Opere originali di Land Art in vendita

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La land art, detta anche earth art, viene realizzata direttamente nel paesaggio scolpendo o costruendovi strutture di materiali naturali. Gli inizi del movimento ambientalista e la diffusa mercificazione dell'arte americana alla fine degli anni '60 hanno avuto un impatto su idee e opere che erano, a vari livelli, alienate dal mercato dell'arte. Il movimento era uno sviluppo del concettualismo e del minimalismo.

Le principali preoccupazioni del movimento artistico erano la sua opposizione alla commercializzazione delle arti e il suo entusiasmo per il movimento ecologista emergente. Il prevalere del sentimento antiurbano e la sua controbilanciata passione per la vita di campagna coincisero con il movimento artistico. Tra questi impulsi c'erano le aspirazioni spirituali affinché la Terra servisse come casa dell'umanità.

Un metodo basato sul processo di creare arte in cui l'artista avrebbe fatto escursioni nell'ambiente circostante per raccogliere oggetti o eseguire interventi specifici per il sito si è evoluto rapidamente da quella che inizialmente era iniziata come una tendenza nella scultura per incorporare materiali naturali come terra, rocce , e piante. Mentre alcuni artisti hanno creato interventi temporanei e limitati nel paesaggio, altri hanno utilizzato attrezzature meccaniche per il movimento terra per creare i loro lavori di sterro. Per la presentazione nelle gallerie, gli artisti hanno spesso utilizzato fotografie, film e mappe per documentare i loro lavori di sterro. Inoltre, combinando elementi organici dell'ambiente in sculture e installazioni, i land artist hanno creato la land art nelle gallerie.

Storia della Land Art

La land art è stata una protesta contro la "spietata commercializzazione" dell'arte in America negli anni '60 e '70. Tuttavia, la documentazione fotografica veniva spesso esposta negli spazi convenzionali della galleria. Durante questo periodo, i sostenitori della land art rifiutarono il museo o la galleria come sede dell'attività artistica e crearono progetti paesaggistici monumentali che erano al di fuori dell'ambito della tradizionale scultura trasportabile e del mercato dell'arte commerciale. L'arte minimalista e concettuale, così come le tendenze contemporanee come De Stijl, il cubismo, il minimalismo e le opere di Constantin Brâncuși e Joseph Beuys, sono servite da ispirazione per la Land art.

La prima Land art è stata creata alla Skowhegan School of Painting and Sculpture da Douglas Leichter e Richard Saba nel 1967, secondo l'articolo del critico d'arte Grace Glueck sul New York Times. L'improvvisa comparsa della Land art nel 1968 può essere attribuita a una generazione di artisti, la maggior parte dei quali poco più che ventenni, che stavano rispondendo all'aumento dell'attivismo politico dell'anno così come ai movimenti ambientalisti e di liberazione delle donne in rapida crescita.

Un esempio di land art che servì come mezzo per identificare pubblicamente un gruppo di artisti pionieri fu una mostra collettiva del 1968 chiamata "Earthworks" tenutasi alla Dwan Gallery di New York. "Earthworks" ha mostrato la documentazione di progetti site-specific di artisti come Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim e Stephen Kaltenbach poiché alcuni degli artisti in mostra avevano difficoltà a trovare terreni appropriati per il loro lavoro site-specific. Attraverso mappe, foto, lucidi e disegni, la mostra ha catalogato come è stato concettualizzato il loro lavoro. Ironia della sorte, nonostante gli sforzi di questi artisti per rifiutare le istituzioni convenzionali, spesso hanno dovuto accettare finanziamenti da loro per sviluppare i loro progetti.

Robert Smithson era forse l'artista più noto che lavora in questo genere. In risposta al disimpegno del Modernismo dalle questioni sociali, il suo saggio del 1968 "The Sedimentation of the Mind: Earth Projects" ha offerto un quadro critico per il movimento. The Spiral Jetty (1970), che Smithson ha creato come un lungo molo a forma di spirale (1500 piedi) che sporge nel Great Salt Lake nel nord dello Utah, negli Stati Uniti, è il suo pezzo di arte terrestre più noto e probabilmente più famoso. Quanto del lavoro, se del caso, è visibile dipende dai cambiamenti del livello dell'acqua.

Il primo museo americano a presentare una mostra di Earth art, intitolata semplicemente Earth Art, è stato l'Herbert F. Johnson Museum of Art della Cornell University nel febbraio 1969. Le opere d'arte erano esposte al museo e in tutto il campus di Ithaca della Cornell University. , fornendo un luogo per pezzi che in seguito avrebbero continuato a sfidare lo status dell'arte come merce, in particolare quelle installazioni che offuscavano i confini tra il contesto di un oggetto e l'ambiente circostante.

La recessione ha avuto un impatto significativo sul finanziamento dell'arte terrestre a metà degli anni '70. Molti artisti facevano affidamento sugli sponsor per pagare costosi appezzamenti di terreno in modo da poter finire opere su larga scala. Il movimento perse una delle sue figure più significative quando Robert Smithson morì in un incidente aereo nel 1973, e finì. Coloro la cui reputazione è stata costruita sull'arte terrestre, come De Maria, Heizer, Morris e Andre, hanno cambiato il fulcro del loro lavoro per adattarsi a contesti istituzionali e di gallerie. Sebbene concettualmente estranea alle opere d'avanguardia dei pionieri della land art, la parola "land art" è entrata nel mainstream dell'arte pubblica e talvolta viene utilizzata impropriamente per descrivere qualsiasi forma d'arte in natura.

Artisti chiave della Land Art

Roberto Smithson (1938-1973)

Il lavoro pionieristico di Robert Smithson deve essere incluso in qualsiasi analisi della land art. Per creare composizioni scultoree tridimensionali, ha iniziato a combinare vari materiali. Nascono così una serie di lavori "non-sito", in cui all'interno di gallerie vengono collocate sculture di terra e roccia riportate dalle spedizioni. Queste sculture includevano spesso mappe, bidoni, specchi, vetro e neon. I lavori di sterro di Smithson Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) e Amarillo Ramp (1973) sono le sue creazioni più famose (1973). Rimuovendo completamente l'arte dal contesto della galleria e integrandola nel terreno naturale, ha alterato per sempre i concetti precostituiti della forma scultorea nell'arte contemporanea.

Andy Goldsworthy (nato nel 1956)

Andy Goldsworthy è un noto scultore e fotografo di land art che lavora nella e con la natura. La sua produzione può essere classificata in progetti permanenti e temporanei. Questi ultimi sono progettati per svanire alla fine del ciclo di vita e sono costituiti da componenti organici e transitori. Crea una serie di disegni ripetitivi, tra cui spirali, cerchi e linee serpeggianti, da rami, foglie, rocce e ghiaccio. L'effimero al centro di queste iniziative è il riflesso di un'ecologia fragile e di un ambiente naturale in continua evoluzione.

Nancy Holt (1938-2014)

Nonostante sia stata messa in ombra dal suo famoso marito, Robert Smithson, Holt ha creato un corpo di lavoro unico rispetto al suo e con sfumature più futuristiche. Alcuni dei migliori lavori di Holt sono difficilmente presenti quando si utilizza una strategia senza lasciare traccia. Holt ha riconosciuto il legame tra arte ed eco-attivismo prima e più chiaramente degli altri Land Artist.

Maya Lin (nata nel 1959)

Uno dei luoghi più riconoscibili è il Vietnam Veterans Memorial, progettato da Maya Lin a Washington, DC. La sua firma era l'uso di un muro semplice e basso per seguire i contorni del terreno circostante. Il suo approccio minimalista all'arte pubblica comporta l'aggiunta di qualcosa che sembra essere stato aggiunto in seguito ma che comunque si adatta.

Le sue installazioni all'aperto sono caratterizzate da piccole ondate di terra appena percettibili che potrebbero passare inosservate se non le si guarda da una grande altezza o da una grande distanza. La sua ultima attenzione è stata rivolta alle sculture da interni, che evocano intellettualmente e visivamente il terreno ondulato di aree geografiche lontane e conservano un implicito interesse ambientale.

Anna Mendieta (1948-1985)

Una figura influente nello sviluppo della Land Art, in particolare nel modo in cui il corpo umano interagisce e ritorna alla natura, è stata l'artista femminista cubana Ana Mendieta. Mendieta ha prodotto oltre 200 pezzi usando il suo corpo e la terra come mezzo per le sue sculture provocatorie. Il suo lavoro è multistrato, profondamente filosofico e legato a varie tradizioni artistiche, tra cui concettualismo, land art, performance e body art. Mendieta si è affermata come pioniera dell'arte della terra attraverso la sua serie di foto e video Silueta (1973-1980). Per dimostrare il legame indissolubile tra il pianeta e la natura umana, l'artista ha scolpito il suo corpo in diversi paesaggi per il suo progetto.

Walter De Maria (1935-2013)

Nelle sue sculture, installazioni e opere di terra, Walter de Maria utilizza forme geometriche per produrre una successione di ripetizioni che esplorano il legame tra il relativo e l'assoluto. Lighting Field (1977), la sua opera di land art più nota, è una griglia di quadrati di un miglio per un chilometro che è stata collocata in una parte remota del deserto del New Mexico. Quattrocento pali in acciaio inossidabile lucido, alti più di venti piedi e con punte appuntite che definiscono un piano orizzontale, il punto di attrazione dei fulmini, compongono la griglia. Il visitatore può entrare fisicamente nella griglia o osservarla da lontano, in una serie di potenti illusioni ottiche che variano nel tempo e nello spazio, arte, paesaggio e natura si scontrano.

Michael Heizer (nato nel 1944)

Michael Heizer è stato una figura significativa nel movimento della land art. È rinomato per la sua capacità di costruire opere su larga scala ed esplorare l'interazione tra spazio positivo e negativo. Iniziando la sua carriera artistica con una serie di tele curve che chiamò "pittura negativa". Alla fine degli anni '60, creò il suo primo pezzo di terra negativo, che era "Nord, Est, Sud e Ovest". Questo progetto è stato il suo primo tentativo di terrapieno su larga scala, ed è stato realizzato da una serie di buche con forme geometriche scavate nel deserto della Sierra Nevada.

Richard Long (nato nel 1945)

Alla fine degli anni '60, l'artista ha iniziato la sua interazione diretta con la natura utilizzando la sua passeggiata come mezzo, motivato dal desiderio di utilizzare il paesaggio in modi nuovi. Long ha tentato di sovvertire il linguaggio e le aspirazioni dell'arte e portarlo a un livello più basilare, intimo e fondamentale attraverso una sequenza di gesti ripetitivi o lunghe passeggiate solitarie. Il suo obiettivo era quello di esemplificare in se stesso le possibilità di una conversazione genuina tra l'uomo e l'ambiente. Il tempo, lo spazio e la distanza sono i soggetti di questo rivoluzionario progetto di land art concettuale, e vengono espansi su vasta scala.

Dennis Oppenheim (1938-2011)

Insieme a Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson e Oppenheim, la prima generazione di artisti di Land includeva Oppenheim. Negli anni '60, hanno creato questo nuovissimo genere artistico utilizzando la terra stessa come mezzo. I primi interventi di Oppenheim nel mondo naturale, contrariamente a quelli di molti dei suoi contemporanei, presero la forma della rimozione, risalendo al tradizionale principio scultoreo di scolpire, secondo le stesse parole dell'artista, "togliendo piuttosto che aggiungendo". I confini geopolitici, i fusi orari e il degrado naturale sono solo alcuni esempi dei sistemi sociali e naturali a cui si fa riferimento ed evidenziati in Annual Rings (1968), un'opera site-specific. La riproduzione della mappa serve a dimostrare come la mappatura svolga un ruolo nella creazione di confini innaturali e spesso violenti tra gli stati e il fiume, un confine naturale, funge da strumento per questi confini internazionali.

Oppenheim ha messo in discussione "i valori relativi dei sistemi di ordinamento in base ai quali viviamo" giustapponendo elementi naturali con idee artificiali come nazionalità e fusi orari. Allo stesso tempo, artisti della terra come Robert Smithson e Walter de Maria stavano anche producendo Earthworks site specific in cui gli ambienti naturali venivano messi in conflitto con interventi artificiali.

Citazioni di artisti della terra

Roberto Smithson

"I nomi dei minerali e i minerali stessi non differiscono l'uno dall'altro, perché in fondo sia alla materia che all'impronta c'è l'inizio di un numero abissale di fessure. Parole e rocce contengono un linguaggio che segue una sintassi di spaccature e Se guardi abbastanza a lungo qualsiasi parola, la vedrai aprirsi in una serie di faglie, in un terreno di particelle contenenti ciascuna il proprio vuoto.

Andy Goldsworthy

“Non sono un performer ma occasionalmente lavoro deliberatamente in un contesto pubblico. Alcune sculture hanno bisogno del movimento delle persone intorno a loro per funzionare”.

"Anche in inverno una macchia isolata di neve ha una qualità speciale."

Nancy Holt

"Sei un piccolo granello in questo vasto spazio."

Maya Lin

“L'arte è molto complicata perché è quello che fai per te stesso. È molto più difficile per me realizzare quelle opere rispetto ai monumenti o all'architettura. "

Ana Mendieta

"La mia arte si basa sulla convinzione di un'energia universale, che attraversa tutto: dall'insetto all'uomo, dall'uomo allo spettro, dallo spettro alla pianta, dalla pianta alla galassia. Le mie opere sono le vene di irrigazione di questo fluido universale. Attraverso risalgono la linfa ancestrale, le credenze originarie, gli accumuli primordiali, i pensieri inconsci che animano il mondo.

Walter De Maria

"Mi piacciono i disastri naturali e penso che possano essere la più alta forma d'arte che si possa sperimentare".

"Ogni buona opera dovrebbe avere almeno dieci significati."

Michael Heizer

“Un'opera d'arte forte lascia davvero senza parole. Si sentono un po' arrabbiati perché non lo capiscono”.

Riccardo Lungo

“Una scultura, una mappa, una fotografia; tutte le forme del mio lavoro sono uguali e complementari. La conoscenza delle mie azioni, in qualsiasi forma, è l'arte. La mia arte è l'essenza della mia esperienza, non una sua rappresentazione”.

Dennis Oppenheim

“La maggior parte del mio lavoro nasce dalle idee. Di solito riesco a fare solo poche versioni di ogni idea. Land Art e Body Art erano concetti particolarmente forti che consentivano molte permutazioni. Tuttavia, mi sono ritrovato a voler passare a qualcos'altro.

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Per selezionare i dipinti per la tua collezione che si adattano ai tuoi gusti e al tuo stile, puoi utilizzare le opzioni del menu laterale. Selezionando semplicemente opzioni come colore, tema, prezzo, soggetto, la tua selezione verrà aggiornata automaticamente. Puoi anche salvare qualsiasi opera d'arte che ti piace come preferita: questo ti consentirà di conservare i tuoi preferiti personali per un uso futuro. Se hai bisogno di condividere le tue opere con altri, puoi anche rendere pubbliche le tue collezioni, è un modo creativo per condividere la tua arte preferita con altri amanti dell'arte, amici o persino clienti.

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• Come fare la scelta giusta e acquistare l'opera d'arte giusta?
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La land art, detta anche earth art, viene realizzata direttamente nel paesaggio scolpendo o costruendovi strutture di materiali naturali. Gli inizi del movimento ambientalista e la diffusa mercificazione dell'arte americana alla fine degli anni '60 hanno avuto un impatto su idee e opere che erano, a vari livelli, alienate dal mercato dell'arte. Il movimento era uno sviluppo del concettualismo e del minimalismo.

Le principali preoccupazioni del movimento artistico erano la sua opposizione alla commercializzazione delle arti e il suo entusiasmo per il movimento ecologista emergente. Il prevalere del sentimento antiurbano e la sua controbilanciata passione per la vita di campagna coincisero con il movimento artistico. Tra questi impulsi c'erano le aspirazioni spirituali affinché la Terra servisse come casa dell'umanità.

Un metodo basato sul processo di creare arte in cui l'artista avrebbe fatto escursioni nell'ambiente circostante per raccogliere oggetti o eseguire interventi specifici per il sito si è evoluto rapidamente da quella che inizialmente era iniziata come una tendenza nella scultura per incorporare materiali naturali come terra, rocce , e piante. Mentre alcuni artisti hanno creato interventi temporanei e limitati nel paesaggio, altri hanno utilizzato attrezzature meccaniche per il movimento terra per creare i loro lavori di sterro. Per la presentazione nelle gallerie, gli artisti hanno spesso utilizzato fotografie, film e mappe per documentare i loro lavori di sterro. Inoltre, combinando elementi organici dell'ambiente in sculture e installazioni, i land artist hanno creato la land art nelle gallerie.

Storia della Land Art

La land art è stata una protesta contro la "spietata commercializzazione" dell'arte in America negli anni '60 e '70. Tuttavia, la documentazione fotografica veniva spesso esposta negli spazi convenzionali della galleria. Durante questo periodo, i sostenitori della land art rifiutarono il museo o la galleria come sede dell'attività artistica e crearono progetti paesaggistici monumentali che erano al di fuori dell'ambito della tradizionale scultura trasportabile e del mercato dell'arte commerciale. L'arte minimalista e concettuale, così come le tendenze contemporanee come De Stijl, il cubismo, il minimalismo e le opere di Constantin Brâncuși e Joseph Beuys, sono servite da ispirazione per la Land art.

La prima Land art è stata creata alla Skowhegan School of Painting and Sculpture da Douglas Leichter e Richard Saba nel 1967, secondo l'articolo del critico d'arte Grace Glueck sul New York Times. L'improvvisa comparsa della Land art nel 1968 può essere attribuita a una generazione di artisti, la maggior parte dei quali poco più che ventenni, che stavano rispondendo all'aumento dell'attivismo politico dell'anno così come ai movimenti ambientalisti e di liberazione delle donne in rapida crescita.

Un esempio di land art che servì come mezzo per identificare pubblicamente un gruppo di artisti pionieri fu una mostra collettiva del 1968 chiamata "Earthworks" tenutasi alla Dwan Gallery di New York. "Earthworks" ha mostrato la documentazione di progetti site-specific di artisti come Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim e Stephen Kaltenbach poiché alcuni degli artisti in mostra avevano difficoltà a trovare terreni appropriati per il loro lavoro site-specific. Attraverso mappe, foto, lucidi e disegni, la mostra ha catalogato come è stato concettualizzato il loro lavoro. Ironia della sorte, nonostante gli sforzi di questi artisti per rifiutare le istituzioni convenzionali, spesso hanno dovuto accettare finanziamenti da loro per sviluppare i loro progetti.

Robert Smithson era forse l'artista più noto che lavora in questo genere. In risposta al disimpegno del Modernismo dalle questioni sociali, il suo saggio del 1968 "The Sedimentation of the Mind: Earth Projects" ha offerto un quadro critico per il movimento. The Spiral Jetty (1970), che Smithson ha creato come un lungo molo a forma di spirale (1500 piedi) che sporge nel Great Salt Lake nel nord dello Utah, negli Stati Uniti, è il suo pezzo di arte terrestre più noto e probabilmente più famoso. Quanto del lavoro, se del caso, è visibile dipende dai cambiamenti del livello dell'acqua.

Il primo museo americano a presentare una mostra di Earth art, intitolata semplicemente Earth Art, è stato l'Herbert F. Johnson Museum of Art della Cornell University nel febbraio 1969. Le opere d'arte erano esposte al museo e in tutto il campus di Ithaca della Cornell University. , fornendo un luogo per pezzi che in seguito avrebbero continuato a sfidare lo status dell'arte come merce, in particolare quelle installazioni che offuscavano i confini tra il contesto di un oggetto e l'ambiente circostante.

La recessione ha avuto un impatto significativo sul finanziamento dell'arte terrestre a metà degli anni '70. Molti artisti facevano affidamento sugli sponsor per pagare costosi appezzamenti di terreno in modo da poter finire opere su larga scala. Il movimento perse una delle sue figure più significative quando Robert Smithson morì in un incidente aereo nel 1973, e finì. Coloro la cui reputazione è stata costruita sull'arte terrestre, come De Maria, Heizer, Morris e Andre, hanno cambiato il fulcro del loro lavoro per adattarsi a contesti istituzionali e di gallerie. Sebbene concettualmente estranea alle opere d'avanguardia dei pionieri della land art, la parola "land art" è entrata nel mainstream dell'arte pubblica e talvolta viene utilizzata impropriamente per descrivere qualsiasi forma d'arte in natura.

Artisti chiave della Land Art

Roberto Smithson (1938-1973)

Il lavoro pionieristico di Robert Smithson deve essere incluso in qualsiasi analisi della land art. Per creare composizioni scultoree tridimensionali, ha iniziato a combinare vari materiali. Nascono così una serie di lavori "non-sito", in cui all'interno di gallerie vengono collocate sculture di terra e roccia riportate dalle spedizioni. Queste sculture includevano spesso mappe, bidoni, specchi, vetro e neon. I lavori di sterro di Smithson Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) e Amarillo Ramp (1973) sono le sue creazioni più famose (1973). Rimuovendo completamente l'arte dal contesto della galleria e integrandola nel terreno naturale, ha alterato per sempre i concetti precostituiti della forma scultorea nell'arte contemporanea.

Andy Goldsworthy (nato nel 1956)

Andy Goldsworthy è un noto scultore e fotografo di land art che lavora nella e con la natura. La sua produzione può essere classificata in progetti permanenti e temporanei. Questi ultimi sono progettati per svanire alla fine del ciclo di vita e sono costituiti da componenti organici e transitori. Crea una serie di disegni ripetitivi, tra cui spirali, cerchi e linee serpeggianti, da rami, foglie, rocce e ghiaccio. L'effimero al centro di queste iniziative è il riflesso di un'ecologia fragile e di un ambiente naturale in continua evoluzione.

Nancy Holt (1938-2014)

Nonostante sia stata messa in ombra dal suo famoso marito, Robert Smithson, Holt ha creato un corpo di lavoro unico rispetto al suo e con sfumature più futuristiche. Alcuni dei migliori lavori di Holt sono difficilmente presenti quando si utilizza una strategia senza lasciare traccia. Holt ha riconosciuto il legame tra arte ed eco-attivismo prima e più chiaramente degli altri Land Artist.

Maya Lin (nata nel 1959)

Uno dei luoghi più riconoscibili è il Vietnam Veterans Memorial, progettato da Maya Lin a Washington, DC. La sua firma era l'uso di un muro semplice e basso per seguire i contorni del terreno circostante. Il suo approccio minimalista all'arte pubblica comporta l'aggiunta di qualcosa che sembra essere stato aggiunto in seguito ma che comunque si adatta.

Le sue installazioni all'aperto sono caratterizzate da piccole ondate di terra appena percettibili che potrebbero passare inosservate se non le si guarda da una grande altezza o da una grande distanza. La sua ultima attenzione è stata rivolta alle sculture da interni, che evocano intellettualmente e visivamente il terreno ondulato di aree geografiche lontane e conservano un implicito interesse ambientale.

Anna Mendieta (1948-1985)

Una figura influente nello sviluppo della Land Art, in particolare nel modo in cui il corpo umano interagisce e ritorna alla natura, è stata l'artista femminista cubana Ana Mendieta. Mendieta ha prodotto oltre 200 pezzi usando il suo corpo e la terra come mezzo per le sue sculture provocatorie. Il suo lavoro è multistrato, profondamente filosofico e legato a varie tradizioni artistiche, tra cui concettualismo, land art, performance e body art. Mendieta si è affermata come pioniera dell'arte della terra attraverso la sua serie di foto e video Silueta (1973-1980). Per dimostrare il legame indissolubile tra il pianeta e la natura umana, l'artista ha scolpito il suo corpo in diversi paesaggi per il suo progetto.

Walter De Maria (1935-2013)

Nelle sue sculture, installazioni e opere di terra, Walter de Maria utilizza forme geometriche per produrre una successione di ripetizioni che esplorano il legame tra il relativo e l'assoluto. Lighting Field (1977), la sua opera di land art più nota, è una griglia di quadrati di un miglio per un chilometro che è stata collocata in una parte remota del deserto del New Mexico. Quattrocento pali in acciaio inossidabile lucido, alti più di venti piedi e con punte appuntite che definiscono un piano orizzontale, il punto di attrazione dei fulmini, compongono la griglia. Il visitatore può entrare fisicamente nella griglia o osservarla da lontano, in una serie di potenti illusioni ottiche che variano nel tempo e nello spazio, arte, paesaggio e natura si scontrano.

Michael Heizer (nato nel 1944)

Michael Heizer è stato una figura significativa nel movimento della land art. È rinomato per la sua capacità di costruire opere su larga scala ed esplorare l'interazione tra spazio positivo e negativo. Iniziando la sua carriera artistica con una serie di tele curve che chiamò "pittura negativa". Alla fine degli anni '60, creò il suo primo pezzo di terra negativo, che era "Nord, Est, Sud e Ovest". Questo progetto è stato il suo primo tentativo di terrapieno su larga scala, ed è stato realizzato da una serie di buche con forme geometriche scavate nel deserto della Sierra Nevada.

Richard Long (nato nel 1945)

Alla fine degli anni '60, l'artista ha iniziato la sua interazione diretta con la natura utilizzando la sua passeggiata come mezzo, motivato dal desiderio di utilizzare il paesaggio in modi nuovi. Long ha tentato di sovvertire il linguaggio e le aspirazioni dell'arte e portarlo a un livello più basilare, intimo e fondamentale attraverso una sequenza di gesti ripetitivi o lunghe passeggiate solitarie. Il suo obiettivo era quello di esemplificare in se stesso le possibilità di una conversazione genuina tra l'uomo e l'ambiente. Il tempo, lo spazio e la distanza sono i soggetti di questo rivoluzionario progetto di land art concettuale, e vengono espansi su vasta scala.

Dennis Oppenheim (1938-2011)

Insieme a Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson e Oppenheim, la prima generazione di artisti di Land includeva Oppenheim. Negli anni '60, hanno creato questo nuovissimo genere artistico utilizzando la terra stessa come mezzo. I primi interventi di Oppenheim nel mondo naturale, contrariamente a quelli di molti dei suoi contemporanei, presero la forma della rimozione, risalendo al tradizionale principio scultoreo di scolpire, secondo le stesse parole dell'artista, "togliendo piuttosto che aggiungendo". I confini geopolitici, i fusi orari e il degrado naturale sono solo alcuni esempi dei sistemi sociali e naturali a cui si fa riferimento ed evidenziati in Annual Rings (1968), un'opera site-specific. La riproduzione della mappa serve a dimostrare come la mappatura svolga un ruolo nella creazione di confini innaturali e spesso violenti tra gli stati e il fiume, un confine naturale, funge da strumento per questi confini internazionali.

Oppenheim ha messo in discussione "i valori relativi dei sistemi di ordinamento in base ai quali viviamo" giustapponendo elementi naturali con idee artificiali come nazionalità e fusi orari. Allo stesso tempo, artisti della terra come Robert Smithson e Walter de Maria stavano anche producendo Earthworks site specific in cui gli ambienti naturali venivano messi in conflitto con interventi artificiali.

Citazioni di artisti della terra

Roberto Smithson

"I nomi dei minerali e i minerali stessi non differiscono l'uno dall'altro, perché in fondo sia alla materia che all'impronta c'è l'inizio di un numero abissale di fessure. Parole e rocce contengono un linguaggio che segue una sintassi di spaccature e Se guardi abbastanza a lungo qualsiasi parola, la vedrai aprirsi in una serie di faglie, in un terreno di particelle contenenti ciascuna il proprio vuoto.

Andy Goldsworthy

“Non sono un performer ma occasionalmente lavoro deliberatamente in un contesto pubblico. Alcune sculture hanno bisogno del movimento delle persone intorno a loro per funzionare”.

"Anche in inverno una macchia isolata di neve ha una qualità speciale."

Nancy Holt

"Sei un piccolo granello in questo vasto spazio."

Maya Lin

“L'arte è molto complicata perché è quello che fai per te stesso. È molto più difficile per me realizzare quelle opere rispetto ai monumenti o all'architettura. "

Ana Mendieta

"La mia arte si basa sulla convinzione di un'energia universale, che attraversa tutto: dall'insetto all'uomo, dall'uomo allo spettro, dallo spettro alla pianta, dalla pianta alla galassia. Le mie opere sono le vene di irrigazione di questo fluido universale. Attraverso risalgono la linfa ancestrale, le credenze originarie, gli accumuli primordiali, i pensieri inconsci che animano il mondo.

Walter De Maria

"Mi piacciono i disastri naturali e penso che possano essere la più alta forma d'arte che si possa sperimentare".

"Ogni buona opera dovrebbe avere almeno dieci significati."

Michael Heizer

“Un'opera d'arte forte lascia davvero senza parole. Si sentono un po' arrabbiati perché non lo capiscono”.

Riccardo Lungo

“Una scultura, una mappa, una fotografia; tutte le forme del mio lavoro sono uguali e complementari. La conoscenza delle mie azioni, in qualsiasi forma, è l'arte. La mia arte è l'essenza della mia esperienza, non una sua rappresentazione”.

Dennis Oppenheim

“La maggior parte del mio lavoro nasce dalle idee. Di solito riesco a fare solo poche versioni di ogni idea. Land Art e Body Art erano concetti particolarmente forti che consentivano molte permutazioni. Tuttavia, mi sono ritrovato a voler passare a qualcos'altro.

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