Esculturas de arte pop en venta

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¿Cómo definir estilo Arte Pop ?

El arte pop es un movimiento artístico que apareció por primera vez en la década de 1950 y alcanzó su apogeo en la década de 1960 tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, inspirándose en fuentes de la cultura popular y comercial. Comenzó como una respuesta contra las teorías prevalecientes sobre el arte, la cultura y lo que debería ser el arte. Los jóvenes artistas creían que lo que aprendían en la escuela de arte y lo que observaban en los museos tenía poco que ver con su vida cotidiana o el entorno. En su lugar, emplearon imágenes de películas de Hollywood, la cultura popular, incluidos cómics, anuncios, empaques de productos y otros medios comerciales, en una sorprendente ruptura con la técnica artística convencional para producir pinturas y esculturas que abarcaban la vida cotidiana en el sentido más literal. El arte pop se ha convertido en uno de los movimientos de arte contemporáneo más influyentes, quizás como resultado de la inclusión de imágenes comerciales.

Mediante el uso de la iconografía de las culturas populares y de masas, el movimiento presentó un desafío a las tradiciones artísticas elevadas. Mediante el uso de imágenes de la cultura popular en el arte, la mayoría de las veces a través del sarcasmo, enfatiza los elementos banales o básicos de cualquier civilización. También tiene que ver con los métodos que emplean los artistas para la reproducción o representación mecánica. En el arte pop, en ocasiones los elementos se aíslan, combinan o eliminan claramente de su contexto habitual.

Se han producido numerosos cambios en las tendencias del arte a lo largo del tiempo, y cada vez, los artistas han producido obras de arte nuevas e innovadoras. Cada esfuerzo creativo rinde homenaje al pasado y, al mismo tiempo, marca el camino hacia el futuro mediante la invención de nuevas formas. El movimiento Pop Art fue pionero en la fusión de alta y baja cultura y creó algunas de las obras de arte más memorables del siglo XX. La pintura y la escultura fueron revolucionadas por artistas de toda Europa, incluidos Francia, Inglaterra, Italia, Suecia y los Estados Unidos, al mostrar elementos comunes producidos en masa que nunca antes se habían tomado en serio como tema o contenido para el arte.

Entre los artistas más famosos del arte pop se encuentran Roy Lichtenstein, Keith Haring, Robert Rauschenberg, Richard Hamilton, Andy Warhol, David Hockney, Robert Indiana, James Rosenquist, Alex Katz y Takashi Murakami.

Escultura de arte pop

El movimiento Pop Art intentó desdibujar la distinción entre arte "alto" y cultura "baja" al producir pinturas y esculturas de íconos de la cultura pop. Uno de los aspectos más influyentes del Pop Art es la idea de que no existe una jerarquía de culturas y que el arte puede tomar prestado de cualquier fuente. Las personas que querían comprar Pop Art sabían que los materiales menos apreciados habían ocupado el lugar de los "materiales nobles" como la madera o el bronce y se habían mezclado con objetos cotidianos. Esto abrió nuevas posibilidades para la escultura pop art y condujo al desarrollo de lo que conocemos hoy.

La escultura LOVE de Robert Indiana es, sin duda, la obra de arte más reconocible del movimiento, así como las escultóricas Brillo de Andy Warhol y las cajas de jugo de tomate de Campbell que sacudieron tan poderosamente el mundo del arte y empujaron los límites de lo que constituía el arte, pero otros logros como las esculturas blandas de Claes Oldenburg representando objetos cotidianos con dimensiones monumentales, participó en gran medida en el desarrollo del movimiento. Otros escultores como George Segal, Jeff Koons o incluso Richard Orlinski también marcarán la historia de la escultura Pop Art.

Escultores de arte pop

Eduardo Paolozzi (1924 - 2005)

Una figura significativa en la vanguardia británica de la posguerra fue el escultor y artista escocés Eduardo Paolozzi. Se le considera uno de los primeros pioneros del arte pop. Su collage "I Was a Rich Man's Plaything", que combinaba elementos de la cultura popular, incluida la portada de un libro de pulp fiction, un anuncio de Coca-Cola y un cartel de reclutamiento militar, sirvió como una pieza fundamental crucial del movimiento Pop Art. La pieza es un excelente ejemplo del lado más oscuro del Pop Art británico, que se centró más en el contraste entre el brillo y la riqueza de la cultura popular estadounidense y la miseria económica y política de la realidad británica. La influencia de la tecnología y la cultura de masas en el arte elevado fue destacada por Paolozzi, miembro del Grupo Independiente afiliado libremente. Aunque trabajó en muchos otros medios a lo largo de su carrera y siempre se refirió a su trabajo como arte surrealista, se vinculó más fuertemente con la escultura.

Claes Oldemburgo (1929 - 2022)

El escultor estadounidense Claes Oldenburg es bien conocido por sus réplicas a gran escala de objetos cotidianos que utilizó en sus instalaciones de arte público. Versiones en escultura blanda de objetos cotidianos es otro tema importante en su obra. Oldenburg es famoso por crear esculturas humorísticamente ridículas de alimentos y objetos inanimados. Su conocida colección de tales piezas se mostró por primera vez en la instalación del artista de 1961 en el Lower East Side, Nueva York, llamada "The Store". Oldenburg produjo pastel de fresas y manzanas confitadas como esculturas de yeso para el proyecto. La instalación de Oldenburg, que se instaló como una tienda de variedades convencional y vendió sus productos a bajo costo además de copiar bienes de consumo, hizo una declaración sobre la relación entre los objetos de arte y las mercancías. Las esculturas de “La Tienda” fueron cuidadosamente construidas a mano, a pesar de ser presentadas como si fueran producidas en serie, y las pinceladas exuberantes y expresivas que cubren los objetos de Pastry Case parecen parodiar la gravedad del Expresionismo Abstracto, un tema predominante en Arte pop. En una ambientación muy irónica, Oldenburg fusiona la mercancía con un emotivo gesto expresionista.

Roberto Indiana (1928 - 2018)

El artista estadounidense Robert Indiana fue parte del movimiento del arte pop. Con la forma de una tarjeta que entregó a varios amigos y conocidos en el mundo del arte, desarrolló inicialmente su imagen icónica AMOR en 1964. Se le pidió a Robert Indiana que creara una obra de arte para la tarjeta de Navidad anual del Museo de Arte Moderno en 1965. Basado en su imagen LOVE, Indiana presentó tres variantes cuadradas de 12" de óleo sobre lienzo. El museo eligió el rojo, el azul y el verde como las combinaciones de colores más poderosas. Rápidamente se elevó a la cima de las tarjetas más populares que el museo haya tenido. vendido. En 1966, Indiana colaboró con Marian Goodman de Multiples, Inc. para crear su primera escultura LOVE en aluminio mientras continuaba construyendo su serie LOVE. Indiana terminó su primera enorme escultura LOVE en acero Cor-Ten en 1970.

Jorge Segal (1924 - 2000)

El pintor y escultor estadounidense George Segal formó parte del movimiento del arte pop. A pesar de comenzar su carrera artística como pintor, Segal es mejor conocido por sus figuras de tamaño natural y los cuadros en los que aparecían. Segal inventó el uso de vendas de yeso (tiras de gasa impregnadas de yeso destinadas a producir moldes ortopédicos) como medio escultórico. en lugar de los métodos de fundición convencionales.

Marisol (1930 - 2016)

Si bien los hombres dominaron el arte pop estadounidense, algunas mujeres, incluida Marisol, participaron en exposiciones junto a ellos. Sin embargo, sus creaciones no siempre se adhirieron a la rígida iconografía del pop. Sus esculturas inertes de bloques que ingeniosamente hacen referencia a la moda, la familia y las estrellas de cine son más reconocidas por fusionar el arte popular y el ensamblaje.

Jasper Johns (nacido en 1930)

Uno de los artistas vivos más famosos del mundo es Jasper Johns. Casi todos los movimientos artísticos desde la década de 1950 hasta el presente han sido influenciados por su trabajo en pintura, escultura y grabado, incluido el expresionismo abstracto, el neo dadaísmo y el movimiento Pop Art. Johns fue uno de los artistas que ayudó al movimiento Pop Art a abrazar la sociedad de consumo. Sus piezas de Pop Art presentan principalmente signos como banderas, objetivos y mapas. En realidad, el cuadro Bandera, una de las piezas más reconocidas del movimiento Pop Art, es su creación más conocida. Se cree que lo logró después de ver la bandera estadounidense en un sueño. Sus creaciones reciben constantemente millones de dólares en subastas y ventas, y con frecuencia establecen récords por la suma más alta jamás pagada por una obra de un artista vivo.

Jeff Koons (nacido en 1955)

El artista estadounidense Jeff Koons es conocido por sus obras que tratan sobre la cultura popular y sus esculturas que presentan objetos cotidianos, como animales con globos hechos de acero inoxidable con superficies con acabado de espejo. Sus esculturas han ganado altos precios, con al menos dos de ellas estableciendo récords de subasta para obras de artistas vivos: Balloon Dog (Orange) en 2013 vendida por US $ 58,4 millones y Rabbit en 2019 por US $ 91,1 millones.

Keith Haring (1958 - 1990)

El arte pop del artista estadounidense Keith Haring surgió de la escena del graffiti de la ciudad de Nueva York en la década de 1980. Su estética animada se ha convertido en un lenguaje visual muy conocido. Una gran parte de su arte contiene alusiones sexuales que se convirtieron en acción social mediante el uso de imágenes para promover la concientización sobre el SIDA y el sexo seguro. La reputación de Haring aumentó como resultado de sus dibujos espontáneos con tiza de personas, perros y otros motivos estilizados en anuncios publicitarios negros desnudos en el metro de la ciudad de Nueva York. Después de hacerse conocido, produjo murales vibrantes a gran escala, varios de los cuales fueron encargados. Entre 1982 y 1989 realizó más de 50 obras de arte públicas, muchas de ellas gratuitas para hospitales, guarderías y escuelas. Amplió su práctica al abrir Pop Shop en 1986. A través de su propia iconografía, su trabajo posterior expresó con frecuencia temas políticos y sociológicos: anti-crack, anti-apartheid, sexo seguro, homosexualidad y SIDA.

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