¿Podemos hablar del Renacimiento?

El tema me abruma, la grandeza de los pintores del Renacimiento me aterroriza hasta el punto de sentirme abrumado. El tema es demasiado elevado, casi divino, además de extenso y digno de mención en cada detalle. Sin embargo, intentaré seleccionar sólo diez artistas del período histórico de nuestro interés, muy rico en otros pintores merecedores, pero también en escultores y arquitectos importantes, sobre los cuales puedo reservarme para otra ocasión para discutirlos. Entonces, respondiendo a la pregunta del título y después de todos estos preámbulos, creo que es posible hablar del Renacimiento, a pesar de la fuerte aparición de una peculiar melancolía que me impulsa a esta pregunta: ¿qué pasó con toda esta antigua grandeza de la humanidad? Dejando a un lado discusiones tristes, me preparo para presentarte primero el concepto de Renacimiento y luego algunas obras maestras de la época que probablemente ya conozcas...

El Renacimiento en breve

Esta parte introductoria está concebida únicamente para presentar a los artistas que serán los protagonistas del top 10, ya que el Renacimiento y su historia sin duda merecen un texto más extenso para explicar detalladamente todas sus peculiaridades. Cuando se habla del Renacimiento, basta pensar en un período de florecimiento, una época de renacimiento, que tuvo lugar después de los siglos más oscuros. De hecho, el período en cuestión, que comenzó en la Florencia del siglo XIV y terminó alrededor de mediados del siglo XVI, marcó el despertar de las artes, así como de las ciencias, las matemáticas, los intereses tecnológicos, la filosofía, la política y mucho más. En el centro de estas actitudes de valoración del intelecto y las capacidades humanas estaba el Humanismo, un pensamiento filosófico destinado a situar al hombre y su trabajo en el centro del universo, un contexto previamente eclipsado por la presencia dominante de la Iglesia Católica, impregnada de un sentido de el pecado y la idea abrumadora de la irreversibilidad del destino humano. El humanismo vino acompañado de un retorno a la Antigüedad clásica, es decir, la tendencia a buscar y reinterpretar los ideales griegos y romanos, siempre dispuestos a emular la belleza, la armonía, la simetría o las proporciones perfectas en su arte. Para perseguir estos objetivos, el espíritu de la época dio origen a nuevas innovaciones técnicas como el naturalismo, el contrapposto, el claroscuro y la perspectiva lineal, que dieron lugar a una producción figurativa fundamentalmente realista. Estas tendencias sufrieron variaciones a lo largo del tiempo, ya que el arte del Renacimiento se clasifica en diferentes líneas de tiempo o fases: el Protorrenacimiento, el Renacimiento temprano, el Alto Renacimiento, así como otras regiones fuera de Italia, denominadas colectivamente el Renacimiento del Norte. Ahora comienza el top 10, presentado en orden cronológico: ¡presentando a los artistas según sus fechas de nacimiento!

La Expulsión del Jardín del Edén, antes y después de la restauración. Masaccio, Expulsión del Jardín del Edén, 1424,25. Al aire libre. Capilla Brancacci en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia.

1.Masaccio: Expulsión de los Progenitores del Edén (1424-25)

Así es como Giorgio Vasari describe el arte de Masaccio: "Las cosas hechas antes de él [antes de Masaccio] pueden considerarse pintadas, y las suyas, vivas, verdaderas y naturales". Tras este elogio, podemos describir una de las obras más famosas del pintor nacido en 1401, que es la Expulsión de los Progenitores del Edén, un fresco de la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine de Florencia. En esta obra de arte, Adán y Eva, que participaron del fruto del conocimiento, pecaron irreparablemente al desobedecer a Dios. Sin embargo, Masaccio describe el momento en el que son literalmente expulsados del Paraíso Terrenal, apareciendo desnudos, asustados e infelices, conducidos fuera del umbral de mampostería por un querubín que empuña una espada. El artista toscano parece haberse mantenido algo fiel al relato bíblico, aunque hay algunos detalles que se desvían de las palabras del Génesis. De hecho, en el relato bíblico los protagonistas estarían vestidos, hay múltiples ángeles y no se menciona la existencia de una puerta que señalaría el fin del Paraíso y el comienzo del mundo mortal.

Andrea Mantegna, Lamentación sobre Cristo muerto, hacia 1470-1474 o hacia 1483. Temple sobre lienzo, 68 cm × 81 cm. Pinacoteca de Brera, Milán.

2.Andrea Mantegna: La Lamentación sobre Cristo Muerto (hacia 1470-1474 o hacia 1483)

Ya hemos llegado a Mantegna, pintor, grabador y miniaturista de la República de Venecia nacido en 1431, autor del icónico Cristo muerto, obra maestra conservada en la Pinacoteca di Brera de Milán. ¿Por qué es tan importante este Jesús sin vida? Después de todo, la historia del arte está llena de temas similares... En realidad, no, antes de Mantegna, nadie había representado con tanto dramatismo esta escena, dando vida a un Hijo de Dios extraordinariamente humano, y en la muerte, realmente adquiere las características de un cuerpo frío depositado en la cruz. Ya no es sólo una representación de una deidad en espera de resurrección porque el cuerpo sin vida descansa pesadamente sobre una losa de mármol rojo, identificable como la tradicional Piedra de la Unción utilizada para preparar el cuerpo para el entierro. Los espectadores también podemos fijarnos en los pequeños detalles de la tempera, como las heridas de los clavos, tal vez también observadas por las tres figuras afligidas a la izquierda del panel, identificables, a pesar de las arrugas y las duras marcas de Mantegna, como las figuras de la Virgen, San Juan y María Magdalena.

Perugino, Las bodas de la Virgen, 1500-1504. Óleo sobre tabla, 234 cm × 185 cm. Museo de Bellas Artes, Caen.

3.Perugino: Las bodas de la Virgen (1501-1504)

El pintor italiano nacido en 1448 es conocido de diversas maneras, como Pietro di Cristoforo Vannucci, Pietro Perugino e il Perugino, pero también como el "pintor divino". Esta última denominación transmite inmediatamente el calibre del artista del que hablamos, que dirigió simultáneamente dos talleres, uno en Florencia y otro en Perugia, y se formó con Verrocchio, junto a Botticelli y Leonardo da Vinci. El artista, considerado uno de los mayores exponentes del Humanismo, es el autor de las famosas Bodas de la Virgen, actualmente conservadas en el Museo de Bellas Artes de Caen. De hecho, los expolios de Napoleón en 1797 trajeron el óleo sobre madera a Francia, donde narra un acontecimiento alegre de la tradición cristiana, que conmemora el matrimonio de la Virgen María y San José. En la obra del artista, un templo sirve de telón de fondo a este episodio, con el objetivo de sintetizar los ideales renacentistas más que referirse fielmente a un modelo clásico. La composición de la pintura recuerda el fresco anterior de Perugino, La entrega de las llaves, en el que un gran edificio de planta central octogonal se coloca al final de un piso de damero en perspectiva, diseñado para amplificar la escena en primer plano respetando al mismo tiempo el ideal de racionalidad geométrica. de la época, empleado de manera similar por Rafael en sus Bodas de la Virgen.

Ghirlandaio, Adoración de los pastores, 1485. Temple sobre tabla, 167×167 cm. Basílica de Santa Trinita, Capilla Sassetti, Florencia.

4.Ghirlandaio: Adoración de los pastores (1485)

Domenico Bigordi, conocido como Ghirlandaio (1448-1494), fue un pintor activo principalmente en Florencia, lugar donde nació y se distinguió en aquella floreciente época gobernada por el célebre Lorenzo el Magnífico. Su Adoración está fechada definitivamente en 1485. ¿Cómo puedo saberlo? Contempla con tus propios ojos uno de los dos capiteles corintios colocados en apoyo del techo de la cabaña bajo el cual se encuentran los animales que, como si fueran humanos, parecen contemplar a la Virgen y al niño ante ellos. Entonces, ¿has visto el año explicado en números romanos? Bueno, hay otras cosas que puedo mostrarte, pues en la composición cuadrada, ejecutada de acuerdo con la iconografía tradicional, encontramos varias referencias al mundo antiguo, como, en Además de las columnas citadas, el arco triunfal y el sarcófago romano utilizado como pesebre. Además, la inscripción en latín de este último, que pretende aludir al acontecimiento del nacimiento de Cristo, es tan precisa como el gesto que hace José para observar la siguiente procesión, meticulosidad que confirma la gran atención del maestro en la ejecución, probablemente también debido a una cuidadosa observación. de la tradición flamenca.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1505. Óleo sobre tabla de álamo, 77 cm × 53 cm. Louvre, París.

5.Leonardo da Vinci: Mona Lisa (1503-1505)

A menudo, Dante en la Divina Comedia se desmaya, se desmaya en situaciones difíciles, donde su cuerpo no puede soportar lo que su mente percibe. Dios, cuando escribí el nombre de Leonardo me sentí un poco así, ya que el maestro nacido en 1452 es considerado uno de los mayores genios de la humanidad, perfectamente capaz de encarnar plenamente el espíritu de su tiempo, encaminado a alcanzar las más altas expresiones del hombre. en los ámbitos del arte y el conocimiento. Su cuadro más famoso, y de hecho el cuadro más famoso del mundo, es la Mona Lisa, una obra maestra que también atrajo el interés de Sigmund Freud. Freud, en lugar de creer que la mujer representada era Lisa Gherardini, argumentó que el maestro había inmortalizado a su madre, una figura que había abandonado prematuramente su vida. De hecho, el pintor, hijo ilegítimo de un notario y una sirvienta, pasó sus primeros años con su madre Caterina, antes de irse a vivir con su padre y su nueva y joven esposa. Además, la madre del artista murió cuando él tenía sólo cinco años, hecho que, según el psicoanalista, tuvo un impacto duradero en el desarrollo de la personalidad de Leonardo. Esta hipótesis se ve potencialmente respaldada por el paisaje detrás del protagonista de la obra maestra, que parece aludir al entorno de la infancia de Leonardo, cerca del río Arno.

Miguel Ángel, Creación de Adán, hacia 1511. Fresco, 280 cm × 570 cm. Techo de la Capilla Sixtina.

6.Miguel Ángel: Creación de Adán (hacia 1511)

¡Aquí está, Miguel Ángel! Una personalidad tan brillante como inquieta, apodada el Divino Artista y reconocido como uno de los mayores maestros de todos los tiempos incluso por sus contemporáneos, Miguel Ángel Buonarroti, pintor, escultor, arquitecto y poeta, nació en Caprese (Arezzo, Toscana) el 6 de marzo de 1475. La obra que mostrará su talento inmortal es la Creación de Adán, un fresco de la Capilla Sixtina, una de las obras más famosas e icónicas de la historia del arte. Se materializa en la representación de Dios suspendido dentro de una aureola llevada por ángeles, su mano a punto de encontrar la de Adán, que yace a la izquierda, apareciendo en un prado. ¿Cuál es el significado de lo que vemos? El fondo, que no muestra detalles, nos sumerge en el contexto de la creación de Adán, y por tanto de la humanidad, refiriéndose concretamente al momento en que Dios Padre extiende su brazo para tocar físicamente al joven, transmitiéndole la chispa de la vida. a él. En este punto, concluyo con un dato interesante: un gesto similar al ilustrado arriba se puede encontrar en la Anunciación en Cestello de Sandro Botticelli, donde el Arcángel Gabriel extiende su mano hacia la Virgen, creando movimientos dramáticos y teatrales, construidos alrededor del diagonal creada por los brazos de los dos protagonistas.

Tiziano, Venus de Urbino, 1538. Óleo sobre lienzo, 119 cm × 165 cm. Uffizi, Florencia.

7.Tiziano: Venus de Urbino (1538)

En este top ten, cada artista es para mí una experiencia desgarradora, demasiada grandeza en un solo artículo. Pero antes de volver a desmayarme, ¿puedo hablar de Tiziano? Sí, Tiziano Vecellio, conocido simplemente como Tiziano, fue un pintor italiano nacido en 1488, figura destacada de la escuela veneciana, cuyos elementos estilísticos se resumen en parte en la famosa obra maestra, la Venus de Urbino. El óleo sobre lienzo, a pesar de su composición perfectamente equilibrada, mantiene la naturalidad de las figuras, centrándose especialmente en la protagonista, una Venus desnuda reclinada sobre una sábana blanca, sosteniendo su busto con la mano derecha y apoyando su brazo sobre dos almohadas. La mujer mira directamente al observador, mientras con la mano izquierda cubre su zona púbica y con la derecha sostiene unas rosas, algunas de las cuales han caído sobre la cama roja. En la sala de estilo renacentista, además del pequeño perro junto a la diosa, al fondo se pueden ver dos doncellas sacando ropa de un cofre. Sin embargo, la obra maestra puede entenderse simplemente haciendo referencia a su mecenas, Guidobaldo, que pretendía utilizar la pintura como recordatorio y modelo de la vida matrimonial para dedicársela a su esposa, Giulia da Varano. De hecho, algunos elementos del lienzo hablan claramente al respecto: las rosas simbolizan la belleza, que, a diferencia de la fidelidad eterna simbolizada por el perro, se desvanece con el paso del tiempo. Por lo tanto, más que la destreza física, durante una larga historia de amor, será la actitud respetuosa la que se favorecerá para apoyar siempre a los cónyuges...

Piero della Francesca, El bautismo de Cristo, 1445. Temple sobre tabla, 167 cm × 116 cm. Galería Nacional, Londres.

8.Piero della Francesca: El bautismo de Cristo (1445)

En el centro de la composición encontramos a Jesús, mientras que a la derecha toma su posición Juan Bautista; ellos son las figuras principales de esta obra maestra, rodeados de ángeles y una figura masculina más distante, que aparece frente a un grupo de sacerdotes griegos. La escena del bautismo, que encuentra un espacio concreto sobre la cabeza del Hijo de Dios, de manos de Juan, ha sido hábilmente estudiada, aunque pueda parecer un tanto aleatoria. De hecho, el artista siguió reglas matemáticas precisas destinadas a dar a la pintura una sensación de calma y serenidad, principalmente gracias a una peculiar construcción geométrica, que Piero también describió en el tratado "De quinque corporibus regularibus". Todo este estudio se hace evidente cuando descomponemos la composición, intentando encontrar en ella la figura de un cuadrado, cuya forma se extiende desde la base del soporte hasta justo encima de la paloma. Posteriormente, se podría colocar un semicírculo en la parte superior de la obra que, dividido por la mitad, revelará a Jesús como figura central indiscutible, junto con la mano de Juan y el animal antes mencionado. ¿Cómo se interpreta todo esto en lo que se ha descrito hasta ahora? Incluso en este caso, detrás de un mensaje simple, se esconde uno más complejo y simbólico, listo para revelarse en los diversos elementos representados, como por ejemplo: el árbol frondoso, la zarza marchita, la paloma y los ángeles. . El primero se refiere a la riqueza de la vida de los fieles, el segundo a la pobreza de los no bautizados, el tercero al Espíritu Santo y el último a la Trinidad... En cuanto al artista, Piero di Benedetto de' Franceschi, Comúnmente conocido como Piero della Francesca, nacido en Sansepolcro en 1412, fue un pintor y matemático italiano, sin duda una de las figuras más emblemáticas del Renacimiento italiano, perteneciente a la segunda generación de pintores humanistas.

Rafael, La escuela de Atenas, 1510. Fresco, 500 cm × 770 cm. Palacio Apostólico, Ciudad del Vaticano.

9.Rafael: La escuela de Atenas (1510)

Considerado uno de los más grandes artistas de todos los tiempos, Raphael Sanzio (1483-1520), pintor y arquitecto, es el creador de una de las obras más conocidas de la historia del arte: La Escuela de Atenas, un fresco en un luneta en la Sala de la Segnatura de los Palacios Vaticanos (Ciudad del Vaticano). La obra maestra representa un edificio clásico con un piso decorado con cuadrados regulares, listo para albergar una escalera, donde se colocan varios elementos arquitectónicos antiguos. El conjunto ha sido concebido como una magnífica escenografía, en la que, además del cielo azul de fondo, aparecen personajes destacados, científicos e intelectuales contemporáneos del maestro, además de pertenecientes al mundo clásico. De hecho, en el centro del fresco se encuentran las figuras de Platón y Aristóteles, dispuestas a dejar claro el significado de toda la composición: celebrar la civilización romana y el papado como heredero de la antigua grandeza. En particular, según el programa del Papa Julio II, la Sala de la Segnatura debía representar la filosofía, encarnando los valores del bien, la verdad y la belleza, únicos caminos por los que el hombre puede llegar a Dios.

Botticelli, El nacimiento de Venus, 1476-1487. Temple sobre lienzo. 172,5 cm × 278,9 cm (67,9 pulgadas × 109,6 pulgadas). Uffizi, Florencia.

10.Botticelli: El nacimiento de Venus (1476-1487)

Concluimos este recuento no exhaustivo con la décima posición, firmemente asumida por Botticelli, que no quería ni podía ser excluido. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, conocido por su nombre artístico Sandro Botticelli, nacido en marzo de 1445 en Florencia, fue un pintor renacentista, célebre principalmente por su Nacimiento de Venus, una témpera sobre lienzo admirada en la Galería de los Uffizi (Florencia). La obra, la décima en una clasificación que sigue únicamente el orden de antigüedad de los maestros, presenta en su centro la figura de la diosa de pie sobre una concha, lista para dirigirse hacia las costas de Chipre, donde una de las Horas, o una de las Gracias, la espera ofreciéndole un manto bordado. Todo esto es posible gracias al viento, personificado en Céfiro, cuyo aliento, procedente de la izquierda, permite a Venus moverse, mientras él mismo disfruta del abrazo de la ninfa Cloris. La pintura fue creada para ilustrar el relato de Ovidio en las Metamorfosis, aunque contradice su propio título porque, más que representar el nacimiento de la diosa, representa su viaje. ¿Por qué entonces referirse a las Metamorfosis? El Nacimiento de Venus, así como la Primavera de Botticelli, fueron concebidos dentro de la cultura neoplatónica florentina, abrazada por muchos intelectuales, promoviendo la visión del amor como un principio vital lleno del poder de renovación de la naturaleza.