Hipólito Restó & Arte

43º Expo en Hipólito Restó & Arte: Abstractos geométricos - María del Carmen Cruciani

Sarmiento 948

Momentos, segmentos, paisajes e instantes.
María del Carmen Cruciani busca la multiplicidad de realidades en la dinámica envolvente y sugerente de la evidencia de la variación.
Sus obras son partes de un todo, segmentos unidos, dinámica y secuencia de instantes.
Abstracción geométrica, búsqueda de momentos que son partes de un conjunto irreal y real al mismo tiempo.
Su pintura está formada por múltiples visiones en una totalidad armonizada, que se determina en parte por una dinámica consecuente.
Se trata de incidir en la diversidad de secuencias, en la posibilidad de estar en realidades paralelas a un mismo tiempo, pero vibrando de determinada manera en cada caso singular.
La verdad es la investigación múltiple para determinar lo que existe en la formulación del todo en la nada del momento, viajando en la elegancia de la belleza de la variación energética, que es, en definitiva, la fórmula que se sucede a partir de la conexión con el todo emblemático.
Exhibe paisajes reales, otros inventados, estados emocionales, estados de ánimo que son partes de un todo complejo que se reinventa a cada momento.
Es consciente de que la geometría es la parte sustancial de la existencia y, gracias a ella, todo tiene un sentido puro y evidente, capaz de ir hacia el más allá a partir de la consciencia de la materia.
Navega por la forma, para integrarse en el fondo del conjunto de las vivencias de materia, energía, forma, composición y trasfondo.
Irrumpe en la pintura buscando la emblematicidad del cambio, en el momento de la transmutación, siendo consciente de la gran variación energética y de la elegancia de la propia consciencia del ser.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

41º Expo en Hipólito Restó & Arte: Net - Art - Débora Trachter

Sarmiento 948

Débora Trachter, Net.art, diálogo entre la abstracción y la geometría. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA).
La obra de Net.art de Débora Trachter dialoga entre la abstracción y la geometría, buscando en las superposiciones cromáticas, los difuminados y las transparencias, el dinamismo de lo complejo.
Crea obra pensando en y para la red de internet. Creación digital que emplea los recursos de la red, datos e ideas, conceptos y elementos, que forman parte de una determinada idiosincrasia en la que lo significativo es la dinámica informal, la percepción de lo delimitado y sintetizado.
El color es muy importante porque garantiza atmósferas, asienta espacios, que, sin embargo, poseen una gran libertad de ejecución, al margen de lo específico, en lo emblemático del término.
Porque no se interesa por ser coherente en lo racional, sino que deja fluir el inconsciente, para, luego racionalizar determinadas actuaciones, consiguiendo, de esta manera, una interactividad entre formas geométricas, la energetización cromática, la presencia de líneas rectas que inciden de manera repetitiva en el contexto del color produciendo contraste y buscando romper la voluntad armónica.
A veces, incluso, son también, partes de una asimetría buscada, para ir más allá de los límites, hasta alcanzar la formulación de la visión compleja del discurso digital fundado en la transformación de la forma en la dinámica del laberinto asimétrico, dentro de una contención espacial y compositiva hasta alcanzar cotas de singularidad específica e incluso aproximarse a momentos de tensión, que son sustituidos rápidamente por instantes de comprensión de la belleza calculada.
Plasma huellas, rastros de iconismos, formas que son parte de los espacios que genera, en el sentido de ser coherente con la transformación del contexto, en línea con la búsqueda de nuevos planteamientos en los que profundizar con determinación generando nuevos mundos de instantes matemáticos y físicos reconvertibles.

40º Expo en Hipólito Restó & Arte: Flores - Magdalena Clariá

Sarmiento 948

Magdalena Clariá, la exuberancia y la expresividad sutil. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA).
Magdalena Clariá busca la exuberancia en sus conjuntos de flores, mostrando un predominio del primer plano, también de otros planos que nos aproximan a las partes superiores e interiores de las flores, preferiblemente rojas, que cubren la composición con su perfume cromático.
Todo ello para buscar la belleza de un lenguaje plástico, que renuncia al detalle, en función del color y el gesto, auténtico sesgo, que le confiere una impronta sugerente al conjunto de su obra nutrida de flores expresivas, alegóricas, casi simbólicas, pero, realistas, asentadas en el movimiento.
Su obra en acrílico es más gestual, de colores intensos, dentro de una síntesis escenográfica, para resaltar, especialmente, las flores, detalles de las mismas, siendo captadas como si fueran el resultado de momentos, de instantes profundos que se recrean consigo mismas para trasladarse a la voluntad específica de la naturaleza que consiente el avance hacia la consecución de lo concreto, específico y racional.
Sus acuarelas de flores son más sutiles, buscando el centro de la composición, la naturaleza cromática de tonos suaves, entrañables, casi íntimos, como si fueran partes de una mente interior que buscara la singularidad en las consecuciones insinuadas más emblemáticas.
Somos el resultado de momentos, de ahí que sus composiciones florales se alejen de lo académico, buscando el momento, el aura del instante, que capta el estadio, los sentidos, los estados de ánimo.
Construye a través del gesto, sin llegar al detalle excesivo, permitiéndose ciertas licencias para alcanzar una visión genérica de una realidad que transforma, para avanzar hacia la fantasía de la creación, coincidiendo con la belleza que encierra la naturaleza, interpretándola con recursos plásticos notables, tanto a nivel cromático, como de dibujo y composición.

42º Expo en Hipólito Restó & Arte: Dimensionalismo - Francisca Blázquez

Sarmiento 948

Francisca Blázquez, el Dimensionalismo y la evidencia geométrica de la iluminación. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA.

Francisca Blázquez presenta, por segunda vez, en Hipólito Restó de Buenos Aires la exposición Dimensionalismo con nuevas obras, concepto acuñado por la creadora madrileña en 1998 y que le permite indagar en la vertiente más elegante de la existencia, la vertiente estructural, a través de la cual constata la evidencia de la formalidad que recorre la propensión hacia la luz, hacia la espiritualidad y la elevación del amor y el amar.
Su obra posee la matemática del universo, también se interesa por lo transparente, a partir de formas, que, a veces, son estructuras cristalográficas como la reciente serie dedicada a la dimensión del agua, o bien se sumerge en la investigación de la complejidad formal en la que constata la fuerza de la iluminación y el poder evocador de una arquitectura soberbia que nos conecta con la alegoría interior del alma profunda.
Una alegoría, que es simbiosis de fuerza y expresividad, determinación y momentos de gran receptividad espiritual.
Con más de 366 exposiciones individuales y colectivas en 17 países y continentes, su creación pictórica se encuentra representada en las mejores colecciones internacionales: Fundación Newman de Chicago, Museo Marugame Hirai de Japón, JJ.00. de Pekín, Fundación Argentaria de Madrid, Unión de Bancos Suizos, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, Grupo Dúplex, Eurodesign, Corporación Bancaria Suiza, etc.
Trabaja en acrílico sobre tela, busca el equilibrio, dentro de la simetría, resaltando la belleza de las estructuras, la formulación de la intensidad cromática, en entornos galácticos, cósmicos, espirituales, angélicos, elementales y sensibles.
Su obra es un canto a lo espiritual en una era de cambios, en la que todos estamos vibrando a un nivel diferente de cómo hemos estado hasta la fecha. Todo esto es consecuencia de una dinámica compleja y alambicada que ha planteado el excesivo consumismo, la desestabilización del medio ambiente y la falta de objetivos claramente románticos y sensibles orientados hacia lo trascendente, cuestión fundamental para Francisca y que se refleja con claridad en su producción.

38º Expo en Hipólito Restó & Arte: Van Viniendo - Karina Bezchinsky

Sarmiento 948

Karina Bezchinsky, el poder de la mancha, el espacio y la dinámica.
Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage.
Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida.
Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge.
Somos el resultado de la dinámica del momento, que es infinitesimal. No hay momento aislado, sino que todo es parte de un mismo todo, parte de un instante que alcanza más allá de lo profundo en lo supremo. Un más allá que se instala en la vida, pulsión vital, fuerza que nos encuentra y conecta con la belleza.
Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más.
Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo.
Todo está preparado para ir más lejos de la anécdota, para ser parte de un todo que es del cosmos.
Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales.
La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado.
Porque la verdad de la poesía del sentimiento, de la plasmación del momento pictórico que conecta con la posibilidad de ir más allá de la propia consideración, es cuando uno sabe instalarse en la perspectiva de la historia a largo plazo.
Una perspectiva que se adentra en lo más sagrado de la profundidad que engalana la propia determinación.
Una perspectiva que va más profundamente que lo evidente. Una perspectiva que parte de un todo para implicarse en la propia consideración de la existencia.
Conecta con la existencia en el sentido de que reafirma el hálito vital a partir de la constatación elíptica de la verdadera razón de ser de los instantes secuencia y de los momentos únicos.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

39º Expo en Hipólito Restó & Arte: Mis Cafés - Stella Sidi

Sarmiento 948

Stella Sidi, fotografía e intervención digital, la dialéctica del objeto y la presencia artística. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA.

Stella Sidi combina la fotografía intervenida digitalmente con los objetos, en este caso con los servicios de café, a los que se les ha adicionado caras, ojos, efectos gestuales, abstractos u otros, también suturas, cordones, alfileres e inserciones.
Busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas.
Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales.
Los posos del café, el destino, la buena fortuna, las predicciones de un futuro o de un mañana poco claro. El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir.
Creo que no es casual que la artista haya escogido los servicios de café y no otros utensilios y elementos, porque son significativos y predicen la suerte o la desgracia.
Es como una balanza, el yin y el yang, busca y se interesa claramente por el futuro porque forma parte de un todo que posee un claro nexo de unión con el hoy.
Un hoy que es diáfano, que se nutre de sus propias posibilidades. Unas posibilidades que son claras y determinantes, en otras ocasiones producto del momento, también hay misterio, asimismo, necesidad de investigar para hallar.
Una necesidad de investigar en las profundidades del misterio que se agranda cuando se nos insinúa pero que aún no lo vemos con claridad.
Digamos que Stella Sidi investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, es capaz de ir más allá de la anécdota, utilizando la fuerza de la transmutación y el cambio que supone no desentrañarlo pero si previsualizarlo y resituarlo.
Una previsualización que nos introduce en el laberinto, en la investigación de lo que no existe, pero que es en las profundidades del ser.
Una investigación que se halla encuadrada en la formulación de una existencia engalanada y profunda y, al mismo tiempo, perdida en sus propias ensoñaciones y preguntas.
Le gusta que todo quede en aquello que parece ser y, porque, además, prefiere dar libertad de elección al espectador para que este pueda realmente decidir en todo momento y lugar.
Un espectador que se constituye en cómplice de una realidad que inventa, pero que, a la vez, posee partes de un todo que ya es conocido pero no totalmente revelado.

36º Expo en Hipólito Restó & Arte: Sensaciones - Eva Manzella

Sarmiento 948

Eva Manzella, de la expresión en el espacio de la mente y el corazón. Por Joan Lluís Montané de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA).
Nos muestra la capacidad de la expresión, potenciando la composición en dirección a la otra parte del viaje en el estadio del tiempo que no limita. Exhibe personajes que buscan los aspectos de la vida para instalarse en el transcurrir hacia lo que no es manipulado por la materia y la forma.
Indaga en los considerandos de las profundidades de la energía y de la forma externa que nos transportan a imágenes complejas.
Trabaja en acrílico y técnica mixta sobre tela, buscando la expresividad, la formulación de la composición donde seres humanos se transmutan, pretendiendo el cambio y la progresión hacia otras consideraciones que están más allá de la materia que limita el espacio-tiempo.
Indaga en sensaciones, estadios de la consciencia, espacios mentales, energías liberadas por los seres, personajes que interactúan con la visión energética de una realidad situada más allá de las posibilidades de la propia vivencia.
Emplea recursos propios del expresionismo, sin abandonar la sensación de existencia evidente, de fundamento concreto, consecuente, fomentando su visión de lo sutil, ensimismado en la propia póesis de una vida que se engalana de fervor y poder.
Transmutadora de momentos, hilvana una creación que se nutre del color, de los efectos del mismo para ser coherente con la visión de una consciencia de una realidad más potente, en el sentido de ser consistente con la fuerza que integra el cambio y la transmutación de las cosas.
Alcanza la vibración, la fuerza de la energía, la visión del cambio plástico y energético de la pintura y la vida.
Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos.
La obra pictórica de Eva Manzella es una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad.
La esencialidad es energía, forma, materia, sustancia, espíritu, alma, no materia, orden y caos, regidos por la ley de la causa y efecto.
Estamos en las lindes del reconocimiento de aquello que es complejo y que se basa en lo fundamental para entender la presencia en lo evidente profundo de lo que es por sí mismo.
Su aportación se funda en saber interactuar entre las diferentes realidades, sin renunciar a la plasticidad, dentro de una obra que posee sensualidad, coherencia y potencia cromática.

33º Exposición en Hipólito Restó & Arte:

Sarmiento 948

Stella Mezzadri, "Serie 2008", la búsqueda del yo en la estructura de la forma
Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal.
Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior.
Se ha desprendido de referencias icónicas, buscando el poder evocador de la forma, sugiriendo y adentrándonos en lo enigmático del misterio.
Un misterio que basa su fortaleza en la presencia de la ausencia, en lo que no dice pero que está explícito, dado que capta atmósferas, es más, elabora situaciones a partir de formas que pertenecen al mundo vegetal, pero que, una vez desprovistas de referencias, se convierten en partes del puzzle interior, de la realidad evidente del organigrama onírico que viaja sin adjetivos por la fenomenología del gesto.
La obra es menos descriptiva, busca más la formulación del concepto interior, la captación del estado de ánimo, conectándonos con el mundo dévico, con los dioses de la naturaleza, con la presencia y la insinuación de la iluminación del espíritu contenida en los centelleos o fogonazos de una evidencia lumínica que se hace cada vez más clara a medida que observamos con detenimiento su obra.
Su pintura ha ganado en profundidad, sirviéndose del color como termómetro de esta intensidad, partiendo de la cromaticidad, capta y expresa estadios del alma.
Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu.
Abandona la forma, el espejismo, el maya controlado, por una obra más entera, en el sentido que se adentra en lo subconsciente, en el poder evocador de la energía transformadora, en la fuerza de lo plástico sin necesidad de recurrir a iconismos descubridores de una realidad que se presume pero que está formada por un conglomerado dispar de situaciones, o bien por concentraciones energéticas que la artista trata con determinación.
Su composición, elaborada en óleo sobre tela, está basada en colores y tonos propios, difuminados y degradados, tonos intensos pero sutiles a la vez, que conforman una paleta que acompaña el mundo psicológico de la autora argentina.
Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

El Lenguaje del Ausente - José Cukier

Sarmiento 948

José Cukier “Hacia lo inexplicable”
José Cukier lleva a cabo una abstracción lírica de delicado y sutil cromatismo que deja entrever, como en brumas, un mundo lívido y etéreo, plagado de insinuaciones táctiles y notas de carácter emotivo. Para ello se vale del empaste y del empleo de hilos que, a modo de collage, van danzando sobre el lienzo hasta materializarse en extrañas grafías o incluso, a veces, en reconocibles letras del alfabeto hebreo.
Su obra se nutre más que nunca del vuelo gracioso y nervioso que ejecutan ciertos insectos en el aire cuando se acerca el verano; de la bruma sorda y efervescente que deja la ola tras de sí, como un manto suspendido y ausente, tres segundos después de romper; del sutil e imperceptible juego que realizan los colores persiguiéndose, confundiéndose, copulando y perdiéndose cuando comienza el día. Pero cómo explicar ciertas cosas…o en lugar de explicarlas lo mejor sería aumentar la intriga, hacerlas más misteriosas todavía como diría Georges Braque: “Il faut toujours augmenter le trouble”.
Que nadie busque en las obras de José Cukier las claves de su sutil y exquisita belleza: no existen, no las encontrará. O acaso nazcan de su intuición, de su particular interpretación de la vida, de conceptos tan vagos e inasibles como el vuelo de un pájaro, como el amor a unas tierras lejanas, o como el misterio críptico que se desprende de un alfabeto antiguo y de unos orígenes que es necesario para siempre recordar y evocar.
Los diversos hilos que luchan por objetivarse y concretarse en el lienzo configuran extrañas grafías -unas veces más confusas y otras más evidentes- las cuales confieren un mayor dinamismo a la composición otorgándole a la vez su carácter críptico y vedado.
Cecilia Prado.
Artista y Profesora de arte

31º Exposición en Hipólito Restó & Arte:

Sarmiento 948

30º Exposición en Hipólito Restó & Arte:

Sarmiento 948

“Atravesamos el presente con los ojos vendados.
Solo se puede intuir y adivinar lo que de verdad se esta viviendo “
Milan Kundera

El acrílico sobre Tela y el dimensionalismo

28º Exposición:

Sarmiento 948

Desde el 25/02 al 04/04/08 se realiza en nuestro espacio, ubicado en la calle Sarmiento 948 - Buenos Aires - Argentina, la muestra del artista plástico Orlando Argañaraz, en la misma se exponen una serie de 16 obras de estilo hiperrealista, en su mayoría en la temática de animales.

27º Exposición en Hipólito Restó & Arte:

Sarmiento 948

“...es una mezcla extraña pero habilidosa de lírica, serenidad, erotismo y misteriosos ensortijamientos.”
“...muestran un tratamiento técnico magistral de estos cuerpos en ambientaciones nebulosas y ensoñadoras reanimados por velos que los cubren (o descubren) parcialmente.”
Alfredo Cernadas Quesada - Galería Arcimboldo.

Stella Sidi, Amores Prohibidos
El amor es universal y su rastro y esencia se encuentran en todas partes. Es más, me atrevería a decir, que el amor mueve el mundo y el universo. Es el motor que transmite energía, que comunica la fuerza necesaria encaminada a desarrollar los mecanismos del gran engranaje.
Vivimos en un universo sincrónico, formado por distintos sistemas que se interrelacionan unos con otros.
No hay nada al margen de lo evidente, todo se halla en el gran mecanismo celestial, pero, cada cosa y elemento en su correspondiente sistema, interactuando. De ahí que el funcionamiento cósmico sea amor. Y ello es así porque las interrelaciones energéticas, la dinámica de los polos opuestos, la persistencia de energías superiores, la iluminación espiritual, la forma de entender el mundo al margen del postulado biológico, todo es parte del amor porque se transforma continuamente. Y no hay posibilidad de transformación y uno no da y el otro no recibe. Si uno da y el otro se muestra receptivo comienza el desarrollo, se asienta la transformación.
Amar es darse, ir más allá de los límites, transformando la esencia de las cosas. Cuando uno está enamorado, de quien sea, sin importar edad, condición social, posición, credo o cultura, experimenta una serie de transformaciones físicas y químicas. Genera energía y movimiento al igual que el mundo, los seres vivos en su conjunto y la naturaleza en sus diferentes intercambios y en el discurrir de cada segundo de la vida.
Stella Sidi, en su serie titulada ‘Amores Prohibidos’, realizada en lápiz sobre papel y en esgrafiado y pastel, muestra relatos de la historia universal, sobre relaciones no autorizadas.
Emplea la figura femenina como referencia central, presentándola estilizada, sutil, insinuante, buscando la sensualidad, la pose adecuada, encuadrada en lo sugerente. Refleja mujeres solas, que se adivina captadas en situaciones y con personajes extravagantes, viejos, misteriosos o bien con seres impensables, emplazadas de una forma u otra, según sea su composición y la correspondiente alusión que lleva implícita.
Meticulosa, elabora sus personajes con suma delicadeza y precisión, permitiéndose varias licencias pictóricas históricas, citando a De la Croix o Tiziano, entre otros pintores.
Realiza un recorrido simbólico a través del amor, entendido con letras mayúsculas, fomentando su comprensión, porque al mostrar los denominados amores prohibidos, está reafirmando la vigencia del mismo en todo momento, sin importar persona o circunstancia.
Amor a solas, amor y sexo, relaciones amorosas en las que entra todo, desde la actitud sensual, pasando por la potenciación del sexo como elemento carismático de unión, el amor desinteresado y al margen de diferencias sociales y edad.
El amor, si nos adentramos en el verdadero significado del mismo, significa estar iluminados, ser elementos y seres de luz que se hallan en transformación continua, en todo momento y circunstancia.
Stella Sidi posee la determinación adecuada para verificar la madurez del amor, desarrollando con ironía y claridad, pero, a la vez, con toda naturalidad, amores prohibidos, personificados en mujeres, en composiciones sutiles, cuidadas, donde el
dibujo predomina, el color es secundario, el detalle determina y la composición posee una alegoría de fino alcance, que define la belleza de una obra que no renuncia a la historia pero que su temática forma parte del patrimonio universal.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte

26º Exposición en Hipólito Restó & Arte: Elizabeth Eichhorn

Sarmiento 948

En estas obras que presento este año, mi intención fue la de mostrar, a través de mi pasión por el retrato, a aquellas madres de Argentina cuyo origen es de diferentes países o razas. De allí que están retratadas las italianas, vascas, gallegas, libanesas, alemanas, judías, croatas, rusas, etc., sin olvidar a las gitanas, que hay muchas en mi ciudad -Mar del Plata- y, por supuesto, dándole el lugar que les corresponde a la criolla y a la diaguita, ésta última como la presencia aborigen.
Y a la nacionalidad que cada una trae le acompañan sus hijos, que muestran la mezcla de razas en nuestra tierra, unificando de este modo a la humanidad.
Todas son mujeres reales, entre familiares y amigas.

25º Exposición en Hipólito Restó & Arte: Martín Soubiate

Sarmiento 948

ARTE Y COMPROMISO

La oportunidad que se me presenta es doblemente singular, encontrarme con la posibilidad de valorar una realidad plástica de contenido expresivo tan viva y evidente, como la que presenta Martín Soubiate, y la posibilidad de opinar sobre la realidad tangible de una conciencia social, tan adecuada para la representación artística como cualquier otra, pero que en la paleta de Soubiate cobra fuerza humana, traduciendo factores sociales en una dinámica de representación expresiva.

El expresionismo mantiene una regla básica que une, en la técnica, valores fundamentales comunes a todos los pintores, sea por la fuerza del sentimiento interior que los mueve, como en los colores, la materia y los contrastes.

Soubiate muestra en su obra todos los condicionantes propios de la sociedad en que se desarrolla; y en efecto, no siendo ajeno al condicionante estético instalado en gran parte de los pintores del Cono Sur, puede expresarlo con la fuerza y capacidad de síntesis que su juventud le permite, al tiempo que abstraer los sentimientos más profundos de la característica fundamental del sentir latino, del cual forma parte.

Fuerza y poder en el movimiento, color en la luz y equilibrio en la composición, confieren a la obra de Martín valores universales que acompañan un motivo trascendente.
Para aumentar la expresión, Soubiate, comprime el espacio y provoca el enfrentamiento entre las figuras y el Mundo que los rodea, consiguiendo con ello una realidad doble. Él no forma parte sin embargo, de la realidad que plasma en sus cuadros. Se mantiene al margen de ellos. Su punto de vista se distancia de la metáfora, y ahí entronca con la realidad representada por los impresionistas, pero a diferencia de éstos, carga su paleta colores, desdibujando el ambiente, constriñendo el objeto hasta conseguir que el objeto pintado sea espectador de la situación que los rodea. Parecen decir “Me miras..., pero yo también te veo”.

Una inquietud joven, descontenta y fugaz, como corresponde a este pintor joven, que ya en su corta trayectoria, ha demostrado un soporte técnico apreciable, a la vez que un sentimiento profundo en sus pretensiones. Parece haber comprendido, tan pronto, que la cualidad fundamental del artista se demuestra en el sentimiento, y no en la plasmación cotidiana de la realidad. Sus personajes, al igual que le ocurría a Cezanne, expresan sentimientos individuales y concretos, que trascienden a la obra de arte. Todo tiene un trasfondo denso, nada improvisada o casual, porque la intención es decisiva e íntima.

Por fin es Soubiate un hombre de su tiempo, capaz de captar realidades lejanas, e interpretarlas como propias, en una yuxtaposición de sentimientos que le hacen pasar de su realidad argentina a una realidad universal, que sus personajes o sus símbolos expresan de manera natural.
La vida es pura expresión.

Manolo González - Fuengirola, Málaga

24º Exposición de Arte: "Transparencias" de Ivone Tejerina

Sarmiento 948

Ivone Tejerina, el poder evocador de la aguada

Las acuarelas de Ivonne Tejerina exhiben bodegones ‘mínimos’, evocando el poder de la aguada en un entorno sutil y sensual, en el que los objetos de cristal, jarrones, copas y fruteros predominan, mostrando frutas, zumos de fruta y pétalos de flores como nota de color.
Centra la composición, procurando situar la dinámica de los elementos en mitad o a los lados del escenario. Busca con ello elaborar una obra marcada por la presencia de objetos y frutas en armonía, en línea con sus claros efluvios, presentados dentro de un destacado equilibrio, en la que predominan las sugerencias, sin imposiciones.

23º Exposición en Hipólito Restó & Arte:

Sarmiento 948

En sus 13 obras expuestas, Adriana Mufarrege indaga en la dinámica de la soledad, se ausculta a sí misma y a los personajes, generalmente femeninos, protagonistas de una obra, realizada en acrílico sobre tela, en la que el color es importante, dado que ayuda a definir estados de ánimo. Sus personajes son simbólicos, busca a través de los mismos resaltar instantes que se suceden, de forma aparente, de diferente manera en entornos urbanos, en escenas en lagos y campos, donde el sol manda, en estructuras que se intuyen geométricas, formales, estructuradas en torno a composiciones que se definen desde por y para, hasta sus ideales entornos.

22º Exposición en Hipólito Restó & Arte

Sarmiento 948

Los paisajes del Alma estarán presentes en la city porteña. Los estados de ánimos, los vibracionales, las sensaciones y todo lo relacionado a nuestras almas, Stella Mezzadri los compone en sus óleo sobre tela a través de la naturaleza. Colores, formas, entrecruces, luz y cromatismo se expresan de una manera muy singular en la obra de esta eximie artista plástica.

20º Exposición en Hipólito Restó & Arte: Francisca Blázquez, la iluminación universal dimensional.

Sarmiento 948

Francisca Blázquez, armonía sin límites
En un mundo pleno de conflictos y contradicciones, Francisca Blázquez es una artista que ha encontrado un lenguaje que intenta transmitir la paz existente en la armonía del universo. Esta artista madrileña, multifacético y pluridisciplinar, nos lleva con su arte más allá de los límites de lo cotidiano, produciendo un singular efecto en la mente y el espíritu del observador, similar a la meditación en algunas obras y a la exaltación interior a la que nos conduce la plena vivencia de lo positivo en otras. Al contemplar sus creaciones podemos creer que es posible el orden en medio del caos existente. Y es que Blázquez desarrolla un arte altamente intelectual sin dejar por ello de ser sensible y delicada.
La geometría por sí sola no es su búsqueda, sino la unión de los estados más puros del ser. Para ello hace acopio de todas las formas, colores, luces, sombras, planos y profundidades sin caer en limitaciones sino más bien acaparando todas las direcciones, todas las dimensiones de lo estético en la que se basa su estilo que nos propone una sabia conjunción de los opuestos con un sutil mensaje filosófico para un mundo que reniega de lo diferente y que hace gala de intolerancia y extremismos a través de la historia en todos los espacios y tiempos.
Los límites son buenos, para salirse de ellos; como decía Hockney: “No hay nada malo en limitarse, si luego uno es lo bastante valiente para salirse de los límites, pero para ello hay que ser muy valiente”. Esto es lo que sucede con nuestra artista, que gusta del reto de lo diverso y no encasilla sus inquietudes en determinada manifestación artística. Al contemplar su trayectoria se evidencia la capacidad no sólo de trabajo, sino su afán por aprender, desarrollarse y arriesgar. Todas estas cualidades le permitirán, sin dudas, ir decantando su arte hacia grados siempre superiores y llevarnos a la contemplación de la armonía de la dimensionalidad en la vida y en el arte.
María del Socorro Morac de Asmat
Crítico de Arte-Profesora de Historia de Arte-Artista Plástica