Laura Ruffinelli, Serie Cromática, Magenta No. 2 , 2019. Acrílico/gouache/tape/hilo/tela sobre papel, 70 x 50 cm.

Magenta: de Fattori a los orígenes del color

Nos encontramos ante el óleo sobre lienzo, que, titulado La batalla magenta , fechado en 1862 y creado por el toscano Giovanni Fattori, máximo exponente de la pintura macchiaioli, pretende inmortalizar, en la parte superior de su soporte, un cielo casi despejado. de nubes, mientras que la mitad inferior de la superficie pictórica, se enriquece con la presencia de los soldados de infantería, los jinetes, los cadáveres y el carro de las monjas salvadoras, todos sujetos inmersos en un paisaje rural bastante desnudo, en el que destaca la presencia de unos pocos " Destacan los árboles jóvenes y delgados. Precisamente en tal contexto, el tumulto que marca los rostros de la figura humana se repite en la naturaleza atormentada, marcada por la presencia de unas ramas rotas, que, a pesar de romperse, logran, cuando tienden a elevarse, como el verde copas de los árboles, para unir el drama humano con la más apacible atmósfera celestial. Desde un punto de vista histórico-artístico, por otro lado, la composición anterior es notable porque, además de ser realizada a través de una técnica de pintura tradicional, en la que emergen los primeros indicios de "macchia", también es la primera pintura para documentar un evento en la historia de la recién formada nación italiana: La Batalla de Magenta. Llegados a este punto, quizás te preguntes: ¿qué tiene que ver el mencionado conflicto bélico con el color magenta, el tono elegido por Pantone como símbolo del 2023? En realidad, la tonalidad rosa rojiza patentada en Francia en 1859 y posteriormente, es decir, un año después, en Gran Bretaña por Simpson, Maule & Nicholson, fue denominada inicialmente por estos últimos solferino , denominación que pronto se cambió por magenta, ya que , en ese momento, este nombre era extremadamente popular en toda Europa, precisamente por el episodio sangriento mencionado anteriormente de la obra maestra toscana.

Stanko, Farbfeld rot (Magenta) en gelb orange , 2022. Óleo/acrílico sobre lienzo de lino, 100 x 100 cm.

Magenta: el color del año narrado por Nickolas Muray, Arthur Dove, Mark-Rothko y Richard Anuszkiewicz

Abandonando por un momento el contexto histórico-artístico, es importante hacer referencia a las declaraciones de Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute, quien justifica la elección de Viva Magenta 18-1750, como el color del 2023, porque , esta tonalidad, arraigada en la naturaleza, ya que desciende de la familia roja, resulta sumamente vigorosa, vital, expresiva, valiente, exuberante, alegre, optimista y rebelde, es decir, capaz de fomentar la experimentación, la inclusión y autoexpresión desenfrenada. Estos sentimientos son justo lo que necesitábamos, ahora que, habiendo superado en parte la pandemia de Covid-19, podemos volver a tomar nuestras vidas en nuestras propias manos, siendo aún más conscientes del hecho, de que ningún minuto de nuestra preciosa existencia dura, debe ser desperdiciado. Además, hay una razón más, que, de nuevo relacionada con la mencionada epidemia, hizo que los expertos de Pantone accedieran a la elección del magenta, un tono inspirado en los colores de la cochinilla, que, tan ricos y saturados que parecen totalmente artificiales , parece aludir a la actual fusión del mundo real y la tecnología, alentada precisamente por el aislamiento de la Covid-19. De ello se deduce que no hay color más actual que el Viva Magenta 18-1750 promovido por la mencionada institución, universalmente reconocida como la fuente más autorizada de información de color a través de pronósticos estacionales. Llegados a este punto, habiendo desvelado las motivaciones detrás de la promoción de tal tonalidad, podemos intentar reconocer sus matices presentes en algunas de las obras maestras más conocidas de la fotografía y la pintura, como, por ejemplo, Frida Kahlo con Magenta Rebozo de Nickolas. Muray, Magenta de Arthur Dove, Magenta, Black, Green on Orange de Mark Rothko y Deep Magenta Square de Richard Anuszkiewicz. Hablando de Frida Kahlo con Magenta Rebozo , precisamente las fotos destinadas a inmortalizar a la estrella homónima de la investigación figurativa mexicana, Frida Kahlo, representan el tema más conocido investigado por el lente de Muray, quien además de haber sido su retratista, también fue su amiga y amante. En la mencionada toma en particular, fechada en 1938-39 y tomada durante una estadía invernal en Nueva York de Kahlo, el color magenta es claramente visible en el rebozo que luce la artista, un chal típico de la indumentaria femenina mexicana, al que alude la propia Frida. en su agradecimiento a Muray por la hermosa toma que la representa: "Querido Nick, recibí mi hermosa imagen que me envías, la encuentro aún más hermosa que en Nueva York. Diego dice que es tan maravillosa como las de Piero della Francesca. Para para mí es más que eso, es un tesoro, y además, siempre será un recuerdo de cuando íbamos a su estudio a hacer fotos. Esta era una de ellas. Y ahora la tengo junto a mí. estar siempre dentro del rebozo magenta. Fingiendo tomar un microscopio y analizar el manto de la citada tela magenta, podemos imaginarnos en cambio vislumbrar algo parecido a la visión abstracta, ejecutada, en la misma tonalidad cromática, por Arthur Dove, artista estadounidense nacido en 1880, conocido precisamente por utilizar una amplia gama de medios de expresión, a veces poco convencionales, empleados para producir imágenes separadas del mundo real. Más cerca de la percepción "clásica" de las cosas resultan ser las formas geométricas "inexactas" de Rothko, quien en Magenta, Black, Green on Orange , investigó el color 2023, uniéndolo a un delgado rectángulo, colocado en el extremo superior de el lienzo fechado en 1949, una obra en la que el magenta demuestra toda su adaptabilidad, yuxtaponiendo con gracia colores mutuamente más claros y más oscuros. Finalmente, este punto de vista parece culminar en el preciso "perímetro cuadrado", ejecutado en la mencionada tonalidad rojo-rosa, que Richard Joseph Anuszkiewicz colocó en el centro del soporte pictórico en Deep Magenta Square , una obra maestra destinada a sintetizar todos sus interés por los cambios ópticos que se producen cuando se aplican diferentes colores de alta intensidad a las mismas configuraciones geométricas, aspecto que le convirtió en uno de los exponentes más prolíficos del Op art.

Margarita Ivanova, Magenta , 2022. Óleo sobre lienzo, 50 x 40 cm.

Margarita Ivanova: Magenta

La interpretación de los matices del color magenta se convierte, en la pintura del mismo nombre de Ivanova, que celebra el potencial simbólico de este tono, revelado anteriormente por los expertos de Pantone, en una oportunidad para yuxtaponer este matiz vital con un blanco y negro más compuesto, destinado a toman forma en el rostro medio cubierto del protagonista de la obra. De hecho, lo que contornea la piel de su cabello hasta por debajo del nivel de los ojos es una extensión rojiza, que toma forma en las facciones de un mazo de cuello alto, cuyos límites poco claros hacen que parezca improbable que se extienda a todo el fondo del medio. Esta visión del mundo, percibida predominantemente de forma "monocromática", se justifica con las revelaciones de la propia Ivanova, quien, sin tapujos, aclara cómo su intención pictórica fue precisamente sacar el máximo partido al carácter salvaje, fuerte y original de magenta, dándole el mayor espacio posible en el lienzo. En la historia del arte, sin embargo, otros dos artistas han hecho que su arte tenga significados específicos a través, si no "monocromos", de la imagen de rostros semi o totalmente cubiertos, como la más contemporánea Ewa Juszkiewicz y el "clásico" René. Magritte. De hecho, si en el primer caso la pintora "oculta" sus retratos para "rebelarse" contra los cánones de la estética femenina legados por la tradición artística occidental, en el segundo "esconde", ambos para aludir a la visión traumática de la muerte de su madre, y hacer referencia explícita a su desvergonzada pasión por las novelas policiacas, generando obras en forma de una especie de "enigmas".

Susana Ribeiro, Magenta . Acrílico sobre lienzo, 130 x 100 cm.

Susana Ribeiro: Magenta

En un contexto magenta inédito aparece a nuestra vista, casi como una especie de sorpresa inesperada, una de las imágenes más recurrentes de la investigación figurativa occidental: una mujer desnuda dispuesta a bañarse. De hecho, esta visión, teniendo a mano un libro de texto de historia del arte, es posible encontrarla en la obra de grandes maestros, entre ellos, el inolvidable Paul Cézanne, Tiziano, Edgar Degas, Guercino, Georges Seurat, Pierre-Auguste Renoir, Ernst Ludwig Kirchner, etc. Intentando, sin embargo, asociar la obra del artista Artmajeur a un contexto menos evidente y más innovador, es posible yuxtaponer el blanco y negro del protagonista de Magenta con una fotografía, tomada en los mismos tonos, durante la 1950, del fotógrafo de guerra David Douglas Duncan, que para la ocasión no sólo inmortalizó a un modelo anónimo, sino al más grande pintor de su tiempo: ¡Picasso desnudo en su bañera! Esta toma se debe a que Douglas Duncan tuvo el ardor de tocar, en 1957, el timbre de la enorme casa-taller del maestro español, situada cerca de Cannes, lugar en el que fue recibido por la esposa del artista, Jaqueline Roque, en la tiempo, que lo condujo arriba, donde se estaba lavando Picasso. En ese preciso momento el fotógrafo aprovechó para pedir permiso para la primera de muchas tomas más, destinadas a retratar al cubista lidiando con su rutina más-menos-patrocinada de la vida cotidiana.

Sumit Mehndiratta, Composición núm. 390 , 2022. Acrílico sobre tela, 76,2 x 124,5 cm.

Sumit Mehndiratta: Composición núm. 390

El movimiento sinuoso y ondulante de las gruesas líneas de color negro y magenta, pintadas con acrílicos sobre el lienzo, parece culminar en el círculo único, que dispuesto en el límite derecho del soporte, invita a profundizar en los significados de este figura geométrica, muy presente en el mundo del arte, en múltiples formas, desde los orígenes más remotos de la cultura figurativa. Retomando la tradición interpretativa más clásica de esta figura geométrica, el círculo puede entenderse como un punto prolongado que simboliza la perfección y la homogeneidad, asociado indeleblemente a todo lo celestial, es decir, el cielo, el alma, lo ilimitado y Dios, por lo que tanto que el movimiento circular se entiende como perfecto, invariable, sin principio ni fin. Retomando en cambio una interpretación más personal de la mencionada forma geométrica, es posible considerar el punto de vista de Wassily Kandinsky, el primer artista considerado autor de obras abstractas, quien vio en el círculo una forma que, aunque modesta, era capaz de afirmarse con prepotencia, peculiaridad debida a la ambivalencia inherente a su ser: a medio camino entre la estabilidad y la inestabilidad, entre la sonoridad y el silencio. Tal riqueza hace que el artista encuentre en el círculo amplias posibilidades para la expresión de su ser, que finalmente podría ser considerado incluso en su cuarta dimensión, a saber, la temporal. Un ejemplo del uso de tal forma dentro de la investigación artística del maestro ruso es la obra Cuadrados con círculos concéntricos , acuarela, gouache y pastel sobre papel, destinada a describir los efectos perceptivos de la interacción de los colores y sus cualidades sensoriales, que se realizan en la forma repetida del círculo.