FEMME NOIRE (2022) Peinture de Sabrina Seck.
Artiste émergent : qu'est-ce que cela signifie ?
Un artiste émergent est généralement défini comme un artiste qui en est au début de sa carrière, c'est-à-dire qu'il est encore en train d'affiner son style, tout en commençant à obtenir une certaine reconnaissance critique, tout en essayant de développer une représentation commerciale bien connue. J'ai exprimé ce concept en me basant sur les déclarations les plus superficielles et introductives du site de la NYFA (New York Foundations for the arts), qui, de manière déclarative et sans arrière-pensée, admet à quel point la définition ci-dessus n'est pas exhaustive, puisque le terme est sujet à de multiples interprétations, qui, basées sur différents paramètres, varient comme des courants marins en constante circulation, suivant grosso modo les données relatives à l'âge de l'artiste, à son historique d'expositions et à sa notoriété. C'est pourquoi, afin d'aborder de manière simplifiée cette question complexe, j'ai tenté de rassembler, dans un Top 10, ni exhaustif ni positionné par ordre de préférence, le travail d'un certain nombre d'artistes Artmajeur, unis par le fait que leur contribution apportée au monde de l'art représente une étape préliminaire et très prometteuse, qui sera confrontée à une attention médiatique ultérieure, souhaitable et à venir. Par conséquent, entrer en contact avec le travail de ces artistes peut être extrêmement stimulant, car vous pouvez être celui ou celle qui contribuera à leur succès éventuel et futur, tout comme si vous étiez intéressé à déterrer des trésors enfouis qui, de simples reliques, deviendront un jour des vestiges inestimables de la civilisation qui seront conservés dans les plus grandes institutions artistiques du monde. Alors, pourquoi ne pas tenter votre chance justement en achetant une œuvre "émergente" ? Je vous invite à ne plus hésiter et à commencer à parcourir mon Top 10 dès maintenant ! Ah, j'oubliais, avant de vous perdre dans des achats compulsifs, il est important de souligner que mon classement met en avant le récit de dix artistes, selon un critère précis de subdivision technique, stylistique, chromatique et thématique, au sein desquels sont présentés : 3 peintres, répartis par courants artistiques auxquels ils appartiennent ; 3 sculpteurs, choisis sur la base de particularités chromatiques ; 2 photographes, désireux de reproposer quelques-uns des chefs-d'œuvre les plus connus de l'art ; 2 artistes numériques, visant à investiguer la figure féminine à travers les nouvelles technologies. Enfin, tout ce discours sera nécessairement accompagné d'un dialogue continu avec les œuvres de la grande tradition, que, peut-être un jour, nos artistes émergents imiteront avec succès ! (Croisons les doigts).
LES COULEURS DE LA RUE (2020) Peinture de Val Escoubet.
RÉVEIL APRÈS UNE LONGUE NUIT (2022)Peinture de Péter Duhaj.
Peintres : hyperréalisme, surréalisme et expressionnisme
1.L'hyperréalisme de Péter Duhaj
Péter Duhaj, peintre hyperréaliste hongrois, cite le modèle d'artistes contemporains de son pays, tels que Zsolt Bodoni, László Nyári, István Sándorfy et Tibor Csernus, dans son riche travail figuratif. À travers ces exemples, il a développé son point de vue très personnel, aspirant à la réalisation de la représentation la plus fidèle de la donnée réelle, dans laquelle émerge une extrême précision dans le traitement de la donnée chromatique, des formes, du mouvement et des émotions, souvent personnifiées par des personnages féminins qui, de par leurs corps parfaits, dégagent une charge érotique mystique. Un tel récit s'avère également parfait pour décrire L'Éveil après une longue nuit, un tableau bien représenté, dans ses intentions figuratives et de vulgarisation, par les propres mots de l'artiste : "L'idée de ce tableau est née spontanément d'un moment vécu après une soirée entre amis. Le tableau représente une jeune femme quelque peu rêveuse qui se réveille le matin après une nuit agitée. Sa pose, l'expression de son visage et ses seins exposés provoquent et stimulent le spectateur à imaginer différentes variations de ce que la femme a vécu pendant la nuit, ce qu'elle pense maintenant, ce qu'elle ressent. L'atmosphère du tableau entraîne le spectateur dans l'histoire et en fait un acteur". À ce stade, si nous voulions trouver un chef-d'œuvre du passé qui anticipe de manière similaire, bien que de façon plus chaste et traditionnelle, la scène ci-dessus, nous pourrions prendre pour exemple Rest 2, une œuvre célèbre du célèbre maître coréen Chang Hong Ahn.
EGG BOY IN RED HAT (2023) Peinture de Ta Byrne.
2.Le surréalisme de Ta Byrne
Le surréalisme de Dali, maître par excellence du mouvement, prend de nouvelles formes et des messages inédits, grâce au flair artistique informel de Ta Byrne, peintre thaïlandaise qui, au monde profond et introspectif de l'inconscient de l'artiste espagnol susmentionné, a apporté, avec plus de constance, un point de vue résolument plus humoristique, matérialisé par la création d'une dimension parallèle à la nôtre, dans laquelle les figures humaines sont "déformées" par la présence d'éléments de la vie quotidienne, qui sont simplement placés sur leur visage. Byrne attribue son mode de recherche figuratif à un "automatisme" d'implantation freudienne, selon lequel "plus on regarde un objet, plus il devient abstrait et, ironiquement, plus il est réel". À ce stade, je voudrais vérifier ce qui a été dit, afin d'expérimenter si, en regardant ma mère pendant quelques minutes, lorsque j'entends les grondements de la faim, je peux réellement voir son visage se transformer en un délicieux œuf au plat, la même délicatesse destinée à recouvrir la ressemblance du protagoniste de l'Œuf au bonnet rouge. Enfin, l'œuf, qui figure souvent dans les portraits surréalistes de Byrne, est aujourd'hui une star du monde de l'art, représenté par Jérôme Bosch, Jean-Baptiste Greuze, Salvador Dalí, Claes Oldenburg, Sarah Lucas, etc.
HONNÊTEMENT (2023) Peinture de Young Park.
3. L'expressionnisme de Young Park
Si l'on veut vraiment associer l'œuvre novatrice de Park à un courant artistique standardisé, son "expressionnisme" particulier est donné par l'utilisation émotionnelle avec laquelle elle dispose les couleurs sur la toile, le support dans lequel les visages de ses personnages prennent vie, réalisé grâce à l'utilisation de chromatismes qui, bien que parfois peu naturalistes, sont certainement intimistes, introspectifs et d'un grand impact psychologique. En effet, l'artiste, née en Corée du Sud en 1977, explicite sans hésitation le fait qu'elle réalise, dans chacune de ses figures représentées, qu'elles soient matérielles, immatérielles, masculines, féminines, etc., une étape visant à poursuivre la connaissance de son être, jusqu'à pouvoir toucher ses pensées, qui affirment que dans la vie il n'y a pas vraiment de bonne réponse. Précisément, ses œuvres ne font que capturer l'unique vérité, à savoir celle du moment présent, résultat d'une profonde perspicacité, qui se rebelle contre l'imposition de l'existence d'une pensée universelle. En ce qui concerne le protagoniste d'Honestly, il a été capturé presque involontairement, dans un moment clair de réflexion personnelle, dans lequel ses mille idées semblent prendre la forme des douces nuances chromatiques placées sur son visage, qui renvoient à un chef-d'œuvre connexe de l'histoire de l'art, dans lequel la pigmentation du protagoniste a subi un processus quelque peu similaire, bien que plus drastique, à savoir la Finlandaise de Sonia Delaunay-Terk (1907-1908).
OMNIA VINCIT AMOR (ROUGE) (2022)Sculpture d'Andrea Giorgi.
Sculptures et couleurs : rouge, noir et ocre
4. Le rouge d'Andrea Giorgi
La couleur rouge a été choisie, dans le cadre de la recherche artistique d'Andrea Giorgi, sculpteur italien né en 1974, avec récurrence, mais avec parcimonie, car cette teinte est liée à un message spécifique avec lequel certaines œuvres ont été conçues, plutôt qu'à une tendance tonale dictée par les tendances saisonnières les plus superficielles. Ces affirmations sont évidentes si l'on se réfère aux propos de l'artiste concernant la sculpture Omina vincit amor, qui utilise la couleur susmentionnée parce qu'elle est la plus apte à exprimer le concept de l'amour, un sentiment éternel rendu tangible par le protagoniste de la sculpture, qui cherche à observer une petite figure astucieusement placée à l'intérieur de son cœur géant, à savoir la femme aimée. Ce message romantique est encore renforcé par le tatouage affiché sur le bras du protagoniste, destiné à reproduire le titre de la sculpture elle-même, et par l'aspect ancien de l'œuvre, conçue comme si elle avait été consumée précisément par l'intensité de l'amour. Par ailleurs, le célèbre sculpteur contemporain Chen Wen Ling a associé le rouge à un mouvement profond de l'âme, à savoir le rire, pour animer Red Memory - Smile, une sculpture d'environ 5 mètres de haut, récemment acquise par la multinationale chinoise Alibaba Group à son siège de Hangzhou.
BABYFOOT 85 (2021) Sculpture d'Idan Zareski.
5. Le noir d'Idan Zareski.
Ambiance noire : ces deux mots résument en partie la sculpture "sombre" de Zarescki, artiste israélien né en 1968, qui a voulu immortaliser un enfant un peu adulte et méchamment renfrogné à travers les nuances de la couleur susmentionnée, à interpréter comme le rendu le plus clair de ces humeurs néfastes et colériques qui nous entraînent dans les méandres les plus sombres et les plus rancuniers de notre esprit. En fait, si nous pensons à ce que la colère d'un enfant pourrait déclencher, l'œuvre pourrait tout aussi bien abandonner cette "sévérité" tonale, car si leurs colères sont ennuyeuses, elles ne conduisent généralement pas à des mesures néfastes. En ce qui concerne l'artiste d'Artmajeur, Zareski, qui vit et travaille dans plusieurs pays, a accumulé en lui-même un riche bagage culturel, dont l'œuvre reflète largement ses nombreuses expériences. Malgré cette richesse, dans laquelle il ne serait pas difficile de se perdre et de s'éloigner du sujet, l'artiste maintient son identité figurative claire, qui revient à travers la représentation de grands pieds, visant à refléter les origines, ainsi que notre lien, en tant que terre mère. Enfin, pour conclure ce bref exposé sur la couleur susmentionnée, je ferais appel à Fernando Botero, dont la célèbre Main noire, une sculpture de la ville de Madrid, pourrait être tendue vers celle du maussade Babyfoot 85, pour l'inviter à se lever, à sourire et à retourner jouer.
云中君(ODE À LA GALANTERIE) (2022) Sculpture de 永昌 赵 (Zhao Yongchang).
6. Le jaune de Yong Chang Zhao.
La laïque occidentale que je suis ose juxtaposer, de manière quelque peu blasphématoire, l'Ode à la galanterie de Zhao à l'image bien connue de Bastien fly à cheval sur Falkor, proposée par le film populaire de 1984 intitulé L'histoire sans fin. Au contraire, l'artiste occidental Zhao se révèle être totalement en dehors de la réalité proposée par le film de Wolfgang Petersen, à tel point que sa culture occidentale, plus sage et moins matérialiste, révèle la véritable interprétation de l'œuvre, destinée à être résumée dans les mots suivants du sculpteur lui-même : "Le garçon et le cheval-dragon se sentent l'un l'autre et ont fusionné. Le garçon possède le pouvoir immortel et la nature divine du cheval-dragon, et le cheval-dragon possède la sagesse et le courage du garçon. Ils sont montés sur les nuages et ont voyagé autour du monde, rendant ce monde plus juste et plus léger". Il s'ensuit que, bien que de manière totalement différente et malgré la plus grande conscience et profondeur introspective de Zhao, les amis de la sculpture et du film, qui font face ensemble à mille vicissitudes, deviennent également le symbole de la force de deux esprits qui, poursuivant le bien commun, agissent à l'unisson vers la réalisation des valeurs les plus élevées de l'humanité. Enfin, en ce qui concerne la couleur, le jaune de la sculpture de Zhao m'a rappelé une teinte souvent utilisée par Medardo Rosso pour donner vie à ses nombreuses têtes, dont Le Concierge, une œuvre de 1883 réalisée en cire jaune.
L'ODALISQUE AU CUL BLANC (2020) Photographie de Mathilde Oscar.
Photographie & remakes
7. Mathilde Oscar et La Grande Odalisque
Mathilde Oscar, artiste française née en 1980, s'est d'abord intéressée à la peinture, puis à l'histoire de l'art et au graphisme, ne découvrant que plus tard sa plus grande passion pour la photographie, une technique à travers laquelle elle transpose ses idées figuratives, fortement inspirées par le travail des grands maîtres de la peinture romantique et néoclassique. Ces sujets tirés du passé s'unissent à la narration des temps modernes et technologiques, car l'artiste combine les codes de la peinture classique avec la photographie et la manipulation numérique, générant une narration dont la sensualité, l'espièglerie et l'ironie sont extrêmement renforcées par une approche lumineuse, visant à recréer l'atmosphère des chefs-d'œuvre les plus célèbres. Dans l'interprétation de ces derniers, cependant, apparaît une forte veine anachronique et anticonformiste qui, placée dans un espace-temps inconnu, génère des personnages féminins extrêmement contemporains, aussi fièrement sensuels, clin d'œil, dévergondés et charismatiques. Un exemple de ce qui vient d'être dit est la photographie L'Odalisque au cul blanc, dont le titre irrévérencieux nous met déjà en garde contre la profanation du chef-d'œuvre de Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Grande Odalisque (1814), dans laquelle la pose sensuelle du modèle était accompagnée d'un sourire calme et timide, tandis que dans la version d'Oscar, le photographe nous montre quelque chose de plus sur les fesses, en accompagnant cette vue d'une expression faciale chaloupée, clin d'œil et extrêmement confiante, qui semble dire : "Je vais te montrer mes fesses : Je vous montre mes fesses, et alors ?
PETIT DÉJEUNER SUR L'HERBE #2. APRÈS ÉDOUARD MANET (2017) Photographie de Marta Lesniakowska.
8.Marta Lesniakowska et Petit déjeuner sur l'herbe.
Lorsqu'un artiste contemporain s'approche d'un chef-d'œuvre "classique", il ne le repropose pas toujours en améliorant et en modifiant ses détails, car il arrive que ces grands exemples du passé soient admirés et reproduits comme s'ils étaient observés de loin, générant un nouveau point de vue sur le sujet, qui semble, compte tenu de la distance, laisser intacte l'aura sacrée de l'histoire, ouvrir un nouveau chapitre sans la "défigurer". C'est ce que j'ai pensé en voyant Breakfast on the Grass #2, une œuvre originale d'Édouard Manet, reproduite dans la version de Lasniakowska, artiste, photographe et critique d'art, dont la recherche artistique poursuit l'intention de rappeler des images familières afin de les transmettre et de les intérioriser dans le contexte du XXIe siècle. D'autre part, en ce qui concerne les variations que Breakfast on the Grass a subies à travers le point de vue de l'artiste d'Artmajeur, il est incontestable que la teinte sombre et délavée de la photographie a rejeté de manière provocante la couleur impressionniste pure d'origine pour rendre l'idée du temps qui passe et de la mémoire imparfaite, dont le médium photographique est le porte-parole incontesté et l'unique trace. Enfin, le cadrage lointain s'inspire du romantisme, unissant ainsi l'œuvre de Manet au point de vue de Caspar David Friedrich, dont l'œuvre reprend les étendues naturelles dans le but de dramatiser l'image.
ANA ISABEL (2023) Arts numériques par Carla Sá Fernandes.
Art numérique et sujets féminins
9. Les femmes numériques de Carla Sá Fernandes
Il est incontestable que la couleur fait partie intégrante de l'œuvre de Carla Sá Fernandes, en ce sens qu'à chaque occasion, ou presque, elle est principalement et incontestablement présente, que ce soit en peinture ou en peinture numérique, ou dans des œuvres figuratives, celles d'une abstraction principalement linéaire et goutte-à-goutte. En effet, comme le révèle la biographie de l'artiste, Fernandes, une artiste portugaise née en 1971, utilise le médium de la peinture pour expliquer ses expériences et ses émotions, précisément par l'utilisation de combinaisons de couleurs spontanées et vives. En ce qui concerne la peinture numérique Ana Isabel, nous pouvons considérer cette œuvre comme une grande innovation de la modernité, car les grands maîtres du passé ne pouvaient pas représenter les femmes de manière aussi vivante. En effet, nous pouvons penser à une autre femme aux cheveux roux représentée, de manière résolument plus sobre, par Degas, comme celle du Portrait d'une jeune femme de 1867.
CE QUE NOUS SOMMES... (2022) Arts numériques par Masa Zodros.
10. Les femmes numériques de Masa Zodros.
Masa Zodros est une artiste spécialisée dans la manipulation photographique, une technique dans laquelle elle donne de l'espace, principalement, aux portraits de personnes de couleur, des sujets qui sont capturés dans des époques du passé ou des situations surréalistes, mythologiques et culturelles, exécutés grâce à l'utilisation de logiciels, en commençant par la modification de modèles observés dans son studio. Le but de ce travail nous est explicité par l'artiste, qui voudrait créer des versions de l'homme et de la femme noirs exempts de notre histoire, riche, au contraire, en événements dramatiques de domination, d'exploitation et d'aliénation. Au-delà de ces tristes faits, Zodros imagine une réalité hors du temps, c'est-à-dire une dimension plus juste dans laquelle son peuple aurait pu se développer, réalisant une expansion culturelle plus équitable, se déroulant dans des structures et des institutions qui lui ressemblent davantage. Cette dernière intention artistique sous-tend également What We Are, une œuvre dans laquelle le masque du protagoniste me renvoie au sujet des Fétiches (1938), un chef-d'œuvre de Lois Mailou Jones, une artiste noire qui s'est battue pour la reconnaissance de l'histoire, de la culture et des droits des Noirs.
Avez-vous déjà choisi votre artiste émergent préféré ?
Olimpia Gaia Martinelli