Que signifie l'histoire de l'art néerlandais ?

L'histoire de l'art néerlandais est souvent confondue avec celle de l'art flamand, car, avant le XVIe siècle, c'est-à-dire l'indépendance et donc la naissance de la République néerlandaise, les Pays-Bas étaient unis aux Pays-Bas méridionaux, connus sous le nom de Flandres, sur le territoire de l'actuelle Belgique. Ces deux pays, même lorsqu'ils étaient tous deux sous domination espagnole, se distinguaient nettement par le type de production artistique. En effet, les catholiques flamands, représentés par des maîtres de la trempe de Rubens et d'Antoon van Dyck, produisaient surtout du luxe, Les maîtres hollandais, tels que Johannes Vermeer et Rembrandt, guidés par l'idéologie du protestantisme, tendaient davantage à célébrer le monde réel qui, à l'époque, était dominé par la science et le commerce dans leur nation fertile. En résumé, la peinture, l'art graphique et la sculpture flamands ont été produits dans une région de taille similaire à celle de la Belgique actuelle, bien que l'adjectif susmentionné soit utilisé pour décrire le travail réalisé dans une région historique qui était en réalité beaucoup plus vaste, englobant le Brabant, le Hainaut, la Picardie et l'Artois voisins. La production artistique susmentionnée a joué un rôle décisif dans l'histoire de la figuration européenne, surtout entre le XVe et le XVIIe siècle, tandis que, en ce qui concerne les Pays-Bas, il est impossible de ne pas mentionner l'âge d'or des arts, qui s'étend sur à peu près tout le XVIIe siècle.

Taco Eisma, La chambre, 2022. Huile sur toile, 60 x 80 cm.

Van Lanigh, La récolte, 2022. Huile sur toile, 60 x 50 cm.

L'âge d'or de l'art néerlandais

L'âge d'or désigne cette période particulière de l'histoire néerlandaise entre le 16e et le 17e siècle, c'est-à-dire après l'obtention de l'autonomie politique, qui s'est caractérisée par un formidable développement des sciences et du commerce. Dans ce contexte, les arts figuratifs, qui devaient nécessairement être affectés par ce climat florissant, et par conséquent le refléter, ont connu un essor extraordinaire, devenant un modèle pour toute la tradition artistique européenne. En particulier, la peinture de l'âge d'or remonte à la période allant de 1620 à 1672, au cours de laquelle les peintures sacrées et les sujets bibliques ont été fortement délaissés au profit de scènes de genre, de natures mortes, de "petits riens", de paysages, de malles et de portraits réalistes, visant à satisfaire les exigences d'une clientèle laïque et mercantile, plutôt qu'institutionnelle, ecclésiastique et aristocratique. C'est précisément ce type de production figurative, ainsi que les cartes et les gravures, qui se sont répandus avec tant de succès dans les foyers des Hollandais qu'ils ont souvent été capturé dans les peintures de l'époque, où l'on peut voir des œuvres de petit format extrêmement commerciales. Néanmoins, il convient de souligner que la peinture de grand format ne manquait pas, et qu'elle était certainement accrue par la prospérité croissante du pays. En ce qui concerne le style des peintures de l'époque, leur réalisme s'accompagne souvent de la précision avec laquelle la lumière et la luminosité sont rendues, souvent combinée à un soin et une attention impressionnants pour les détails, certainement hérités de la tradition flamande voisine. En conclusion, il convient de souligner comment ces caractéristiques stylistiques néerlandaises ont été la porte d'entrée d'un type innovant de représentation de la société, qui a été capturé à travers les personnages individuels, les familles de paysans, les scènes de taverne, les scènes de fête, les femmes au travail, les scènes de village ou de ville, les scènes avec des animaux, et bien d'autres. Enfin, il est impossible de ne pas mentionner les maîtres les plus emblématiques de l'âge d'or, tels que Rembrandt, Veermeer, Johannes Vermeer, Frans Hals, Jan Steen, Rachel Ruysch et Judith Leyster.

Roco.Studio, Portrait rose, 2020. Acrylique sur toile, 115 x 95 cm.

Karin Sommen, Sous-marin, 2019. Acrylique sur toile, 140 x 100 cm.

"L'âge d'or" contemporain

Tout comme entre le XVIe et le XVIIe siècle, période importante pour les arts figuratifs néerlandais, le monde contemporain continue d'être influencé par le point de vue créatif des Pays-Bas, qui se distingue toujours par des techniques, des styles et des sujets d'investigation extrêmement novateurs, suscités par le travail de certains artistes émergents populaires, tels que Wouter le Duc, Wouter Venema, Koen Taselaar et Jonathan van Doornum. En outre, les Pays-Bas représentent aujourd'hui l'un des plus grands marchés d'art contemporain en développement en Europe, où la richesse de l'offre est souvent mise en valeur et soulignée par l'organisation de multiples événements tels que la célèbre Rotterdam Art Week. Enfin, dans ce contexte florissant, il est impossible de ne pas prendre en considération l'investigation figurative inédite et variée des artistes néerlandais d'Artmajeur, bien représentée par les œuvres de Bart Stillekens, N.C.J. Stam et René Rikkelman.

Bart Stillekens, Crâne de bouquetin, 2022. Sculpture, métal / résine, 40 x 40 x 40 / 1,00 kg.

Bart Stillekens: Crâne de bouquetin

Bart Stillekens, également connu sous le diminutif de B-art, est un peintre et sculpteur néerlandais contemporain éclectique né en 1993, dont la recherche artistique se concrétise par l'utilisation de multiples matériaux et techniques, qui s'expriment dans une expérimentation continue. Une partie incontestable de sa production sont les sculptures minimales de vanité en résine et en métal, qui, réduites à de simples crânes d'animaux dorés, sont bien illustrées par l'œuvre de 2022 Crâne de bouquetin, visant à reproduire le crâne d'un bouquetin. Ce dernier, probablement créé dans l'intention d'attirer le regard du spectateur, comme une sorte de memento mori visuel, invite également à profiter des plaisirs de la vie, suggérés par la couleur or, qui a toujours symbolisé le soleil, la chaleur, la force, le pouvoir et la richesse, mais aussi l'incorruptibilité et l'immortalité divine. En ce qui concerne l'histoire de l'art, il convient de considérer comment le genre de la vanité a connu son plus grand développement dans la Hollande du XVIIe siècle, où il est devenu synonyme de la précarité qui a gagné le continent européen à la suite de la guerre de Trente Ans et de la propagation des épidémies.

N.C.J. Stam, Le poids de la couronne, 2021. Sculpture en bronze / collage, 20 x 10 x 8 / 3,00 kg.

N.C.J. Stam: Le poids de la couronne

N.C.J. Stam, également connu sous le nom de Co. Stam, est un sculpteur néerlandais contemporain né en 1942, qui s'exprime principalement en modelant le bronze, un matériau à travers lequel il étudie surtout la figure humaine et, accessoirement, la figure animale. La technique utilisée pour créer les œuvres de l'artiste d'Artmajeur est celle de la "cire perdue", un procédé populaire depuis le 3e millénaire avant J.-C., selon lequel on réalise un modèle en cire, que l'on recouvre d'argile, créant ainsi un moule. Ensuite, par des trous dans l'argile, la cire est versée hors du moule en le chauffant, puis le bronze fondu y est versé. À la fin de l'opération, après le retrait du moule, on obtient une sculpture en bronze identique au modèle original en cire. Cette technique de "cire perdue", appelée méthode directe, se distingue de la méthode indirecte, selon laquelle le modèle en cire est construit sur un modèle en argile, ce qui permet de créer des formes vides à l'intérieur. C'est précisément en utilisant ce procédé historique qu'a été réalisée la sculpture irrévérencieuse Le poids de la couronne, visant à représenter le titan de la mythologie grecque Atlas, qui, au lieu d'être condamné à porter l'univers sur ses épaules, doit subir le poids des tragédies actuellement non résolues de Covid-19.

René Rikkelman, Lèvres sensuelles en or, 2020. Sculpture, résine sur bois, 40 x 60 x 20 cm / 3,00 kg.

René Rikkelman: Lèvres sensuelles en or

René Rikkelman, sculpteur néerlandais contemporain né en 1959, préfère créer des œuvres stylisées qui, initialement réalisées en cire ou en argile, sont ensuite coulées dans le bronze, un métal conçu pour exprimer un langage figuratif en quête constante de ligne ou de forme sensuelle. C'est précisément cette dernière aspiration qui est largement réalisée dans l'œuvre Lèvres sensuelles en or, visant à immortaliser un gros plan doux, sinueux, érotique et raffiné d'une bouche charnue de femme légèrement entrouverte. Poursuivant la même intention, le canapé en forme de lèvre, conçu par Gufram en 1970 et exposé dans les plus grands musées du monde, dont le Louvre (Paris), le Museum of Applied Art and Science (Sydney) et le Design Museum (Munich), a cherché à rendre iconique l'un des symboles par excellence de la beauté féminine. Toutefois, les origines de cet objet de design désormais légendaire se trouvent dans l'histoire de l'art, puisque ce canapé a sans aucun doute été inspiré par le visage de Mae West, immortalisé dans le tableau de Salvador Dali de 1935.