Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi, Autoritratto come allegoria della pittura , 1638-1639. Olio su tela, 98,6×75,2 cm. Londra: Kensington Palace, Londra.

Chi era Artemisia Gentileschi?

Artemisia Lomi, detta anche Artemisia Gentileschi, fu una pittrice barocca italiana che visse dal 1593 al 1656 circa. Si pensa che Gentileschi sia uno dei migliori artisti del 1600. All'inizio dipinse nello stile di Caravaggio. Quando aveva 15 anni, lavorava a pagamento. Gentileschi è stata la prima donna ad entrare a far parte dell'Accademia di Arte del Disegno di Firenze. A quel tempo, le donne non avevano molte possibilità di studiare arte o lavorare come artiste professioniste.

Aveva clienti da tutto il mondo. Molti dei dipinti di Gentileschi mostrano donne di miti, allegorie e la Bibbia, come vittime, guerrieri e donne che si sono suicidate. Susanna and the Elders (in particolare la versione del 1610 a Pommersfelden), Judith Killing Holofernes (la versione del 1614-1620 è agli Uffizi) e Judith and Her Maidservant (la sua versione del 1625 è al Detroit Institute of Arts) sono alcuni dei le sue opere più note. Gentileschi era nota per quanto realisticamente potesse dipingere le donne e per quanto bene potesse usare il colore per aggiungere profondità e drammaticità al suo lavoro. Molto prima che diventasse famosa come artista, Agostino Tassi l'ha violentata quando era una giovane donna, e lei ha testimoniato contro di lui in tribunale.

Gentileschi è stata considerata una persona strana per molto tempo, ma nel XX e XXI secolo gli studiosi hanno guardato di nuovo alla sua vita e alla sua arte. Ora è vista come una delle pittrici più progressiste ed espressive della sua generazione. Il suo talento è stato riconosciuto da importanti mostre presso istituzioni di belle arti di fama internazionale, come la National Gallery di Londra.

Artemisia Gentileschi, Autoritratto come Santa Caterina d'Alessandria , 1615-1617. Olio su tela, 71,4×79 cm. Londra: Galleria Nazionale.

Quali sono i tre concetti chiave legati ad Artemisia?

• Anche se stilisticamente il lavoro di Artemisia Gentileschi deve un debito a quello di Caravaggio e di suo padre Orazio, i suoi dipinti pongono una maggiore enfasi sul realismo rispetto ai suoi predecessori. Le sue composizioni sono anche più energiche e durante la sua carriera ha perfezionato con cura l'uso della trama e del colore, diventando nota per le sue ricche tonalità gioiello e le tonalità realistiche della carne.
• Gentileschi ha sovvertito le rappresentazioni tradizionali delle protagoniste femminili di storie bibliche e mitologiche presentandole come eroine automotivate capaci di prendere le proprie decisioni piuttosto che come oggetti passivi dello sguardo maschile. In questo modo, li ha mostrati in un modo completamente nuovo, che ha dato loro il potere che altri artisti non erano stati in grado di dar loro.
• L'artista è stata aggredita sessualmente quando era un'adolescente, il che ha influenzato gran parte del suo lavoro. Molti dei suoi dipinti hanno temi di abuso di potere, stupro e violenza. È probabile che dipingere questi soggetti le abbia permesso di elaborare il trauma della sua aggressione e di cercare vendetta e riparazione attraverso le sue opere d'arte.

Artemisia Gentileschi, Autoritratto come suonatrice di liuto , 1615-1617. Olio su tela, 71,4×79 cm. Minneapolis: Gallerie Curtis.

Come ha cominciato a dipingere Artemisia?

Anche se il suo certificato di nascita dell'Archivio di Stato dice che è nata nel 1590, Artemisia Lomi Gentileschi nacque a Roma l'8 luglio 1593. Era la primogenita di Prudenzia di Ottaviano Montoni e del pittore toscano Orazio Gentileschi. Orazio Gentileschi era un pittore pisano. Dopo essersi trasferito a Roma, i suoi dipinti sono diventati più espressivi. Fu influenzato dalle nuove idee di Caravaggio, che lo portarono a dipingere persone reali senza farle sembrare migliori o più dolci. Invece, li ha trasformati in figure con un dramma forte e realistico.

Artemisia fu battezzata due giorni dopo la sua nascita nella chiesa di San Lorenzo in Lucina. Dopo la morte di sua madre nel 1605, Artemisia fu per lo più allevata da suo padre. È probabile che in questo periodo Artemisia si avvicini alla pittura: introdotta alla pittura nella bottega del padre, Artemisia mostra molto più entusiasmo e talento dei suoi fratelli, che lavoravano al suo fianco. Ha imparato a disegnare, fondere i colori e dipingere. Quando aveva 18 anni, Artemisia era nota per le sue incredibili abilità. Suo padre disse che era la migliore pittrice che avesse mai visto, anche se dipingeva solo da tre anni.

Durante questo primo periodo della sua vita, Artemisia si ispirò allo stile pittorico del padre, che a sua volta era stato fortemente influenzato dall'opera di Caravaggio. Artemisia, d'altra parte, ha adottato un approccio molto più realistico ai suoi soggetti rispetto a suo padre. Le opere di suo padre, invece, erano più idealizzate. Allo stesso tempo, Artemisia ha dovuto superare l'atteggiamento tradizionale e la sottomissione psicologica a questo lavaggio del cervello e alla gelosia del suo evidente talento. Ha ottenuto molto rispetto e attenzione per il suo lavoro per questo motivo.

Susanna and the Elders, che ha scritto quando aveva 17 anni, è il suo primo lavoro che è sopravvissuto. È nella collezione Schonborn a Pommersfelden. Il dipinto raffigura la storia biblica di Susanna. Il dipinto mostra come Artemisia abbia assunto il realismo e gli effetti di Caravaggio senza ignorare il classicismo di Annibale Carracci e lo stile barocco bolognese.

Artemisia Gentileschi, Susanna ei vecchioni , 1649. Olio su tela, 205 x 167,5 cm. Brno: Galleria della Moravia..

Uno degli stupri più famosi nell'arte!

Orazio e Agostino Tassi stavano lavorando insieme a Roma nel 1611 per decorare le volte del Casino delle Muse nel Palazzo Pallavicini-Rospigliosi. A maggio Tassi andò a casa dei Gentileschi e violentò Artemisia quando era sola con lui. Allo stupro ha preso parte anche Cosimo Quorli, un altro uomo. L'amica di Gentileschi, Tuzia, era presente quando è stata violentata, ma non l'ha aiutata.

Artemisia iniziò ad avere rapporti sessuali con Tassi perché pensava che si sarebbero sposati. Pensava che questo l'avrebbe aiutata a tornare a essere buona e ad assicurarsi il futuro, ma Tassi ha infranto la sua promessa di sposarla. Quando il padre di Artemisia, Orazio, ha scoperto che Artemisia e Tassi non si sarebbero sposati nove mesi dopo lo stupro, ha sporto denuncia contro Tassi. Il punto principale del processo era che Tassi aveva ferito l'onore della famiglia Gentileschi, e Artemisia non era accusata di nulla.

Durante i sette mesi di processo che seguirono, furono svelati i piani di Tassi di uccidere la moglie, avere una relazione con la cognata e rubare alcuni quadri di Orazio. Alla fine del processo, a Tassi fu detto che doveva lasciare Roma, ma questo non fu mai fatto. Durante il processo, la testimonianza di Artemisia è stata verificata torturandola con le viti a testa zigrinata.

Dopo la morte della madre, Artemisia trascorse la maggior parte del suo tempo con gli uomini. Orazio ha affittato l'appartamento al piano superiore della loro casa a una donna di nome Tuzia quando aveva 17 anni. Artemisia fece amicizia con Tuzia; tuttavia, Tuzia ha permesso più volte ad Agostino Tassi e Cosimo Quorli di visitare Artemisia a casa di Artemisia. Artemisia ha chiesto aiuto a Tuzia il giorno in cui è stata violentata, ma Tuzia l'ha ignorata e ha fatto finta di non sapere cosa stava succedendo. Jeanne Morgan Zarucchi, storica dell'arte, ha paragonato il tradimento di Tuzia e il suo ruolo nel rendere possibile lo stupro al ruolo di una mezzana che aiuta una prostituta a essere sfruttata sessualmente.

Gentileschi potrebbe o meno aver realizzato un dipinto intitolato "Madre e figlio", che è stato trovato a Crow's Nest, in Australia, nel 1976. Se è opera sua, il bambino è stato visto come un riferimento ad Agostino Tassi, l'uomo che ha violentato lei, perché realizzata nel 1614, appena due anni dopo lo stupro. Mostra una donna forte e sofferente e fa luce sul suo dolore e sulla sua capacità di esprimersi attraverso l'arte.

Artemisia Gentileschi, Giaele e Sisara , 1620. Olio su tela, 86×125 cm. Budapest: Museo delle Belle Arti.

Artemisia precursore del femminismo!

Roberto Longhi, un critico italiano, scrisse un articolo di ricerca nel 1916 intitolato "Gentileschi, padre e figlia". In esso chiamava Artemisia "l'unica donna in Italia che abbia mai saputo di dipingere, colorare, disegnare e altri fondamenti". Longhi lo ha detto anche a proposito di Giuditta che uccide Oloferne: "Le opere di Artemisia Gentileschi sono circa cinquantasette e il 94% (quarantanove opere) ha come protagoniste donne o uguali agli uomini". Questi includono Ester, Giuditta e la sua serva, e Giaele e Sisera. Questi personaggi non avevano i tipici tratti "femminili" di sensibilità, timidezza e debolezza apposta. Invece, erano coraggiosi, ribelli e forti (tali soggetti sono ora raggruppati sotto il nome di Potere delle donne). Un critico dell'Ottocento diceva della Maddalena di Artemisia: "Nessuno avrebbe pensato che l'avesse fatto una donna. La pennellata era ardita e sicura, senza alcun segno di paura". Raymond Ward Bissell pensava di sapere come gli uomini vedevano le donne e le artiste, motivo per cui i suoi primi lavori erano così audaci e provocatori.

Gli studi femministi hanno portato maggiore attenzione su Artemisia Gentileschi concentrandosi sul fatto che è stata violentata e poi maltrattata, così come sulla forza espressiva dei suoi dipinti di eroine bibliche, in cui le donne sono viste come ribelli alla loro situazione. In una ricerca dal catalogo della mostra "Orazio e Artemisia Gentileschi", svoltasi a Roma nel 2001 (e poi a New York), Judith W. Mann critica le visioni femministe di Artemisia. Scopre che i vecchi stereotipi di Artemisia come sessualmente immorale sono stati sostituiti da nuovi stereotipi stabiliti dalle letture femministe dei dipinti di Artemisia.

Alcuni storici dell'arte pensano che Artemisia continuasse a tornare su soggetti violenti come Giuditta e Oloferne per rabbia repressa. Altri storici dell'arte pensano che stesse usando in modo intelligente la sua fama dal processo per stupro per riempire un mercato di nicchia di arte sessualmente carica e dominata dalle donne con mecenati maschi.

La critica più recente ha cercato di dare una visione meno semplicistica della carriera di Artemisia inserendola nel contesto delle diverse scene artistiche di cui faceva parte. Lo hanno fatto partendo dal difficile compito di mettere insieme l'intero catalogo dei Gentileschi. Una lettura come questa riporta Artemisia come un'artista che ha lottato con determinazione, usando la sua personalità e le sue capacità artistiche come armi, contro i pregiudizi che si nutrivano nei confronti delle donne pittrici. Riuscì a farsi un buon nome tra i pittori più rispettati del suo tempo, lavorando in una serie di stili che erano probabilmente più ampi e diversi di quanto mostrano i suoi dipinti.

Artemisia Gentileschi è stata importante per le femministe sin dagli anni '70, quando Linda Nochlin, una storica dell'arte femminista, scrisse un articolo intitolato "Perché non ci sono state grandi artiste donne?" in cui ha cercato di rispondere a quella domanda. L'articolo esamina cosa significa essere un "grande artista" e afferma che le donne non hanno ottenuto lo stesso livello di riconoscimento nell'arte e in altri campi degli uomini a causa di istituzioni oppressive, non perché non abbiano lo stesso talento . Nochlin ha affermato che valeva la pena studiare Artemisia e altre artiste perché ci ha aiutato a conoscere meglio ciò che le donne hanno fatto nella storia dell'arte e nella storia dell'arte in generale. Eve Straussman-Violence Pflanzer's & Virtue: Artemisia's Judith Slaying Holofernes ha una prefazione di Douglas Druick che dice che l'articolo di Nochlin ha fatto sì che gli studiosi si sforzassero di includere le donne artiste nella storia dell'arte e della cultura.

Artemisia e il suo lavoro tornarono ad essere al centro della storia dell'arte. Prima di allora, solo l'articolo di Roberto Longhi del 1916 "Gentileschi, padre e figlia" e l'articolo di Bissell del 1968 "Artemisia Gentileschi: una nuova cronologia documentata" prestavano loro molta attenzione. Quando gli storici dell'arte e le femministe iniziarono a prestare maggiore attenzione ad Artemisia e al suo lavoro, furono scritti più libri di narrativa e saggistica su di lei. Anna Banti, che era sposata con il critico Roberto Longhi, inventò una storia sulla sua vita che uscì nel 1947. Questa storia piacque ai critici letterari, ma le femministe, in particolare Laura Benedetti, dissero che non era abbastanza accurata dal punto di vista storico perché potesse essere utilizzato per confrontare l'autore con l'artista. Mary Garrard, una storica dell'arte femminista, scrisse The Image of the Female Hero in Italian Baroque Art, che fu il primo resoconto completo e fattuale della vita di Artemisia. È uscito nel 1989. Nel 2001, ha scritto un secondo libro più piccolo intitolato Artemisia Gentileschi intorno al 1622: The Shaping and Reshaping of an Artist's Identity. Riguardava il lavoro e l'identità dell'artista. Garrard ha affermato che analizzare il lavoro di Artemisia al di fuori della "donna" è difficile perché manca di focus e categorie stabili. Ha anche messo in dubbio che "donna" sia una buona categoria da usare per giudicare la sua arte.

Artemisia è nota per le sue opere a tema Power of Women, come le sue versioni di "Judith Killing Holofernes". È anche nota per il processo per stupro in cui si trovava. La studiosa Griselda Pollock ha affermato che il processo è diventato il modo principale in cui le persone guardano al lavoro dell'artista, il che è un peccato. Pollock pensa che il posto di Gentileschi nella cultura popolare abbia meno a che fare con il suo lavoro e più a che fare con quanto sia stato scioccante che il processo per stupro in cui è stata torturata abbia ricevuto così tanta attenzione. Pollock offre un modo diverso di guardare ai dipinti drammatici e basati su storie dell'artista. Ad esempio, non pensa che i dipinti di Giuditta e Oloferne riguardino lo stupro e il processo. Pollock invece dice che la storia di Giuditta e Oloferne non parla di vendetta. Invece, si tratta di due donne che lavorano insieme per commettere un audace omicidio politico durante una guerra, che secondo Pollock è una storia sul coraggio politico.

Pollock vuole spostare l'attenzione dal sensazionalismo e verso un'analisi più approfondita dei dipinti di Gentileschi, in particolare quelli sulla morte e la perdita. Suggerisce che la sua perdita d'infanzia potrebbe essere stata la fonte delle sue immagini uniche di Cleopatra mentre stava morendo. Pollock dice anche che il successo di Gentileschi nel 1600 dipendeva dalla sua pittura per i mecenati, che spesso le chiedevano di dipingere cose che riflettessero i gusti e le mode del tempo. Vuole mostrare come la carriera di Gentileschi si inserisca nella tendenza storica di amare le storie drammatiche sulla Bibbia o sulle eroine classiche.

In modo diverso, la professoressa americana Camille Paglia ha affermato che le femministe moderne hanno torto ad essere così interessate ad Artemisia e che i suoi risultati sono stati esagerati: Artemisia Gentileschi era solo una pittrice raffinata e abile che usava uno stile chiamato Barocco che è stato creato da uomini . Tuttavia, la National Gallery afferma che Artemisia lavorò a Roma, Firenze, Venezia, Napoli e Londra per personaggi come il Granduca di Toscana e Filippo IV di Spagna, che erano ai vertici della società europea.

Lo stupro di Artemisia è spesso al centro della letteratura femminista, che tende a mostrarla come una sopravvissuta traumatizzata ma coraggiosa il cui lavoro è pieno di sesso e violenza a causa di ciò che le è successo. Pollock (2006) ha visto il film di Agnès Merlet come un tipico esempio di come la cultura popolare non possa guardare alla straordinaria carriera della pittrice nel corso di molti decenni e in molti dei più importanti centri d'arte del mondo, ma solo a questo episodio. La revisione della letteratura di Laura Benedetti, "Reconstructing Artemisia: Twentieth Century Images of a Woman Artist", è giunta alla conclusione che il lavoro di Artemisia è spesso interpretato in base alle questioni del tempo e alle preferenze personali degli autori.

Ad esempio, gli studiosi femministi hanno reso Artemisia un'icona del femminismo. Benedetti ha detto che ciò era dovuto al fatto che Artemisia dipingeva donne forti e aveva successo come artista in un campo dominato dagli uomini pur essendo una madre single. Elena Ciletti, che ha scritto Gran Macchina a Bellezza, ha detto che il caso di Artemisia ha molto in gioco, soprattutto per le femministe, perché tanto del nostro lavoro intellettuale e politico per la giustizia delle donne, sia in passato che oggi, è stato messo in lei .

Gli studiosi femministi pensano che Artemisia stesse cercando di combattere l'idea che le donne dovessero essere sottomesse. Tra il 1630 e il 1635 scrisse Corisca e il Satiro, che ha molto simbolismo. Nel dipinto un satiro insegue una ninfa. Il satiro cerca di afferrare la ninfa per i capelli, ma è una parrucca. In questa scena, Artemisia mostra che la ninfa è molto intelligente e sta combattendo contro l'attacco del satiro.

Quali sono le opere di Artemisia?

• Autoritratto come Santa Caterina d'Alessandria, 1615-1617, National Gallery, Londra.
• Aurora, 1625-7, Collezione privata.
• Allegoria della pittura, 1630, Collezione privata.
• Sant'Apollonia, 1642-1644, Museo Soumaya, Città del Messico.
• Maddalena penitente, 1630, Collezione privata.
• Lucrezia, 1645-50, Neues Palais a Potsdam.
• Susanna e i vecchioni, 1610-1, Schloss Weißenstein.

 Olio su tela, cm 170x119.

Il dipinto mostra una storia biblica dal capitolo 13 del Libro di Daniele, come sostenuto dalle chiese cattoliche e ortodosse orientali, ma non dalla maggior parte dei protestanti. Una giovane donna sposata di nome Susanna è sorvegliata da due vecchi. Susanna stava facendo il bagno in giardino quando la sua governante fece entrare i due anziani. Gli anziani osservarono Susanna e poi le chiesero favori sessuali, che lei rifiutò. Gli uomini hanno detto che avrebbero rovinato il suo nome, ma Susanna non si è tirata indietro. I due anziani hanno poi inventato una bugia sul fatto che Susanna fosse un'adultera, che era un crimine che poteva farti uccidere. Quando un giovane saggio ebreo di nome Daniel parlò a ciascuno di loro separatamente, vide che alcuni dettagli nelle storie dei due anziani non corrispondevano. Le loro diverse storie hanno dimostrato che la loro testimonianza era falsa, il che ha scagionato il nome di Susanna. Dal XVI secolo in poi, questo tema fu spesso presente nell'arte europea, e Susanna fu spesso usata come esempio di modestia e lealtà. In pratica, però, ha dato agli artisti la possibilità di mostrare quanto fossero bravi a disegnare donne nude, spesso per il piacere dei loro clienti maschi.

• Madonna col Bambino, 1610-1, Galleria Spada.
• Madonna col Bambino, cm. 1630, Palazzo Pitti, Firenze.
• Cleopatra, 1611-2, Collezione privata.
• Danae, 1612, Saint Louis Art Museum.
• Giuditta che uccide Oloferne, 1611-2, Museo Nazionale di Capodimonte.

Olio su tela, 158,8 cm × 125,5 cm.

Quando dipinse "Giuditta che uccide Oloferne", Artemisia Gentileschi aveva circa vent'anni. Gentileschi aveva già finito Susanna ei vecchioni e Madonna col Bambino prima di questo. Queste opere d'arte mostrano già quanto Gentileschi fosse bravo a mostrare le emozioni attraverso il movimento del corpo e le espressioni facciali. Le radiografie del dipinto mostrano che Gentileschi vi ha apportato diverse modifiche prima che arrivasse dove si trova ora. Ad esempio, ha mosso le braccia di Judith e ha cambiato il modo in cui era appeso il drappo.

• Allegoria dell'inclinazione, 1615, Casa Buonarroti.
• Ritratto di monaca, 1613-8, Collezione privata.
• Autoritratto da martire, c.1615, Collezione privata.
• Autoritratto da suonatore di liuto, 1616-18, Wadsworth Atheneum, Villa Medici.
• Maria Maddalena, 1616-17, Palazzo Pitti.
• Santa Caterina d'Alessandria, 1618-9 ca., Uffizi.
• Giuditta e la sua serva, c.1618-9, Palazzo Pitti, Firenze.

Pittura ad olio, 114 x 93,5 cm.

Il dipinto mostra Giuditta e il suo servitore Abra che fuggono dalla tenda di Oloferne subito dopo che Giuditta ha ucciso Oloferne ed è in viaggio verso la salvezza.

Gentileschi ha dipinto più volte questo soggetto durante la sua carriera. Dipinge due versioni della stessa scena, Giuditta che uccide Oloferne (Napoli) e Giuditta che uccide Oloferne, che mostrano il momento in cui Giuditta uccide Oloferne (Firenze). Questa rappresentazione del tempo dopo l'assassinio si basa su un dipinto del padre dell'artista, Orazio Gentileschi, che è stato realizzato in precedenza.

• Maria Maddalena in estasi, 1620, collezione privata.
• Giaele e Sisara, 1620, Museo delle Belle Arti, Budapest.
• Giuditta che uccide Oloferne, 1620-1, Uffizi.
• Santa Cecilia, c.1620, Galleria Spada.
• Allegoria della pittura, 1620, Musee de Tesse, Le Mans.
• Susanna e i vecchioni, 1622, Burghley House.
• Susanna e i vecchioni, c. 1630, Castello di Nottingham.
• Ritratto di Gonfaloniere, 1622, Palazzo d'Accursio.
• Lucrezia, 1623-5 ca., Collezione Gerolamo Etro, Milano.

 Olio su tela, cm 100x77.

Lucrezia era un'eroina romana nota per essere bella e umile. Secondo una storia di cui Livio scrisse nel suo libro Storia di Roma, suo marito Collatino pensava che fosse una brava persona. Fu violentata da Sesto Tarquinio, un nobile romano imparentato con suo marito. Se avesse cercato di fermarlo, lui avrebbe minacciato di ucciderla e di far sembrare il suo corpo cattivo in pubblico. Dato il rischio di vergognarsi, ha ceduto alle sue richieste sessuali, ma poi ha raccontato al marito e al padre dell'aggressione prima di suicidarsi. In questo modo, ha mantenuto il suo onore e la sua bontà (secondo le credenze romane). La sua decisione di uccidersi portò a una rivolta che rovesciò la monarchia etrusca e diede inizio alla Repubblica Romana.

• Maddalena penitente, c.1625-6, Cattedrale di Siviglia.
• Maria Maddalena come Malinconia, 1620, Museo Soumaya
• Giuditta e serva con testa di Oloferne, c.1625-7, Detroit.
• Giuditta e serva con la testa di Oloferne, c.1640, Museo di Capodimonte, Napoli.
• Giuditta e la sua serva (Cannes), c.1640 Musee de la Castre, Cannes.
• Venere e Amore, c.1625-30, Virginia Museum of Fine Arts.

Olio, 96,52×143,83 cm.

Venere e Cupido, noto anche come "Venere dormiente", è un dipinto di Artemisia Gentileschi del 1626 circa. È esposto al Virginia Museum of Fine Arts. Venere e Cupido è l'immagine di una Venere addormentata che giace su un ricco cuscino cremisi con nappe dorate su un copriletto blu. Ha solo un sottile pezzo di lino chiaro avvolto intorno alla coscia. Mentre si addormenta, suo figlio Cupido la fan con piume di pavone che hanno molto colore. La sta guardando con uno sguardo di amore e rapimento sul viso. Sullo sfondo c'è una finestra che si affaccia su un paesaggio illuminato dalla luna con un tempio della dea. Il viso di Venere ha guance piene, palpebre pesanti e un piccolo mento che sporge. Il modo in cui si muove il corpo di Venere è naturale. La sua mano è leggermente appoggiata sul fianco e le sue gambe sono unite in modo morbido. Attraverso i suoi simboli e il modo in cui l'artista l'ha dipinta, l'opera è un mix di realismo e classicismo.

• Ester davanti ad Assuero, c.1628-35, Metropolitan Museum of Art.
• Cristo benedice i bambini, c.1640s, precedentemente MET.
• Annunciazione, 1630, Museo Nazionale di Capodimonte.
• Maddalena penitente, c.1630-2, Collezione privata.
• Corisca e il Satiro, c.1630-5, Collezione privata.
• Autoritratto, c.1630-5, Palazzo Barberini Roma.
• Clio: la musa della storia, 1632, Palazzo Blu.
• Cleopatra, 1633-5, Collezione privata.
• Natività di San Giovanni Battista, 1633-5, Museo del Prado.
• Lot e le sue figlie, 1635-8, Museo d'Arte di Toledo.
• Il Martirio di San Gennaro nell'Anfiteatro di Pozzuoli, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
• Adorazione dei Magi, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
• San Procolo di Pozzuoli e sua madre Santa Nicea, 1636-7, Museo Nazionale di Capodimonte.
• Davide e Betsabea, c.1636-8, Columbus Museum of Art.
• Davide e Betsabea, 1645, Fondazione dei palazzi e dei giardini prussiani di Berlino-Brandeburgo.
• Betsabea, 1638, Collezione privata.
• Davide e Betsabea, 1645, Palazzo Pitti.
• Betsabea, 1640-45, Collezione privata.
• Autoritratto come allegoria della pittura, 1638-9, Royal Collection.

Olio su tela, 98,6×75,2 cm.

Il dipinto mostra idee femministe che erano insolite in un'epoca in cui le donne raramente svolgevano un lavoro, figuriamoci erano conosciute per loro. La pittura di Gentileschi di se stessa come la migliore delle arti fu una mossa audace per l'epoca. Tuttavia, il dipinto è ora oscurato da molte altre scene più drammatiche e crude di Gentileschi che mostrano la giovinezza travagliata dell'artista.

• Susanna e i vecchioni, 1649, Galleria della Moravia a Brno.
• Susanna ei vecchioni, 1650, Museo Civico di Bassano.
• Susanna ei vecchioni, 1652, Pinacoteca Nazionale di Bologna.
• Madonna con Bambino e Rosario, 1651, El Escorial.
• Sansone e Dalila, 1630-38, Palazzo Zevallos, Napoli.