenia pewnych „rozłożonych” krajobrazów, które krytyk sztuki Louis Vauxcelles określił jako wykonane za pomocą geometrycznych wzorów przypominających sześcian. Te ostatnie słowa, uważane za pierwsze użycie terminu kostki do opisania tego stylu malarstwa, są najprawdopodobniej odpowiedzialne za narodziny terminu kubizm.
Eugeniusz Iwanow, Niebieska martwa natura , 2020. Olej na płótnie, 60 x 60 cm.
Jean Mirre, Dziennik kubistyczny wg Juana Grisa , 2021. Olej / ołówek na papierze, 30 x 21 cm.
Różne fazy kubizmu
Pierwsza epoka ruchu, położona między ok. 1907 i 1912, znany jest jako kubizm analityczny, kreatywne podejście mające na celu przedstawienie reprezentacji tego samego tematu z kilku punktów widzenia jednocześnie, w którym powstaje spękany, wielowymiarowy efekt, który wyraża się za pomocą ograniczonej palety kolorów. Później, a dokładniej od 1912 roku, nastała faza kubizmu syntetycznego, podczas której Picasso i Braque zaczęli włączać słowa do obrazów, które miały ewoluować w elementy kolaży, których tematem były jaskrawe postacie. Kubizm orficki to z kolei ruch wywodzący się z poprzednich, który, dobrze wyrażany przez twórczość kolektywu Puteaux Group, założonego w 1913 roku przez francuskiego malarza Jacquesa Villona i jego brata Raymonda Duchampa-Villona, objął jeszcze mocniej odcienie i zwiększona abstrakcja. Wreszcie, wraz z nadejściem I wojny światowej, kubizm jako ruch zorganizowany został aresztowany, po części dlatego, że wielu jego członków, w tym Braque, Lhote, de La Fresnaye i Léger, zostało wezwanych do służby wojskowej. Niemniej jednak, w 1917 roku cechy stylistyczne ruchu powróciły w niektórych pracach Picassa, takich jak Trzej muzycy (1921) i Płacząca kobieta (1937) oraz w kilku pracach Braque'a.
Konrad Ziółkowski, Grogis , 2019. Rzeźba metalowa, 30 x 20 x 36cm / 8,00 kg.
Kubizm w twórczości Artmajeura
Tak jak przewidywano, kubizm okazuje się być jedną z XX-wiecznych awangard, które odniosły największy sukces w XXI wieku, co w dużej mierze można znaleźć również w bazie danych Artmajeur, gdzie istnieje wiele dzieł sztuki zgodnych z cechy stylistyczne wspomnianego ruchu. Doskonałym przykładem takiej popularności są obrazy i rzeźby Aket, Martine Camors i Corinne Raynal, które silnie nacechowane są geometrią, równoczesnością wielu wizji i chęcią oddania „czwartego wymiaru”.
Aket, Fortepian , 2022. Akryl na płótnie, 61 x 50 cm.
Aket: Fortepian
Obraz Aket, przedstawiający pianistę zgromadzonego u szczytu rozmachu twórczego, w całkowicie oryginalny i nowatorski sposób interpretuje cechy stylistyczne kubizmu, które koncentrują się w szczególności na cechach somatycznych, włosach i oddaniu perspektywicznym fajka podobizna. Ponadto nijaka i rzadka chromatyczność, sprowadzona wyłącznie do odcieni fioletu, szarości i czerni, z kilkoma akcentami żółtego, najprawdopodobniej odzwierciedla najczystszą intencję kubizmu syntetycznego, czyli użycie wąskiej gamy kolorów w celu aby uniknąć elementów niepokojących dla artysty i widza, których celem jest analiza i badanie oddania rzeczywistego punktu odniesienia. Z drugiej strony, jeśli chodzi o poruszany temat, okazuje się być „kultem” ruchu kubistycznego, gdyż poruszył go już wielki mistrz Picasso w znanym obrazie Trzej muzycy (1921).
Martine Camors, Têtê à têtê, 2010. Rzeźba z brązu, 45 x 30 x 12 cm / 9,50 kg.
Martine Camors: Têtê à têtê
Rzeźba z brązu Martine Camors przedstawia „rozłożone”, „rozdrobnione”, niezwykle geometryczne popiersie kobiety ukrytej za „maską”. W rzeczywistości twarz kukły przypomina twarz bohaterów Les Demoiselles d'Avignon, arcydzieła, które Picasso wykonał, jednocześnie nawiązując do zwyczajów tradycji afrykańskiej. Ponadto hiszpański artysta odziedziczył po nich bezpośredniość, prostotę i syntezę form, często konstruowanych za pomocą figur geometrycznych. Wracając do rzeźby artysty z Artmajeur, wracamy również do twórczości innych znanych mistrzów, takich jak Alexander Archipenko, świetny przykład na sposób dekompozycji ludzkiej twarzy, czy Henri Laurens, punkt odniesienia dla języka geometrycznego. W szczególności można porównać Têtê à têtê z dwoma arcydziełami wspomnianych artystów, mianowicie Head - Self-Portrait (1913) i Femme au Compotier (1920).
Corinne Raynal, Sylvie, 2019. Olej na płótnie lnianym, 80 x 80 cm.
Corinne Raynal: Sylvie
Obraz olejny Corinne Raynal doskonale wpisuje się w cechy stylistyczne, kolorystykę i tematykę badaną przez kubizm, ponieważ praca, stworzona przez ostre odcinki koloru, przypomina, choć w bardzo oryginalny sposób, kultowe Dwa akty Jeana Metzingera. W tym ostatnim obrazie, podobnym tematycznie i „palecie” do Sylvie, francuski mistrz uwiecznił ludzkie ciało, drzewa i skały dokładnie w ten sam sposób. Idąc za jego przykładem, artysta Artmajeur przedstawił bohaterkę swojego dzieła, zanurzając ją w tle, w którym ona sama wtapia się jak kameleon. Na koniec warto podkreślić, że arcydzieło Metzingera jest również legendarne, ponieważ zostało wystawione na pierwszej kubistycznej manifestacji w historii, a mianowicie na Salonie Niepodległych w 1911 w Paryżu, wydarzeniu, które poświęciło ruch szerokiej publiczności. W konsekwencji praca Corinne Raynal, podobna do Two Nudes, może reprezentować hipotetyczny nowy „manifest” współczesnego kubizmu, będący wynikiem połączenia tradycji i innowacji.
Olimpia Gaia Martinelli
