Hieronymus Bosch

Hieronymus Bosch.

Chi era Hieronymus Bosch

Hieronymus Bosch, noto anche come Jheronimus van Aken, era un rinomato pittore olandese del Brabante che visse dal 1450 circa al 9 agosto 1516. Era una figura di spicco nella scuola di pittura dei primi Paesi Bassi ed è ben noto per le sue straordinarie raffigurazioni di religiosi temi e storie. Usando l'olio su legno di quercia come mezzo principale, Bosch ha creato illustrazioni fantastiche che spesso ritraevano l'inferno in modo macabro e da incubo.

Sebbene non si sappia molto sulla vita personale di Bosch, esistono alcuni documenti esistenti. Ha trascorso la maggior parte della sua vita nella città di 's-Hertogenbosch, dove è nato nella casa di suo nonno. Le sue radici ancestrali possono essere fatte risalire a Nimega e Aquisgrana, il che è evidente nel suo cognome "Van Aken". Lo stile artistico unico e pessimista di Bosch ha avuto una profonda influenza sull'arte nordeuropea durante il XVI secolo, con Pieter Bruegel il Vecchio come suo discepolo più noto. Oggi Bosch è riconosciuto come un pittore altamente individualista che possedeva una profonda comprensione dei desideri umani e delle paure più profonde.

Determinare la paternità delle opere di Bosch è stato impegnativo e gli sono stati attribuiti con sicurezza solo circa 25 dipinti, insieme a otto disegni. Circa altri sei dipinti sono associati con sicurezza alla sua bottega. Alcuni dei suoi capolavori più celebri includono pale d'altare a trittico, in particolare "Il giardino delle delizie".

Concetti chiave

Bosch è stato un artista pioniere che ha introdotto idee astratte nelle sue opere d'arte, utilizzando spesso la struttura narrativa del trittico. Esperti e studiosi hanno identificato vari temi contemporanei nella sua narrazione, come questioni ecologiche, sociali e politiche. Tuttavia, le sue creazioni più famose, in particolare il suo magnifico capolavoro, Il giardino delle delizie (1490-1510), sono piene di simbolismo religioso e ruotano attorno all'eterno conflitto morale dell'umanità tra incoscienza e virtù.

Riconosciuto da molti come "creatore di immagini demoniache" e portatore di assurdità visiva e scherno, le opere di Bosch hanno posto sfide significative da decifrare a critici e storici. I suoi dipinti enigmatici gli hanno valso il soprannome di "El Bosco" in Spagna, dove era molto stimato ancor prima della rinascita ottocentesca dell'interesse per la sua arte. In effetti, Bosch è spesso considerato il "primo surrealista" ed è stato acclamato dal famoso psicoanalista Carl Jung come il pioniere "esploratore dell'inconscio".

In contrasto con i pittori olandesi come Jan van Eyck, il cui stile era caratterizzato da pennellate morbide e precise, la tecnica artistica di Bosch è dinamica e diversificata. Le sue vibranti pennellate mostrano una notevole energia. Inoltre, la sua eccezionale attenzione ai dettagli può essere fatta risalire alla sua prima esperienza come disegnatore, che lo ha distinto come uno dei primi artisti olandesi a creare disegni come opere d'arte indipendenti piuttosto che come semplici schizzi preparatori.

Alcuni storici hanno sottolineato che la fonte di ispirazione per le creature tipicamente surreali e diaboliche che abitano le opere di Bosch può essere fatta risalire a manoscritti religiosi risalenti al periodo tardo medievale fino al Rinascimento. Già nel 1605, il monaco spagnolo José de Sigüenza osservava che i dipinti di Bosch erano simili a "libri di immensa saggezza e significato artistico". Ha inoltre notato che qualsiasi assurdità percepita all'interno delle opere d'arte non era dell'artista, ma piuttosto un riflesso delle follie e delle delusioni dell'umanità. Sigüenza considerava i dipinti di Bosch come satire dipinte, offrendo aspre critiche ai peccati umani e al comportamento irrazionale.

Hieronymus Bosch, San Giovanni Battista in meditazione , 1489 ca. Olio su tavola, 48,5×40 cm. Museo Lázaro Galdiano, Madrid.

Primi anni di vita e formazione

Jheronimus Anthonissen van Aken nacque approssimativamente tra il 1450 e il 1456 (la data esatta della sua nascita rimane incerta ma è stata stimata sulla base di un autoritratto del 1508 circa). Era il figlio di Antonius van Aken e Aleid van der Mynnem, ed è nato in una famiglia prospera nella residenza di suo nonno nella città ricca e culturalmente vivace di 's-Hertogenbosch, che faceva parte del Ducato di Brabant nei Paesi Bassi . Suo nonno, Johannes Thomaszoon van Aken, era un pittore molto stimato all'inizio del XV secolo a 's-Hertogenbosch e stabilì una notevole eredità artistica, poiché anche quattro dei suoi cinque figli, tra cui Antonius, divennero pittori.

A parte questi dettagli, non si sa molto dei primi anni di Bosch, ad eccezione del fatto che nel 1463 un catastrofico incendio distrusse circa 4.000 case a 's-Hertogenbosch. Si ritiene che Bosch abbia assistito a questo evento devastante, che probabilmente ha avuto un profondo impatto su di lui. La storica dell'arte Claire Selvin suggerisce che questo tragico incidente potrebbe aver influenzato le successive opere d'arte di Bosch, alcune delle quali raffigurano incendi violenti sullo sfondo, riflettendo l'impressione duratura dell'evento distruttivo sull'artista.

Da giovane, Jheronimus adottò il nome Bosch come tributo alla sua città natale, conosciuta localmente come Den Bosch o "la foresta". Sfortunatamente, si sa molto poco della sua formazione poiché non ha lasciato quaderni, lettere o altri artefatti. Tuttavia, i documenti della città di s-Hertogenbosch nel 1475 indicano che Hieronymus era elencato come membro della bottega di suo padre. È ragionevole supporre che il padre, forse aiutato da uno zio, gli abbia insegnato l'arte della pittura. Nonostante questa conoscenza, le origini della straordinaria immaginazione di Bosch rimangono sfuggenti.

Intorno al 1480-81 Bosch sposò Aleid van der Mervenne, figlia di un commerciante. Aleid, che era più vecchio di Bosch, portò con sé una cospicua eredità, inclusa una proprietà di famiglia nella vicina città di Oirschot, dove si stabilirono. Si ritiene che Bosch non si sia mai avventurato lontano dalle sue immediate vicinanze e non abbia viaggiato molto. Secondo Salvin, tramite Fischer, Bosch ha beneficiato delle risorse finanziarie, della terra e dello status sociale derivanti dal matrimonio. Subito dopo la loro unione, Bosch fondò il proprio laboratorio, segnando una svolta significativa nella sua carriera di artista indipendente. Ciò gli ha permesso di stabilire legami con mecenati influenti, inclusi i reali.

Nel 1486, il nome e la professione di Bosch furono registrati nei registri della città di s-Hertogenbosch, designandolo come Insignis Pictor o "Distinguished Painter". Si può ipotizzare che, poiché s-Hertogenbosch era sotto il governo dell'Impero Romano, Bosch avesse probabilmente familiarità con l'arte del Rinascimento, che ebbe un impatto sui pittori fiamminghi. All'età di circa 40 anni, nel 1488, Bosch si unì alla Confraternita di Nostra Signora, un'associazione religiosa altamente conservatrice composta da circa 40 influenti cittadini di 's-Hertogenbosch e 7.000 "membri esterni" sparsi in tutta Europa. La Confraternita, di cui il padre di Bosch un tempo era stato consigliere artistico, era devota alla Vergine e godeva di grande rispetto in tutta l'Europa cattolica. Si ritiene che alcune delle prime commissioni di Bosch per opere d'arte devozionali provenissero dalla Confraternita, sebbene non sia chiaro se qualcuna di queste opere sia sopravvissuta fino ad oggi.

Per quanto riguarda una delle prime opere conosciute di Bosch, la Crocifissione con santi e donatore (c. 1485-90), Fischer suggerisce che, mentre la sua collocazione originale è sconosciuta, il dipinto serviva allo scopo tipico di assicurare la salvezza al donatore raffigurato inginocchiato al base della croce, simile ad altre opere devozionali dell'epoca. Questo particolare dipinto si distingue in qualche modo dal resto del corpus di opere di Bosch, che spesso presenta composizioni eccentriche, disorientanti e inquietanti. Tuttavia, Bosch avrebbe successivamente applicato il suo stile distintivo a vari soggetti religiosi.

Tuttavia, il critico d'arte Tim Smith-Laing contesta in qualche modo l'idea che Bosch fosse un outsider o non convenzionale. Mentre alcune ricerche speculative negli anni '40 hanno tentato di associarlo a un culto sessuale eretico chiamato Adamiti, e negli anni '60 c'erano suggerimenti che potesse aver sperimentato allucinazioni dal consumo di grano contaminato dalla segale cornuta, l'opinione accademica tradizionale dipinge un quadro molto più convenzionale. Non ci sono prove a sostegno di queste teorie, ed è opinione diffusa che Bosch fosse un membro rispettato e prospero della società, aderente al cattolicesimo ortodosso. Era molto richiesto come pittore devozionale, ricercato da vari mecenati.

Hieronymus Bosch, Il carro da fieno di Hieronymus Bosch , 1516 ca. Olio su tavola, 135×200 cm. Museo del Prado, Madrid.

Periodo maturo

Mentre altri artisti del nord Europa si concentravano sulla rappresentazione di narrazioni bibliche, Bosch si avvicinò allo stesso soggetto in un modo straordinariamente originale e distinto che contrastava nettamente con lo stile fiammingo prevalente e armonioso. Ha reinventato queste storie attraverso la sua vivida immaginazione, trasformando le parabole religiose in straordinari regni fantastici pieni di assurdità e ricco simbolismo ecclesiastico. Fu durante il suo "periodo di mezzo" vagamente definito che iniziò ad emergere lo stile iconico di Bosch. Le sue opere presentavano figure contorte e distorte, colori vibranti, fogliame sovradimensionato e minaccioso, oltre a vari diavoli e rettili. In questo periodo realizza opere come il San Girolamo in preghiera (1485-90 ca.), il San Giovanni Battista in meditazione (1490) e la pala d'altare San Giovanni a Patmos (1490-95), che potrebbe aver stato commissionato dalla Confraternita della Beata Vergine Maria.

Tuttavia, fu spesso il Trittico dell'Adorazione dei Magi (1494) a essere considerato il suo primo vero capolavoro. Commissionata da Peeter Scheyfve e Agneese de Gramme di Anversa, quest'opera, raffigurante la Messa di San Gregorio, rafforzò la reputazione di Bosch, anche se in seguito si discostò dal suo stile riconosciuto. Come notato da Smith-Laing, "Quando Bosch morì nel 1516, era già uno dei pittori più rinomati del suo tempo, e presto divenne uno degli artisti più imitati e copiati. Entro il 1530... un'intera scuola di emersero pittori di Anversa dediti a quello scopo esatto, cristallizzando l'immagine visionaria di Bosch". Smith-Laing sottolinea che quando i "moderni professionisti del marketing" si sono interessati al lavoro di Bosch, si sono concentrati principalmente su di lui come creatore di immagini infernali e diaboliche, trascurando spesso le sue opere più tranquille e contemplative come l'Adorazione dei Magi.

L'ultimo periodo

Indubbiamente, Il giardino delle delizie (1490-1510) è il capolavoro più magnifico di Bosch e la sua opera più ampiamente riconosciuta. In effetti, per molte persone, questo dipinto è l'unica associazione che hanno con il suo nome. A questo punto della sua carriera, lo stile di Bosch aveva raggiunto il suo apice, mettendo in mostra la sua espressione artistica matura. L'opera d'arte raffigura un paradiso terrestre in cui la creazione e la tentazione della donna sono giustapposte a scene profondamente inquietanti e inquietanti di dissolutezza ed edonismo.

La qualità onirica e da incubo del dipinto ha assunto uno status leggendario, pieno di numerose minuscole figure umane nude, animali distorti e creature minacciose apparentemente emerse dalle profondità della sconfinata immaginazione dell'artista. Tuttavia, secondo The Oxford Dictionary of Art and Artists, mentre opere come The Garden of Earthly Delights possiedono un potere immaginativo incredibilmente vivido e incorporano intricate narrazioni e simboli, i temi sottostanti possono essere ingannevolmente semplici, spesso radicati nella cultura popolare dell'era di Bosch. , inclusi proverbi e letteratura devozionale. Il dizionario sottolinea anche che visivamente le figure mostruose che dipinse somigliano alle creature peculiari che si trovano spesso ai margini dei manoscritti medievali e ai doccioni grotteschi che adornano l'architettura gotica. In effetti, anche la cattedrale di 's-Hertogenbosch contiene notevoli esempi di questi doccioni.
Oltre alla preoccupazione di Bosch per la dualità del bene e del male nell'universo di Dio, esibisce una notevole capacità di raggiungere l'armonia compositiva e una meticolosa attenzione ai dettagli che rivaleggia con quella dei pittori del Rinascimento. Il famoso storico dell'arte EH Gombrich, citando Il giardino delle delizie, ha osservato che Bosch aveva realizzato qualcosa senza precedenti: dare forma tangibile alle paure che avevano afflitto le menti delle persone durante il Medioevo. Questo risultato è stato reso possibile dalla combinazione della persistente influenza delle vecchie idee e delle tecniche artistiche fornite dallo spirito moderno del Rinascimento.

La nave dei folli, ritenuta originariamente parte di un trittico, è ampiamente considerata una risposta alla pubblicazione dell'omonimo libro satirico immensamente popolare di Sebastian Brant nel 1494. Simile a Brant, Bosch impiegò la nave (in realtà una piccola barca ) e i suoi passeggeri come metafora di una società moralmente corrotta nel suo insieme. Il raduno di festaioli esuberanti dimostra ancora una volta l'associazione del peccato con la musica da parte di Bosch, anche se non è chiaro perché un monaco e una monaca stiano fornendo l'intrattenimento musicale in questa scena particolare. L'albero della nave, eccessivamente lungo, è sormontato da un grosso ramo su cui si appollaia un gufo, simbolo del peccato, motivo ricorrente nelle opere di Bosch. Alcuni storici hanno ipotizzato che la figura dell '"Uomo albero" nel pannello dell'Inferno de Il giardino delle delizie fosse un autoritratto dell'artista, ma l'unico autoritratto confermato è un disegno del 1508. Questo disegno, che si ritiene sono stati creati otto anni prima della morte di Bosch, può suggerire la consapevolezza dell'artista della sua età avanzata e il desiderio di stabilire la sua eredità artistica. La Confraternita di Nostra Signora ha registrato che Bosch morì nel 1516 e il 9 agosto si tenne un servizio funebre per lui presso la chiesa di San Giovanni a 's-Hertogenbosch.

Nonostante il suo indiscutibile posto nella storia dell'arte, il corpus di opere di Bosch è composto solo da circa 25 dipinti e otto disegni. Uno dei motivi di questa produzione limitata è attribuito all'ondata di distruzione di opere d'arte ritenute immorali durante la Riforma protestante del XVI secolo. Sei delle sue opere furono acquisite o confiscate da Filippo II di Spagna alla fine del XVI secolo (ora conservate al Museo del Prado di Madrid), mentre altre emersero in tutta Europa, risultando in una testimonianza storica frammentaria e incompleta di uno dei artisti più straordinari della storia.

Hieronymus Bosch, Il Giudizio Universale, 1486 ca. Olio su tavola, 99×117,5 cm. Groeningemuseum, Bruges.

Lavori

Bosch ha creato un totale di almeno sedici trittici, di cui otto sono sopravvissuti completamente intatti, mentre altri cinque esistono in forma frammentata. Il suo corpus di opere può essere suddiviso in tre periodi: il primo periodo (circa 1470-1485), il periodo medio (circa 1485-1500) e il periodo tardo (circa 1500 fino alla sua morte). La maggior parte dei dipinti sopravvissuti di Bosch, tredici in totale, furono completati nel periodo tardo, con sette attribuiti al suo periodo medio. I ricercatori del Bosch Research and Conservation Project hanno condotto indagini dendrocronologiche sui pannelli di quercia, portando a una datazione più accurata della maggior parte dei dipinti di Bosch.

In contrasto con le superfici lisce ottenute attraverso più smalti trasparenti nel tradizionale stile pittorico fiammingo, Bosch a volte utilizzava un approccio più abbozzato nelle sue opere. I suoi dipinti presentavano superfici ruvide con tecniche di impasto, deviando dal desiderio dei pittori olandesi contemporanei di nascondere le pennellate e presentare le loro opere come creazioni divine.

Sebbene Bosch non abbia datato in modo coerente i suoi dipinti, ne ha firmati alcuni, sebbene alcune presunte firme non siano autentiche. Oggi rimangono circa venticinque dipinti attribuiti a Bosch. Alla fine del XVI secolo, Filippo II di Spagna acquisì molte delle opere di Bosch, portando al Museo del Prado di Madrid che ora ospita opere degne di nota come L'Adorazione dei Magi, Il giardino delle delizie, I sette peccati capitali e Le ultime quattro cose. (dipinto da tavolo) e Il trittico del carro di fieno.

Bosch utilizzava principalmente l'olio come mezzo per dipingere le sue opere su pannelli di quercia. La sua tavolozza era relativamente contenuta e consisteva in pigmenti comuni disponibili durante il suo tempo. Per cieli azzurri e paesaggi lontani, usava spesso l'azzurrite. Le tonalità verdi nei suoi dipinti sono state ottenute utilizzando smalti e vernici a base di rame a base di malachite o verderame, che sono stati applicati per rappresentare fogliame e paesaggi in primo piano. Per quanto riguarda le figure nelle sue composizioni, Bosch si è affidato a pigmenti giallo piombo-stagno, ocre e lacca rossa come carminio o lacca di robbia.  

Hieronymus Bosch, Tentazione di Sant'Antonio , 1500-1525 ca. Olio su tavola, 70×51 cm. Museo del Prado, Madrid.

Alcune interpretazioni

Nel 20° secolo, con l'evolversi dei gusti artistici, artisti come Bosch ottennero una maggiore accettazione nella scena artistica europea. Durante questo periodo, alcuni sostenevano che l'arte di Bosch fosse influenzata da credenze eretiche associate a gruppi come i Catari o gli Adamiti, nonché da oscure pratiche ermetiche. Questa prospettiva trovò sostegno nel fatto che Erasmo, che aveva collegamenti con l'atmosfera religiosa progressista di 's-Hertogenbosch e dei Fratelli della vita comune, condivideva somiglianze con Bosch nei suoi scritti critici.

D'altra parte, c'era chi continuava un'interpretazione dell'opera di Bosch che risaliva al XVI secolo, suggerendo che la sua arte fosse principalmente destinata a intrattenere e affascinare, simile ai "grotteschi" del Rinascimento italiano. Mentre i maestri precedenti rappresentavano il mondo fisico delle esperienze quotidiane, Bosch presentava ai suoi spettatori un regno di sogni e incubi, dove le forme sembravano cambiare e trasformarsi. Felipe de Guevara, in uno dei primi resoconti dei dipinti di Bosch, lo descrisse come "l'inventore di mostri e chimere". Allo stesso modo, Karel van Mander, un artista-biografo dell'inizio del XVII secolo, definì il lavoro di Bosch come una raccolta di fantasie meravigliose e peculiari che erano spesso più inquietanti che piacevoli da vedere.

Negli ultimi anni, gli studiosi hanno rivalutato la visione artistica di Bosch e sono giunti a considerarla meno fantastica, riconoscendo che la sua arte riflette le credenze religiose ortodosse prevalenti del suo tempo. Le sue raffigurazioni della peccaminosità umana, così come le sue raffigurazioni del paradiso e dell'inferno, sono ora viste come coerenti con gli insegnamenti morali che si trovano nella letteratura e nei sermoni del tardo medioevo. È ampiamente accettato che l'arte di Bosch avesse lo scopo di trasmettere verità morali e spirituali specifiche, proprio come altre figure del Rinascimento settentrionale come il poeta Robert Henryson. Si ritiene che le sue immagini abbiano significati simbolici deliberati e precisi. Gli studiosi, tra cui Dirk Bax, suggeriscono che i dipinti di Bosch traducono spesso metafore verbali e giochi di parole da fonti bibliche e folcloristiche in forma visiva.

Tuttavia, le diverse interpretazioni delle opere di Bosch sollevano interrogativi significativi sulla natura dell'ambiguità nell'arte della sua epoca. Negli ultimi anni, gli storici dell'arte hanno evidenziato la presenza dell'ironia nelle opere di Bosch, in particolare ne "Il giardino delle delizie", sia nel pannello centrale raffigurante le delizie che nel pannello di destra raffigurante l'inferno. Propongono che questa ironia consenta un senso di distacco sia dal mondo reale che dal mondo fantastico dipinto, facendo appello sia agli spettatori conservatori che a quelli progressisti.

Joseph Koerner aggiunge un altro livello alla discussione suggerendo che le qualità criptiche nel lavoro di Bosch derivano dalla sua attenzione per i nemici sociali, politici e spirituali. Il simbolismo impiegato da Bosch è volutamente oscuro, poiché mira a nascondere o danneggiare questi nemici.

Uno studio condotto nel 2012 suggerisce che i dipinti di Bosch nascondano anche una forte coscienza nazionalista, che funge da critica al governo imperiale straniero dei Paesi Bassi borgognoni, in particolare Massimiliano d'Asburgo. Secondo lo studio, l'uso di immagini e concetti stratificati da parte di Bosch riflette anche la sua stessa autopunizione, poiché ha accettato commissioni ben pagate dagli Asburgo e dai loro rappresentanti, tradendo così la memoria di Carlo il Temerario.

Dibattiti sull'attribuzione

Il numero esatto di opere superstiti attribuite a Bosch è stato oggetto di molti dibattiti tra gli studiosi. Solo sette dipinti portano la sua firma, e c'è incertezza sull'autenticità di alcune opere a lui precedentemente attribuite. Copie e variazioni dei suoi dipinti iniziarono a circolare a partire dall'inizio del XVI secolo e il suo stile distintivo ebbe un impatto significativo, portando a una diffusa imitazione da parte dei suoi numerosi seguaci.

Nel corso del tempo, gli studiosi hanno progressivamente attribuito meno opere a Bosch poiché i progressi tecnologici, come la riflettografia a infrarossi, hanno consentito un esame più approfondito del disegno di base di un dipinto. Gli storici dell'arte dell'inizio e della metà del XX secolo, come Tolnay e Baldass, inizialmente identificarono tra i trenta ei cinquanta dipinti come opera di Bosch. Una successiva monografia di Gerd Unverfehrt nel 1980 gli ha attribuito venticinque dipinti e 14 disegni.

All'inizio del 2016, dopo un ampio studio forense condotto dal Bosch Research and Conservation Project, The Temptation of St. Anthony, un piccolo pannello ospitato nel Nelson-Atkins Museum of Art, è stato accreditato allo stesso Bosch, ribaltando la sua precedente attribuzione al suo laboratorio . Il Bosch Research and Conservation Project ha anche sollevato interrogativi sulla paternità di due famosi dipinti, I sette peccati capitali al Museo del Prado e Cristo che porta la croce al Museo di Belle Arti di Gand, suggerendo che potrebbero essere stati eseguiti da bottega di Bosch piuttosto che dall'artista personalmente.

Le 5 migliori opere d'arte

Hieronymus Bosch, I sette peccati capitali e le ultime quattro cose , c. 1500. Olio su legno, 120 cm × 150 cm. Museo del Prado, Madrid.

I sette peccati capitali e le quattro cose ultime (1500 circa)

Continuando la sua esplorazione del tema del Giudizio Universale, il dipinto di Bosch ritrae i sette peccati capitali disposti individualmente attorno a un cerchio centrale con Cristo che emerge da una tomba. Le quattro ultime cose - morte, giudizio, paradiso e inferno - occupano gli angoli. Sotto Cristo, un testo avverte: "Attenti, attenti, il Signore vede". Un banderol in alto cita Deuteronomio 32:28, sottolineando la stoltezza di coloro che mancano di comprensione, mentre il banderol in basso cita Deuteronomio 32:20, indicando l'allontanamento di Dio da loro. Un passo indietro dal dipinto rivela il suo simbolismo, con un grande cerchio centrale che rappresenta Gesù come l'occhio onniveggente di Dio, circondato da un cerchio più piccolo raffigurante i sette peccati capitali.

La rappresentazione delle ultime cose riflette le fasi che si ritiene attraversi l'anima dopo la morte. Ad esempio, "Morte" ritrae un uomo morente che riceve i suoi ultimi riti mentre uno scheletro, un diavolo e un angelo attendono la sua morte, a simboleggiare il colpo mortale finale, la lotta per la sua anima e l'aldilà. In "Paradiso", un angelo protegge una donna da un diavolo, con Gesù ei suoi angeli che aspettano l'arrivo dei giusti. All'interno della cerchia dei peccati capitali, scene come "Wrath" mostrano contadini in lotta che si attaccano a vicenda, "Envy" raffigura una donna tentata da un uomo ricco mentre i suoi genitori invidiosi guardano, e "Pride" presenta una donna vanitosa che si ammira in un specchio tenuto dal diavolo.

Il dipinto è conservato al Museo del Prado di Madrid, che lo espone come un'opera d'arte originale di Bosch. Tuttavia, c'è qualche dibattito sulla sua attribuzione, sebbene sia generalmente accettato che sia stato creato nella sua bottega. Il dipinto porta il nome di Bosch, ma ci sono prove che suggeriscono che un allievo possa avervi contribuito, forse aggiungendo il nome di Bosch per rispetto o per aumentarne il valore. Considerando la qualità irregolare delle figure dipinte e la somiglianza con le opere successive di Bosch caratterizzate da una tecnica a pennello largo, come Il trittico del carro di fieno, il Museo del Prado suggerisce che Bosch dipinse alcune scene mentre un apprendista lavorava su altre.

Hieronymus Bosch, Il trittico del carro da fieno, ca. 1516. Pittura ad olio su pannelli di quercia, 135 cm × 200 cm. Museo del Prado, Madrid.

Il trittico del carro da fieno (1512-15 circa)

Le porte esterne del trittico mostrano una scena vibrante e colorata nota come il "Pellegrinaggio della vita", che si discosta dal precedente stile a grisaille tipicamente visto nei pannelli esterni di Bosch. La critica d'arte Ingrid D. Rowland interpreta la figura sui pannelli esterni come un uomo comune, che rappresenta le sfide affrontate nel proprio viaggio fisico e spirituale attraverso la vita. Si sottolinea che la fede e la vigilanza costanti sono necessarie per percorrere la strada insidiosa dell'esistenza. Questo tema del pellegrinaggio e dei potenziali pericoli della vita prefigura lo svolgersi della narrazione del peccato nei tre pannelli interni.

Il primo pannello interno raffigura l'espulsione degli angeli disobbedienti dal Giardino dell'Eden come punizione per i loro peccati. Questi angeli ribelli subiscono una metamorfosi in figure simili a insetti, riecheggiando le immagini nel primo pannello di The Last Judgment. Il pannello centrale ritrae la discesa dell'umanità in un mondo peccaminoso sotto l'occhio vigile di Cristo, il Redentore. Nella parte inferiore dell'inquadratura, lavoratori e genitori onesti e umili sono in contrasto con quelli consumati dall'avidità, che si aggrappano freneticamente al fieno mentre ignari del fatto che il carro del fieno viene guidato da autisti diabolici direttamente all'inferno. Nel pannello finale, Bosch presenta la sua impareggiabile visione dell'Inferno, raffigurato come ancora in costruzione. I costruttori del diavolo sono impegnati a costruire una torre circolare mentre i diabolici conducenti di carri trasportano i peccatori nella loro nuova dimora.

La storica dell'arte Pilar Silva interpreta l'opera come un'illustrazione di come l'umanità, indipendentemente dalla classe sociale o dall'origine, venga posseduta dal desiderio di beni materiali, rendendosi vulnerabile all'inganno e alla seduzione del Diavolo. Bosch suggerisce che la rinuncia ai beni terreni e ai piaceri sensuali è necessaria per evitare la dannazione eterna. Il dipinto offre un diverso tipo di exemplum, poiché si concentra non solo sul fare il bene, ma anche sull'evitare il male e sull'adesione a questo principio per tutta la vita. Mentre la maggior parte degli studiosi interpreta il trittico del carro di fieno in termini religiosi e moralistici, lo storico dell'arte Wilhelm Fränger ha proposto una teoria alternativa, suggerendo che questi trittici "peccatori" fossero stati commissionati da un culto misterico piuttosto che dalla Chiesa cattolica.

Hieronymus Bosch, Adorazione dei Magi , c. 1485-50. Olio su tavola, 138 cm × 144 cm. Museo del Prado, Madrid.

L'Adorazione dei Magi ( c. 1494)

Il trittico di Bosch offre un primo assaggio della visione brillantemente originale e moralmente complessa dell'artista, rappresentata attraverso la storia dei Tre Re (o Magi) che adorano il Cristo bambino. Il bambino Gesù nudo siede sulle ginocchia della Vergine Maria, mentre i Magi si avvicinano con dignità regale. La storica dell'arte Pilar Silva nota l'influenza di Jan van Eyck nella rappresentazione di Maria e Gesù, mentre Bosch mette in mostra le sue abilità pittoriche nelle lussuose vesti e nelle offerte dei Magi. Il suo uso magistrale di sottili pennellate per creare punti salienti dà l'impressione di dettagli delicatamente disegnati.

In contrasto con le tipiche narrazioni dell'Epifania del XV secolo, la pittura di Bosch include contadini o pastori irriverenti e curiosi (che rappresentano gli israeliti). Stanno come spettatori, sbirciando da dietro un muro danneggiato della stalla o addirittura dal tetto.

Uno degli elementi più tipicamente "boschiani" del dipinto è la figura barbuta in piedi all'interno della stalla, alle spalle dei Magi. Silva lo descrive come l'Anticristo, vestito di un mantello che gli copre appena il corpo e con sotto un velo trasparente. Le figure all'interno della capanna con lui, tra cui una donna che ricorda le caricature di Leonardo e sfoggia un copricapo simile ai demoni nelle opere di Bosch, trasudano un'espressione grottesca e sinistra.

Nel paesaggio, Silva identifica una casa con una bandiera raffigurante un cigno e sopra una colombaia, a indicare che si tratta di un bordello. Nota anche un uomo che tira un cavallo cavalcato da una scimmia, a simboleggiare la lussuria, che si muove verso il bordello. Il senso di minaccia nel dipinto è ulteriormente rafforzato nella media distanza, dove due eserciti a cavallo caricano. Identificati come soldati di Erode con copricapi orientali, sono raffigurati mentre cercano Gesù per ucciderlo. La città all'orizzonte rappresenta Betlemme, e Bosch asseconda la sua immaginazione conferendo agli edifici un aspetto orientale, con un mulino a vento posizionato appena fuori le mura della città.

Hieronymus Bosch, Il Giudizio Universale , c. 1482. Trittico olio su legno, 163,7 cm × 242 cm. Accademia di Belle Arti, Vienna.

Il Giudizio Universale (1482-1505)

Nella chiesa medievale, il concetto del Giudizio Universale occupava un posto di rilievo, instillando nei credenti la convinzione che se nemmeno Dio poteva impedire loro di peccare, la paura della dannazione eterna nelle fiamme dell'Inferno lo avrebbe certamente fatto. Questa narrazione è stata ripetuta in numerosi sermoni e libri, ma la visione unica di Bosch l'ha sempre presentata come uno scenario apocalittico. L'enciclopedia World History of Art evidenzia un confronto tra il trattamento di Bosch della creazione di Eva e la composizione di Michelangelo nella Cappella Sistina, osservando che mentre entrambe le opere sono state create nello stesso periodo, evocano sentimenti molto diversi. Bosch, riflettendo l'era in declino del Medioevo nel nord Europa, aveva un forte senso della realtà del fuoco infernale, mentre Michelangelo, durante il fiorente Rinascimento italiano, enfatizzò l'aspetto umano della storia.

Questa particolare opera, per inciso la più grande di Bosch, mette in mostra la caratteristica pennellata di impasto in rilievo dell'artista, sfidando la tecnica prevalente dei pittori fiamminghi che prediligevano la trasparenza e un'applicazione uniforme della pittura. Qui, la fetida immaginazione di Bosch è pienamente in mostra, con il suo fascino per il tema della metamorfosi, come angeli che si trasformano in insetti, una donna con gambe simili a lucertole, un topo che si trasforma in un porcospino (o viceversa) e una grottesca strega arrostire gli umani allo spiedo. A differenza di molte altre sue opere, tuttavia, questo trittico si concentra esclusivamente su Paradiso e Inferno, trascurando di rappresentare un luogo intermedio come il purgatorio, dove le anime avevano tradizionalmente l'opportunità di riflettere sulle proprie azioni prima che fosse determinato il loro destino finale di salvezza o dannazione.

Le interpretazioni dell'arte di Bosch variano, con alcune che suggeriscono che sia stato influenzato da idee eretiche, altre che incanalano le ansie prevalenti del suo tempo, e altre ancora lo considerano un "populista" o un intrattenitore che ha presentato uno dei più grandi racconti morali della Bibbia da una prospettiva assurdista (una visione particolarmente favorita dai surrealisti). Indipendentemente dall'interpretazione, la World History of Art sottolinea che la storia familiare rappresentata nelle opere di Bosch sarebbe stata prontamente compresa e il messaggio sottostante creduto sia dai contadini analfabeti che dai borghesi istruiti dell'epoca. Tuttavia, riconosce che alcune delle immagini di Bosch dovevano essere inquietanti, nuove e angoscianti, forse anche evocando sentimenti di disperazione.

Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie , 1490-1510. Olio su pannelli di quercia, 205,5 cm × 384,9 cm. Museo del Prado, Madrid.

Il giardino delle delizie terrene (1490-1510)

L'opera d'arte più famosa di Bosch è stata commissionata per celebrare il matrimonio della figlia del conte Enrico II di Nassau, a Bruxelles. Il trittico mirava a rappresentare i "benefici e rischi" del matrimonio attraverso una parabola biblica. Il pannello di sinistra ritrae Adamo ed Eva nel Giardino dell'Eden, mentre il pannello centrale raffigura un "paradiso" edonistico. Il pannello di destra presenta una vivida rappresentazione di un inferno ardente che attende i peccatori e gli impenitenti. Sulla custodia esterna, Bosch mette in mostra l'origine del mondo, in particolare il terzo giorno della creazione quando si è formato il paradiso terrestre, in toni in scala di grigi. Nell'angolo in alto a sinistra è raffigurata una piccola figura di Dio con un libro aperto, accompagnata dall'iscrizione latina: "Poiché parlò e tutto fu fatto; comandò e tutto rimase fermo".

Nella scena del Giardino dell'Eden, un giovane Dio presiede al matrimonio di Adamo ed Eva. L'ambiente paradisiaco è pieno di animali, creature mitiche, alberi, acqua e una struttura fantastica che galleggia sul lago. Lo storico dell'arte Wilhelm Fraenger nota il contatto fisico tra Dio, Eva e Adamo, creando una connessione inseparabile attraverso la quale fluisce il potere divino, formando un complesso di energia magica. Da questa prospettiva, la scena visualizza l'unione divina tra l'uomo e Dio. Nel pannello centrale, Bosch illustra la progressione del Giardino dell'Eden e lo sviluppo dell'umanità attraverso celebrazioni gioiose e attività piacevoli. Ancora una volta, creature fantastiche, piante, strutture e baccelli organici circondano le figure.

La nudità delle figure indica che la scena si svolge prima della cacciata dal paradiso. Tuttavia, la loro attenzione all'autogratificazione istantanea e al soccombere alla tentazione (simboleggiata dal motivo ricorrente della fragola) prefigura il giudizio finale e la discesa all'inferno. Bosch presenta un paesaggio oscuro e caotico privo di flora e fauna. I numerosi strumenti musicali simboleggiano probabilmente varie forme di peccato, con le cornamuse che rappresentano lussuria e piaceri sensuali. In piedi al centro della scena c'è il suo iconico "uomo albero", forse un autoritratto, che osserva il mondo proprio come l'artista stesso.

Il Giardino delle Delizie ha ispirato una vasta gamma di interpretazioni nel corso dei secoli. È stato descritto come un commento satirico sulla natura peccaminosa dell'umanità dallo storico spagnolo del XVII secolo José de Siguenza, e nel XXI secolo la storica dell'arte Pilar Silva lo ha visto come una riflessione sulla natura transitoria della vanità terrena. La storica dell'arte Claire Selvin ha riassunto magnificamente il pezzo, evidenziando la propensione di Bosch per l'umorismo e l'assurdità. Ha sottolineato le pose contorte e acrobatiche delle figure nude, la partecipazione di uccelli e animali alla baldoria erotica e la presenza di comode conchiglie e recinti di varie forme e colori. Anche nelle macabre scene di distruzione sul lato destro del trittico si può trovare leggerezza, con orecchie giganti che brandiscono coltelli e strumenti musicali monumentali che fungono da strumenti di tortura. Più di 500 anni dopo la sua creazione, Il Giardino delle Delizie continua ad affascinare e intrattenere storici dell'arte e appassionati d'arte, mettendo in mostra l'immaginazione illimitata di Bosch.

Eredità

Nel corso della vita di Bosch, le sue opere d'arte sono state raccolte in vari paesi europei, guadagnandosi un'ammirazione diffusa e ispirando numerosi studenti e seguaci. In particolare, Pieter Bruegel il Vecchio, soprannominato il "Secondo Hieronymus", è stato fortemente influenzato dall'approccio di Bosch alla pittura di paesaggi. Mentre l'interesse per il lavoro di Bosch è diminuito nei secoli successivi (tranne che in Spagna), ha vissuto una rinascita nell'era moderna. La sua influenza si estese al movimento surrealista e ad artisti come Max Ernst, René Magritte e in particolare Salvador Dalí, che affermò addirittura che Bosch fosse il primo artista moderno. La caratteristica formazione rocciosa che ricorda il volto di Dalí nel suo famoso dipinto, Il grande masturbatore (1929), è stata ispirata da una formazione simile trovata nel pannello di sinistra de Il giardino delle delizie. Anche Leonora Carrington, dopo aver incontrato le opere di Bosch al Museo del Prado nel 1939, trasse ispirazione dalle sue celebri composizioni. Nella sua opera d'arte The Giantess (1947), Carrington ha incorporato i cacciatori in un paesaggio misterioso con pesci alati e gente di mare che galleggia in un cielo simile all'oceano, che ricorda i paesaggi raffigurati da Bosch.

Il critico d'arte Alastair Sooke sottolinea il fascino duraturo del lavoro di Bosch, in particolare per il suo tono apocalittico che risuona nel contesto dei conflitti globali e del terrorismo internazionale. I riferimenti all'arte di Bosch possono essere trovati in varie forme di media, inclusi film, programmi televisivi, videogiochi, libri e persino collezioni di moda. Il critico d'arte Tim Smith-Laing aggiunge che pochi, se non nessuno, dei contemporanei di Bosch possono vantare una fama così duratura. Le sue opere d'arte continuano ad attrarre un vasto pubblico nei musei e la sua influenza si estende ben oltre i mezzi tradizionali, con le sue immagini che appaiono su oggetti che vanno da libri, magliette e cartoline ad accessori come borse, tappetini per mouse e custodie per telefoni. Ci sono persino stivali Dr. Martens con stampe delle sue opere d'arte.

Riepilogo

Probabilmente il pittore religioso più eccezionalmente innovativo e moralmente intricato del nord Europa, Bosch è principalmente associato a opere d'arte che possiedono una qualità inquietantemente vibrante e onirica. Nonostante il numero limitato di circa 25 pezzi originali sopravvissuti, il simbolismo da incubo raffigurato nei suoi dipinti è immediatamente riconoscibile come distintamente "boschiano" ed è diventato una caratteristica importante del genere grottesco. Mentre Bosch è indubbiamente considerato un iconoclasta, alcuni storici hanno proposto che sotto le sue immagini inquietanti, l'artista fosse, in realtà, una figura profondamente tradizionale. Contrariamente a una mentalità travagliata, ha dimostrato una capacità di sottigliezza e ha completato le sue composizioni grottesche con opere decorative e devozionali meticolosamente realizzate che incarnavano le sue convinzioni cristiane profondamente radicate.