Hieronima Boscha

Hieronima Boscha.

Kim był Hieronim Bosch

Hieronymus Bosch, znany również jako Jheronimus van Aken, był znanym holenderskim malarzem z Brabancji, który żył od około 1450 do 9 sierpnia 1516. Był wybitną postacią wczesnoniderlandzkiej szkoły malarstwa i jest dobrze znany ze swoich niezwykłych przedstawień religijnych motywy i historie. Używając oleju na drewnie dębowym jako głównego medium, Bosch tworzył fantastyczne ilustracje, które często przedstawiały piekło w makabryczny i koszmarny sposób.

Chociaż niewiele wiadomo o życiu osobistym Boscha, istnieją pewne zapisy. Większość życia spędził w miejscowości 's-Hertogenbosch, gdzie urodził się w domu swojego dziadka. Jego rodowe korzenie sięgają Nijmegen i Aachen, co jest widoczne w jego nazwisku „Van Aken”. Wyjątkowy i pesymistyczny styl artystyczny Boscha wywarł głęboki wpływ na sztukę północnoeuropejską w XVI wieku, a Pieter Bruegel Starszy był jego najbardziej znanym uczniem. Dziś Bosch jest uznawany za wysoce indywidualistycznego malarza, który posiadał głębokie zrozumienie ludzkich pragnień i najgłębszych lęków.

Ustalenie autorstwa prac Boscha było trudne, a tylko około 25 obrazów jest mu przypisywanych z całą pewnością, wraz z ośmioma rysunkami. Około sześciu kolejnych obrazów jest pewnie związanych z jego warsztatem. Niektóre z jego najbardziej znanych arcydzieł to tryptyki ołtarzowe, zwłaszcza „Ogród rozkoszy ziemskich”.

Kluczowe idee

Bosch był pionierskim artystą, który wprowadzał do swoich dzieł abstrakcyjne idee, często wykorzystując narracyjną strukturę tryptyku. Eksperci i uczeni zidentyfikowali różne współczesne tematy w jego opowieściach, takie jak kwestie ekologiczne, społeczne i polityczne. Jednak jego najbardziej znane dzieła, zwłaszcza jego wspaniałe arcydzieło, Ogród rozkoszy ziemskich (1490-1510), są wypełnione symboliką religijną i obracają się wokół odwiecznego moralnego konfliktu ludzkości między lekkomyślnością a cnotą.

Uznawany przez wielu za „twórcę demonicznych obrazów” oraz nośnik wizualnego absurdu i kpiny, dzieła Boscha stanowiły poważne wyzwanie dla krytyków i historyków do rozszyfrowania. Jego enigmatyczne obrazy przyniosły mu przydomek „El Bosco” w Hiszpanii, gdzie był bardzo ceniony jeszcze przed XIX-wiecznym odrodzeniem zainteresowania jego sztuką. W rzeczywistości Bosch jest często uważany za „pierwszego surrealistę” i uznany przez znanego psychoanalityka Carla Junga za pionierskiego „odkrywcę nieświadomości”.

W przeciwieństwie do niderlandzkich malarzy, takich jak Jan van Eyck, których styl charakteryzował się gładkim i precyzyjnym malowaniem pędzla, technika artystyczna Boscha jest dynamiczna i różnorodna. Jego żywe pociągnięcia pędzla wykazują niezwykłą energię. Ponadto jego wyjątkowa dbałość o szczegóły wywodzi się z jego wczesnych doświadczeń jako rysownika, co wyróżnia go jako jednego z pierwszych niderlandzkich artystów, którzy tworzyli rysunki jako niezależne dzieła sztuki, a nie wyłącznie szkice przygotowawcze.

Niektórzy historycy podkreślali, że źródłem inspiracji dla wyraźnie surrealistycznych i diabolicznych stworzeń, które zamieszkują dzieła Boscha, są religijne rękopisy pochodzące z okresu od późnego średniowiecza do renesansu. Już w 1605 roku hiszpański mnich José de Sigüenza zauważył, że obrazy Boscha przypominają „księgi o ogromnej mądrości i znaczeniu artystycznym”. Zauważył ponadto, że wszelkie postrzegane absurdy w dziełach sztuki nie były dziełem artysty, ale raczej odbiciem własnych szaleństw i złudzeń ludzkości. Sigüenza uważał obrazy Boscha za malowane satyry, zawierające ostrą krytykę ludzkich grzechów i irracjonalnych zachowań.

Hieronim Bosch, Św. Jan Chrzciciel w medytacji , ok. 1489 r. Olej na desce, 48,5×40 cm. Muzeum Lázaro Galdiano w Madrycie.

Wczesne życie i trening

Jheronimus Anthonissen van Aken urodził się mniej więcej między 1450 a 1456 rokiem (dokładna data jego urodzenia pozostaje niepewna, ale została oszacowana na podstawie autoportretu z około 1508 roku). Był synem Antoniusa van Akena i Aleida van der Mynnema i urodził się w zamożnej rodzinie w rezydencji swojego dziadka w zamożnym i tętniącym życiem kulturalnym mieście 's-Hertogenbosch, które było częścią Księstwa Brabancji w Holandii . Jego dziadek, Johannes Thomaszoon van Aken, był cenionym malarzem w 's-Hertogenbosch na początku XV wieku i stworzył niezwykłą spuściznę artystyczną, ponieważ czworo z pięciorga jego dzieci, w tym Antonius, również zostało malarzami.

Poza tymi szczegółami niewiele wiadomo o wczesnych latach Boscha, z wyjątkiem faktu, że w 1463 roku katastrofalny pożar zniszczył około 4000 domów w 's-Hertogenbosch. Uważa się, że Bosch był świadkiem tego niszczycielskiego wydarzenia, które prawdopodobnie wywarło na niego głęboki wpływ. Historyk sztuki Claire Selvin sugeruje, że ten tragiczny incydent mógł mieć wpływ na późniejsze dzieła Boscha, z których niektóre przedstawiają szalejące pożary w tle, odzwierciedlając trwałe wrażenie destrukcyjnego wydarzenia na artyście.

Jako młody człowiek Jheronimus przyjął imię Bosch jako hołd dla swojego rodzinnego miasta, które było lokalnie znane jako Den Bosch lub „las”. Niestety niewiele wiadomo o jego wyszkoleniu, ponieważ nie pozostawił zeszytów, listów ani innych artefaktów. Jednak zapisy miejskie z s-Hertogenbosch w 1475 roku wskazują, że Hieronim został wymieniony jako członek warsztatu ojca. Można przypuszczać, że sztuki malarskiej nauczył go ojciec, być może z pomocą jednego z wujków. Pomimo tej wiedzy, pochodzenie niezwykłej wyobraźni Boscha pozostaje nieuchwytne.

Około 1480-81 Bosch poślubił Aleid van der Mervenne, córkę kupca. Aleid, która była starsza od Boscha, przywiozła ze sobą znaczny spadek, w tym majątek rodzinny w pobliskim mieście Oirschot, gdzie się osiedlili. Uważa się, że Bosch nigdy nie oddalał się od najbliższego otoczenia i nie podróżował dużo. Według Salvina, dzięki Fischerowi, Bosch skorzystał z zasobów finansowych, ziemi i statusu społecznego, które przyniosły małżeństwo. Wkrótce po ich zjednoczeniu Bosch założył własną pracownię, wyznaczając znaczący punkt zwrotny w swojej karierze niezależnego artysty. To pozwoliło mu nawiązać kontakty z wpływowymi mecenasami, w tym członkami rodziny królewskiej.

W 1486 roku nazwisko i zawód Boscha zostały zapisane w księgach miejskich s-Hertogenbosch, określając go jako Insignis Pictor lub „Distinguished Painter”. Można spekulować, że ponieważ s-Hertogenbosch znajdowało się pod rządami Cesarstwa Rzymskiego, Bosch prawdopodobnie znał sztukę renesansu, która miała wpływ na malarzy flamandzkich. W wieku około 40 lat, w 1488 roku, Bosch wstąpił do Bractwa Matki Bożej, wysoce konserwatywnego stowarzyszenia religijnego składającego się z około 40 wpływowych obywateli 's-Hertogenbosch i 7000 „członków zewnętrznych” rozsianych po całej Europie. Bractwo, którego ojciec Boscha był kiedyś doradcą artystycznym, było oddane Dziewicy i cieszyło się wielkim szacunkiem w całej katolickiej Europie. Uważa się, że niektóre z najwcześniejszych zamówień Boscha na dewocyjne dzieła sztuki pochodziły od Bractwa, chociaż nie jest pewne, czy którekolwiek z tych dzieł przetrwało do dziś.

Jeśli chodzi o jedno z wczesnych znanych dzieł Boscha, Ukrzyżowanie ze świętymi i ofiarodawcą (ok. 1485-90), Fischer sugeruje, że chociaż oryginalne miejsce ekspozycji jest nieznane, obraz służył typowemu celowi zapewnienia zbawienia ofiarodawcy przedstawionemu na klęczeniu przy podstawa krzyża, podobnie jak inne dewocyjne dzieła sztuki z tego okresu. Ten konkretny obraz różni się nieco od reszty prac Boscha, które często zawierają ekscentryczne, dezorientujące i niepokojące kompozycje. Jednak Bosch później zastosował swój charakterystyczny styl do różnych tematów religijnych.

Jednak krytyk sztuki Tim Smith-Laing kwestionuje pogląd, że Bosch był outsiderem lub w jakikolwiek sposób niekonwencjonalny. Podczas gdy niektóre spekulacyjne badania w latach czterdziestych XX wieku próbowały powiązać go z heretyckim kultem seksualnym zwanym Adamitami, aw latach sześćdziesiątych pojawiły się sugestie, że mógł doświadczyć halucynacji po spożyciu pszenicy zanieczyszczonej sporyszem, opinia akademicka głównego nurtu maluje znacznie bardziej konwencjonalny obraz. Nie ma dowodów na poparcie tych teorii i powszechnie uważa się, że Bosch był szanowanym i dobrze prosperującym członkiem społeczeństwa, wyznającym ortodoksyjny katolicyzm. Był bardzo poszukiwany jako malarz dewocyjny, poszukiwany przez różnych mecenasów.

Hieronymus Bosch, Wóz z sianem, Hieronymus Bosch , ok. 1516 r. Olej na desce, 135×200 cm. Muzeum Prado w Madrycie.

Okres dojrzały

Podczas gdy inni artyści z północnej Europy koncentrowali się na przedstawianiu narracji biblijnych, Bosch podszedł do tego samego tematu w niezwykle oryginalny i wyraźny sposób, który ostro kontrastował z dominującym harmonijnym stylem flamandzkim. Wyobraził sobie te historie na nowo dzięki swojej bujnej wyobraźni, przekształcając religijne przypowieści w niezwykłe królestwa fantazji, pełne absurdu i bogatej kościelnej symboliki. To właśnie podczas jego luźno zdefiniowanego „okresu średniego” zaczął się wyłaniać kultowy styl Boscha. Jego prace przedstawiały wykrzywione i zniekształcone postacie, żywe kolory, przerośnięte i złowieszcze liście, a także różne diabły i gady. W tym okresie stworzył dzieła takie jak Św. Hieronim podczas modlitwy (ok. 1485-90), Św. Jan Chrzciciel w rozmyślaniu (1490) oraz ołtarz Św. Jan na Patmos (1490-95), które mogły mieć na zlecenie Bractwa Najświętszej Maryi Panny.

Jednak to Tryptyk Pokłonu Trzech Króli (1494) jest często uważany za jego pierwsze prawdziwe arcydzieło. Wykonane na zlecenie Peetera Scheyfve i Agneese de Gramme z Antwerpii dzieło, przedstawiające Mszę św. Grzegorza, ugruntowało reputację Boscha, mimo że później odbiegało od jego uznanego stylu. Jak zauważył Smith-Laing: „Kiedy Bosch zmarł w 1516 roku, był już jednym z najbardziej znanych malarzy swoich czasów i wkrótce stał się jednym z najczęściej naśladowanych i kopiowanych artystów. Do lat trzydziestych XVI wieku… cała szkoła malarstwa malarze w Antwerpii pojawili się oddani właśnie temu celowi, krystalizując wizjonerski wizerunek Boscha”. Smith-Laing podkreśla, że kiedy „specjaliści od nowoczesnego marketingu” zainteresowali się twórczością Boscha, skupili się przede wszystkim na nim jako na twórcy piekielnych i diabolicznych obrazów, często pomijając jego spokojniejsze i kontemplacyjne prace, takie jak Pokłon Trzech Króli.

Ostatni okres

Niewątpliwie Ogród rozkoszy ziemskich (1490-1510) jest najwspanialszym arcydziełem Boscha i jego najbardziej rozpoznawalnym dziełem. W rzeczywistości dla wielu osób ten obraz jest jedynym skojarzeniem, jakie mają z jego imieniem. W tym momencie swojej kariery styl Boscha osiągnął szczyt, ukazując jego dojrzałą ekspresję artystyczną. Dzieło przedstawia ziemski raj, w którym kreacja i kuszenie kobiety są zestawione z głęboko niepokojącymi i niepokojącymi scenami rozpusty i hedonizmu.

Oniryczna i koszmarna jakość obrazu nabrała legendarnego statusu, wypełnionego licznymi maleńkimi nagimi postaciami ludzkimi, zniekształconymi zwierzętami i groźnymi stworzeniami, które pozornie wyłoniły się z głębi nieograniczonej wyobraźni artysty. Jednak według The Oxford Dictionary of Art and Artists, podczas gdy prace takie jak The Garden of Earthly Delights mają niewiarygodnie żywą siłę wyobraźni i zawierają zawiłe narracje i symbole, motywy leżące u ich podstaw mogą być zwodniczo proste, często zakorzenione w kulturze popularnej ery Boscha , w tym przysłowia i literatura dewocyjna. Słownik zwraca też uwagę, że na płaszczyźnie wizualnej namalowane przez niego monstrualne postaci przypominają osobliwe stwory często spotykane na marginesach średniowiecznych rękopisów oraz groteskowe gargulce zdobiące gotycką architekturę. W rzeczywistości nawet katedra w 's-Hertogenbosch zawiera godne uwagi przykłady tych gargulców.
Oprócz zainteresowania Boscha dwoistością dobra i zła w Bożym wszechświecie, wykazuje on niezwykłą zdolność osiągania harmonii kompozycyjnej i skrupulatną dbałość o szczegóły, która dorównuje malarzom renesansu. Znany historyk sztuki EH Gombrich, odnosząc się do Ogrodu rozkoszy ziemskich, zauważył, że Bosch dokonał czegoś bez precedensu: nadał namacalną formę lękom, które nękały ludzkie umysły w średniowieczu. Osiągnięcie to było możliwe dzięki połączeniu utrzymującego się wpływu starych idei i technik artystycznych dostarczonych przez nowoczesnego ducha renesansu.

Statek głupców, pierwotnie uważany za część tryptyku, jest powszechnie uważany za odpowiedź na publikację niezwykle popularnej książki satyrycznej Sebastiana Branta pod tym samym tytułem w 1494 roku. Podobnie jak Brant, Bosch używał statku (właściwie małej łodzi ) i jego pasażerów jako metafora moralnie skorumpowanego społeczeństwa jako całości. Zgromadzenie żywiołowych biesiadników po raz kolejny pokazuje skojarzenie grzechu z muzyką przez Boscha, chociaż pozostaje niejasne, dlaczego mnich i zakonnica zapewniają muzyczną rozrywkę w tej konkretnej scenie. Nadmiernie długi maszt statku zwieńczony jest dużą gałęzią, na której przycupnęła sowa, symbolizująca grzech, powracający motyw w pracach Boscha. Niektórzy historycy spekulowali, że postać „Człowieka-drzewa” w piekielnym panelu Ogrodu rozkoszy ziemskich była autoportretem artysty, ale jedynym potwierdzonym autoportretem jest rysunek z 1508 roku. powstały osiem lat przed śmiercią Boscha, mogą sugerować świadomość artysty podeszłego wieku i chęć stworzenia artystycznej spuścizny. Bractwo Najświętszej Marii Panny odnotowało, że Bosch zmarł w 1516 r., a pogrzeb odbył się 9 sierpnia w kościele św. Jana w 's-Hertogenbosch.

Pomimo jego niekwestionowanego miejsca w historii sztuki, dorobek Boscha składa się tylko z około 25 obrazów i ośmiu rysunków. Jednym z powodów tej ograniczonej produkcji jest fala niszczenia dzieł sztuki uznanych za niemoralne podczas XVI-wiecznej reformacji protestanckiej. Sześć z jego dzieł zostało nabytych lub skonfiskowanych przez Filipa II z Hiszpanii pod koniec XVI wieku (obecnie znajduje się w Museo del Prado w Madrycie), podczas gdy inne pojawiły się w całej Europie, co zaowocowało fragmentarycznymi i niekompletnymi zapisami historycznymi jednego z najwybitniejszych artystów w historii.

Hieronim Bosch, Sąd Ostateczny, ok. 1486 r. Olej na desce, 99×117,5 cm. Groeningemuseum, Brugia.

Pracuje

Bosch stworzył w sumie co najmniej szesnaście tryptyków, z których osiem zachowało się w całości w stanie nienaruszonym, a kolejnych pięć istnieje we fragmentarycznej formie. Jego dorobek można podzielić na trzy okresy: okres wczesny (ok. 1470-1485), okres środkowy (ok. 1485-1500) i późny (ok. 1500 do śmierci). Większość zachowanych obrazów Boscha, w sumie trzynaście, została ukończona w późnym okresie, a siedem przypisuje się jego średniemu okresowi. Naukowcy z Bosch Research and Conservation Project przeprowadzili badania dendrochronologiczne paneli dębowych, co doprowadziło do dokładniejszego datowania większości obrazów Boscha.

W przeciwieństwie do gładkich powierzchni uzyskanych dzięki wielu przezroczystym szkliwom w tradycyjnym flamandzkim stylu malarstwa, Bosch czasami stosował w swoich pracach bardziej szkicowe podejście. Jego obrazy przedstawiały szorstkie powierzchnie techniką impastową, co odbiegało od pragnienia współczesnych malarzy niderlandzkich, by ukryć efekt pędzla i przedstawić swoje prace jako boskie kreacje.

Chociaż Bosch nie konsekwentnie datował swoje obrazy, podpisał niektóre z nich, chociaż niektóre rzekome podpisy nie są autentyczne. Do dziś zachowało się około dwudziestu pięciu obrazów przypisywanych Boschowi. Pod koniec XVI wieku Filip II z Hiszpanii nabył wiele dzieł Boscha, co doprowadziło do Muzeum Prado w Madrycie, w którym znajdują się obecnie godne uwagi dzieła, takie jak Pokłon Trzech Króli , Ogród rozkoszy ziemskich , Siedem grzechów głównych i Cztery ostatnie rzeczy (malarstwo stołowe) i Tryptyk z sianem.

Bosch używał głównie oleju jako medium do malowania swoich prac na dębowych panelach. Jego paleta była stosunkowo powściągliwa i składała się z popularnych pigmentów dostępnych w jego czasach. Do błękitnego nieba i odległych krajobrazów często używał azurytu. Zielone odcienie na jego obrazach uzyskiwano za pomocą laserunków na bazie miedzi oraz farb wykonanych z malachitu lub grynszpanu, którymi malowano liście i pejzaże na pierwszym planie. Jeśli chodzi o postacie w swoich kompozycjach, Bosch opierał się na ołowiowo-cynowo-żółtym, ochrze i czerwonych pigmentach jeziornych, takich jak karmin czy marzanna.  

Hieronim Bosch, Kuszenie św. Antoniego , ok. 1500-1525. Olej na desce, 70×51 cm. Muzeum Prado w Madrycie.

Niektóre interpretacje

W XX wieku, wraz z ewolucją gustów artystycznych, artyści tacy jak Bosch zyskali większą akceptację na europejskiej scenie artystycznej. W tym czasie niektórzy argumentowali, że na sztukę Boscha wpłynęły heretyckie wierzenia związane z grupami takimi jak katarzy czy Adamici, a także niejasne praktyki hermetyczne. Ta perspektywa znalazła poparcie w fakcie, że Erazm, który miał powiązania z postępową atmosferą religijną w 's-Hertogenbosch i Braćmi Wspólnego Życia, w swoich krytycznych pismach podzielał podobieństwa z Boschem.

Z drugiej strony byli tacy, którzy kontynuowali interpretację dzieła Boscha sięgającą XVI wieku, sugerując, że jego sztuka miała przede wszystkim bawić i urzekać, podobnie jak „grotteschi” włoskiego renesansu. Podczas gdy wcześniejsi mistrzowie przedstawiali fizyczny świat codziennych doświadczeń, Bosch przedstawiał swoim widzom królestwo snów i koszmarów, w którym formy zdawały się zmieniać i przekształcać. Felipe de Guevara w jednym z najwcześniejszych opisów obrazów Boscha opisał go jako „wynalazcę potworów i chimer”. Podobnie Karel van Mander, artysta-biograf z początku XVII wieku, scharakteryzował twórczość Boscha jako zbiór cudownych i osobliwych fantazji, które często były bardziej niepokojące niż przyjemne.

W ostatnich latach uczeni ponownie ocenili artystyczną wizję Boscha i zaczęli postrzegać ją jako mniej fantastyczną, uznając, że jego sztuka odzwierciedla dominujące ortodoksyjne wierzenia religijne jego czasów. Jego przedstawienia ludzkiej grzeszności, a także przedstawienia nieba i piekła są obecnie postrzegane jako zgodne z naukami moralnymi zawartymi w późnośredniowiecznej literaturze i kazaniach. Powszechnie przyjmuje się, że sztuka Boscha miała na celu przekazanie określonych prawd moralnych i duchowych, podobnie jak inne postacie północnego renesansu, takie jak poeta Robert Henryson. Uważa się, że jego obrazy mają celowe i precyzyjne znaczenie symboliczne. Uczeni, w tym Dirk Bax, sugerują, że obrazy Boscha często tłumaczą werbalne metafory i kalambury ze źródeł biblijnych i folklorystycznych na formę wizualną.

Jednak różne interpretacje prac Boscha rodzą istotne pytania o naturę niejednoznaczności w sztuce jego epoki. W ostatnich latach historycy sztuki podkreślali obecność ironii w pracach Boscha, zwłaszcza w „Ogrodzie rozkoszy ziemskich”, zarówno w centralnym panelu przedstawiającym zachwyty, jak i prawym panelu przedstawiającym piekło. Sugerują, aby ta ironia pozwalała na poczucie oderwania zarówno od świata realnego, jak i malowanego świata fantasy, przemawiającego zarówno do konserwatywnych, jak i postępowych widzów.

Joseph Koerner dodaje kolejną warstwę do dyskusji, sugerując, że tajemnicze cechy pracy Boscha wynikają z jego skupienia się na wrogach społecznych, politycznych i duchowych. Symbolika zastosowana przez Boscha jest celowo niejasna, ponieważ ma na celu ukrycie lub wyrządzenie szkody tym wrogom.

Badanie przeprowadzone w 2012 roku sugeruje, że obrazy Boscha skrywają również silną świadomość nacjonalistyczną, służąc jako krytyka zagranicznego rządu cesarskiego burgundzkiej Holandii, zwłaszcza Maksymiliana Habsburga. Według badania, użycie przez Boscha warstwowych obrazów i koncepcji odzwierciedla również jego własną samokaranie, ponieważ przyjmował dobrze płatne zlecenia od Habsburgów i ich przedstawicieli, zdradzając w ten sposób pamięć Karola Śmiałego.

Debaty na temat atrybucji

Dokładna liczba zachowanych dzieł przypisywanych Boschowi była przedmiotem wielu dyskusji wśród uczonych. Tylko siedem obrazów nosi jego podpis, a autentyczność niektórych dzieł przypisywanych mu wcześniej jest niepewna. Kopie i wariacje jego obrazów zaczęły krążyć od początku XVI wieku, a jego charakterystyczny styl miał znaczący wpływ, prowadząc do powszechnego naśladowania przez jego licznych naśladowców.

Z biegiem czasu uczeni stopniowo przypisywali Boschowi mniej prac, ponieważ postęp technologiczny, taki jak reflektografia w podczerwieni, pozwolił na głębsze zbadanie podkładu obrazu. Historycy sztuki z początku i połowy XX wieku, tacy jak Tolnay i Baldass, początkowo zidentyfikowali od trzydziestu do pięćdziesięciu obrazów jako autorstwa Boscha. Późniejsza monografia Gerda Unverfehrta z 1980 roku przypisuje mu dwadzieścia pięć obrazów i 14 rysunków.

Na początku 2016 r., po szeroko zakrojonych badaniach kryminalistycznych przeprowadzonych przez Bosch Research and Conservation Project, kuszenie św. Antoniego, mały panel znajdujący się w Nelson-Atkins Museum of Art, został przypisany samemu Boschowi, obalając jego poprzednie przypisanie do jego warsztat . Bosch Research and Conservation Project podniósł również pytania dotyczące autorstwa dwóch dobrze znanych obrazów, Siedem grzechów głównych w Muzeum Prado i Chrystus niosący krzyż w Muzeum Sztuk Pięknych w Gandawie, sugerując, że mogły one zostać wykonane przez warsztat Boscha, a nie przez artystę osobiście.

5 najlepszych dzieł sztuki

Hieronim Bosch, Siedem grzechów głównych i cztery rzeczy ostateczne , ok. 1500. Olej na drewnie, 120 cm × 150 cm. Muzeum Prado w Madrycie.

Siedem grzechów głównych i cztery ostatnie rzeczy (ok. 1500)

Kontynuując eksplorację tematu Sądu Ostatecznego, obraz Boscha przedstawia Siedem Grzechów Głównych indywidualnie ułożonych wokół centralnego koła z Chrystusem wyłaniającym się z grobu. Cztery rzeczy ostateczne — śmierć, sąd, niebo i piekło — zajmują rogi. Pod Chrystusem tekst ostrzega: „Uważaj, strzeż się, Pan widzi”. Banderol na górze cytuje Powtórzonego Prawa 32:28, podkreślając głupotę tych, którym brakuje zrozumienia, podczas gdy banderol na dole cytuje Powtórzonego Prawa 32:20, wskazując na odwrócenie się Boga od nich. Odsunięcie się od obrazu ujawnia jego symbolikę, z dużym centralnym kołem przedstawiającym Jezusa jako wszechwidzące oko Boga, otoczonym mniejszym kołem przedstawiającym Siedem Grzechów Głównych.

Przedstawienie rzeczy ostatecznych odzwierciedla etapy, przez które dusza przechodzi po śmierci. Na przykład „Śmierć” przedstawia umierającego mężczyznę otrzymującego ostatnie namaszczenie, podczas gdy szkielet, diabeł i anioł czekają na jego odejście, co symbolizuje ostateczny śmiertelny cios, walkę o jego duszę i życie pozagrobowe. W „Niebie” anioł chroni kobietę przed diabłem, a Jezus i jego aniołowie czekają na przybycie sprawiedliwych. W kręgu Grzechów Głównych sceny takie jak „Gniew” przedstawiają walczących ze sobą wieśniaków, „Zazdrość” przedstawia kobietę kuszoną przez bogatego mężczyznę, na oczach jej zazdrosnych rodziców, a „Duma” przedstawia próżną kobietę podziwiającą samą siebie w lustro trzymane przez diabła.

Obraz znajduje się w Museo del Prado w Madrycie, gdzie jest prezentowany jako oryginalne dzieło firmy Bosch. Jednak wokół jego przypisania toczy się debata, chociaż ogólnie przyjmuje się, że powstał w jego warsztacie. Obraz nosi imię Boscha, ale istnieją dowody sugerujące, że uczeń mógł się do niego przyczynić, prawdopodobnie dodając imię Boscha z szacunku lub w celu zwiększenia jego wartości. Biorąc pod uwagę nierówną jakość malowanych postaci i podobieństwo do późniejszych prac Boscha, charakteryzujących się techniką szerokiego pędzla, takich jak Tryptyk z sianem , Museo del Prado sugeruje, że Bosch malował niektóre sceny, podczas gdy uczeń pracował nad innymi.

Hieronymus Bosch, Tryptyk z sianem, ok. 1516. Farba olejna na desce dębowej, 135cm × 200cm. Muzeum Prado w Madrycie.

Tryptyk z sianem (ok. 1512-15)

Zewnętrzne drzwi tryptyku przedstawiają żywą i kolorową scenę znaną jako „Pielgrzymka życia”, odbiegającą od wcześniejszego stylu grisaille, typowego dla zewnętrznych paneli Boscha. Krytyk sztuki Ingrid D. Rowland interpretuje postać na zewnętrznych panelach jako zwykłego człowieka, reprezentującego wyzwania stojące przed fizyczną i duchową podróżą przez życie. Podkreśla się, że do poruszania się po zdradzieckiej drodze egzystencji niezbędna jest stała wiara i czujność. Ten temat pielgrzymki i potencjalnych niebezpieczeństw życia zapowiada rozwijającą się narrację o grzechu w trzech wewnętrznych panelach.

Pierwszy panel wewnętrzny przedstawia wypędzenie nieposłusznych aniołów z Ogrodu Eden jako karę za ich grzechy. Te zbuntowane anioły przechodzą metamorfozę w postacie podobne do owadów, nawiązując do obrazów z pierwszego panelu Sądu Ostatecznego. Centralny panel przedstawia zejście ludzkości do grzesznego świata pod czujnym okiem Chrystusa Odkupiciela. Na dole kadru uczciwi i pokorni robotnicy i rodzice są skontrastowani z tymi trawionymi przez chciwość, gorączkowo chwytającymi się siana, nieświadomi faktu, że wóz z sianem jest prowadzony przez diabelskich szoferów prosto do piekła. W ostatnim panelu Bosch przedstawia swoją niezrównaną wizję piekła, które wciąż jest w budowie. Diabelscy budowniczowie są zajęci budowaniem okrągłej wieży, podczas gdy diabelscy woźnicy dostarczają grzeszników do ich nowej siedziby.

Historyk sztuki Pilar Silva interpretuje ten utwór jako ilustrację tego, jak ludzkość, niezależnie od klasy społecznej czy pochodzenia, zostaje opętana przez pragnienia dóbr materialnych, narażając się na oszustwo i uwiedzenie przez Diabła. Bosch sugeruje, że wyrzeczenie się dóbr ziemskich i przyjemności zmysłowych jest konieczne, aby uniknąć wiecznego potępienia. Obraz oferuje inny rodzaj exemplum, gdyż koncentruje się nie tylko na czynieniu dobra, ale także na unikaniu zła i przestrzeganiu tej zasady przez całe życie. Podczas gdy większość uczonych interpretuje Tryptyk z sianem w kategoriach religijnych i moralistycznych, historyk sztuki Wilhelm Fränger zaproponował alternatywną teorię, sugerując, że te „grzeszne” tryptyki zostały zamówione przez kult misteryjny, a nie przez Kościół katolicki.

Hieronim Bosch, Pokłon Trzech Króli , ok. 1485-50. Olej na desce, 138 cm × 144 cm. Muzeum Prado w Madrycie.

Pokłon Trzech Króli ( ok. 1494)

Tryptyk Boscha daje wczesny wgląd w genialnie oryginalną i moralnie złożoną wizję artysty, przedstawioną w historii Trzech Króli (lub Mędrców) adorujących Dzieciątko Jezus. Nagie Dzieciątko Jezus siedzi na kolanach Maryi Panny, podczas gdy Mędrcy zbliżają się z królewską godnością. Historyk sztuki Pilar Silva zwraca uwagę na wpływ Jana van Eycka na przedstawienie Marii i Jezusa, podczas gdy Bosch prezentuje swoje umiejętności malarskie w luksusowych szatach i ofiarach Trzech Króli. Jego mistrzowskie wykorzystanie drobnych pociągnięć pędzla do tworzenia podświetleń nadaje wygląd delikatnie narysowanych szczegółów.

W przeciwieństwie do typowych XV-wiecznych narracji Objawienia Pańskiego, obraz Boscha przedstawia lekceważących i ciekawskich chłopów lub pasterzy (reprezentujących Izraelitów). Stoją jak obserwatorzy, wyglądając zza zniszczonej ściany stajni, a nawet z dachu.

Jednym z najbardziej charakterystycznych elementów „boschowskich” obrazu jest brodata postać stojąca w stajni, za Mędrcami. Silva opisuje go jako Antychrysta, ubranego w płaszcz, który ledwo zakrywa jego ciało i z przezroczystą zasłoną pod spodem. Postacie w chacie wraz z nim, w tym kobieta przypominająca karykatury Leonarda i ubrana w nakrycie głowy przypominające demony z prac Boscha, emanują groteskowym i złowrogim wyrazem twarzy.

W krajobrazie Silva identyfikuje dom z flagą przedstawiającą łabędzia i gołębnikiem powyżej, co wskazuje, że jest to burdel. Zauważa również mężczyznę ciągnącego konia, na którym małpa jeździ, symbolizującego pożądanie, idącego w kierunku burdelu. Poczucie zagrożenia na obrazie jest dodatkowo wzmocnione w średnim dystansie, gdzie szarżują dwie armie konne. Zidentyfikowani jako żołnierze Heroda w orientalnych nakryciach głowy, są przedstawiani jako szukający Jezusa, aby go zabić. Miasto na horyzoncie symbolizuje Betlejem, a Bosch daje upust swojej wyobraźni, nadając budynkom orientalny wygląd, z wiatrakiem umieszczonym tuż za murami miejskimi.

Hieronim Bosch, Sąd Ostateczny , ok. 1482. Tryptyk olejny na drewnie, 163,7 cm × 242 cm. Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu.

Sąd Ostateczny (1482-1505)

W średniowiecznym kościele koncepcja Sądu Ostatecznego zajmowała ważne miejsce, zaszczepiając wierzącym przekonanie, że jeśli nawet Bóg nie może powstrzymać ich od grzechu, to z pewnością zrobi to strach przed wiecznym potępieniem w ogniu piekielnym. Ta narracja była powtarzana w wielu kazaniach i książkach, ale wyjątkowa wizja Boscha zawsze przedstawiała ją jako scenariusz apokaliptyczny. Encyklopedia World History of Art zwraca uwagę na porównanie podejścia Boscha do stworzenia Ewy i kompozycji Michała Anioła w Kaplicy Sykstyńskiej, zauważając, że chociaż oba dzieła powstały mniej więcej w tym samym czasie, wywołują bardzo różne uczucia. Bosch, odzwierciedlając schyłkową erę średniowiecza w północnej Europie, miał silne poczucie realności ognia piekielnego, podczas gdy Michał Anioł w okresie rozkwitu włoskiego renesansu podkreślał ludzki aspekt tej historii.

Ta konkretna praca, nawiasem mówiąc, największa praca Boscha, prezentuje charakterystyczne pędzle artysty z wypukłym impastem, rzucające wyzwanie dominującej technice malarzy flamandzkich, którzy faworyzowali przezroczystość i gładkie nakładanie farby. Tutaj cuchnąca wyobraźnia Boscha jest w pełni widoczna, ukazując jego fascynację tematem metamorfozy, taką jak anioły przekształcające się w owady, kobieta o nogach jaszczurki, mysz zamieniająca się w jeżozwierza (lub odwrotnie) i groteskowa wiedźma pieczenie ludzi na rożnie. Jednak w przeciwieństwie do wielu innych jego dzieł, ten tryptyk skupia się wyłącznie na niebie i piekle, zaniedbując przedstawienie miejsca pośredniego, takiego jak czyściec, gdzie dusze tradycyjnie miały okazję zastanowić się nad swoimi czynami, zanim ich ostateczny los zbawienia lub potępienia został określony.

Interpretacje sztuki Boscha są różne, niektóre sugerują, że był pod wpływem heretyckich idei, inne sugerują, że ukierunkował panujące w jego czasach niepokoje, a jeszcze inne uważają go za „populistę” lub artystę, który przedstawił jedną z największych biblijnych opowieści moralnych z czasów perspektywa absurdalna (pogląd szczególnie preferowany przez surrealistów). Niezależnie od interpretacji, Światowa historia sztuki podkreśla, że znana historia przedstawiona w pracach Boscha byłaby łatwo zrozumiała, a leżące u jej podstaw przesłanie uwierzyłoby zarówno niepiśmiennym chłopom, jak i wykształconym mieszczanom tamtych czasów. Przyznaje jednak, że niektóre obrazy Boscha musiały być niepokojąco nowe i niepokojące, być może nawet wywoływały uczucie rozpaczy.

Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich , 1490-1510. Olej na dębowych panelach, 205,5 cm × 384,9 cm. Museo del Prado, Madryt.

Ogród ziemskiej rozkoszy (1490-1510)

Najbardziej znane dzieło Boscha zostało zamówione z okazji ślubu córki hrabiego Henryka II z Nassau w Brukseli. Tryptyk miał na celu przedstawienie „korzyści i zagrożeń” małżeństwa poprzez biblijną przypowieść. Lewy panel przedstawia Adama i Ewę w ogrodzie Eden, podczas gdy panel środkowy przedstawia hedonistyczny „raj”. Prawy panel przedstawia żywe przedstawienie płonącego piekła, które czeka na grzeszników i zatwardziałych. Na zewnętrznej obudowie Bosch przedstawia pochodzenie świata, a konkretnie trzeci dzień stworzenia, kiedy powstał ziemski raj, w odcieniach szarości. W lewym górnym rogu przedstawiona jest mała postać Boga z otwartą księgą, której towarzyszy łaciński napis: „Bo powiedział i stało się; rozkazał i stało się”.

W scenie w Ogrodzie Eden młody Bóg przewodniczy małżeństwu Adama i Ewy. Niebiańskie otoczenie jest pełne zwierząt, mitycznych stworzeń, drzew, wody i fantastycznej struktury pływającej po jeziorze. Historyk sztuki Wilhelm Fraenger zauważa fizyczny kontakt między Bogiem, Ewą i Adamem, tworzący nierozerwalne połączenie, przez które przepływa boska moc, tworząc kompleks energii magicznej. Z tej perspektywy scena wizualizuje boskie zjednoczenie między człowiekiem a Bogiem. Na środkowym panelu Bosch ilustruje rozwój Edenu i rozwój ludzkości poprzez radosne świętowanie i przyjemne zajęcia. Po raz kolejny postacie otaczają fantastyczne stworzenia, rośliny, struktury i organiczne strąki.

Nagość postaci wskazuje, że scena rozgrywa się przed wygnaniem z raju. Jednak skupienie się na natychmiastowym samozadowoleniu i uleganie pokusie (symbolizowane przez powracający motyw truskawki) zapowiada sąd ostateczny i zejście do piekieł. Bosch przedstawia mroczny i chaotyczny krajobraz pozbawiony flory i fauny. Liczne instrumenty muzyczne prawdopodobnie symbolizują różne formy grzechu, a dudy symbolizują pożądanie i zmysłowe przyjemności. W centrum sceny stoi jego kultowy „człowiek-drzewo”, być może autoportret, obserwujący świat podobnie jak sam artysta.

Ogród rozkoszy ziemskich na przestrzeni wieków inspirował różnorodne interpretacje. Został opisany jako satyryczny komentarz na temat grzesznej natury ludzkości przez siedemnastowiecznego hiszpańskiego historyka José de Siguenzę , aw XXI wieku historyk sztuki Pilar Silva postrzegał go jako refleksję nad przemijającą naturą ziemskiej próżności. Historyk sztuki Claire Selvin pięknie podsumowała to dzieło, podkreślając zamiłowanie Boscha do humoru i absurdu. Podkreślała wykrzywione i akrobatyczne pozy nagich postaci, udział ptaków i zwierząt w erotycznych hulankach, obecność przytulnych muszli i osłon w różnych kształtach i kolorach. Nawet w makabrycznych scenach zniszczenia po prawej stronie tryptyku można znaleźć lekkomyślność, z gigantycznymi uszami dzierżącymi noże i monumentalnymi instrumentami muzycznymi służącymi jako narzędzia tortur. Ponad 500 lat po stworzeniu Ogród rozkoszy ziemskich nadal urzeka i bawi zarówno historyków sztuki, jak i entuzjastów sztuki, ukazując nieograniczoną wyobraźnię Boscha.

Dziedzictwo

Przez całe życie Boscha jego dzieła były gromadzone w różnych krajach europejskich, co przyniosło mu powszechny podziw i zainspirowało wielu uczniów i naśladowców. Warto zauważyć, że Pieter Bruegel Starszy, nazywany „Drugim Hieronimem”, był pod dużym wpływem podejścia Boscha do malowania pejzaży. Podczas gdy zainteresowanie twórczością Boscha spadło w następnych stuleciach (z wyjątkiem Hiszpanii), w epoce nowożytnej przeżył on odrodzenie. Jego wpływ rozciągał się na ruch surrealistyczny i artystów takich jak Max Ernst, René Magritte, a zwłaszcza Salvador Dalí, który nawet twierdził, że Bosch był pierwszym nowoczesnym artystą. Charakterystyczna formacja skalna przypominająca twarz Dalego z jego słynnego obrazu Wielki Masturbator (1929) została zainspirowana podobną formacją znajdującą się w lewym panelu Ogrodu ziemskich rozkoszy. Leonora Carrington, po zetknięciu się z dziełami Boscha w Museo del Prado w 1939 roku, również czerpała inspiracje z jego słynnych kompozycji. W swojej pracy The Giantess (1947) Carrington umieściła myśliwych w niesamowitym krajobrazie przedstawiającym skrzydlate ryby i marynarzy unoszących się na oceanicznym niebie, przypominającym krajobrazy przedstawione przez Boscha.

Krytyk sztuki Alastair Sooke zwraca uwagę na ciągłą fascynację twórczością Boscha, szczególnie ze względu na jej apokaliptyczny ton, który rezonuje w kontekście globalnych konfliktów i międzynarodowego terroryzmu. Odniesienia do sztuki Boscha można znaleźć w różnych mediach, w tym w filmach, programach telewizyjnych, grach wideo, książkach, a nawet kolekcjach mody. Krytyk sztuki Tim Smith-Laing dodaje, że niewielu, jeśli w ogóle, współczesnych Boschowi może pochwalić się tak trwałą sławą. Jego prace nadal przyciągają liczną publiczność w muzeach, a jego wpływ wykracza daleko poza tradycyjne media, a jego obrazy pojawiają się na różnych przedmiotach, od książek, T-shirtów i pocztówek po akcesoria, takie jak torby na ramię, podkładki pod mysz i etui na telefony. Są nawet buty Dr. Martens z nadrukami jego dzieł.

Streszczenie

Prawdopodobnie najbardziej innowacyjny i zawiły moralnie malarz religijny w północnej Europie, Bosch jest kojarzony przede wszystkim z dziełami sztuki, które mają niepokojąco żywe i senne cechy. Pomimo ograniczonej liczby około 25 zachowanych oryginalnych dzieł, koszmarna symbolika przedstawiona na jego obrazach jest natychmiast rozpoznawalna jako wyraźnie „boschowska” i stała się dominującą cechą gatunku groteskowego. Chociaż Bosch jest niewątpliwie uważany za obrazoburcę, niektórzy historycy sugerowali, że pod jego niepokojącymi obrazami artysta był w rzeczywistości postacią głęboko tradycyjną. Wbrew niespokojnemu nastawieniu wykazał się zdolnością do subtelności i uzupełniał swoje groteskowe kompozycje drobiazgowo wykonanymi dziełami dekoracyjnymi i dewocyjnymi, które ucieleśniały jego głęboko zakorzenione wierzenia chrześcijańskie.