Frida Kahlo, Ranny jeleń, 1946. Olej na masonicie. Kolekcja prywatna.
Jacy artyści przychodzą na myśl, gdy wspominam o Ameryce Łacińskiej? Założę się, że już wyobrażasz sobie słynny unibrow Fridy Kahlo, jej urocze wąsy całujące usta innego znanego malarza: Diego Rivera. Być może wizualizujesz również piękne, pulchne kobiety Fernando Botero, wyróżniające się i wyjątkowe dzięki swoim przerysowanym formom, które głoszą koncepcję uniwersalnego piękna, wywołując jednocześnie radosny uśmiech na twojej twarzy. Ale zaraz! Nie poprzestawaj na tym. Wspólnie odkryjemy, że oprócz tych dobrze znanych postaci, istnieją inni niezastąpieni mistrzowie w historii sztuki latynoamerykańskiej, których koniecznie musisz poznać w naszym top 10!
1. Diego Rivera i muralizm: wizualny głos narodu
Biografia i styl
Diego Rivera (1886-1957) to jeden z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, znany jako założyciel meksykańskiego ruchu muralistów. Znaczące okresy spędził w Europie i Stanach Zjednoczonych. Jego charakterystyczny styl łączy nowoczesne wpływy europejskie i meksykańskie dziedzictwo prekolumbijskie. Używając włoskiej techniki freskowej, poruszał tematy społeczne i historyczne, takie jak nierówności społeczne i losy Meksyku. Wolał murale ze względu na ich publiczną dostępność i wywarł wpływ na sztukę publiczną w Stanach Zjednoczonych. Rivera, marksista i członek Meksykańskiej Partii Komunistycznej, używał sztuki, aby wyrazić swoje zaangażowanie polityczne, przedstawiając chłopów, robotników i postacie rewolucyjne, często wywołując kontrowersje.
Kultowe arcydzieło: „Sen o niedzielnym popołudniu w parku Alameda”
„Sen niedzielnego popołudnia w parku Alameda” celebruje meksykański folklor i historię tego ludu, łącząc rzeczywistość i fantazję w surrealistycznej kompozycji. Rivera opisał tę pracę jako połączenie swoich doświadczeń z dzieciństwa w Alameda Park z epizodami i postaciami historycznymi. Wśród tłumu przedstawionego na muralu można rozpoznać znamienite postacie z historii Meksyku, takie jak Francisco Ignacio Madero, przywódca rewolucji 1910 roku.
W atmosferze naznaczonej ciepłym, otaczającym światłem Śmierć prowadzi żywych i umarłych w powolnej procesji ścieżkami parku. Wybór miejsca akcji nie jest przypadkowy, ale podyktowany faktem, że Rivera jako dziecko spędzał tam dużo czasu z rodziną. Rzeczywiście artysta ma wiele wspomnień z tym miejscem, przywołanych tu z nutą subtelnej melancholii, być może zdeterminowanej nostalgią młodości postrzeganej obecnie jako odległa, potwierdzoną faktem, że artysta przedstawił siebie jako dziesięciolatka chłopak.
W centrum dzieła dominuje jednak La Calavera Catrina, kultowa postać szkieletu stworzona przez rytownika José Guadalupe Posada, aby satyrować próżność europejskiej burżuazji i krytykować zamożne meksykańskie kobiety, które wyrzekły się lokalnych tradycji, aby podążać za europejską modą. Rivera uwiecznił tę postać za pomocą kapelusza z piórami i boa, nawiązując do ikonografii azteckiego bóstwa Quetzalcóatl, kwintesencji symbolu rdzennych korzeni Meksyku. W tym sensie malarz wykorzystał La Calavera Catrina, aby potwierdzić dumę narodową i ciągły wpływ tradycji prekolumbijskich na współczesne społeczeństwo.
Obok głównego bohatera Rivera przedstawił siebie, jak wspomniano wcześniej, jako dziecko trzymające za rękę słynną szkieletową postać, natomiast po przeciwnej stronie José Guadalupe Posada podaje jej ramię.
2. Poza muralami: Rufino Tamayo i sztuka sztalugowa
Biografia i styl
Rufino Tamayo, urodzony 25 sierpnia 1899 roku w Oaxaca de Juárez i zmarły w czerwcu 1991 roku w Mexico City, był wpływowym latynoamerykańskim malarzem i grafikiem. W przeciwieństwie do współczesnych mu artystów, takich jak Diego Rivera, Tamayo unikał w swoich pracach wyraźnych deklaracji politycznych, skupiając się na promowaniu wolności osobistej i uniwersalności sztuki, dzięki czemu zyskał przydomek „Międzynarodowego Meksykanina”. Unikalny styl Tamayo łączył elementy europejskich ruchów awangardowych (realizm, ekspresjonizm, abstrakcja i kubizm) z prekolumbijskim dziedzictwem Meksyku. Preferował malarstwo sztalugowe zamiast murali i używał ograniczonej, ale mocnej palety kolorów, często wykorzystując czyste kolory, takie jak czerwony i fioletowy, aby nadać swoim kompozycjom większą siłę i znaczenie. Dodatkowo Tamayo opracował unikalną technikę druku o nazwie „Mixografia”, znaną z dodawania dotykowej jakości do swoich prac graficznych.
Kultowe arcydzieło: „Kobiety z Tehuantepec”
Jednym z najbardziej znanych arcydzieł Rufino Tamayo jest obraz olejny „Kobiety z Tehuantepec” namalowany w 1939 roku. Dzieło przedstawia kobiety kultury Zapoteków, rozpoznawalne po szczegółach ich ubioru, kolorowym i żywym otoczeniu oraz charakterystycznych tonach ich twarzy. cera. Obraz ten, znajdujący się obecnie w MoMA, zgodnie ze zwyczajem artysty, wykorzystuje ograniczoną i powtarzalną paletę, która podkreśla kontrast pomiędzy stonowanymi tonami ubioru i twarzy.
Wreszcie „Kobiety z Tehuantepec” to mistrzowski przykład zdolności Tamayo do uchwycenia tożsamości kulturowej poprzez mocne obrazy zwykłych ludzi. Kobiety, których rysy świadczą o tradycji, emanują siłą i dumą, odzwierciedlając godność rdzennej kultury Meksyku.
3. Frida Kahlo: Podróż do duszy poprzez sztukę
Biografia i styl
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón urodziła się 6 lipca 1907 roku w mieście Meksyk. Na jej życie głęboko wpłynął poważny wypadek drogowy w 1925 roku, w wyniku którego odniosła chroniczne obrażenia fizyczne, które głęboko wpłynęły na jej twórczość. Frida Kahlo, która zmarła w lipcu 1954 roku w Meksyku, pozostawiła niezatarte dziedzictwo artystyczne i kulturalne. Frida Kahlo słynie z niezwykle osobistych i sugestywnych autoportretów, poruszających tematy tożsamości, bólu i kobiecości. Używając języka wizualnego, który zawiera symbole religijne, mitologiczne i kulturowe, przedstawiła ból fizyczny i psychiczny z niespotykaną dotąd szczerością i głębią. Jej prace często ukazują narządy wewnętrzne, rany i cierpienie, oferując surowy i intymny obraz kondycji człowieka. Frida zrewolucjonizowała także sposób przedstawiania kobiecości w sztuce, podkreślając aspekty życia często ukryte lub uważane za tabu, takie jak aborcja i niepłodność.
Kultowe arcydzieło: „Dwie Fridy”
Obraz „Dwie Fridy” (Las dos Fridas), powstały w 1939 roku, jest jednym z najbardziej znanych i reprezentatywnych dzieł Kahlo. Obraz, znajdujący się w Museo de Arte Moderno w Meksyku, przedstawia dwie wersje artystki siedzącej obok siebie: jedna Frida ma na sobie białą europejską sukienkę, symbolizującą jej bardziej bezbronną i zranioną stronę, z otwartym i krwawiącym sercem. Druga Frida ubrana jest w tradycyjną meksykańską sukienkę, z nienaruszonym sercem na piersi, a w prawej ręce trzyma małe zdjęcie Diego Rivery.
Poprzez tę kompozycję artystka zdaje się wyrażać swój stan emocjonalny podczas bolesnego przejścia od stanu przed do stanu po, od zakochanej Kahlo do nowego siebie, zdecydowanego na rozwód pomimo cierpienia. Obie postacie łączy nie tylko gest trzymania się za ręce, ale także długa żyła łącząca ich serca, przecięta chirurgicznym nożykiem, dzięki któremu krew spływa na ziemię. Symbolizuje to wielką stratę i intensywny ból, spowodowany czym? Przez kolejną nieznośną zdradę Diego, który tym razem uwiódł siostrę artysty.
Niemniej jednak podwójny autoportret podkreśla nie tylko samotność artystki, ale także jej odporność i zdolność do odrodzenia, gdyż jej sztuka staje się środkiem do badania i wyrażania najgłębszych emocji związanych z kobiecością, miłością i cierpieniem. Rzeczywiście, ta praca była niewątpliwie dla malarki sposobem na zgłębienie jej dwóch kontrastujących tożsamości, połączonych złożoną relacją z Diego Riverą, zwięźle ujętą w słowa Kahlo: „Dlaczego nazywam go moim Diego? Nigdy nie był i nigdy nie będzie mój. On należy do siebie.”
4. Tarsila do Amaral: Matka brazylijskiego modernizmu
Biografia i styl
Tarsila do Amaral, urodzona 1 września 1886 w Capivari w Brazylii, a zmarła w styczniu 1973 w São Paulo, jest kluczową postacią brazylijskiego modernizmu. Pochodząca z zamożnej rodziny, studiowała sztukę w Europie i była pod wpływem ruchów awangardowych. Po powrocie do Brazylii w znaczący sposób ukształtowała XX-wieczną brazylijską tożsamość artystyczną. Jej charakterystyczny styl łączy europejski kubizm z brazylijskimi motywami i kolorami, charakteryzując się żywą paletą i uproszczonymi formami. Jako kluczowa postać ruchu antropofagicznego, jej celem była reinterpretacja europejskich wpływów kulturowych z brazylijskiej perspektywy. Jej sztuka modernistyczna porusza tematy tożsamości narodowej, natury i folkloru, często włączając elementy surrealistyczne.
Kultowe arcydzieło: „Abaporu”
Jednym z najbardziej znanych dzieł Tarsila do Amaral jest „Abaporu” namalowany w 1928 roku. Symbolizuje brazylijski modernizm i inspirował ruch antropofagiczny. Obraz przedstawia stylizowaną postać ludzką o zaburzonych proporcjach, z małą głową, długimi ramionami i ogromnymi stopami, siedzącą obok kaktusa. Tytuł, który w języku Tupi-Guaraní oznacza „człowiek, który zjada ludzi”, nawiązuje do kulturowego kanibalizmu.
Nazwę zaproponował poeta Raul Bopp, a obraz stał się centralnym elementem ruchu antropofagicznego, którego celem było dostosowanie obcej kultury do kontekstu brazylijskiego. Pierwotnie został namalowany jako prezent urodzinowy dla męża Tarsili, pisarza Oswalda de Andrade.
Wreszcie „Abaporu” charakteryzuje się jasną paletą kolorów i stylizowanymi formami, co odzwierciedla cel Tarsili, jakim jest synteza wpływów europejskich z brazylijską oryginalnością.
5. Geniusz Botero: piękno i ironia w przesadnych formach
Biografia i styl
Fernando Botero Angulo, urodzony 19 kwietnia 1932 r. w Medellín w Kolumbii, a zmarły we wrześniu 2023 r. w Monako, był światowej sławy kolumbijskim malarzem, rzeźbiarzem i rysownikiem, znanym ze swojego unikalnego stylu „boteryzm”. Jego długa i płodna kariera uczyniła go jednym z najbardziej cenionych artystów Ameryki Południowej. „Boteryzm” charakteryzuje się bujnymi, obszernymi formami, z postaciami ludzkimi i zwierzęcymi, a także przedmiotami, przedstawionymi w okrągły i zmysłowy sposób, często z humorem i wdziękiem. Pomimo krytyki, że jest jedynie „malarzem grubych ludzi”, sztuka Botero obejmuje szeroki zakres tematów, w tym życie codzienne Kolumbii, portrety, martwe natury oraz istotne kwestie polityczne i społeczne, takie jak handel narkotykami w Kolumbii i łamanie praw człowieka przez amerykańskiej armii w Iraku.
Kultowe arcydzieło: „Śmierć Pabla Escobara”
Jednym z najbardziej znanych arcydzieł Fernando Botero jest „Śmierć Pabla Escobara” namalowany w 1999 r. Ten historyczny obraz, utrzymany w typowym dla Botero naiwnym stylu, przedstawia dramatyczny upadek osławionego kolumbijskiego barona narkotykowego Pabla Escobara, wykorzystując charakterystyczny dla Botero styl wolumetryczny przedstaw go jako imponującego i bezbronnego.
Obraz można interpretować na różne sposoby: jako zakończenie mrocznego okresu chaosu i korupcji w historii Kolumbii spowodowanego przez Escobara i kartel z Medellín oraz jako krytykę brutalnej sprawiedliwości i endemicznej przemocy w walce z handlem narkotykami. Botero przedstawia Escobara jako tragicznie ludzkiego człowieka pomimo jego zbrodni, łączącego mistrzostwo techniczne z głębokimi spostrzeżeniami społecznymi i politycznymi. Praca ta podkreśla odwagę Botero w podejmowaniu trudnych tematów i jego umiejętność przekształcania znaczących wydarzeń historycznych w wpływową sztukę.
6. Wizja Wifredo Lama: kubizm, surrealizm i afrykańskie korzenie
Biografia i styl
Wifredo Lam, urodzony 8 grudnia 1902 w Sagua la Grande na Kubie, a zmarł we wrześniu 1982 w Paryżu we Francji, był znaczącym malarzem, który wywarł wpływ na sztukę współczesną XX wieku z perspektywy wielokulturowej i dekolonizującej. Początkowo kształcił się w sztuce akademickiej, później przyjął europejskie techniki awangardowe, rozwijając unikalny styl, który odzwierciedlał jego kubańskie korzenie i doświadczenia w Europie i na Karaibach. Twórczość Lama łączył kubizm i surrealizm z motywami afro-kubańskimi, obejmując tradycje takie jak Santería. Jego sztuka posłużyła jako forma dekolonizacji, wprowadzając motywy afro-karaibskie na międzynarodową scenę artystyczną i rzucając wyzwanie oddzieleniu przez cywilizację zachodnią sztuki „prymitywnej” od sztuki dojrzałej. Jego prace wspierały ruch Négritude, którego celem było odzyskanie i podniesienie tożsamości afrykańskiej w obliczu historycznego ucisku, kolonializmu i polityki asymilacyjnej.
Kultowe arcydzieło: „Dżungla”
Najbardziej kultowe arcydzieło Wifredo Lama, „Dżungla” (1943), słynie z wyjątkowego przedstawienia postaci o twarzach przypominających maski z Afryki lub wysp Pacyfiku, na tle kubańskich pól trzciny cukrowej. Obraz ten ma na celu przekazanie niepokojących konsekwencji niewolnictwa i kolonializmu na Kubie, używając żywej palety kolorów i złożonej mieszanki elementów ludzkich, zwierzęcych i roślinnych w surrealistycznej kompozycji.
Wybór tytułu „Dżungla” przez Lama odzwierciedla chaotyczną i gęstą rzeczywistość życia na plantacjach, symbolizując zamieszanie i ucisk, z jakim borykają się zniewoleni robotnicy. Dżungla służy jako metafora labiryntu wyzysku, cierpienia i oporu na plantacjach.
Znaczenie dzieła podkreśla jego wpływ na francuskiego pisarza Pierre'a Mabille'a, który porównał jego znaczenie do odkrycia perspektywy przez Paolo Uccello.
7. Oswaldo Guayasamín: Mistrz ludzkiej ekspresji
Biografia i styl
Oswaldo Guayasamín, urodzony 6 lipca 1919 w Quito w Ekwadorze, a zmarł w marcu 1999 w Baltimore, był światowej sławy malarzem i rzeźbiarzem, znanym z głębokiego zaangażowania społecznego. Uchwycił ludzkie cierpienie i odporność, zdobywając liczne międzynarodowe wyróżnienia i stając się kluczową postacią sztuki Ameryki Łacińskiej XX wieku. Styl Guayasamína charakteryzuje się instynktowną i dramatyczną ekspresją ludzkiego bólu, przedstawiającą wydłużone, zniekształcone postacie o wyrazistych twarzach. Pod wpływem rdzennych tradycji i latynoamerykańskich realiów społecznych wypracował unikalny język wizualny, łączący elementy ekspresjonistyczne z głęboką ludzką wrażliwością. Jego prace, w których dominują mroczne i ziemiste tony, podkreślają dramatyzm i powagę, skupiają się na niesprawiedliwości społecznej, wojnie i nierównościach, wykorzystując swoją sztukę do potępienia i refleksji.
Kultowe arcydzieło: „Wiek gniewu”
Kultowa seria arcydzieł Oswaldo Guayasamína „Wiek gniewu” (La Edad de la Ira) obejmuje 130 obrazów powstałych na przestrzeni kilkudziesięciu lat w celu potępienia okropności wojny i niesprawiedliwości społecznej. Zapoczątkowany w latach 60. XX wieku i pozostawiony niedokończony jako świadectwo nieustannego konfliktu, serial ilustruje XX wiek jako najbardziej brutalną erę ludzkości, nawiązując między innymi do I wojny światowej, hiszpańskiej wojny domowej i II wojny światowej.
Wśród tych dzieł wyróżnia się „Krzyk” (El Grito), namalowany w 1976 roku. Przedstawia postać wykrzywioną w agonii, o nieproporcjonalnych kształtach i intensywnych czerwonych odcieniach wzmacniających emocjonalny wpływ. Obraz ten żywo oddaje powszechne ludzkie cierpienie i służy jako przejmujący symbol protestu przeciwko przemocy i uciskowi.
8. Z Chile do świata: rewolucja artystyczna Roberto Matty
Biografia i styl
Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, urodzony 11 listopada 1911 r. w Santiago w Chile, a zmarł w listopadzie 2002 r. w Civitavecchia we Włoszech, był znanym chilijskim malarzem i architektem, znanym z syntezy kultur europejskich, amerykańskich i latynoamerykańskich. Jako członek ruchu surrealistycznego i mentor ekspresjonistów abstrakcyjnych rozwinął osobistą wizję eksploracji światów wewnętrznych i zewnętrznych z silną świadomością społeczną. Prace Matty łączą abstrakcję, figurację i wielowymiarowe przestrzenie w złożone krajobrazy. Początkowo związany z surrealizmem, wprowadzał tematy społeczne i polityczne, tworząc wielkoformatowe obrazy o geometrycznych i biomorficznych kształtach, które przekształcają się w dynamiczne postacie. Jego eksploracja nieświadomości poprzez formy abstrakcyjne wywarła wpływ na ekspresjonizm abstrakcyjny, wpływając na artystów takich jak Jackson Pollock i Robert Motherwell.
Kultowe arcydzieło: „Inwazja nocy”
„Inwazja nocy” (1941) Roberto Matty uznawana jest za jedno z jego najbardziej kultowych arcydzieł, ukazujące jego wyjątkowe połączenie surrealizmu i abstrakcji. Obraz przedstawia surrealistyczną i dynamiczną scenę, łączącą oniryczne pejzaże z emocjonalnymi gestami. Zawiera mieszankę geometrycznych i biomorficznych kształtów zawieszonych w pseudokosmicznej przestrzeni, tworząc wrażenie ciągłego ruchu i transformacji. Innowacyjne wykorzystanie wielu perspektyw przez Mattę zwiększa płynność kompozycji, zachęcając widzów do odkrywania żywych kolorów, abstrakcyjnych form i surrealistycznej atmosfery, która zaciera granicę między rzeczywistością a fantazją.
Znana z przesuwania granic percepcji wizualnej sztuka Matty w „Inwazji nocy” wykracza poza konwencjonalną fizykę, oferując alternatywną rzeczywistość, w której zawieszone są normy przestrzenne i czasowe. Jego technika, charakteryzująca się szybkimi pociągnięciami pędzla i warstwowymi kolorami zapewniającymi głębię, przyczynia się do tego efektu. Ponadto obraz sięga do podświadomości i psychologii człowieka, na którą wpływ mają teorie Freuda i Junga. Biomorficzne i geometryczne formy dzieła symbolizują procesy psychiczne i wewnętrzne emocje, a płynność kompozycji odzwierciedla strumień myśli i uczuć.
9. Lygia Clark i ewolucja sztuki nowoczesnej.
Biografia i styl
Lygia Clark (1920-1988) była kluczową postacią brazylijskiej sztuki XX wieku, współzałożycielką ruchu neobetonu. Jej celem było zacieranie granic między sztuką a życiem, promowanie doświadczeń interaktywnych i zmysłowych. Początkowo znana z malarstwa abstrakcyjnego, przeniosła się w stronę form trójwymiarowych, pionierskich w sztuce partycypacyjnej, w której widzowie fizycznie angażują się w dzieło, aby je ukończyć. Jej instalacje często wymagały interakcji dotykowej, zmieniając tradycyjne doświadczenie artystyczne.
Kultowe arcydzieło: „Descoberta da Linha Orgânica” (odkrycie linii organicznej)
„Descoberta da Linha Orgânica” (Odkrycie linii organicznej) to jedno z najbardziej kultowych arcydzieł Lygii Clark, stanowiące punkt zwrotny w jej karierze: początek eksploracji trójwymiarowej przestrzeni i związku między dziełem sztuki a cielesnym doświadczeniem widza .
Na obrazie Clark używa terminu „organiczny” nie do opisania form biologicznych, ale do wskazania linii, która służy jako otwór, przez który widz może wejść do dzieła sztuki. Ta organiczna linia jest porównywalna z funkcjonalnymi liniami ościeżnic w przestrzeni architektonicznej, pełniąc funkcję punktów dostępu i przejścia. Inspirowane twórczością Pieta Mondriana, El Lissitzky'ego i Kazimierza Malewicza prace Clarka wykraczają poza geometryczną abstrakcję.
Według samej artystki jej prace są próbą odnalezienia organicznej przestrzeni w obrazie, stworzenia miejsca, w którym widz może naprawdę wejść w dzieło sztuki i doświadczyć go.
10. Torres-García i konstruktywizm: sztuka uniwersalna Ameryki Łacińskiej
Biografia i styl
Joaquín Torres-García (1874-1949), wpływowy malarz i projektant urugwajski, połączył europejską sztukę współczesną z symbolami prekolumbijskimi. Po latach spędzonych w Europie wrócił do Urugwaju, zakładając wpływową szkołę artystyczną i promując integrację sztuki lokalnej i współczesnej. Jego styl łączy elementy kubistyczne i neoplastyczne z rodzimą estetyką, wykorzystując strukturę siatki i symetrię. Założył ruch „Uniwersalny Konstruktywizm”, którego celem było stworzenie uniwersalnego języka wizualnego z prostymi geometrycznymi kształtami i archetypowymi symbolami.
Kultowe arcydzieło: „Konstruktywny uniwersalizm”
Jednym z najbardziej znanych dzieł Joaquína Torresa-Garcíi jest „Konstruktywny uniwersalizm” – termin obejmujący całą jego filozofię artystyczną, a nie pojedynczy obraz. Wśród tych dzieł wyróżnia się „Konstruktywny z czterema figurami” (1932) jako arcydzieło ucieleśniające uniwersalny konstruktywizm.
Na tym obrazie Torres-García wykorzystuje geometryczną siatkę do ustrukturyzowania płótna, integrując stylizowane postacie i symbole reprezentujące uniwersalne tematy, takie jak człowieczeństwo, kobiecość, słońce i księżyc. Kompozycja zawiera proste kształty, które podkreślają jej ponadczasową i uniwersalną jakość, a elementy inspirowane sztuką prekolumbijską zakotwiczają ją w dziedzictwie kulturowym Ameryki Południowej.
Ostatecznie „Constructive with Four Posts” jest przykładem wizji sztuki Torresa-Garcíi jako języka przekraczającego granice kulturowe i czasowe, ilustrując jego wiarę w fundamentalną jedność ludzkiego doświadczenia.
Olimpia Gaia Martinelli
