Carlos Canet Fortea, Voyage approximatif , 2022. Photographie, Photographie numérique / Photographie manipulée / Collage numérique sur papier, 100 x 80 cm.
Avant d'en venir à l'investigation artistique promue par le médium photographique, il semble évident de se référer à cette tradition picturale qui, au fil des siècles, a favorisé la naissance, le développement et l'affirmation des genres artistiques les plus connus, dont l'indéfectible thème du paysage. Il apparaît donc évident que la photographie, ayant pour sujet ce dernier thème, a bénéficié des efforts antérieurs, qui ont conduit à la reconnaissance officielle de l'autonomie totale de la peinture de paysage, événement qui s'est déroulé à un moment et à un lieu précis de l'histoire : la Hollande du Siècle d'Or. En effet, avant cette période, le paysage était conçu comme un simple fond pictural, qui, sans aucune identité de genre, visait à décorer ou à illustrer les lieux dans lesquels se déroulaient les événements narrés, le plus souvent de nature religieuse, mythologique ou historique. L'arrivée de la photographie, datée de la fin du XIXe siècle, hérite directement des acquis ci-dessus, favorisant, bien que progressivement et expérimentalement, l'intérêt progressif pour le genre paysage, qui devient, au fil des siècles, l'un de ses principaux chevaux de bataille. Par ailleurs, au cours de son approche de l'art photographique, cette discipline a également été confrontée, comme la peinture, la sculpture, etc., à de multiples mouvements, courants et tendances artistiques, au sein desquels il est obligatoire de mentionner le Minimalisme, un point de vue sur la réalité, qui a imposé ses traits stylistiques à la peinture de paysage également. Décrit de façon simple et concise : le point de vue minimaliste donne au genre paysage le but de capter la donnée réelle à travers un rendu extrêmement synthétique et concret, qui, en recourant au cadrage de quelques éléments seulement, voire parfois d'un seul, parvient à un plus grand impact visuel. En effet, la possibilité même de focaliser l'attention sur ce « détail » qui est représenté, permet au spectateur de saisir immédiatement ce qui a été conçu, afin de transmettre un message, en évitant de disperser l'attention dans de multiples « fioritures » décoratives. Afin de concrétiser dans l'imaginaire du lecteur ce qui vient d'être exposé, il est crucial de se référer au travail de quelques photographes, qui, comme Hiroshi Sugimoto, Yamamoto Masao et Michael Kenna, se sont consacrés à capturer des visions paysagères minimalistes. En parlant du premier, l'artiste et photographe japonais né en 1948 s'avère être l'un des représentants les plus importants de la photographie contemporaine, ayant la particularité de combiner l'art minimaliste et conceptuel avec la sobriété et la simplicité apparentées des coutumes orientales. Ces traits stylistiques se sont concrétisés dans sa série de marines de 1980, dans laquelle le même usage du cadrage et des matériaux, s'attache à valoriser la variation du noir et blanc, disposés dans des vues, visant à capturer des mers vides et calmes, surmontées d'un ciel silencieux. Dans un tel contexte, où la frontière entre l'eau et l'air devient souvent très floue, à la limite de l'abstractionnisme, il veut rendre explicite comment, malgré l'inexorable passage du temps, la grandeur de la nature reste remarquablement, et presque divinement, inchangée. En peinture, une sensation similaire peut nous être transmise par les œuvres de Piero Guccione, peintre, graveur et illustrateur italien né en 1935, dont les marinas conceptuelles trouvent, dans la ligne qui sépare le ciel de la mer, le foyer d'une réflexion centré sur une méditation, visant à mettre le spectateur en contact avec son moi intérieur. Quant à Yamamoto Masao, d'autre part, le photographe japonais se concentre sur la création d'images de petit format, qui, comme des espèces de bonsaïs à chérir entre ses mains, invitent le spectateur à un souvenir similaire. Dans cette dimension méditative, il y a place, tant pour le présent que pour le passé, à tel point que l'artiste préfère l'utilisation d'images en noir et blanc "vieillies", destinées à faire allusion aux souvenirs, fragments et traces des mille versions de nous-mêmes.
Philippe Berthier, Phoetr y, 2023. Photographie, Photographie numérique / Photographie manipulée sur papier, 47 x 67cm.
Parlant de paysage, les clichés de Masao concernant ce thème témoignent de son intérêt pour l'observation des transitions naturelles, dont le récit semble faire allusion à l'évolution de notre propre parcours de vie. Un exemple de cliché minimaliste de l'artiste japonais est Kawa=Flow #1652, dans lequel, pour faire allusion à un paysage d'automne, seule la vision d'un groupe d'oiseaux perchés sur des branches sacrées est évoquée. De même, la peinture a également dépeint un sujet similaire, tout comme le montre la perspective plus large et plus colorée des oiseaux blancs assis dans l'arbre d'Edward Said Tingatinga, un peintre tanzanien bien connu. Enfin, à propos de Michael Kenna, le célèbre photographe britannique, né en 1953, est bien connu pour ses paysages minimalistes en noir et blanc, qui, illuminés par une lumière typiquement éthérée, résultat de clichés pris aux premières lueurs du jour ou de nuit, poursuivre l'intention de se concentrer sur l'interaction entre les conditions atmosphériques et les sujets immortalisés. Souvent, justement pour mettre en évidence cette relation, il immortalise des arbres solitaires, qui plongés dans la blancheur ou l'obscurité, nous font penser aux spécimens individuels capturés par certains chefs-d'œuvre de la peinture comme, par exemple : l'Arbre rouge et l'Arbre bleu de Mondrian et l'Arbre bleu de Van Gogh. inoubliable Mulberry Tree in Autumn (1889), une œuvre peinte par le maître hollandais moins d'un an avant sa mort, c'est-à-dire à une époque qui, bien que chaotique et déséquilibrée, s'est avérée assez "éclairée". La nouvelle prise de conscience de Vincent a probablement été inspirée par le lieu où il "séjournait", à savoir l'asile Saint-Paul de Saint-Remy, hôpital où il fut admis suite au fameux incident d'oreille. C'est précisément à l'hôpital psychiatrique qu'il prend conscience de son passé tumultueux, se sentant soulagé par l'intérêt qu'il porte à ses nouvelles œuvres d'art et par l'heureuse compagnie que lui offrent ses compagnons d'infortune hospitalisés. Par conséquent, cette dernière comparaison entre la photographie minimaliste et la peinture postexpressionniste révèle un détail de plus : ceux qui ont favorisé le deuxième mouvement ont, dans l'ensemble, exploité l'art davantage comme une sorte de thérapie, plutôt que comme un moyen de contemplation plus sereine et de synthèse de l'existence.
Tomáš Tisoň, Le gardien , 2021. Photographie, Photographie numérique sur papier, 50 x 50 cm.
Gio Mondelli, Hot summer , 2018. Peinture, acrylique sur toile, 45 x 45 cm.
Gio Mondelli: été chaud
Les couleurs extrêmement vives, couplées aux quelques éléments de paysage, représentés par l'acrylique sur toile de Gio Mondelli, artiste italien né en 1953, rouvrent le "débat", évoqué plus haut, concernant la pseudo "dépendance" de la photographie vis-à-vis de l'art pictural, on retrouve au niveau des « emprunts » de nombreux sujets et approches stylistiques. Une telle situation est inversée si l'on considère plutôt précisément le point de vue sur l'art du paysage de l'artiste de Artmajeur, qui semble presque être une sorte d'interprète pictural de l'investigation photographique de Franco Fontana, un Modénais né en 1933 connu pour ses paysages minimalistes, dans lequel les protagonistes incontestés sont, en plus de la nature italienne des champs, des arbres et des nuages, des couleurs et des géométries savamment placés. Ce sont précisément ces deux dernières composantes qui s'avèrent être les véritables motivations de ses choix de sujets, capables de transformer des paysages ruraux "simples", aussi bien industriels qu'urbains, en une sorte d'abstraction, visant à donner voix au " cri" aux chromatiques exagérées, exprimées en lignes synthétiques nettes et marquées. Dans ce contexte, le domaine de Calda de Mondelli semble être attribuable, en particulier, à la série photographique des Pouilles de Fontana, qui date de la fin des années 1980, montre le triomphe le plus authentique du jaune, du bleu et du vert, au sein d'une nature qui apparaît, en termes d'ordre et la vivacité, plus luxuriante et bien disposée envers l'homme et ses méfaits.
Emmanuel Passeleu, Le bleu , 2021. Photographie, Photographie numérique / Photographie manipulée sur papier, 50 x 50 cm.
Emmanuel Passeleu : Le bleu
Il est important de souligner comment, outre les genres classiques, le monde de la photographie est également composé de modes, de tendances et d'innovations de dernière minute, qui, à l'époque actuelle, se propagent depuis le domaine d'Internet et des médias sociaux, souvent à l'exclusion des académies et institutions muséales plus anciennes. Ce qui a été dit semble résumer l'expérience de vie de Marcus Cederberg, un photographe minimaliste d'origine suédoise qui, un peu par hasard, a commencé à diffuser ses clichés, ainsi que son point de vue particulier, via la plateforme Instagram, se connectant à partir de 2014. Aujourd'hui son profil bénéficie d'une grande attention, étant largement fréquenté par des curieux, amateurs de photographie, d'art en général et photographes eux-mêmes, qui aspirent à capter le réel en lui donnant des couleurs et des formes "synthétiques" affines. Une telle vision «ordonnée» découle d'un besoin particulier de l'artiste, qui sent qu'il doit s'opposer au chaos de notre société, ayant la forme de rythmes angoissants, saturés d'intrants et de faux mythes à chasser. Sa lutte est menée avec une poétique minimaliste, tendance capable de répandre un sens prolifique de calme, principalement en raison de la sélection minutieuse des couleurs, des contrastes et des espaces négatifs. En parlant d'actions concrètes, j'ai ouvert le profil Instagram du photographe en notant que l'un de ses sujets de prédilection sont les fenêtres, qui sont analysées individuellement, par paires et, parfois, par une multiplication presque "infinie". De tels sujets se découpent sur des murs simplement colorés, qui présentent parfois des détails réalistes, à la fois statiques et dynamiques. Les fenêtres sont également le sujet principal de la photographie numérique de l'artiste Artmajeur, qui a personnalisé le minimalisme en ajoutant des touches surréalistes habiles, visant à mélanger, de manière nouvelle et innovante, deux tendances fondamentalement opposées.
Elisabeth Laplante, Neon noué , 2018. Photographie, Photographie numérique sur papier, 30 x 45 cm.
Élisabeth Laplante : Néon Noué
Sur un mur sombre, amarante, rose, couleur d'eau de mer, court un fil de néon, que l'on voit piégé dans le format rectangulaire de la photographie, sans pouvoir connaître l'étendue réelle de son parcours. C'est probablement le mystère auquel fait allusion le minimalisme de Laplante, qui exploite également l'objet fluorescent susmentionné comme une sorte de détail, visant à capter définitivement l'attention du spectateur. En effet, le néon se remarque même plus tardivement, mais lorsque votre regard s'y posera, ce sera probablement la dernière chose que vous observerez avec autant de précision, car, qui, après avoir découvert la lumière, voudrait retourner dans les ténèbres ? En effet, la lumière est si attrayante précisément parce qu'elle peut définir l'espace, le rendre vital et dynamique, nous donnant la capacité de voir le monde tel que nous le percevons, en distinguant les formes et les couleurs. Ces concepts ont probablement également été invoqués dans les hypothèses de l'investigation artistique de James Turrell, un artiste américain dont le travail traite principalement de la perception de la lumière et de l'espace. En fait, l'artiste est considéré comme l'un des principaux représentants de Light and Space, un mouvement né aux États-Unis dans les années 1960, qui a transformé la lumière en une œuvre d'art, visant à communiquer, à la fois à l'esprit et au corps de les spectateurs.
Olimpia Gaia Martinelli
