STILL LIFE N°2 (2021) Fotografie door Séverine Maigre (AERIN m.).
1. Een ander soort vanitas...
Een kleine tafel verlicht door zacht licht herinnert ons aan de onverbiddelijke onzekerheid van ons leven, met op het oppervlak verwelkte bloemen, schedels en een paar luxe bezittingen die volkomen nutteloos zullen blijken als we de drempel van het hiernamaals overschrijden. Deze beschrijving zou kunnen worden afgewisseld met een groot en bijna onbepaald aantal vanitas, stillevens met symbolische elementen die verwijzen naar het thema van de vergankelijkheid van het leven, bedoeld om te dienen als memento mori, dat wil zeggen, een serieuze waarschuwing voor de kortstondige toestand van het menselijk bestaan, althans op deze aarde. Misschien is het mogelijk om te worden beschouwd als een soort vanitas, teruggebracht tot zijn minimale termen en geplaatst in een nogal ongebruikelijke portretcontext, dat soort "postzegel", versierd met een schedel en een bot, dat we kunnen bewonderen gerangschikt op Frida Kahlo's voorhoofd, precies in haar zelfportret uit 1943, getiteld Thinking about death. Deze nieuwe interpretatie van het bovengenoemde genre, nu geïntegreerd in het vooraanzicht van de gelaatstrekken van de schilder, stamt uit een uiterst gekwelde periode van de kunstenaar, die zich door tal van ziekten en complicaties op de proef gesteld voelde als een ter dood veroordeelde. Hoe dan ook, in de oude Mexicaanse cultuur betekent dood ook wedergeboorte tot nieuw leven, zozeer zelfs dat de Frida van het eerder genoemde meesterwerk zich omringde met bloeiende planten, symbolen van de eeuwigheid die haar zullen vergezellen op haar volgende lange reis. Door echter terug te keren naar het concept van de doodstraf en de schilderkunst achter zich te laten voor het fotografische medium, zetten de innovaties van vanitas zich voort in het hedendaagse, via het werk van Mat Collishaw, een Britse kunstenaar die gespecialiseerd is in het gebruik van video en fotografie. creëerde Last Meal on Death Row, een reeks afbeeldingen van de laatste maaltijd gekozen door zeven ter dood veroordeelden, die zijn herschapen in stillevencomposities, die, zonder te verwijzen naar de typische schedels, een nieuwe interpretatie en standpunten bieden over het bovengenoemde genre .
BEAUTYGONE 2 (2023) Fotografie door Edgar Garces.
EEUWIG STILLEVEN... [ EXTRACTION 2 ] (2020)Fotografie door Cédric Zuwala.
2. De explosie...
BOOOOM! Dit geluid, dat ons onmiddellijk doet denken aan een gewelddadige explosie, wordt overweldigend geassocieerd met figuratieve kunst, die dramatische en enigszins gedetailleerde scènes uitbeeldt, of met meesterwerken die het onderwerp opnemen via de meer beknopte taal van stripverhalen. Om het eerste aangehaalde voorbeeld te illustreren, verwijs ik naar George Grosz' Explosion (1917), die, door een stadslandschap af te beelden van kapotgeslagen, brandende huizen, verbrijzelende ramen, halfnaakte dekens, schimmige gezichten en knuffelende personages, de bedoeling nastreefde om enscenering van de verschrikkingen van de Eerste Wereldoorlog. De drama's van de laatste gebeurtenis worden geïnternaliseerd door het gebruik van meerdere perspectieven en intense kleuren, die, door de gevoelens van instabiliteit en gevaar te accentueren, ons terugbrengen naar een heldere interpretatie van de futuristische benadering. Sprekend in plaats van de wereld van stripboeken, is het onmogelijk om niet te denken aan de bekende Explosion (1965-66) van Roy Lichtenstein, wiens poptaal vanaf 1962 gewijd was aan het lenen van afbeeldingen van explosies uit oorlogsstrips om om ze te "transporteren" naar zijn meest iconische schilderijen. Door de tussenkomst van Ori Gersht, een Israëlische beeldende kunstfotograaf, is het 'explosieve fenomeen' naar de meer hedendaagse wereld gekomen, op een onvoorspelbare manier ook in het stillevengenre terechtgekomen, zoals blijkt uit zijn reeks werken die , getiteld Blow Up, portretteert uitgebreide bloemencomposities, gebaseerd op 19e-eeuwse bloemenschilderijen, en vooral die van Henri Fantin-Latour, die zijn vastgelegd door middel van nauwkeurige opnamen, gericht op het vastleggen van het moment waarop ze ontploffen. De ontploffing is echter niet de enige nieuwigheid die dit type stilleven met zich meebrengt, want de nasleep ervan verandert bloemen, het symbool van vrede bij uitstek, in een soort offerlammeren: slachtoffers van een meedogenloze terreur, die, ten onrechte, maar al te vaak haalt uit naar de meest delicate, fragiele en onbewuste levensvormen.
FOTOGRAFIE JEANTURCO NUMMER 1589 (2022) Fotografie door Jean Turco.
3. Nieuwe materialen...
Tot slot neem ik je mee terug naar het beeld van een van de meest klassieke bloemstillevens ooit: Bloemen in een houten vaas van Jan Brueghel de Oude, een meesterwerk uit ca. bloemen werden gelegd en op grootte geordend, zodat onderaan de kleinste exemplaren en bovenaan de grootste werden geplaatst. Hoewel sinds de tijd van de Grieken de eerste kunstbloemen waren bedacht, slim ontleend aan oosterse gebruiken, gebruikten de schilders van de Vlaamse zeventiende eeuw over het algemeen echte planten voor modellen, daarom vraag ik me af: wat als moderne plastic bloemen het meer klassieke stilleven zouden binnendringen? genre? Die nieuwsgierigheid wordt ons ruimschoots geopenbaard door Richard Kuiper, een fotograaf die, geïnspireerd door de Hollandse Gouden Eeuw, en in het bijzonder door de collecties schilderijen van de rijke kooplieden uit die tijd, opdrachten gaf aan meesters als Pieter Claesz, Floris van Dijck, Frans Snyders, Adriaen Coorte en Balthasar van der Ast leggen stillevens van plastic vast, waarmee ze niet alleen de klederdracht aan de kaak stellen, maar ook de wijdverbreide verspreiding van dit schadelijke materiaal voor ons milieu. De analyse van fotografische stillevens gaat door, waarbij het werk van enkele kunstenaars van Artmajeur wordt betrokken, zoals The Imaginati, Ordo Abkao en Sofia Zelenskaya.
A SHOE AS A STILL LIFE WITH FRUITS (2023) Fotografie door The Imaginati.
De Imaginati: Een schoen als stilleven met vruchten
Wat is vernieuwend aan de fotografie van The Imaginati? Om het uit te leggen heb ik Miró nodig! De Spaanse meester maakte, precies in 1937 en terwijl hij in Parijs was, Stilleven met oude schoen, waarin de geïsoleerde objecten, niet op schaal afgebeeld, een ruimtelijk referentiepunt vinden in de achterste, onregelmatige rand van het vlak waarop ze rusten , die kan worden gelezen als een geschatte horizonlijn. Wat de chromatiek betreft, lijkt de kleur van het werk daarentegen enigszins zuur, zeer verzadigd en dissonant, met als doel om, verwijzend naar de eigen woorden van de kunstenaar, een diepe en fascinerende realiteit vast te leggen. In werkelijkheid komen dergelijke apocalyptische tinten echter voort uit de context van de Spaanse burgeroorlog, een gebeurtenis die wordt gesynthetiseerd en geïnternaliseerd door de sterke gevoelens van angst en angst van de kunstenaar, zozeer zelfs dat het schilderij vaak wordt vergeleken met Picasso's rusteloze Guernica. Het werk uit 1937 is een van de vele voorbeelden van schoenen die "passief" zijn weergegeven binnen het stillevengenre, terwijl in Een schoen als een stilleven met vruchten het eerder genoemde object zich daarentegen onderscheidt door zijn "actieve" rol, in dat het niet alleen verschijnt voor wat het is, maar ook een soort container voor fruit wordt, op dezelfde manier gebruikt als een meer gebruikelijke kom. Misschien rechtvaardigt het feit dat de schoen enigszins versleten is, en waarschijnlijk niet erg bruikbaar voor zijn oorspronkelijke functie, de ecologische keuze van de kunstenaar om de oude niet weg te doen, om hem een nieuwe vitale functie te geven. Ten slotte citeer ik de eigen verklaringen van The Imaginati dat de foto een tijdelijk medium vertegenwoordigt: "Een schoen als stilleven met fruit is een originele artistieke creatie die een moderne sneaker combineert met fruit of groenten om een symbiotische compositie te creëren, een alchemie tussen heden en verleden. ."
PRINCESS (2018) Fotografie door Ordo Abkao.
Ordo Abkao: Prinses
De overblijfselen van een T-rex-prinses, of welk ander dinosaurusexemplaar dan ook, verschijnen als de enige en frontale hoofdrolspeler van Abkao's ironische fotografie, in staat om de hoogste adellijke titels toe te schrijven aan een dier dat stierf zelfs vóór de geboorte van de mens en, bijgevolg van deze nieuwste sociale 'erkenningen'. Een soortgelijke "prehistorische" humor is te vinden, ditmaal in beeldhouwkunst, in Felix van Maurizio Cattelan, een skelet gemaakt voor de MCA (Sydney), die, geïnspireerd door de populariteit van de Tyrannosaurus rex tentoongesteld in het Field Museum (Chicago), wilde om zijn dreigende en gigantische figuur te herinterpreteren in een versie van een vriendelijkere en "minzamere" huiskat, waarbij hij de bedoeling nastreeft om de perceptie van het onderwerp uit te dagen en vooraf ingestelde ideeën over artefacten en tentoonstellingen in twijfel te trekken. Wat de naam van de sculptuur betreft, deze is echter geïnspireerd op het bekende stripfiguur Felix de kat, opgeroepen om het jongere publiek te betrekken bij het hedendaagse museumverhaal. Terugkerend naar de kunstenaar in Artmajeur, echter, zijn vanitas, die de meest getrouwe gelijkenis van het roofdier respecteert, maakt zich los van een puur perceptuele bedoeling, en laat eerder zien hoe op de dag van ons overlijden elke eretitel die in het leven is verdiend, volkomen nutteloos zal zijn. .
SPRING (2021) Fotografie door Sofia Zelenskaya.
Sofia Zelenskaja: Lente
Sofia Zelenskaya is een Russische fotograaf die gespecialiseerd is in de weergave van de vrouwelijke figuur, zozeer zelfs dat haar werken, voornamelijk gericht op vrouwelijke thema's, vaak onderzocht in de naaktversie, worden gekenmerkt door een nieuw en visionair licht, bijna onthullende standpunten nog onbekend voor het menselijk oog. In feite plaatst de lentefoto, op een enigszins ongekende manier, een vrouwelijke close-up naast een bloemenportret, waarbij twee genres samensmelten tot een verhaal, dat de affiniteit lijkt te vertellen tussen de delicatesse van de vrouw en die van een bepaalde plant, die zich helemaal onderaan het jukbeen van het model in twee fragmenten splitst. Een "soortgelijk" profiel van een vrouw komt ook voor in een bekend meesterwerk uit de kunstgeschiedenis, dat de vrouwelijke aanwezigheid opnieuw naast het stillevengenre plaatste: ik heb het over Balthus' Stilleven met een figuur (1940), een olieverfschilderij gedomineerd door een compositie van stillevens gerangschikt op een tafel, waarop uiterst rechts een jonge en raadselachtige vrouwenfiguur te zien is, abrupt afgesneden aan de rechterrand van het beeld zodat alleen haar hoofd, handen en een mouw van haar jurk zijn zichtbaar. Dus hoewel het werk van de Poolse meester niet de fysieke "fusie" van vrouw en natuur inhoudt, biedt het ons, net als dat van de kunstenaar van Artmajeur, een bestudeerd perspectief van het vrouwelijk lichaam, dat wordt gebruikt om te tonen en te introduceren , als een soort bediende, de eigenaardigheden van bloemen, fruit, enz.
Olimpia Gaia Martinelli