I Quattro Elementi nell’Arte: Terra, Aria, Fuoco e Acqua come Fonti di Ispirazione

Nel cuore pulsante del Settecento, un’epoca in cui la grazia e il simbolismo si intrecciano nell’arte, Rosalba Carriera emerge come una delle pittrici più celebrate e richieste d’Europa. Veneziana di nascita e talento, conquista le corti e i salotti aristocratici con la sua straordinaria abilità nell’uso del pastello, una tecnica che, sotto le sue mani, acquista una morbidezza e una luminosità quasi eteree. Con tocchi delicati e precisi, la Carriera riesce a infondere nei volti dei suoi soggetti un’immediatezza espressiva e un’introspezione psicologica rare per il tempo.

Tra il 1741 e il 1743, realizza per Giovan Francesco Stoppani, nunzio apostolico presso il Senato di Venezia, una delle sue opere più affascinanti: la serie allegorica dedicata ai quattro elementi. In un periodo in cui le personificazioni simboliche – dai continenti alle stagioni – sono un linguaggio artistico diffuso, la pittrice veneziana dà vita a una rappresentazione intensa e raffinata di Aria, Acqua, Terra e Fuoco, conferendo a ciascuna figura un carattere distintivo e una vibrante identità.

I quattro elementi emergono in primissimo piano, con uno stile ritrattistico che li rende quasi vivi, mentre gli attributi iconografici che li identificano si collocano con eleganza ai margini della composizione. L’Aria avvolge le sue forme in un mantello blu profondo e lascia trapelare un lembo di tessuto, mentre un uccellino legato a un filo completa il suo legame con l’invisibile e l’effimero. L’Acqua, assorta e pensierosa, fissa alcuni pesci appesi a una lenza, in una scena che richiama il fluire incessante e la mutevolezza di questo elemento vitale. La Terra appare solida e rigogliosa, con una ghirlanda di fiori tra i capelli e un grappolo d’uva tra le mani, richiamando l’abbondanza e la ciclicità delle stagioni. Il Fuoco, infine, si distingue per la sua energia vibrante: la chioma fiammeggiante, la veste di un rosa acceso e il piccolo braciere che tiene con fierezza nella mano evocano il potere trasformativo delle fiamme, simbolo di passione e distruzione.

L'accostamento tra aria e fuoco nell’arte è particolarmente evocativo, poiché questi due elementi non solo interagiscono in natura, ma si potenziano a vicenda. L’aria alimenta il fuoco, lo fa divampare e lo diffonde, mentre il fuoco trasforma l’aria, rendendola densa e carica di energia. Questo legame dinamico si riflette nelle due opere d’arte contemporanea qui analizzate: Calligraphing en l'air #6 di Cody Choi e Fire di Laura Casini. Entrambe esplorano il movimento, la trasformazione e l’intensità espressiva, ma lo fanno attraverso due linguaggi artistici differenti: la fotografia e la pittura materica.

L’opera fotografica di Cody Choi cattura un momento di pura sospensione, in cui il corpo della danzatrice sfida la gravità e sembra dissolversi nello spazio. Il concetto di "scrivere nell’aria" diventa qui una metafora della danza stessa, un’arte effimera che lascia tracce invisibili ma cariche di significato. Inoltre, il bianco dello sfondo accentua la sensazione di leggerezza e assenza di peso, mentre il contrasto con la figura scura della danzatrice – i suoi capelli scompigliati dal movimento e il tessuto fluttuante – evocano il vento e la libertà. L’aria non è quindi solo il mezzo in cui il corpo si libra, ma è anche una forza visibile attraverso i movimenti della stoffa e dei capelli, quasi fosse essa stessa un soggetto attivo.

Dall’evanescenza dell’aria passiamo all’ardente presenza del fuoco nell’opera pittorica di Laura Casini. Qui l’energia si manifesta in forma primordiale, attraverso una materia densa, ruvida e incandescente. Il rosso, l’arancione e il giallo si mescolano in una superficie vibrante, dove la pittura sembra quasi prendere vita, ribollendo e trasformandosi davanti agli occhi dello spettatore. L’uso della texture, con strati di colore spessi e irregolari, richiama il magma, il fuoco vivo, la combustione. L’opera non è solo da guardare, ma quasi da toccare: la tridimensionalità del colore e l’effetto della luce che cambia sulla superficie creano un’esperienza sensoriale che va oltre il visivo. 

L’accostamento tra queste due opere non è casuale. Entrambe parlano di energia, ma lo fanno in modi opposti e complementari. L’aria nella fotografia di Cody Choi è sottile, impalpabile, inafferrabile; è il respiro della danza, il vento che solleva il corpo, il vuoto che permette di volare. Il fuoco nella pittura di Laura Casini, al contrario, è denso, ardente, tangibile; è una forza che brucia, che trasforma, che lascia tracce indelebili.

L’accostamento tra acqua e terra nell’arte non è solo un richiamo alla natura, ma anche un’esplorazione della loro relazione primordiale. L’acqua modella la terra, la scava, la trasforma, la rende fertile o la erode, mentre la terra accoglie l’acqua, ne trattiene l’energia e ne guida il flusso. Questa interazione continua tra stabilità e fluidità, tra materia e movimento, trova espressione in due opere contemporanee che catturano l’essenza visiva e concettuale di questi elementi: Eau et fusain 7 di Ln Le Cheviller e Nous retournerons à la terre di Emily Starck.

L’opera di Ln Le Cheviller si muove in uno spazio intermedio tra astrazione e evocazione del paesaggio, utilizzando l’acqua non solo come soggetto ma anche come tecnica. Le colature, le sfumature e le tracce calligrafiche sembrano evocare l’espansione di superfici liquide, come se la pittura stessa fosse in movimento. Il carbone diluito si mescola con l’acrilico, creando un effetto quasi evanescente, una stratificazione di trasparenze che richiama il flusso dell’acqua e la sua capacità di modellare lo spazio. Le tonalità dominanti del blu, del nero e del grigio suggeriscono profondità e movimento, con pennellate che ricordano onde, correnti e vortici. L’acqua, qui, non è rappresentata in modo tradizionale ma è suggerita, lasciando allo spettatore il compito di percepirne il ritmo e la fluidità. 

Se l’acqua è movimento e impermanenza, la terra è radicamento, materia e memoria. L’opera di Emily Starck, dal titolo evocativo Nous retournerons à la terre, si inserisce nella tradizione dell’espressionismo astratto con una tavolozza densa e materica, dominata da toni terrosi come il marrone, il giallo e il rosso. L’artista affronta un tema universale e senza tempo: il legame tra la terra e la morte, il ritorno alla materia primordiale, il ciclo della vita che si rinnova attraverso la decomposizione e la rinascita. Le pennellate gestuali e stratificate conferiscono all’opera una forza primordiale, quasi viscerale, come se la pittura stessa fosse un organismo vivente che respira e si trasforma. La superficie della tela appare caotica e vibrante, con segni che sembrano emergere dal fondo come radici, sedimentazioni o tracce di una storia antica. Qui, la terra non è solo rappresentata, ma evocata nella sua essenza più profonda: un elemento che accoglie, custodisce e trasforma.

Allora, queste due opere, pur appartenendo a registri espressivi differenti, instaurano un dialogo potente tra l’effimero e il durevole, tra il fluire dell’acqua e la solidità della terra.