Inleiding tot het mannelijk naakt
Het vrouwelijk naakt staat sinds het begin van de menselijke beschaving centraal in het kunsthistorische verhaal, dat in zekere zin de veruiterlijking van dit soort lichamelijkheid meer heeft geaccepteerd dan het mannelijk naakt, dat vaak wordt gezien als meer ongeoorloofd en verontrustend, dat wil zeggen, in staat om de ziel van de kijkers te storen. Desalniettemin hebben de grootste meesters aller tijden, meestal mannen, het mannelijk naakt op verschillende manieren gevierd, die, of ze nu eerbiedig of erotisch zijn, een figuurlijk verhaal hebben geconstrueerd, dat zich uitstrekt van de oudste beschavingen tot op de dag van vandaag, een tijdspanne waarin zo'n onderwerp is van een god veranderd in een loutere 'zondaar'. Een dergelijke iconografische evolutie van het mannelijk naakt, vaak een symbool van kracht, macht en viriliteit, maar ook van schoonheid, kwetsbaarheid en seksuele intriges, vond plaats binnen een verhaal dat zich, in zijn toppen van veruitwendiging, uitstrekt van het oude Griekenland tot het hedendaagse keer. Voorafgaand aan deze vroege beschaving had het onderwerp in kwestie de neiging om voornamelijk de vorm aan te nemen van de atleet of de god, zoals de Grieken zich hun godheden voorstelden als menselijk ogende entiteiten waarvan de geïdealiseerde kwaliteiten van fysieke schoonheid onlosmakelijk verbonden waren met de goedheid van de ziel. Deze tendens werd drastisch veranderd tijdens de Middeleeuwen, een historisch moment waarop, zoals verwacht, naaktheid zelfs zondig en gênant werd, omdat het geassocieerd werd met de erfzonde, en dus in staat was om de iconografie van de meer klassieke verheven en wellustige lichamen om te vormen tot eerder lichte en slanke fysionomie, verstoken van de eerdere nadruk op naturalisme. Het volgende moment was dat van de renaissance, waarin een hernieuwd classicisme in de kunsten de overhand kreeg, een trend waarbij het naaktgenre een gelegenheid werd om niet alleen extreem presterende lichamen, maar ook de technische virtuositeit van de kunstenaar te laten zien. De daaropvolgende oprichting van kunstacademies in heel Europa, die plaatsvond in de 16e en 18e eeuw, leidde tot een enigszins gereguleerde en classicistische stijl van afbeelding van het naakt, die bovenal werd geëxternaliseerd door middel van de tekentechniek, destijds beschouwd als het centrale element van een kunstopleiding, waarin het genoemde genre werd vereeuwigd in heroïsche composities, waar het de rol op zich nam van een sterk en uiterst viriel karakter. De nogal 'naturalistische' tendensen van de late 18e eeuw en de 19e eeuw leiden tegen het einde van de laatste periode tot het realisme van Courbet en Millet, standpunten waarin geïdealiseerde mannen plaatsmaken voor meer reële figuren. De echte revolutie komt echter met de 20e-eeuwse avant-gardes, een moment waarop het lichaam niet alleen definitief afstand neemt van de academische taal, maar ook gefragmenteerd raakt in de visie van Picasso of zichzelf presenteert als zeer gekweld in die van Schiele, waarbij het voor altijd afstand doet van de trouw. naar het werkelijke gegeven. Verdere en persoonlijke standpunten komen naar voren met de serialisatie van pop-art en de taal van straatkunst, bewegingen die de veelvoudige en originele gezichtspunten definitief hebben geconsolideerd waarmee het mannelijk lichaam tot op de dag van vandaag wordt afgebeeld. Ten slotte zal de weg die het mannelijke naakt aflegt binnen het eindeloze verhaal van de kunstgeschiedenis worden verkend aan de hand van de volgende classificatie, gericht op het verzamelen van de beste picturale voorbeelden van het genre.
Alexandre Cabanel, De gevallen engel, 1847. Olieverf op doek, 121×190 cm. Musée Fabre, Montpellier.
Top tien: mannelijke naaktschilderijen
10. Alexandre Cabanel, De gevallen engel (1847)
Alexandre Cabanel, een Franse geschiedenis- en genreportretschilder, geboren in 1823, creëerde de olie op canvas in kwestie in 1847, wat resulteerde in een meesterwerk dat erop gericht was de diepste en gemeenste menselijke gevoelens expliciet te maken, terwijl hij de rebellie van Lucifer vereeuwigde, die, uit de hemel geworpen, voelde extreme wrok jegens God de vader. Deze emotie komt tot leven in een klassiek lichaam, perfect om vorm te geven aan de tekst van het boek van de profeet Ezechiël, waarin de engel wordt beschreven als een wezen van volmaakte schoonheid. Ondanks dergelijke statige kenmerken, die ook imposante liggende vleugels vertonen, blijken de echte hoofdrolspelers van het schilderij de ogen van de beeltenis te zijn, die, geaccentueerd door de rechterarm, die het gezicht van de hoofdpersoon gedeeltelijk bedekt, buitengewoon aangrijpend, geladen lijkt. met woede, verontwaardiging, maar ook nat van lijdende tranen, die ons vertellen hoe Lucifer, hoewel lijdend, niet op het punt staat op te geven, maar heel gretig blijkt te zijn om zijn verlangen naar wraak te bevredigen door zich tegen Gods werk te verzetten. In feite wordt het zeer bijbelse verslag in het Oude Testament verteld over hoe Lucifer, Gods mooiste en meest wijze engel geschapen, uit het paradijs werd geworpen in de diepten van de onderwereld, terwijl hij in zijn huilen het laatste overblijfsel van zijn goedheid naar buiten bracht, die hem gaf weg naar een oneindig geladen met haat, kwaadaardigheid en wrok.
Peter Paul Rubens, Prometheus gebonden , 1611-12. Olieverf op doek, 243,5 cm x 209,5 cm. Kunstmuseum van Philadelphia.
9. Peter Paul Rubens, Prometheus gebonden (1611-12)
Het meesterwerk van de Vlaamse meester, gedateerd tussen 1611 en 1612, waarin een dynamisch en lijdend naakt mannelijk lichaam de onbetwiste hoofdrolspeler blijkt te zijn, is het resultaat van meerdere invloeden die de schilder heeft geassimileerd, die aan Tobias Verhaecht de fundamenten van de landschapscompositie ontleende op de achtergrond, terwijl het mythologische tafereel leed onder het model van Adam van Noort, een bekende portrettist van naakten en ongebreidelde beelden van het Nederlandse leven. Over de compositie als geheel gaat het echter om de iconografie van de historieschilderkunst, die Rubens kon bewonderen toen hij samenwerkte met Otto van Veen, waaruit de figuur van een verkorte Prometheus voortkwam, die, dicht bij de kijker geplaatst, ziet ook het aanhalen van klassieke modellen en in het bijzonder Griekse theatraliteit. Men mag echter niet uit het oog verliezen dat de Italiaanse schilderkunst ook invloed had op het eerder genoemde meesterwerk, verwijzend naar de les van de Sixtijnse Kapel van Michelangelo, het tenebrisme van Caravaggio en de vormen van Titiaan. Tot slot wordt de kwelling van Prometheus, een personage uit de mythologie die de hoofdpersoon van het werk is, goed geïllustreerd door een gedicht van Lipsius, een vriend van Rubens' broer, die schreef: "Hier, met haaksnavel, graaft een monsterlijke gier in de lever van Prometheus, die geen rust heeft van zijn kwellingen, want keer op keer nadert de woeste vogel zijn vernieuwende borst en valt hem op een straffende manier aan.... Men zou denken dat hij zou bewegen, dat zijn veren zouden trillen. Horror grijpt de kijkers."
Een van Pierre en Gilles' meerdere mannelijke naakten @pierreetgilles_gilles.
8. Pierre en Gilles, Mercury (2001)
Opnieuw wordt, net als in het meesterwerk hierboven, het naakt in de kunst geëxternaliseerd door te verwijzen naar het perfecte lichaam van een personage ontleend aan de Griekse traditie, in dit geval een godheid: Mercurius, boodschapper afgebeeld van achteren, met de contouren van zijn gezicht in kijken, terwijl hij een slang observeert, die zich rond zijn staf heeft verstrengeld. Zo'n dier hergebruikt daarmee de meer klassieke iconografie van de caduceus, of gevleugelde staf die traditioneel de boodschapper van de goden vergezelt. Over Pierre en Gilles gesproken, het tweetal Franse kunstenaars bracht bovengenoemd werk tot leven door middel van een vierhandige operatie, waarbij de eerste van de twee de foto's maakt en de tweede ze retoucheert met opeenvolgende lagen van verf, gericht op het tot leven brengen van beelden die, tot in de kleinste details bestudeerd, vaak verwijzen naar mythische en religieuze iconografie, geherinterpreteerd met een onstuitbare sensualiteit en een sterk kitscherige invalshoek. De thema's die het duo aansnijdt, zijn voornamelijk pop, met name gerelateerd aan homoseksualiteit, pornografie en religieuze topos, opnieuw bekeken in een "barokke" toonsoort. Wat de kunstgeschiedenis betreft, is een buitengewoon bekend meesterwerk dat de bovengenoemde deo uitbeeldt Giambologna's Flying Mercury-beeld, dat, bewaard in het Bargello Museum in Florence, het bovengenoemde onderwerp afbeeldt terwijl hij zijn linkervoet laat rusten op de wind gegenereerd door Zephyrus. ' mond.
Jean-Hippolyte Flandrin, Jong mannelijk naakt zittend aan zee , 1835-36. Olieverf op doek, 98 cm x 124 cm. Louvre, Parijs.
7. Jean-Hippolyte Flandrin, Jong mannelijk naakt zittend aan zee (1835-36)
Op de zevende plaats vinden we het meesterwerk van een van de belangrijkste neoklassieke exponenten van de Lyon School, de Franse meester Jean-Hippolyte Flandrin, die in Jong mannelijk naakt zittend aan zee een naakte jongeman afbeeldt met zijn armen om zijn benen geslagen. terwijl hij op een rots bij de zee zit, omringd door een uitgestrekte lucht. In deze context is het goed om te benadrukken hoe het gezicht van de hoofdrolspeler, onidentificeerbaar en in halflicht, de kijker ertoe brengt zichzelf te herkennen in het model, wiens houding bedoeld is om herinnering en geïsoleerde reflectie te stimuleren, wat wordt gerealiseerd door het sluiten van zijn ogen. Nog steeds over het onderwerp van het werk, het is opmerkelijk dat het in Rome is gemaakt, dat wil zeggen tijdens de studiereis die de kunstenaar maakte naar aanleiding van zijn overwinning in de Prix de Rome in 1832. Bovendien is het werk, dat zeer bekend is onder Franse kunstcritici, blijft een van de bekendste werken van Flandrin, zozeer zelfs dat het vervolgens werd geïnterpreteerd door fotografen als Wilhelm von Gloeden, Claude Cahun en Robert Mapplethorpe. Ten slotte is Jong mannelijk naakt zittend aan zee ook bekend omdat het sinds de 20e eeuw een populair symbool is geworden van de homoseksuele cultuur.
Egon Schiele, Zittend mannelijk naakt (zelfportret) , 1910. Wenen, Leopold Museum.
6. Egon Schiele, Zittend mannelijk naakt (Zelfportret) (1910)
We zijn tot de expressionistische interpretatie van het naakt gekomen door de analyse van het meesterwerk van Schiele, een meester die bekend staat om zijn interpretatie van dit genre door middel van meerdere zelfportretten, vaak gekenmerkt door de weergave van een extreem beeld van de kunstenaar, die zichzelf vastlegde in brutale en provocerende poses, waarin hij door zijn magere, verwrongen en met spanning beladen lichaam een onhandige, geforceerde houding en bizarre gebaren aannam, waardoor hij meer leek op een levenloze buratto dan op een mens. Het werk uit 1910, dat wordt bewaard in het Leopold Museum in Wenen, is gemaakt door middel van een sterke en decadente expressionistische penseelstreek, die de figuur van de kunstenaar genereert, wiens rechte en beslissende lijnen de spieren en borst van een man beschrijven zonder voeten, met de bedoeling tegen een witte achtergrond te zweven. Bovendien zorgen de onnatuurlijke kronkeling van het lichaam, in combinatie met de groene, gele en bruine tinten van zijn huid ervoor dat Schiele's gelaatstrekken enigszins onnatuurlijk lijken of kenmerkend zijn voor een toestand van ziekte of angst. Wat dat laatste betreft, anticipeerde het meesterwerk in kwestie eigenlijk op het einde van de dagen van de kunstenaar, die een paar jaar later, bijna profetisch, stierf op 28-jarige leeftijd, getroffen door de Spaanse griep, die Wenen in 1918 verwoestte.
Lucian Freud, Naakte man , Achteraanzicht, 1991-92. Olieverf op doek, 182,9 x 137,2 cm. New York, MET. @lucianfreudart.
5. Lucian Freud, Naakte man, achteraanzicht (1991-92)
Met positie nummer vijf komen we bij het Duitse neo-expressionisme, waarbij we de analyse van Naked man, Back view aanpakken, een werk van Lucian Freud waarin de stilistische trekken van de meester, vaak bedoeld om intense composities te creëren die in staat zijn de menselijkheid en fysieke aanwezigheid te onthullen van de beeltenissen, in dit geval samengevat in de kenmerken van Leigh Bowery, het model voor het meesterwerk in kwestie, zijn samengevat. Ondanks Freuds realisme portretteerde hij het eerder genoemde onderwerp, bekend om zijn extravagante kostuums en make-up, zonder enige kleding, terwijl hij gehurkt leek op een kruk die in het atelier van de schilder was geplaatst. In ieder geval werd de waarheidsgetrouwheid bereikt dankzij de nauwkeurigheid waarmee de Duitse schilder de vlezige achterkant van de beeltenis weergaf, die vol "heuvels" en "heuvels" de eigen woorden van de kunstenaar over het bovengenoemde lijkt te schreeuwen picturaal genre: "Ik wil dat schilderen vlees is." Het zijn juist deze laatste woorden die ons in staat stellen de stilistische kenmerken van de kunstenaar uit te werken, wiens werken, gekenmerkt door extreem realisme en de obsessieve zoektocht naar het werkelijke gegeven, soms in onnatuurlijke poses worden afgebeeld om de details te versterken, vaak overdreven. hen, vrienden, familieleden, kennissen en huisdieren.
William Etty, mannelijk naakt, met gestrekte armen , 1828-1830. Olie aan boord. York Museums Trust (York Art Gallery).
4. William Etty, mannelijk naakt, met gestrekte armen (1828-1830)
Ik nodig je uit om je het gigantische karkas van een rund voor te stellen dat aan zijn onderste ledematen aan een houten steun hangt, terwijl het opvalt in een slecht verlichte omgeving, dankzij de openhartigheid en grootsheid van zijn vlees. Nu je het tafereel ziet dat ik heb beschreven, zullen velen van jullie het al in verband hebben gebracht met de bekende Geslachte os van Rembrandt, een werk uit 1655, waarin het onfortuinlijke dier ook als een soort offerlam zou kunnen worden geïnterpreteerd. De houding van de ledematen van de laatste zou op dezelfde manier kunnen herinneren aan die van de lijdende en misschien berouwvolle hoofdrolspeler van Mannelijk naakt, met uitgestrekte armen, een naakt geschilderd door William Etty. Ten tijde van het maken van dit portret, gedateerd omstreeks 1828, studeerde de kunstenaar ondanks zijn hoge status aan de Koninklijke Academie, een context waarin mannelijk naakt, met gestrekte armen, mogelijk bedoeld was om horizontaal te hangen als een portret. model op zijn rug, al is het waarschijnlijker een studie voor een kruisafneming. Tot slot, sprekend over de Britse schilder in kwestie, hij stond bekend om zijn historische schilderijen met naaktfiguren, te vaak beschuldigd van onfatsoenlijkheid.
Jacques Louis David, mannelijk naakt bekend als Patroclus , 1780.
3. Jacques Louis David, mannelijk naakt bekend als Patroclus (1780)
Patroclus, een schilderij van de neoklassieke kunstenaar Jacques Louis David, gemaakt in 1780 en momenteel bewaard in het Musée Thomas Henry in Cherbourg (Frankrijk), is een werk dat velen hebben opgevat als een studie, omdat het gezichtsdetails mist, evenals andere elementen van de compositie, gericht op het hosten van een liggende man met zijn rug naar de kijker gekeerd. Het naakt, ontworpen om een imposante lichaamsbouw te laten zien, terwijl de kunstenaar ook zijn technische vaardigheden kan demonstreren, gebruikt minutieus licht om elk aspect van de geportretteerde figuur te benadrukken. Het bovengenoemde genre, binnen de trend van het neoclassicisme, waarvan David een van de belangrijkste exponenten was, moest worden opgevat als een noodzakelijk hulpmiddel om de hand van de kunstenaar te oefenen en te perfectioneren om het menselijk lichaam te begrijpen, zelfs als in de beginfase van dit proces, tekenen had de voorkeur boven picturale kunst. Ten slotte is het verplicht om enkele basisconcepten van het neoclassicisme te vermelden, aangezien alleen de laatste ons de volledige lezing van het eerder genoemde Franse meesterwerk zal verschaffen. Samenvattend zocht de artistieke stroming in kwestie naar het mooie en het ideale, verwijzend naar de Griekse kunst, die zo hard werkte om gecomponeerde, rustige werken te genereren, met elegante vormen en verre van bizarre en extravagante virtuositeit, te verkrijgen door een rationeel onderzoek. , die moest streven naar eenvoudige vormen, gekenmerkt door bijna geïdealiseerde gratie, evenwicht en kalmte.
Caravaggio, Amor vincit omnia, 1601-1602. Olieverf op doek, 156×113 cm. Gemäldegalerie, Berlino.
2. Caravaggio, Amor vincit omnia (1601-1602)
Op nummer twee kon hij niet anders dan een kunstenaar plaatsen van het kaliber van Caravaggio, bedenker van Amor vincit omnia, een schilderij waarop de Italiaanse schilder met een triomfantelijke uitdrukking een jonge naakte Cupido afbeeldt, terwijl hij wordt betrapt met open vleugels, een boog en een stelletje pijlen in de hand, traditionele symbolen van zijn macht. De triomf van laatstgenoemde attributen wordt ook bevestigd door de oorlogsinstrumenten die nu op de grond staan, alsof ze zijn verslagen door de actie van het edelste gevoel: liefde. Verdergaand met de beschrijving van het canvas, als de positie van de benen van de beeltenis herinnert aan San Bartolomeo in Michelangelo's Laatste Oordeel, herinnert de kinderlijke uitdrukking van liefde, vol anagrammatische dubbelzinnigheid, aan het voorbeeld van de gezichten van Leonardo da Vinci. Daarom inspireerden deze twee meesters waarschijnlijk het meest romantische onderwerp van Caravaggio's hele werk, bedoeld, zoals hierboven verwacht, om een allegorie van de kracht van liefde weer te geven, weergegeven in een barokke stijl, in staat om de werkelijkheid op een naturalistische manier weer te geven en dramatisch aan de dezelfde tijd. Ten slotte kunnen de redenen waarom de kunstenaar dit onderwerp heeft gekozen te wijten zijn aan: Caravaggio zou geïnspireerd kunnen zijn door Vergilius' verzen over liefde in de Bucoliche, of hij wilde gewoon voldoen aan de verzoeken van zijn Genuese klant Vincenzo Giustiniani, historische beschermheer van de schilder.
Michelangelo, De schepping van Adam , 1511. Fresci, 280 cm x 570 cm. Cappella Sistina, Musei Vaticani, Vaticaanstad.
1. Michelangelo, De schepping van Adam (1511)
Op de bovenste trede van het podium vinden we een andere Italiaan, evenals een van de belangrijkste kunstenaars aller tijden, de onsterfelijke Michelangelo Buonarroti, auteur van The Creation of Adam, fresco van de iconische Sixtijnse Kapel (Vaticaanstad, Vaticaanse Musea) , waarin God aan de rechterkant is gepositioneerd, terwijl hij van binnen hangt in een nimbus die wordt ondersteund door engelen en engeltjes. Aan de andere kant van de drager bevindt zich het naakt van onze interesse, bedoeld om Adam, de stamvader van de mensheid, af te beelden, languit liggend op een weiland, geplaatst op een met gras begroeide helling, geplaatst op een achtergrond zonder details. De beslissing om dit laatste personage op de eerste plaats in de ranglijst te plaatsen, komt voort uit het feit dat de naakte Adam, terwijl hij van plan is zijn vingers dicht bij die van God de Vader te brengen, een van de meest iconische gebaren in de geschiedenis van de kunst uitvoert. . Van dit laatste deel is bekend dat Michelangelo het moment wilde vereeuwigen waarop de Schepper, die op het punt staat fysiek in contact te komen met zijn schepsel, zijn uiterste best doet om de levensvonk in hem over te brengen. Zeker, de Italiaanse meester werd geïnspireerd door de zin uit Genesis: "God schiep de mens naar zijn beeld, aangezien de twee lichamen die hij schiep behoorlijk op elkaar lijken, dwz zowel sterk als robuust. Tot slot zou ik de volgende vraag willen stellen: wat als Adam en God eigenlijk van elkaar verwijderd zouden zijn?In dit geval zou de eerste mens op aarde inmiddels een zelfstandig leven zijn begonnen, zijn blik op God gericht houdend, net als een kind dat, terwijl het leert lopen, zich herhaaldelijk omdraait en kijkt voor de zekere blik van zijn vader.
Olimpia Gaia Martinelli