I 5 dipinti di natura morta più famosi nella storia dell'arte

Le nature morte sono un esercizio tanto affascinante quanto enigmatico per gli artisti. Affascinante per la tecnica, perché molti pittori hanno "fatto la loro mano" su questi quadri di genere, facili da realizzare perché non richiedono modelli, non lunghe ore di pose, ma anche perché si possono dipingere direttamente in studio, spesso anche a lume di candela.

Vincent van Gogh, Girasoli (F456) , 1888. Neue Pinakothek, Monaco di Baviera, Germania.

Soprattutto, molte nature morte si rivelano particolarmente misteriose, perché contengono significati più profondi di una semplice rappresentazione di oggetti inanimati . Anche se spesso dimenticate, le nature morte sono l'eredità delle vanitas , quei dipinti di genere che ci ricordano l'inevitabile scorrere del tempo e la deperibilità delle cose che amiamo. Nella pittura, un frutto danneggiato può illustrare una morte e un girasole in fiore può rappresentare la malinconia .

Allora, quali sono le nature morte più famose della storia dell'arte?  

1. Fede Galizia, Natura morta (ca. 1610)

Fede Galizia, Natura morta, 1610 circa. Collezione privata.

E se iniziassimo a riportare un po' di giustizia nella storia dell'arte? Potrebbe sorprendere, considerando il posto lasciato alle donne nell'epopea artistica degli ultimi secoli, ma l'emergere della natura morta come stile distintivo è principalmente il risultato di una feroce volontà femminile .

Una donna? No, donne . Fu agli inizi del XVII secolo che fiorirono le prime vere sperimentazioni con le nature morte, nel senso moderno del termine (lontano dalle vecchie vanità) , cioè composizioni di oggetti inanimati, generalmente frutta, derrate alimentari, utensili e animali.

Fede Galizia, Natura morta con mele su tazza di maiolica, con nespole e ribes bianco , ca. 1612. Localizzazione sconosciuta.

A quel tempo, le nature morte non erano deprezzate ma convivevano con altri generi tradizionali: dipinti mitologici e religiosi , ritratti o paesaggi . Tuttavia, i pittori dipinsero principalmente ritratti (perché erano pagati per questo), poi dipinti mitologici e religiosi (perché li rendeva famosi), e gradualmente abbandonarono vanità, nature morte e paesaggi che non portarono loro fama né fortuna. L'Europa è in piena effervescenza artistica, dai Paesi Bassi all'Italia, passando per la Francia, molti luoghi artistici traboccano di talenti di ogni genere. Tra questi artisti, tre donne si staccheranno dal buon senso per dedicare gran parte della loro creatività alla realizzazione di nature morte .

Ma chi sono queste Superchicche delle nature morte?

Per prima cosa, a Milano (Italia), Fede Galizia crea una serie di deliziosi cestini di frutta. A poche migliaia di chilometri di distanza, una sua coetanea, Clara Peeters , residente ad Anversa (Paesi Bassi), sboccia attraverso centinaia di nature morte che rappresentano tavole imbandite per pasti abbondanti e raffinati. Infine, pochi anni dopo, intorno al 1630, l'artista francese Louise Moillon realizzò anche numerose nature morte nel filone di Fede Galizia.

Clara Peeters, Natura morta con tazza in argento dorato , 1613. Collezione privata.

Queste tre donne hanno innegabilmente reso popolare questo genere in tutta Europa, sia con i collezionisti che con altri artisti. Tuttavia, sono le loro controparti maschili, che sono arrivate più tardi, che hanno un posto d'elezione nella storia dell'arte. Rendiamo giustizia oggi a queste tre donne ingiustamente dimenticate nonostante il loro lavoro pionieristico, che merita di essere riscoperto .

Louise Moillon, Natura morta con cesto di frutta e asparagi, 1630. Art Institute of Chicago.

Se la riabilitazione delle artiste nella storia dell'arte è un argomento che ti sta a cuore, dai un'occhiata ai nostri articoli dedicati: 4 donne straordinariamente toste che hanno cambiato la (molto patriarcale) storia dell'arte e 4 donne artiste oscurate dalla fama del marito .

2. Jean-Siméon Chardin, Il raggio (1728)

Jean Siméon Chardin, Il raggio , 1728. Museo del Louvre, Parigi.

Per i suoi contemporanei, Jean-Siméon Chardin era considerato un maestro assoluto del genere , in particolare per la sua abilità tecnica e composizioni sorprendenti. Quest'opera d'arte, in mostra al Museo del Louvre, è una testimonianza convincente della sua efficienza pittorica.

In questa composizione scopriamo un piccolo banco da lavoro in legno su cui sono disposti vari oggetti: utensili da cucina e contenitori trovano posto accanto a un gatto, carcasse di pesce e ostriche. Sopra questo strano disordine, un muro di mattoni impone la sua penombra e un raggio, al centro dell'opera, è sostenuto da un gancio metallico .

Perché un tale disordine? Questo groviglio di oggetti inanimati (a parte questo intrepido felino) permette all'artista di esprimere più liberamente la sua volontà pittorica : qui, ad esempio, sceglie una costruzione piramidale per strutturare la composizione. La piramide centrale è ovviamente rappresentata dal raggio, poi si rivelano altre due piramidi inferiori ai lati dell'animale: una prende la sua sommità all'estremità della coda del felino, l'altra all'estremità del mestolo posto in equilibrio sul calco pentola di ferro.

La tovaglia bianca crea una dualità al centro dell'opera e divide in due la composizione . Infine, le interiora visibili del raggio conferiscono una sorprendente brutalità all'opera d'arte: così disposta, la sua strana espressione facciale ci guarda e ci mette a disagio. Chardin ci porta lontano dal romanticismo con questa razza sventrata, tanto sinistra quanto inquietante .

3. Edouard Manet, Il mazzo di asparagi e gli asparagi (1880)

Edouard Manet, Mazzo di asparagi , 1880. Wallraf-Richartz Museum, Colonia, Germania.

Ecco una storia non convenzionale nel mondo dell'arte e un aneddoto divertente per brillare nella società. Queste due nature morte sono la stessa cosa e sono più conosciute per la storia dietro la loro creazione che per le loro pure qualità estetiche.

C'era una volta, nel 1880, un collezionista d'arte e buon amico degli impressionisti: Charles Ephrussi . Decise di incaricare il suo artista preferito, Edouard Manet, di dipingere una natura morta che rappresentasse un mazzo di asparagi. Gli offrì 800 franchi per l'opera d'arte . Manet accettò, dipinse gli asparagi e inviò il risultato al suo patrono. Dopo averlo ricevuto, è uno stupore: Charles Ephrussi adora il dipinto , è rimasto incantato da questo magnifico mazzo di asparagi e regala 1000 franchi a Manet (quindi 200 franchi in più del previsto). L'artista decise quindi di offrire a questo generoso mecenate un'altra natura morta - L'Asparago - accompagnata dal seguente commento: " Nel tuo mazzo ne mancava una". .

Edouard Manet, Un rametto di asparagi , 1880. Musée d'Orsay, Parigi, Francia.

Bastava questo perché un'opera apparentemente insignificante diventasse una leggenda nella storia dell'Arte Moderna. Oggi le due opere sono separate: una è al Musée d'Orsay di Parigi, l'altra al Museo della città di Colonia, ma poiché sono entrambe così strettamente legate, speriamo con tutto il cuore che un giorno arrivino insieme .

4. Paul Cézanne, Natura morta con teschio (ca. 1898)

Paul Cézanne, Natura morta con teschio , 1898 circa. Barnes Foundation, Philadelphia.

Come parlare delle nature morte più famose della storia dell'arte senza citare il maestro indiscusso di questo esercizio stilistico: lo strano e affascinante Paul Cézanne . Questo artista, innamorato del sud della Francia, ha realizzato diverse centinaia di nature morte nel corso della sua carriera, tutte più sublimi le une delle altre.

Per Wassily Kandinsky , Cézanne "ha elevato la natura morta a un punto tale che ha cessato di essere inanimata. Dipinse queste cose come esseri umani perché aveva ricevuto la capacità di indovinare la vita interiore di ogni cosa" . Un bellissimo omaggio per questo appassionato pittore, che si è dedicato ad analizzare la pittura sotto il prisma della matematica.

P aul Cézanne, Il cesto di mele, ca. 1892. Istituto d'Arte di Chicago.

Se le mele di Cézanne sono così ammalianti è perché le vedeva come sfere e cilindri, e non come semplici oggetti da rappresentare. Se le sue composizioni sono così naturali è perché non sono fatte di linee e forme, ma dell'alchimia dei contrasti. La forma si crea per mezzo di un'esatta concordanza di toni, e se questa coordinazione è armonica, allora il quadro si fa da sé . Nel linguaggio degli artisti, "modellare" significa soprattutto "modulare" . L'opera di Cézanne è una parte essenziale della storia dell'arte, prefigurando le principali tendenze artistiche del XX secolo, in particolare il cubismo .

5. Georges Braque, Violino e candelabro (1910)

Georges Braque, Violino e candelabro , 1910. Museo di arte moderna di San Francisco.

Fu con Pablo Picasso che Georges Braque fondò il cubismo , lo stile artistico dominante del ventesimo secolo. Il cubismo è un movimento artistico che si caratterizza principalmente per l'abbandono della prospettiva classica , la scomposizione delle forme in diverse sfaccettature geometriche (che dà l'impressione di "cubi") e l'indipendenza dei diversi piani della composizione. Per dare un senso alla loro ricerca, Braque e Picasso hanno dovuto produrre opere d'arte secondo questi processi: Braque prima ha realizzato paesaggi, poi ha iniziato a decostruire il tema tradizionale della natura morta .

Violino e Candeliere è sicuramente la natura morta cubista più famosa della Storia dell'Arte . Creato nel 1910, fa parte della prima fase del cubismo, comunemente noto come cubismo analitico . Qui, gli elementi della composizione sono rappresentati da forme semplici, utilizzando più punti di vista in uno stile puramente monocromatico: l'artista ha utilizzato solo le diverse tonalità dello stesso colore. Con Braque e Picasso, l'arte diventa un esercizio logico e matematico .

Georges Braque, Natura morta con vetro e lettere, 1914. MoMA, New York.

E questo è tutto, questa classifica è finita, e speriamo che ti sia piaciuta!
Per approfondire, puoi leggere il nostro articolo sugli autoritratti più famosi qui , oppure scoprire la nostra Collezione di nature morte , disponibile su Artmajeur qui .