Tsanko Tsankov - Galleria Maestro, Silenzio bianco , 2020. Olio su tela, 80 x 110 cm.
La storia della nudità femminile nell'arte non è mai la stessa, poiché diverse società e culture hanno accettato scene di nudo a vari livelli nel corso dei secoli e dei millenni. In effetti, la nudità nell'arte riflette le norme sociali di un dato tempo e luogo, riferendosi ai modi in cui le cose sono rappresentate, indelebilmente legate alla concezione di ciò che è giusto o sbagliato raffigurare. In ogni caso, sebbene la nudità sia spesso associata alla sessualità più scandalosa, essa può avere anche altri significati, tanto da essere legata a interpretazioni derivate dal regno della mitologia e della religione, oltre che dallo studio dell'anatomia e della espressione di bellezza ideale e perfezione estetica. Questi molteplici approcci hanno determinato come il nudo femminile sia stato, e continui ad essere, oggetto di diverse modalità di rappresentazione all'interno della storia dell'arte occidentale.
Jean-Pierre André Leclercq, Courbes 12 , 2008. Disegno, pastello su cartone, 60 x 80 cm.
Il nudo femminile: tra arte e oscenità
Sebbene alcune delle suddette tipologie di raffigurazioni del corpo femminile appaiano chiaramente artistiche e poco scandalose, nella maggior parte delle società del passato le donne, probabilmente perché godevano di minori diritti rispetto agli uomini, raramente erano svincolate da una rappresentazione prevalentemente legata alla sessualità. Proprio per questo, sembra probabile che solo quando le donne acquisirono maggiori diritti politici il nudo femminile fu ufficialmente, e progressivamente, accettato nell'arte. La storia della rappresentazione del corpo femminile sembra così andare di pari passo con quella dell'emancipazione, le cui tappe sono state segnate figurativamente soprattutto dall'arte greca, italiana e francese. È proprio attraverso questi punti di vista che risulterà evidente come il ruolo della donna nuda nell'arte sia unico, in perenne equilibrio tra arte e oscenità. Ciò significa che quando un artista inizia a mostrare una donna nuda, cammina automaticamente sul filo del rasoio tra la rappresentazione artistica e quella "pornografica".
Brigitte Derbigny, Vénus mama , 2020. Disegno, acrilico, spray, matita e pennarello su carta. 100x70 cm.
1. Preistoria: il nudo della fertilità e il nudo "realistico".
Nell'arte paleolitica, la nudità femminile era strettamente legata al culto delle divinità della fertilità. Ciò è evidente nelle prime rappresentazioni della forma del corpo umano femminile, che sono chiamate "Veneri paleolitiche", caratterizzate dai lineamenti prorompenti di donne obese con fianchi larghi e seni, che sporgono o pendono verso il basso. La maggior parte di essi risale al periodo aurignaziano e sono realizzati in calcare, avorio o pietra ollare. Le più famose, oltre alla Venere di Willendorf, sono la Venere di Lespugue, la Venere di Savignano, la Venere di Laussel e la Venere di Doln Vstonice. Parlando di pittura, invece, il nudo femminile compare fin dall'arte rupestre, soprattutto quella del nord della Spagna (area franco-cantabrica) e del bacino del Mediterraneo, dove i soggetti femminili sono colti all'interno di scene comunitarie di caccia o rituali e balli. In questi ultimi contesti le donne sono immortalate in maniera realistica più snella, proprio come nell'esempio del Tassili n'Ajjer.
L'arte rupestre preistorica di Tassili N'Ajjer, Algeria. Credito fotografico: Patrick Gruban/Wikimedia.
Pitture rupestri del Tassili n'Ajjer
Il Tassili n'Ajjer è una catena montuosa situata nel sud-est dell'Algeria, vicino al confine con la Libia. Gran parte di quell'altopiano, che ospita cipressi e siti antichi, è protetto da un Parco Nazionale, una Riserva della Biosfera e un Patrimonio dell'Umanità dell'UNESCO. In termini di nudità femminile, il Tassili n'Ajjer è noto per la sua arte rupestre che, risalente a 9.000-10.000 anni fa, mostra principalmente mandrie di animali, grandi animali selvatici come elefanti, giraffe e coccodrilli e persone che fanno cose come la caccia e ballare. In questo contesto è interessante osservare l'immagine di cinque donne a seno nudo, capelli alti, fisici estremamente "realistici", che cercano di riposare e parlare con disinvoltura.
Pictor Mulier, Cleopatra nuda con il suo leopardo , 2017. Acrilico su tavola, 80 x 60 cm.
2. Antico Egitto: la bellezza da portare nell'aldilà
È importante notare un elemento fondamentale della cultura figurativa dell'antico Egitto: nelle opere dell'epoca è piuttosto raro trovare donne raffigurate in età avanzata o matura. Infatti, i personaggi femminili erano raffigurati snelli, belli e nel fiore degli anni, tratti che, proprio perché immortalati dall'arte, si sperava potessero essere assunti dall'effigie anche nell'aldilà. In generale, l'arte egizia era tutt'altro che realistica, poiché questa civiltà era estremamente preoccupata di come veniva percepita. Non ci sono infatti quasi immagini di donne incinte o di corpi femminili dopo il parto, per poter immortalare esclusivamente persone nel pieno della loro bellezza e giovinezza. Tuttavia, nel Terzo Periodo Intermedio, gli studiosi hanno notato un cambiamento nello stile artistico volto a raffigurare le donne. Fu proprio in quell'epoca che apparve un tipo di corpo più arrotondato e ispessito, con seni più grandi e cadenti. Riguardo al corpo scoperto, invece, la nudità era all'epoca normale, tanto che certi ceti sociali, così come alcune mansioni specifiche, come la pesca e il lavoro manuale, richiedevano che il corpo fosse scoperto. Parlando di lavoro, servi, ballerini, acrobati e prostitute giravano completamente o per lo più nudi, come testimoniano i "Danzatori nudi" raffigurati in un dipinto della Tomba di Nebamun (1350 aC circa).
Danzatori e musicisti dell'affresco della tomba di Nebamun, XVIII dinastia. Londra: British Museum.
La tomba perduta di Nebamun era un antico cimitero egizio della XVIII dinastia, rinvenuto nella necropoli tebana sulla riva occidentale del Nilo, località oggi identificabile con l'odierna città di Luxor (Egitto). Da questa tomba provengono alcune famose scene tombali decorate, che attualmente si possono ammirare al British Museum di Londra. In quest'ultimo luogo è possibile ammirare le pareti intonacate di quella tomba, ricoperte di vivaci affreschi, raffiguranti scene idealizzate della vita del tempo e delle sue attività. Tra questi, alcuni dei dipinti più famosi risultano essere quelli raffiguranti scene di caccia e danzatrici seminude a un banchetto.
Monika Mrowiec Monika Mrowiec, Venus de Milo , 2021. Pittura, spray / acrilico / inchiostro / olio su tela, 140 x 90 cm.
3. Antica Grecia: il corpo come quello di Afrodite
Nell'antica Grecia, la donna ideale doveva avere forme morbide, esaltate da glutei rotondi, capelli lunghi ondulati e un bel viso impeccabile. Tali requisiti si adattavano a un'epoca in cui avere più grasso corporeo significava essere ricchi, cioè potersi permettere di mangiare bene, distinguendosi dalle classi sociali più basse e affamate. In questo contesto, Afrodite, dea dell'amore, del sesso, della bellezza e della fertilità, veniva raffigurata con il viso tondo, il seno prosperoso e il corpo a forma di pera. Il modello figurativo indiscusso di tali canoni è l'Aphrodite cnidia di Prassitele, opera che, allo stesso tempo, è molto importante in quanto fu la prima a rompere gli schemi introducendo il nudo femminile nell'arte greca. In effetti, la società greca aveva precedentemente raffigurato prevalentemente il sesso maschile, limitando la nudità femminile a scene di prigionia, sottomissione e su piccola scala.
Attribuito a Onesimos (greco (Attico), attivo 500 - 480 a.C.), pittore Kylix attica a figure rosse , circa 490 a.C. Terracotta, 8,5 × 36,9 cm (3 3/8 × 14 1/2 in.)The J. Paul Getty Museum , Collezione Villa, Malibu, California, 82.AE.14
Kylix attica a figure rosse di Onesimos
Un esempio di questi primi approcci al nudo femminile in pittura è la Kylix attica a figure rosse, attribuita a Onesimos (500 - 480 a.C.), un'opera in cui una donna nuda e distesa suona il kottabos, un'attività popolare nel simposio maschile Festival. Infatti, seguendo la tradizione dell'evento, la ragazza con il manico di una coppa profonda (skyphos), attaccato all'indice, cerca di lanciare gli avanzi dal fondo della coppa verso un bersaglio lontano. In questo contesto, tuttavia, è importante sottolineare che il simposio era in realtà esclusivamente per uomini, tanto che le presenze femminili erano solitamente sul posto per intrattenere gli uomini. In effetti, la nudità delle suddette sarebbe stata troppo osé per le rispettabili donne di Atene, ma poteva essere concessa a schiave assoldate come prostitute, o ad "etere", donne facoltose che arricchivano la serata di bevute maschili cantando, parlando e mostrare attrattiva sessuale.
Tito Villa, Pittura murale di Pompei , Edizione aperta. Arti digitali, stampa giclée / stampa digitale, diversi formati disponibili.
4. Il mondo romano: l'arte erotica di Pompei ed Ercolano
L'arte erotica a Pompei ed Ercolano è stata portata alla luce attraverso una lunga serie di scavi archeologici iniziati nel XVIII secolo. Proprio questa attività rivelò come il suddetto sito fosse ricco di arte erotica, rappresentata sia sotto forma di affreschi che di sculture. Le peculiarità di tali soggetti indicano che i costumi romani erano più liberali che nella maggior parte delle culture a noi note, anche se va sottolineato che molte di quelle che potrebbero sembrare immagini esclusivamente erotiche potrebbero in realtà essere simboli della fertilità della natura nel senso più ampio, così come talismani di buona fortuna e buon auspicio.
Venere in conchiglia , affresco. Pompei: Casa della Venere in conchiglia.
Affresco della Venere in conchiglia - Pompei
La Casa della Venere in Conchiglia, scoperta tra il 1933 e il 1935, presenta un ampio peristilio, che costituisce essenzialmente il centro della domus. Proprio su questo ambiente si affacciavano i vari ambienti della casa, con le pareti decorate in stile pompeiano IV. In realtà, però, la casa prende il nome dal suo affresco più famoso, ovvero la Venere in conchiglia, che, rispetto all'erotismo prevalente nell'antica città romana, risulta essere piuttosto pudico. Infatti, la Venere nuda giace semplicemente in una conchiglia, mentre è accompagnata nell'atto della nascita da un amorino e da un bambino, presumibilmente il piccolo Marte.
Miguel Rojas, Adam Eve , 2022. Disegno, inchiostro su carta, 20,5 x 12,5 cm.
5. Età medievale: la nudità di Eva
In epoca medievale, in seguito al diffondersi della cultura derivata dal cristianesimo, il corpo cominciò ad essere intenso come tempio sacro dell'anima, che doveva essere preservata ad ogni costo dagli impulsi carnali, forieri di peccati gravi agli occhi di Dio. Nonostante tali presupposti, il vizio continuava a imperversare, tanto che era nella sensualità del corpo femminile, derivata dall'Eva peccatrice, che si identificava il diavolo e la personificazione della lussuria. Per questo l'epoca medievale presenta molte opere, raffiguranti la capostipite, spesso raffigurata nella sua ingenua e immatura nudità, già capace di cogliere il pomo del peccato.
Masaccio, Cacciata dei progenitori dall'Eden , 1424-25. Affresco, 214 x 88 cm. Firenze: Cappella Brancacci (chiesa di Santa Maria del Carmine).
Cacciata dei capostipiti dall'Eden (1424-1425) ad opera di Masaccio
La Cacciata dei progenitori dall'Eden è un affresco di Masaccio, situato nella Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze. Mostra Adamo ed Eva dopo che hanno infranto le regole di Dio e quindi mangiato il frutto della conoscenza. Vengono infatti mostrati nudi e indifesi mentre vengono portati via dal Paradiso Terrestre. In realtà, però, è bene evidenziare come, nel racconto biblico, Adamo ed Eva varcarono la soglia del Paradiso vestiti.
Masolino, Tentazione di Adamo ed Eva , 1424-25. Affresco, 260 x 88 cm. Firenze: chiesa di Santa Maria del Carmine.
Tentazione di Adamo ed Eva (1424-25) di Masolino
Nella stessa cappella della Cacciata dei progenitori dall'Eden di Masaccio si trova un'altra opera di tema "correlato": La tentazione di Adamo ed Eva o Peccato originale, opera di Masolino del 1424-1425 circa. L'affresco mostra una famosa scena dell'Antico Testamento, ovvero quando il serpente del libro della Genesi cerca di convincere Adamo ed Eva a infrangere le regole. Questo episodio, ambientato in stile tardogotico, è caratterizzato dalla luce, che modella le figure in modo morbido e avvolgente, proprio come se emanassero un bagliore diffuso. Inoltre lo sfondo scuro esalta la sensuale plasticità dei nudi dei due peccatori.
Nagy Peter, Venus , 2021. Pittura, acrilico/pennarello su tela, 40 x 50 cm.
6. L'era rinascimentale: l'inizio della sensualità
Dalla fine del Medioevo all'inizio del Rinascimento, i canoni della bellezza delle donne sono cambiati radicalmente: si è passati da modelli pallidi e magri con seni appena visibili a femmine carnose con fianchi larghi e labbra e guance dipinte di rosso. La maggior parte dei mecenati dell'epoca non sapeva resistere a tali canoni estetici, tanto da pretendere soggetti sacri come pretesto per contemplare la suddetta sensualità. In questo contesto cristiano, la nudità diventava sempre più segno di santità, purezza e mortificazione del corpo e, se intesa al di fuori di questo ambito, veniva interpretata come un ovvio riferimento alla più spregiudicata concupiscenza e lascivia. Allo stesso modo, all'epoca i nudi erano accettati, e non demonizzati, se legati a una specifica allegoria o alla rievocazione di un evento mitologico. Ne è un esempio la creatura celeste e asessuata della Venere di Botticelli, opera in netto contrasto con le tendenze tardorinascimentali, ben esemplificate dalla più “provocatoria” Venere di Urbino di Tiziano.
Sandro Botticelli, Nascita di Venere , 1485. Tempera su tavola, 172,5 x 278,5 cm.
La Nascita di Venere (1476-1487) di Sandro Botticelli
Al centro del dipinto, Venere, in piedi su una conchiglia mentre emerge dall'acqua, sembra muoversi come se galleggiasse leggera sulle onde. La dea è nuda, circondata sul lato destro della tela da Zefiro, il quale, intento a sorreggere la ninfa Clori, soffia verso Venere. L'idea per questo capolavoro è stata presa dalle Metamorfosi di Ovidio, infatti lo scrittore latino raccontò che Venere, dea romana dell'Amore, nacque direttamente dalla schiuma dell'oceano, al largo dell'isola di Cipro. È proprio a quest'ultima destinazione che sembra approdare la dea del Botticelli, maestra, la quale, nella concezione di tale capolavoro, si ispirò alla cultura neoplatonica prevalente nella Firenze del tempo, all'interno della quale trionfa il pensiero , secondo cui l'amore rappresenta un principio vitale e la forza del rinnovamento della natura.
Tiziano Vecellio, Venere di Urbino , 1538. Olio su tela, 119 x 165 cm. Firenze: Galleria degli Uffizi.
Venere di Urbino (1538) di Tiziano Vecellio
La Venere di Urbino è un dipinto perfettamente equilibrato, la cui composizione non toglie nulla alla sensuale naturalezza dell'effigie, ritratta senza alcun vestito mentre giace su un materasso rivestito di tessuto a motivi floreali con sopra un lenzuolo bianco. Su questo sfondo, Venere, che indossa dettagli preziosi e ha i capelli in parte tirati indietro a formare uno scrunchie che le corona la nuca, si appoggia a due cuscini per sostenere il busto. Il volto della dea, che si copre sensualmente il pube con la mano sinistra, è rivolto in avanti, come se volesse guardare direttamente lo spettatore. Nella stanza che ospita Venere, riccamente arredata in stile rinascimentale, si intravede anche la presenza di un cagnolino e di due ancelle, intente a estrarre abiti da una cassa. Interpretando più fedelmente le intenzioni di Tiziano, l'opera fu realizzata per volere di Guidobaldo, che volle utilizzare il capolavoro come esempio di vita coniugale da proporre alla moglie Giulia da Varano. Pertanto, per soddisfare il committente, l'artista italiano attualizzò la figura classica di Venere, distendendola in un'ambientazione cinquecentesca e facendola portatrice di un innovativo messaggio morale. La presenza delle rose infatti allude alla bellezza, mentre quella del cane rimanda alla fedeltà, peculiarità meno affimera, ma si spera più duratura.
Niko Sourigues, Nudo in piedi , 2017. Olio su tela, 41 x 33 cm.
7. Manierismo e Barocco: la sensualità della torsione e del dinamismo
Il Manierismo è una corrente artistica, prima italiana e poi europea, le cui origini risalgono al XVI secolo. I nudi femminili di questo filone figurativo erano prevalentemente collocati all'interno di composizioni complesse, studiate fino all'artificio, in quanto segnate da costruite distorsioni prospettiche, in cui l'eccentrica disposizione dei soggetti, resa attraverso la tipica figura serpentina, realizzata come la dinamismo di una fiamma di fuoco, risalta. Alla sensualità "contorta" si aggiunge un uso accurato della luce, volto a sottolineare espressioni e movimenti, a costo di risultare talvolta irrealistico. Vale la pena evidenziare come tali peculiarità saranno ereditate dal successivo e relativo periodo barocco, all'interno del quale, il nudo femminile, reso ancora più erotico dall'accentuazione della sensualità manierista, continuò ad essere sfruttato per immortalare temi prevalentemente mitologici e allegorici.
Bronzino, Allegoria con Venere e Amore , 1540-45. Olio su tavola, 1,46 x 1,16 m. Londra: Galleria Nazionale.
Allegoria con Venere e Cupido (1540 1545) del Bronzino
"Venere Nuda con Cupido che la bacia, e Piacere da una parte e Godimento con altri amori, e dall'altra frode, gelosia et altre passioni d'amor." La descrizione di Giorgio Vasari ci introduce all'Allegoria con Venere e Cupido del Bronzino, opera commissionata intorno al 1540 da Cosimo I, secondo e ultimo duca della Repubblica fiorentina, che volle rendere omaggio, attraverso il dono del suddetto capolavoro, al Re di Francia Francesco I, per conquistarsi vantaggiose opportunità politiche. Proprio questo intento rende l'opera, che immortala Venere che sconfigge Amore, ancora poco chiara nel significato, tanto che il soggetto raffigurato potrebbe essere stato elaborato da un letterato, probabilmente appartenente al florido ambiente culturale del Cinquecento. corte medicea del sec. Parlando della descrizione del capolavoro, l'olio raffigura Venere e Amore, protagonisti indiscussi del dipinto, che sono stati immortalati senza vestiti, mentre i loro corpi, così freddi da sembrare sculture di cera, si intrecciano armoniosamente tra loro, tanto così che la dea sembra assumere la posa contorta di un serpente sensuale. In questa languida atmosfera Venere e Cupido vengono a baciarsi, attraverso un rapporto confuso, perché troppo sensuale per essere manifestazione del casto amore tra madre e figlio. L'ambiguità dei due protagonisti è aggravata da quella dei personaggi che li circondano, così come delle maschere appoggiate a terra. Infatti, il mostro dal volto fanciullesco, avendo in una mano un dolce favo d'ape nell'altra un pungiglione velenoso, diventa probabile personificazione dell'"inganno", mentre le maschere alludono al fatto che tutto in questa scena è un atto. Proprio, Venere e Amore, se ben osservati, rivelano il loro imminente tradimento reciproco: mentre si baciano, lei estrae una freccia dalla faretra di lui e lui, contemporaneamente, sta per rubarle il diadema dai capelli.
Peter Paul Rubens, Venere allo specchio, 1613/14. La pittura. Vienna: Museo del Liechtenstein.
Venere allo specchio (1613-14) di Peter Paul Rubens
Nel sensuale capolavoro del maestro fiammingo, lo specchio è utilizzato per mostrare la bellezza della dea da diversi punti di vista. Tale stratagemma prospettico si svolge in una scena di vita privata, all'interno della quale la dea è rappresentata di spalle con indosso solo un velo bianco, che le cinge i fianchi. È proprio attraverso lo specchio dall'ansa sopraelevata, sorretto da un amorino, che si può conoscere il volto perfetto di Venere, contraddistinto dall'ovale regolare, ravvivato dalla presenza di guance rosee e da uno sguardo concentrato, a cui si accompagna un accenno di sorriso. La sensualità di questa atmosfera voyeuristica è esaltata dal movimento sinuoso dei lunghi capelli biondi, accuratamente lavorati come fossero sottili ciocche d'oro. Infine, un tale capolavoro risulta essere chiaramente ispirato a Tiziano e Veronese, in quanto la luce calda e i colori accesi creano suggestivi contrasti cromatici atti a mettere ulteriormente in risalto la bellezza della dea.
Naïs Philip, Venus , 2020. Olio su tela di lino, 97 x 146 cm.
8. Romanticismo e realismo: un po' esplicito
Il nudo femminile, a partire dalla seconda metà del Settecento, cioè in coincidenza con l'avvento dell'Illuminismo, si svincola dal mito, proprio come dimostra, ad esempio, l'indagine artistica di François Boucher che, nelle opere come Brown Odalisque (1745) e Fragonard (1765-72), dipinsero giovani donne ordinarie colte in ambienti intimi e altamente sensuali. Una narrazione così libera e audace della femminilità è continuata con grande successo nel romanticismo e nel realismo. Nel primo degli ultimi due movimenti artistici, il nudo femminile divenne altamente espressivo, poiché il romanticismo enfatizzava fortemente il colore per ottenere rappresentazioni più drammatiche, a proposito di soggetti che esplorano temi multipli, come orientalista, strano, misterioso, tragico, eroico e quelli estremamente passionali, volti ad esaltare la più pura libertà di espressione dell'essere umano. Quanto al realismo, invece, è ben riassunto attraverso l'analisi dell'indagine figurativa di Gustave Courbet, il padre del movimento che superò gli "errori romantici e classicisti" per portare maggiore fedeltà alla resa del reale dato nel nudo, superando quella concenzione idealizzata del corpo femminile.
Jean-Auguste-Dominique Ingres, La grande odalisca , 1814. Olio su tela, 91 x 162 cm. Parigi: Museo del Louvre.
La grande odalisca (1814) di Jean-Auguste-Dominique Ingres
Stretto tra il Neoclassicismo e il successivo Romanticismo si trova uno dei nudi più noti della storia dell'arte, ovvero La grande odalisca di Jean-Auguste-Dominique Ingres, un olio su tela conservato al celebre Museo del Louvre di Parigi. Protagonista di questo capolavoro è una bellissima giovane odalisca, colta nel momento in cui è comodamente sdraiata su un letto ricoperto da sottili lenzuola. Quanto alla sua nudità supina, essa, riecheggiando modelli classici, mutuati dai greci, risulta essere pulita, elegante e raffinata. Infatti, le parti più intime dell'odalisca sono state abilmente nascoste, in modo che sia visibile solo la parte inferiore di un seno. A proposito dello sguardo, la raggazza, vista di tre quarti, espone allo spettatore il suo bel viso, al quale dirige anche lo sguardo, incorniciato dalla presenza del bellissimo turbante, che, annodato intorno alla testa, nasconde gran parte del suo capelli. Tale immagine, infine, è chiaramente frutto dell'influenza che il mondo orientale esercitò sul maestro francese, realtà che probabilmente ebbe modo di conoscere attraverso le campagne napoleoniche in Oriente.
Goya, Maja desnuda , 1790-1800, olio su tela, 95 x 190 cm. Madrid, Museo del Prado.
Maja desnuda (ca. 1790) di Francisco Goya
Maja desnuda e Maja vestida sono due dipinti di Francisco Goya che, realizzati tra la fine del 1700 e l'inizio del 1900, possono essere entrambi ammirati presso l'istituzione del Museo del Prado a Madrid. Nel primo capolavoro del pittore anticipatore del Romanticismo, la posa della donna, in questo caso nuda, è la stessa del secondo: la donna è distesa su un divano con le braccia dietro la testa mentre è circondata da uno sfondo scuro. Quasi certamente questi due dipinti sensuali furono commissionati da Manuel Godov, il primo ministro spagnolo, una persona molto potente che poteva permettersi di andare contro il conservatorismo della Chiesa. Nonostante ciò, le opere ardite furono sequestrate e successivamente richieste dal Tribunale dell'Inquisizione, che aveva vietato in tutta la Spagna le immagini di nudo senza pretesti allegorici o mitologici. Per quanto riguarda l'identità della modella, molte testimonianze dell'epoca riconoscono nei suoi lineamenti Maria Teresa Cayetana de Silva, duchessa d'Alba che ospitava nella sua casa illustri politici e artisti, tra cui anche Francisco Goya, pittore con il quale ebbe una relazione relazione passionale.
Gustave Courbet, L'origine del mondo , 1866. Olio su tela, 46 x 55 cm. Parigi, Museo d'Orsay.
L'origine del mondo (1866) di Gustave Courbet
L'origine del mondo di Gustave Courbet è un dipinto che mostra, nella prospettiva di un primo piano realistico, l'area pubica del corpo di una donna, sensualmente circondata dai seni e dalle cosce adiacenti, che appaiono naturalmente, e comodamente, distese su un foglio bianco arruffato. Un soggetto così innovativo fece scandalo al momento della sua creazione, in quanto offriva un punto di vista quasi estremamente corretto e non filtrato del corpo femminile, ripreso, per la prima volta, in un contesto, e da un'angolazione, che era estremamente intimo e privato, capace di svelarci ciò che si celava tra le gambe dell'effige. In realtà, però, va sottolineato che L'origine del mondo non è un'opera pornografica, in quanto frutto di un attento studio dell'artista, teso a rendere al meglio i tratti della realtà. L'intento appena accennato è stato raggiunto attraverso un attento studio della rappresentazione, nonché l'utilizzo della tecnica italiana del tonalismo, che trasformano il capolavoro in un'opera di grande perizia tecnica. Inoltre, il significato potenzialmente scandaloso potrebbe essere sostituito dalla raffigurazione di un'autentica metafora, quella della grande magia della riproduzione femminile. Tuttavia, ancora oggi, il forte realismo con cui è stata dipinta la modella, probabilmente Constance Queniaux, ballerina dell'Opéra di Parigi, rende il dipinto "scomodo" da guardare, quando in realtà anche l'opera più scandalosa dell'Ottocento racconta un'altra storia: quella della diffusione delle prime fotografie erotiche, avvenuta proprio all'epoca del concepimento del capolavoro!
Trnski Velimir, Bagno nella foresta , 2021. Acrilico su tela, 58 x 40 cm.
9. L'impressionismo e la scuola di Parigi: le prostitute modelle.
Le opere degli impressionisti mostrano spesso donne nude, anche se questo tipo di soggetto metteva a disagio l'Accademia e i parigini in genere, tanto che nel 1863, cioè quando fu esposta La colazione sull'erba di Manet, il dipinto suscitò un grande scandalo, per il fatto che la donna nuda del capolavoro appariva seduta sull'erba con due esponenti della borghesia parigina. Il problema era che la modella, che non era né una ninfa né una figura allegorica, soggetti prediletti dagli artisti accademici che cercavano di emulare i grandi artisti come Raffaello, sembra posare con atteggiamenti da prostituta, il cui sguardo è provocatoriamente rivolto verso il spettatore, proprio come se volesse invitarlo al "banchetto". A giustificare questa interpretazione sarebbe anche il fatto che Manet abbia dipinto nell'opera una rana, animale che, nel linguaggio della Parigi dell'epoca, alludeva proprio alla figura della prostituta. Da notare infine come questo tipo di soggetto femminile persistesse nell'opera del maestro, proprio come testimonia Olympia, un olio del 1863 che raffigura una donna in un atteggiamento ancora più esplicito e spudorato, monito di cattiva reputazione. Dopo gli impressionisti, gli artisti della Scuola di Parigi, gruppo nato all'inizio del Novecento, continuarono a scandalizzare con i loro nudi femminili, proprio come dimostra il caso di Amedeo Modigliani.
Édouard Manet, Olympia , 1863. Olio su tela, 130,5 x 190 cm. Parigi: Museo d'Orsay.
Olympia (1895) di Édouard Manet
L'Olympia di Édouard Manet è un noto dipinto il cui stile innovativo, precursore dell'impressionismo, e il soggetto femminile raffigurato, probabilmente una prostituta, fecero molto discutere al Salon di Parigi del 1865. Nell'opera la fanciulla in questione è colta mentre è sensualmente adagiata su un letto, luogo dal quale lancia uno sguardo acuto allo spettatore. Inoltre la protagonista, il cui volto non mostra alcuna emozione, indossa, nella sua totale nudità, solo zoccoli, un braccialetto, orecchini di perle e un sottile cordino nero legato al collo. In questo contesto vale la pena notare come in questo capolavoro, in cui compaiono anche una donna nera e un gatto nero, Manet abbia proposto un nuovo modo di guardare le donne nude, rappresentandole in modo diretto, crudo e senza compromessi con la morale del tempo. Infatti, al posto del classico nudo idealizzato, ha proposto l'immagine fredda e realistica di una giovane prostituta, la cui figura non è stata rivisitata con intenti mitologici, allegorici o simbolici. Inoltre, in questo contesto decisamente più terreno viene ripresa proprio la posa classica della Venere pudica, cioè la Venere con la mano sul pube.
Edgar Degas, La vasca , 1886. Pastello su cartoncino, 60 x 83 cm. Parigi: Museo d'Orsay.
La vasca (1886) di Edgar Degas
Edgar Degas era estremamente interessato e attratto dalla vita parigina, anche quella più intima e nascosta della città, un aspetto che si nota molto nella sua serie di dipinti "voyeuristici", volti a ritrarre donne nude che, all'interno delle loro case, erano alle prese con vestirsi. Il pastello del 1886, intitolato La vasca, reinterpreta il suddetto soggetto, tanto caro agli artisti rinascimentali, attraverso un taglio inedito della composizione, volto a rompere le regole tradizionali del nudo, per mostrare il corpo di una donna visto dall'alto. La giovane donna è infatti raffigurata ripiegata su se stessa, con la mano sinistra sul catino e la destra sui capelli. Inoltre, il suo viso è nascosto da un'ombra complice, mentre la sua bella schiena curva come un arco, mettendo in mostra il collo e le natiche.
Amedeo Modigliani, Nu couché , 1917-18. Tuffo nel.
I nudi oltraggiosi di Amedeo Modigliani
Nel 1917 l'artista livornese Amedeo Modigliani, detto Modì e Dedo, tiene una personale alla Galleria Berthe Weill di Parigi. In questa occasione speciale, Léopold Zborowski, un commerciante d'arte polacco che ha venduto le opere del giovane italiano alla suddetta impresa, è stato incaricato di allestire il suddetto evento. Prima di questo progetto Modigliani non aveva mai esposto, tanto che quella alla Weill rappresentò la sua prima personale in assoluto. Nonostante l'"inesperienza" si trattò di un esordio infuocato, in quanto i nudi esposti in vetrina, insolitamente belli e lontani dai canoni dell'epoca, portarono all'intervento della polizia, che procedette all'abbassamento dei vetri e all'interruzione di quelle visioni scandalose . La cosa divertente è che quando Berthe Weill ha chiesto agli ufficiali cosa ci fosse di così scioccante in una serie di nudi, cioè soggetti che sono stati dipinti per migliaia di anni, loro hanno risposto: "c'è che quei nudi hanno i capelli". Per questo motivo la prima mostra dei nudi di Modigliani è stata cancellata prima ancora che iniziasse.
Victor Molev, Kabbalah , 2020. Pittura, olio su tela, 28 x 36 cm.
10. Espressionismo e Surrealismo: interpretazioni personali e visionarie
Tra le avanguardie del XX secolo, i nudi espressionisti e surrealisti si distinguono per sensualità, significati nascosti, allusioni e legami con il mondo interiore e intimo dell'artista. Per quanto riguarda l'espressionismo, il nudo tende ad esprimere, attraverso il corpo, il sentimento individuale dell'artista, piuttosto che una mera rappresentazione oggettiva del dato anatomico. Ad esempio, angoscia, tristezza e dramma esistenziale sono i temi portanti dell'indagine artistica di Edvard Much, sentimenti che ripropone in Puberty, opera del 1894 volta a immortalare un'adolescente nuda. Allo stesso modo, anche gli artisti di Die Brücke (Espressionismo tedesco) ritraggono spesso ragazze adolescenti nude, così come Kirchner, che nel 1910 realizza Marcella, un'opera in cui una giovane ragazza è raffigurata con forme semplificate, colori taglienti e squillanti, e un forte, tratto espressivo. Infine, un altro espressionista è Schiele, artista il cui tema della corporeità femminile era uno dei più popolari, reso attraverso la fusione di sessualità e tormento. Per quanto riguarda il Surrealismo, invece, la visione del nudo femminile di questa corrente artistica può essere sintetizzata attraverso l'opera del suo maestro più famoso, ovvero Salvador Dalì, artista che si è avvicinato alla femminilità attraverso un'attenzione poetica alla dimensione inconscia e onirica del essere umano.
Edvard Munch, La pubertà , 1894–95. Olio su tela, 151,5×110 cm. Oslo: Galleria Nazionale.
Pubertà di Munch (1893)
Il nudo femminile, così come il tema della sessualità, è indagato nel dipinto Pubertà, realizzato da Munch nel 1893. La prima versione di questo soggetto fu realizzata nel 1885 o 1886, ma andò perduta, tanto che, nel tempo, il maestro lo ha riprodotto in diverse opere. Nel dipinto del 1893 un'adolescente, ritratta all'interno di un luogo spoglio, appare seduta sulla sponda del letto, mentre, sola e nuda, ha le gambe unite e le braccia incrociate sul pube. In questa posa ha gli occhi spalancati e la bocca serrata, come a suggerire uno stato emotivo disturbato, probabilmente dovuto all'immaturità del suo corpo, illuminato da una luce proveniente da sinistra, volta a generare un'atmosfera inquietante e minacciosa ombra. È proprio quest'ultima zona oscura che sembra alludere al futuro della ragazza, che si preannuncia drammatico o addirittura tragico. In effetti, il senso dell'opera potrebbe essere quello di riconoscere nella pubertà il potere di trasformare ragazze innocenti in donne, la cui sessualità può essere uno strumento, sia di piacere che di dolore, per le loro controparti maschili.
Salvador Dalì, Sogno provocato dal volo di un'ape , 1944. Olio su tavola, 51×40,5 cm. Madrid:Museo Thyssen-Bornemisza.
Sogno causato dal volo di un'ape (1944) di Salvador Dalì
Nella ricca, onirica e surreale composizione di Dream Caused by the Flight of a Bee, opera del 1944 di Salvador Dalì, ritroviamo anche il corpo nudo, disteso di una donna, intenta a galleggiare su uno scoglio in mezzo al mare. La tranquillità di un simile soggetto è del tutto inimmaginabile, se, come nel dipinto, immaginiamo l'avvicinarsi improvviso di due enormi e fameliche tigri, così come l'arrivo di un fucile a baionetta, la cui punta sta per toccare anche il corpo della donna braccio. Oltre a queste, sono molteplici le immagini che compaiono nel dipinto, tanto che l'opera sembra essere stata concepita da un sogno, una realtà in cui le stranezze si susseguono rimandando al mondo reale. Il capolavoro, infatti, trae origine dal racconto di un evento onirico accaduto all'amata del maestro spagnolo, ovvero Gala, la quale, grazie al ronzio di un'ape, che le volava intorno all'orecchio, limmaginò in successione tutte le suddette visioni.
Andrea Vandoni, La pigrizia , 2022. Olio su tela, 73 x 116 cm.
11. Arte contemporanea: libertà di espressione e molteplici punti di vista
Gli artisti contemporanei possono rappresentare il nudo femminile, sia rifacendosi alla grande tradizione figurativa del passato, sia esprimendosi attraverso punti di vista liberi e innovativi. In entrambi i casi, lo scopo di tale indagine, avendo come soggetto la donna, è quello di rivelare le sembianze di colei che, secondo l'artista, potrebbe esprimere l'idea più pura di femminilità, capace di animare, incuriosire, attrarre e commuovere i loro immaginazione. Impossibile non citare in questo contesto l'indagine artistica di Tom Wesselmann, Marina Abramović, Yayoi Kusama, Takashi Murakami, Damien Hirst, Jeff Koons e Fernando Botero, che in alcune occasioni hanno raffigurato anche il corpo femminile nudo.
Tom Wesselman
Wesselmann iniziò a dipingere donne nude intorno al 1959, rifiutando lo stile prevalente dell'espressionismo astratto per esprimersi attraverso ritratti grafici e provocatori. Queste ultime, perfettamente adatte alla rivoluzione sessuale degli anni Sessanta, si adagiano spesso in pose suggestive e sensuali, nelle quali, a volte, non manca una parvenza di ironia. Le sue figure, molte delle quali sono modellate sulla moglie dell'artista, Claire Selley, presentano spesso vigorose linee di abbronzatura, con lo scopo di attirare l'attenzione dello spettatore sui punti focali del seno e del pube. Dalla sua prima serie di nudi, intitolata "Great American Nude" (1961-73), al suo più recente "Sunset Nudes" (2003-04), Wesselmann si è dilettato nella sperimentazione di nuove tecniche e composizioni artistiche, in cui accostamenti non convenzionali risaltano gli alti del corpo, che hanno lo scopo di generare nuovi modi di stuzzicare gli spettatori con la forma femminile. In sintesi, per comprendere meglio il suo lavoro, possiamo citare direttamente le parole dell'artista: "Non rappresento nudi per nessuna intenzione sociologica, culturale o emotiva". "Il nudo, penso, è un buon modo per essere aggressivi, in senso figurato. Voglio provocare reazioni intense ed esplosive negli spettatori".
Retrospettiva " Yayoi Kusama: dal 1945 al presente". Hong Kong: Museo M+!
Yayoi Kusama
Negli ultimi 50 anni, artisti, storici dell'arte e teorici hanno riflettuto molto sulla politica, sul dolore e sui piaceri del corpo e su come si relaziona all'identità. L'ampio corpus di lavori di Yayoi Kusama, pieno di opere che stimolano la riflessione, ha affrontato molti degli argomenti di cui sopra. Infatti, attraverso la sua vasta gamma di stili e immagini, che ben rendono la sua complicata personalità, l'artista ha indagato il corpo, principalmente attraverso la performance art. Tale indagine, ha catturato anche la nudità dell'artista stessa, che, segnata dai suoi punti iconici, appare in celebri foto della fine degli anni '60, all'interno delle quali Kusama posa insieme alla sua serie "Accumulation".
Roman Rembovsky, Nel giardino dell'Eden , 2022. Olio su tela, 120 x 140 cm.
Il fascino immortale del nudo: continua...
Il nudo, come le nature morte, i paesaggi ei ritratti, rappresenta un soggetto immortale nella storia dell'arte, con il quale gli artisti non cesseranno mai di confrontarsi, entrando in "competizione" con i più grandi maestri di tutti i tempi. In questo contesto, il nudo femminile risulta essere un soggetto di grande interesse, poiché, se nell'antichità erano gli uomini ad essere maggiormente rappresentati, è noto come, a partire dal Rinascimento, il gentil sesso si sia "imposto" in questa tipologia di raffigurazione. Pertanto, il resoconto di cui sopra non risulta esaustivo, in quanto può essere continuamente implementato da punti di vista futuri, inediti, originali e, probabilmente, scandalosi.
Olimpia Gaia Martinelli
