"Een besnorde vrouw is altijd populair geweest."

Het oude Italiaanse spreekwoord 'Een vrouw met een snor is altijd populair geweest', oorspronkelijk misschien meer als 'Een dikbuikige vrouw is altijd populair geweest', geeft ons een idee van de populariteit van de snor, zelfs onder vertegenwoordigers van het eerlijkere geslacht. Als we vrouwen met snorren of gezichtshaar en het daarmee samenhangende debat over hun erotische aantrekkingskracht even buiten beschouwing laten, is het de moeite waard om bij de mannelijke tegenhanger de oude gewoonte te benadrukken om gezichtshaar te benadrukken, dat zelfs teruggaat tot het stenen tijdperk, toen feitelijk de meest ontwikkelde apenspecimens hadden snijgereedschap tot hun beschikking. Afgezien van de discussie over de evolutie van de snor in de geschiedenis, die onderhevig is aan meerdere trends en religieuze interpretaties, willen we ons concentreren op de beroemdste meesterwerken uit de kunstgeschiedenis die hem hebben vereeuwigd. Deze intentie zal ons terugbrengen naar de geliefde en langverwachte bebaarde vrouwen, maar ook naar de kunstenaars en onderwerpen met dergelijk gezichtshaar, evenals naar ‘onleesbare’ schilderijen, menselijke gevallen van elke smaak en geslacht, en horrorfilmverhalen. Hier is de top 10!

Top 10!

Salvador Dalí, Zacht zelfportret met gebakken spek, 1941.

1.Salvador Dalí: Zacht zelfportret met gebakken spek (1941)

Laten we beginnen met de meest iconische snor uit de kunstgeschiedenis, ongetwijfeld gepersonifieerd in de surrealistische figuur van Salvador Dali, auteur van Zacht zelfportret met gebakken spek, waarin de schilder zichzelf nauwkeurig heeft afgebeeld met zijn meest typische gezichtshaar gekruld en misschien netjes geknipt. verwijzend naar een parallelle realiteit waarin de zwaartekracht het lichaamshaar niet naar beneden duwt. Afgezien van het bestaan van de fixerende gel beeldt het meesterwerk in kwestie Dali af als een ironisch spook met een amorf en misschien stervend gezicht, dat, ondersteund door krukken, rust op een voetstuk met de inscriptie van de titel van het werk, en op het oppervlak een stukje gebakken spek, verwijzend naar het dagelijkse ontbijtmenu van de meester. Wat de bovengenoemde ironie betreft: zijn grappige identiteit wordt ons juist onthuld door de aanwezigheid van die schattige naar boven gerichte snorren, die, vergelijkbaar met antennes die klaar staan om overal surrealiteit waar te nemen, zijn aanwezigheid in de geest van de kijker fixeren. Hoe het ook zij, de luchthartigheid in kwestie verdwijnt naar de achtergrond als we merken dat de ogen van de schilder niet zijn overschilderd, maar dat er in hun holtes enkele mieren in klimmen, bedoeld om een droevigere interpretatie van het werk te symboliseren. onverbiddelijk verbonden met decadentie, eigenzinnigheid en zwakte.

Marcel Duchamp, LHOOQ, 1919. Kant-en-klaar. Privécollectie, New York.

2. Marcel Duchamp: LHOOQ (1919)

Toen ik hierboven het onderwerp 'misvormde' meesterwerken noemde, stelde ik me letterlijk voor dat Duchamp 's nachts het Louvre binnenstormde om de Mona Lisa te bekladden, waardoor LHOOQ ter wereld kwam, feitelijk zijn duidelijk gerectificeerde ready-made, met als doel nogmaals te bevestigen: de tijdloze aantrekkingskracht van vrouwen met snorren. In feite toont het ontheiligende en ironische werk aan het beroemdste schilderij ter wereld een ongekende versie van de Mona Lisa, die, gemanipuleerd, nu met uitbundige snor en sikje aan ons verschijnt. Dergelijke ironie eindigt niet bij de bovengenoemde herziening van het personage, maar ook bij de titel zelf van het werk van de Franse meester, die moet worden gelezen als een woordspeling in de volle dadaïstische geest. In feite klinkt LHOOQ, wanneer het in het Frans wordt uitgesproken, als 'Elle a chaud au cul', een uitdrukking die ons de figuur van de beeltenis zou doen herzien, die nu moet worden opgevat als een onverzadigbare prostituee met een sterke seksuele lust. Juist door deze provocatie wilde Duchamp het geweten van de kijkers wakker schudden, die vaak betoverd en dronken zijn bij meesterwerken die ze zonder onderscheid aanbidden.

Frida Kahlo, Zelfportret met doornenhalsketting en kolibrie, 1940. Olieverf op doek op masoniet. Harry Ransom Center, Austin, Texas, Austin.

3.Frida Kahlo: Zelfportret met doornhalsketting en kolibrie (1940)

Ik heb dus medelijden met Duchamp, maar de beroemdste besnorde vrouw in de geschiedenis van de kunst blijft nog steeds Frida Kahlo, wier beroemde gezichtshaar, vermengd met haar even bekende unibrow, door alle mensen werd vereeuwigd in het meest begeerde portret. schoonheidsspecialisten ter wereld, die al jaren met een metalen pincet in de hand klaar staan om ieder haartje te verwijderen en ze er met grote voldoening één voor één uit te trekken. Maar op dat moment zullen we allemaal enigszins teleurgesteld zijn, want Kahlo's snor heeft, net als in het geval van Dali, ook bijgedragen aan het maken van de kunstenaar zelf. Wat de beschrijving van het meesterwerk in kwestie betreft, deze komt niet zo ironisch over als mijn tekst, aangezien deze vol pijnlijke symbolische betekenissen is, bedoeld om verder te gaan dan een realistisch verhaal en de gevoelens van de kunstenaar uit te drukken, die, als een zwarte, levenloze vogel, moest een deel van haar leven lijden onder de gevolgen van het busongeluk dat haar leven op achttienjarige leeftijd op zijn kop zette. Alleen al vanaf dit noodlottige moment moest de kunstenaar zo'n vijfendertig chirurgische ingrepen ondergaan, waarvan de littekens, pijnlijk als doornen, hun best deden om haar lichaam te herstellen. De hoop hoefde echter nooit de schilder in de steek te laten, die, ondanks de dramatische wisselvalligheden van haar leven, zichzelf portretteerde tegen de achtergrond van een weelderig natuurlijk landschap, gekenmerkt door de aanwezigheid van grote bladeren, die zichtbaar zijn achter haar figuur.

Amedeo Modigliani: Portret van Paul Guillaume, Novo Pilota (1915). Olieverf op doek, 105×75 cm. Musée de l'Orangerie, Parijs.

4.Amedeo Modigliani: Portret van Paul Guillaume, Novo Pilota (1915)

Modigliani kan persoonlijk geen deel uitmaken van ons verhaal, omdat hij op de foto's en schilderijen waarop hij wordt afgebeeld altijd zo glad lijkt als de huid van een kind vol zalven, klaar om, als een goede Italiaan, alle vrouwen van Montparnasse over hem te laten praten. De hardnekkige vertolker van een weerbarstig genie realiseerde echter het besnorde schilderij van Paul Guillaume, een galeriehouder en kunsthandelaar die zaken deed en vriendschap had met de schilder uit Livorno. Over het portret van Guillaume gesproken: het is belangrijk om te benadrukken hoe het deel uitmaakt van een serie van drie met hetzelfde onderwerp, hoewel we ons zullen beperken tot de beschrijving van het exemplaar in het Musée de l'Orangerie (Parijs). Deze laatste, gedateerd 1915, werd gemaakt in het huis van Beatrice Hasting, precies aan de Rue Norvins (Parijs), een plaats waar ook Emile Zola had gewoond. Maar over stijl gesproken: het werk van de Italiaan vertoont, in het hoekige gezicht van de beeltenis, duidelijke kubistische invloeden, klaar om een personage te vormen, dat ruimte vindt voor een piano, bedoeld om het contact met de achtergrond van de compositie te verbreken. Het werk blijkt enigszins feestelijk te zijn, aangezien Guillaume's achternaam, geschreven in hoofdletters, linksboven op de drager tot uiting komt, linksonder vergezeld van de titel van het schilderij.

Edvard Munch, Zelfportret met skeletarm, 1895. Lithografie.

5.Edvard Munch: Zelfportret met skeletarm (1895)

Er wordt enigszins verwezen naar de snorren in Zelfportret met skeletarm, licht, subtiel, golvend, soms schaars, hoewel ze binnen het portretrepertoire, zowel fotografisch als picturaal, gericht op het uitbeelden van de Noorse meester, een vrij constante aanwezigheid blijken te zijn , maar ook dik, gedefinieerd en dik op het gezicht van de kunstenaar. In het specifieke geval van het werk in kwestie worden ze echter onderdeel van een nogal macabere context, want hoewel de schilder toen nog maar eenendertig jaar oud was, portretteerde hij zichzelf als een spookachtige figuur, expliciet gemaakt door de aanwezigheid van een aantal botten, die zich in het onderste deel van de litho presenteren en fungeren als een herinnering aan de dood. Deze menselijke overblijfselen vinden hun chromatische en gearrangeerde tegenhanger in het bovenste deel van het beeld, klaar om de naam en de datum van de kunstenaar te huisvesten, wat, wanneer geïnterpreteerd in een totaalbeeld, het beeld oproept van een koude grafsteen. Ten slotte zou dit trieste verhaal kunnen worden samengevat en de uiteindelijke verklaring ervan kunnen vinden in de woorden van de schilder zelf, die onthulde: ‘Ziekte, waanzin en dood waren de duistere engelen die mijn wieg bewaakten en mij mijn hele leven volgden. "

Portret van Vlad Hagyak III, circa 1560. Kasteel Ambras in Innsbruck, Oostenrijk.

6. Portret van Vlad Hagyak III, circa 1560

Herinner je je de introductie van de top 10 nog? Oké, wat je antwoord ook is, ik zal je eraan herinneren... Ik had expliciet gesproken over horrorfilmverhalen, die in dit geval van boeken naar een picturaal medium gaan, zoals gebeurt met het Dracula-verhaal. Hoe wist u niet dat graaf Dracula een snor had, zelfs een grote, durf ik te zeggen, zoals blijkt uit het schilderij waarop hij is afgebeeld uit ongeveer 1560, dat door een onbekende auteur wordt bewaard in kasteel Ambras (Innsbruck). Dit laatste zou een kopie zijn van een legendarisch origineel, gemaakt in de tijd dat de Roemeense edelman, soldaat en politicus, geboren in 1431, nog leefde, een tijdsbestek waarin hij zich onderscheidde als een bloeddorstige heerser, een meedogenloze man voor zozeer zelfs dat hij de bijnaam de Spietser kreeg, omdat hij door middel van deze wrede praktijk zijn bitterste vijanden doodde. Oké, maar vanaf hier tot aan het zuigen van bloed is er een groot verschil! Welnu, de bekendste Dracula is het product van de pen van Bram Stoker, een schrijver die zich door de hierboven beschreven figuur liet inspireren om de populaire graaf Dracula, de vampier van Transsylvanië, tot leven te brengen. Nu ik dit punt heb bereikt, stel ik u een retorische vraag: zou u het betreffende schilderij bij u thuis ophangen, of zou u bang zijn beroofd te worden van uw eigen bloed?

Portret van Van Beck door een onbekende schilder.

7. Portret van Van Beck door een onbekende schilder

Terugkerend voor de tweede keer naar de inleiding, had ik ook geanticipeerd op het feit dat ik u menselijke gevallen zou laten zien, dat wil zeggen "overdrijvingen", in dit geval van het bovengenoemde gezegde: "Een besnorde vrouw is altijd populair geweest"! Als vrouwen met snorren erg geliefd zijn, dan zijn misschien wel de echte hartenbrekers degenen die zo harig zijn als apen, zoals de onsterfelijke bekendheid van het onderwerp van het schilderij in kwestie, Barbara van Beck (1629-1668), bewees. Dit laatste 'bijzondere meisje' werd in haar tijd zelfs zeer gewaardeerd, zozeer zelfs dat ze een ondernemer en beroemdheid werd, zeker vanwege de fascinatie die haar werd gegeven door haar aandoening van hypertrichose, ook wel het Ambras-syndroom genoemd. Voor alle duidelijkheid: dit laatste verwijst naar mensen die worden gekenmerkt door overtollig haar vanaf de geboorte, een zeer zeldzame ziekte zonder geografische, etnische of seksuele voorkeur, waarvan wereldwijd ongeveer 40 gevallen zijn gemeld. Terugkomend op het onderwerp Barbara: ze werd geboren in Augusta, waar haar ouders het meisje vanaf jonge leeftijd niet alleen opvoedden, maar haar ook in shows opvoerden. Nu komt echter de volledige bevestiging van mijn stellingen: had Barbara, zo harig, naar jouw mening een oude vrijster kunnen blijven? Absoluut niet! Wie het sierlijke jongetje pakte, was Johan Michael van Beck, een man die ook met haar trouwde met de bedoeling te reizen om haar in sommige shows op te treden. Weet u zeker dat uw vrouw zich niet scheert?

Ana Mendieta in Zonder titel (Glas op lichaamsafdrukken - gezicht) uit 1972.

8.Ana Mendieta: Zonder titel (gezichtshaartransplantaties) (1972/1997)

Een verdere bevestiging van de fascinatie en populariteit van besnorde vrouwen, soms met een baard of geheel behaard, komt ook uit de hedendaagse kunst, gepersonifieerd in de figuur van Ana Mendieta, een in Havana geboren performancekunstenaar, die in Facial Hair Transplants de collectie, montage en assemblage documenteerde. en zelftoepassing van echte baardharen, die door middel van fotografische ondersteuning in het eeuwige verhaal van de kunstgeschiedenis werden vastgelegd. In de praktijk activeerde de kunstenaar, door shots te maken waarin hij de bovengenoemde haren op zijn gezicht liet aanbrengen, naast het muteren van zijn eigen lichaam, een culturele opvatting van dit laatste, klaar om te onthullen hoe seksuele classificaties in feite sociale conventies zijn, gericht op seksualiteit inlijsten en overbepalen. Als gevolg hiervan problematiseerde Mendieta, door de uitleg van gemuteerde seksuele identificatie, dergelijke classificaties, en ontwrichtte hij zelfs de canons van schoonheid waarmee de samenleving opereert, waarbij onderscheid wordt gemaakt tussen vrouwelijk en mannelijk. Een ander doel van deze voorstelling was om het geslacht te veranderen, het lichaam te veranderen zonder angst en vooroordelen, om ook de kracht te demonstreren die inherent is aan haar: de mogelijkheid om de perceptie van de realiteit van dingen te veranderen.

Frans Hals, Banket van de officieren van de Kalivermannenschutterij, Haarlem (1627).

9.Cornelis van Haarlem: Banket van de officieren en ondergeschikten van de Haarlemse Kalivermannenschutterij (1599)

Wat als we ons een prachtige snorstapel voorstellen? Zoveel figuren met snorren en sikjes bij elkaar, verzameld rond een gedekte tafel, maar afgeleid door het kijken naar de vertoning van 's werelds meest harige vrouw, hun onbetwiste liefdesgodin? Oké, haal het gedeelte over de onbetwiste liefdesgodin eruit, want de bijeenkomst in kwestie bestaat, binnen het lange verhaal van de kunstgeschiedenis, inderdaad, maar wordt allemaal bijgewoond door mannen, om precies te zijn de officieren en onderplaatsvervangers in Cornelis van Haarlems schilderij getiteld Banket van de officieren en onderplaatsvervangers van de Haarlemse Kalivermannenschutterij! De laatste leverde twee van dergelijke voorbeelden op, het eerste in 1583 en het tweede, het onderwerp van onze aandacht, in 1599. Beide schilderijen kregen erkenning vanwege hun levendige weergave van de onderwerpen die Cornelis, als lid van hetzelfde gezelschap, namelijk de Haarlemse gezelschap, kenden hun meest karakteristieke levensvreugde. Laten we tot slot zweren bij curiosa: op het exemplaar uit 1583 beeldt de kunstenaar zichzelf af, terwijl hij zichzelf schildert in de persoon met hoed linksboven, terwijl naast hem zijn meester aanwezig is: Pieter Pietersz!

Albrecht Dürer, Zelfportret met bont, 1500. Olieverf op paneel, 67,1 cm x 48,9 cm. Alte Pinakothek, München.

10.Albrecht Dürer: Zelfportret met bont (1500)

De snor in kwestie werd gekozen omdat hij, hoewel hij op het gezicht van een leek rust, verwijst naar dat van een godheid, aangezien de Neurenbergse meester zich voor de compositie van het meesterwerk liet inspireren door het iconografische model van Antonello da Messina's Salvator mundi , waaruit hij de heilige frontale positie van de beeltenis overnam, evenals de omlijsting ervan. Het is belangrijk om te benadrukken dat deze beslissing met volledige kennis van zaken werd genomen door de kunstenaar, die absoluut aan zijn imago de status van kunstenaar-intellectueel wilde toekennen, waarbij hij zijn werk en dat van andere schilders uit zijn tijd volbracht. In feite was het vanaf ongeveer het jaar waarin het Zelfportret met bont werd gemaakt dat schilders culturele hoofdrolspelers werden in het leven van hun tijd, terwijl in de Middeleeuwen het onderscheid tussen schilder en ambachtsman nog niet zo goed was gemaakt. bepaald. Het was zelfs nog eerder, dat wil zeggen in de vijftiende eeuw, dat architectuur, beeldhouwkunst en schilderkunst dankzij Leon Battista Alberti werden erkend als belangrijke kunsten, hoewel pas bij Michelangelo de figuur van de kunstenaar, bevrijd van de opdrachtgever, werd geformaliseerd. . In plaats daarvan wordt Leonardo da Vinci gecrediteerd als de belichaming van een van de eerste meesters die zich bewust waren van zijn intellectuele status. Daarom eindigt onze top tien, na de menselijke en horrorgevallen, met nogal onverwachte toespelingen op het goddelijke, met als doel het picturale instrument in kwestie tot almacht te verheffen.