ROSAS (2021) Pittura da Valery Marche.
Mi ranking de naturalezas muertas con flores reúne todas aquellas que, en mi opinión, han sido las obras más icónicas y "comerciales" del mencionado género, las cuales he dispuesto dentro de una narración en orden descendente, destinadas a culminar en el símbolo por excelencia del tema, es decir, en esa obra maestra que nadie, o casi nadie, puede evitar desreconocer, que me he tomado la libertad de elegir como el cartel representativo icónico de la pintura "de temática floral" por excelencia. Antes de pasar al top 10, sin embargo, es bueno adentrarse, al menos por un momento, en el contexto histórico al que pertenecen los bodegones con flores, sujetos naturales que nacen, inicialmente, como una manifestación artística menor frente a las históricas, religiosas o mitológicos, de la mano del flamenco Hans Memling, quien, hacia 1490, sentó las bases para la continuación de un tema que ahora se ha vuelto ineludible, gracias también a que, a lo largo de los siglos, ha alcanzado una intensidad y originalidad estética muy superior a una simple reproducción botánica. Además, tras el éxito que ha tenido el género dentro del estilo Art Nouveau, debemos a la llegada del siglo XX la intuición de ir más allá de reproducir las flores tal y como son, para involucrarlas en ensamblajes, instalaciones, fotografías, etc. Interrumpo esta larga, antigua y futura historia para volver a las obras que, entre finales del siglo XIX y la década de 2000, han representado para mí la cúspide del género, en el sentido de que no solo son técnica y estilísticamente inéditas, sino también verdaderas "corriente principal". productos" muy contemplados por las masas.
Murakami con un espécimen de su serie Flower Ball. @soulr.co
10. Takashi Murakami, Flor rosa, 2007
Dicho de manera sucinta y sin hacer ninguna referencia a las intenciones, formación e influencias en el origen de la obra de Murakami, Flowerball Pink (2007) es una estampa circular llena de un intenso y "abarrotado" toque de flores luminosas, que, cada una de ellas dotada de un emoticón face, crean una sensación de tridimensionalidad ilusoria, destinada a animar toda la serie Flower Ball, de la que precisamente forma parte el citado estampado. Agregando esta descripción sucinta de los detalles que faltan, las flores populares de Murakami, un elemento básico en la carrera del artista como pueden serlo las latas de sopa Campbell para Warhol, surgen de una reinterpretación original de la pintura tradicional japonesa, en la que a menudo se representaban flores. A esta iconografía milenaria se suma la atenta observación del mundo del manga, el anime y la subcultura japonesa, generadores de objetos comerciales, que Takashi transforma en arte al desdibujar los límites entre consumismo y arte, actitud que vuelve a hacer eco de la intenciones del arte pop de los años 50. A pesar de tales afinidades, los dibujos de Murakami van más allá de la mera yuxtaposición de la alta y la baja cultura, ya que detrás de las mencionadas sonrisas luminosas se vislumbran lágrimas ocultas, capaces de plasmar ese coraje maduro capaz de ocultar el sufrimiento tras una manifestación digna de serenidad. De hecho, esta última observación está ligada a una dolorosa declaración del artista al New York Times, en la que confesaba que sus Flores sonrientes no son más que una manifestación muda de las emociones reprimidas, así como de los traumas vividos colectivamente. por los japoneses en el momento más dramático de su historia: los bombardeos de Hiroshima-Nagasaki de 1945.
Escultura de flores de Yayoi Kusama. @kusama_archive
9. Yayoi Kusama, Listo para florecer por la mañana, 1989
De nuevo, ¡ella no se contradice! Yayoi Kusama, una artista japonesa contemporánea muy conocida por su uso compulsivo de densos patrones de lunares, decoraciones debidas a su inspiración, inexorablemente extraídas de las dramáticas y rotundas alucinaciones que sufre la artista desde la infancia, no nos toma por sorpresa. cuando elige reutilizar su motivo más preciado para dar vida a un fondo rojo repetitivo, destinado a materializarse en los puntos que rodean las dos flores, cuyo objetivo es recortado en primer plano. Si la obsesión que acabamos de revelar, manifestada en este caso a través de la representación del mundo de las flores, te asombró, entonces no conoces la obra del artista japonés, que en otras ocasiones se ha acercado, de nuevo compulsivamente, al mundo floral, al igual que cuando, por ejemplo, durante la Trienal de la Galería Nacional de Victoria (Melbourne, 2018), permitió a los visitantes colocar libremente multitud de gerberas en todas las superficies disponibles de una habitación. Aquella obra, titulada Flower Obsession, encuentra explicación, una vez más, en la repetición de las citadas visiones, aunque, en este caso particular, es la propia artista quien desvela el origen de la instalación: “Todo comenzó con una alucinación. Un día Cuando era niño, después de observar un patrón de flores rojas en el mantel, miré hacia arriba y el techo, las ventanas y las columnas parecían estar enlucidas con el mismo patrón floral rojo. Vi toda la habitación, todo mi cuerpo y mi universo cubiertos de rojo. flores, y en ese instante mi alma se borró... Eso no fue una ilusión, sino la realidad misma.”
Andy Warhol, Flores, 1964.
8. Andy Warhol, Flores, 1964
Antes de 1964, increíblemente, el repertorio de Warhol carecía, casi imperdonablemente, del enfoque de un tema principalmente naturalista como, por ejemplo, ¡las flores! ¿Cómo había podido el artista de Pittsburgh olvidar un género tan recurrente en la historia del arte, quizás para convertirlo en un objeto de consumo repetitivo para ser ofrecido compulsivamente a las masas? De hecho, Andy nunca presentó un interés independiente por el tema anterior, tanto que su análisis fue motivado por la intervención de Henry Geldzahler, curador de arte contemporáneo, quien instó a Warhol, durante la Exposición Universal del 64 en Nueva York, a enriquecer su elaboración con el elemento natural por excelencia. Eventualmente, sin embargo, Andy se intimó con tal tema, en particular con Hibiscus, que, realizado en un estilo destinado a combinar técnicas impresionistas y abstractas, perseguía la intención de dar voz al alma más íntima del artista y, quizás, también a la menos expuesta. y controvertido, ya que muchas veces se oculta tras las apariencias de la narrativa consumista. Hasta ahí todo bien, tanto que Warhol interpretó el tema varias veces, pero un día salió a la luz la amarga verdad: las serigrafías "Flores" retoman claramente la imagen de las flores de hibisco de las fotografías de Patricia Caulfield, una artista que , no cuestionado por Warhol, ¡fue directo a la acción legal!
7. Roy Lichtenstein, Flores negras, 1961
Hemos llegado a la séptima posición, ocupada por uno de los principales artistas del Pop art, junto con el que acabamos de comentar anteriormente: hablo de Roy Lichtenstein, conocido por sus obras inspiradas en las estampas de periódicos y cómics, especialmente aquellas que , realizado mediante el punto Ben-Day, ilustró la vida de la época, pasando a la historia, sobre todo, a través de obras maestras como Whaam! (1963), así como las que representan a bellas damas rubias que, de manera un tanto condescendiente, casi llegan a llorar y sonreír cuando se les ordena. En esta producción, en la que también podemos incluir obras protagonizadas por el Pato Donald y Mickey Mouse, así como remakes de conocidas obras maestras, ¿quién hubiera pensado que también podríamos encontrar algunos bodegones florales? En este punto presento Black Flowers, una obra que, a pesar de estar fechada en 1961, es decir, para situarse en el inicio de la carrera del artista, ya recupera algunos de los rasgos estilísticos más maduros de Lichtenstein, que, marcados de forma indeleble por el mundo de la historietas, vienen, en este caso, a subvertir la belleza cromática de las flores, a plasmarlas en un inusitado blanco y negro, destinado a elevarse sobre un jarrón en forma de columna estriada, detalle que hace posible la unión entre las el mundo clásico y el de las revistas.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Óleo, 73,7 x 45,7 cm.
6. Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924
Era simplemente imposible no incluir en este top 10 el trabajo de O'Keeffe, una artista estadounidense más conocida por sus pinturas de flores, que realizadas en primeros planos o a gran escala, representaban algunas de sus obras maestras más conocidas. que data de mediados de la década de 1920 a la década de 1950. Dentro de esta vasta producción floral, quise elegir como obra representativa Red Canna (1924), un lienzo que representa un lirio de caña "agrandado", y por tanto visto de cerca, cuya perspectiva persigue la intención de conocer y apreciar la belleza, riqueza y delicadeza de una flor abierta, interpretable, de forma paralela, erótica y sensual con la visión de cerca de la parte más oculta de la feminidad, una "dimensión" a menudo reconocida por los observadores dentro de gran parte del repertorio floral de O'Keeffe . De hecho, la picardía está precisamente en el ojo del espectador, ya que la pintora impetuosamente declaró que su obra había sido literalmente incomprendida, convirtiéndose en símbolo de una interpretación masculinista, formulada por un crítico de arte predominantemente masculino, que había perpetuado una concepción sexual de su trabajo que en realidad era muy diferente de sus intenciones originales.
Henri Matisse, Rocío de rosas frente a la ventana, 1925. Óleo sobre lienzo, 80×65 cm. Colección privada. @pinturas_i_love .
5. Henri Matisse, Flores, 1907
Matisse, uno de los principales exponentes de los fauvistas, se distinguió, al igual que los demás portavoces de esta última corriente artística, por la popularización de las formas simplificadas, la abolición de la perspectiva y el claroscuro, y el uso de colores vivos, antinaturales y puros. El bodegón floral Flowers, fechado en 1907, con sus colores menos "agresivos" y un poco más "naturalistas" que los anteriores, cuenta, más que el asombro que transmiten los matices vibrantes, del movimiento de la pincelada altamente expresiva, dirigida a construyendo formas planas y gráficas, que se acercan al tema más "clásico" de la naturaleza muerta. Si esta es la descripción que se aplica a Flores (1907), es bueno resaltar cómo, dentro de la dilatada carrera del artista, volvió repetidamente al tema de las flores, interpretándolas dentro de contextos más o menos desarrollados, incluyendo escenas de interior y paisajes, como, por ejemplo, Túnica morada y anémonas (1937) e Interior con perro (1934).
Katsushika Hokusai, Camachuelo sobre cerezo llorón, 1840.
4. Katsushika Hokusai, Bullfinch on Weeping Cherry, 1840
"Un solo pájaro se baña / sus plumas y se va volando: / cerezo de la mañana": así se traduce la inscripción encontrada en el grabado Bullfinch on Weeping Cherry (1840), que muestra las diecisiete sílabas atribuibles a Bunrai'an Setsuman, un poeta de haiku de Setsumon, una escuela con la que se asoció Hokusai y también se hace referencia al texto que se muestra en la pintura Pines and Mt Fuji. Hablando del cerezo en flor, mencionado por la misma cita, este es el protagonista indiscutible de la obra, que, entre flores y capullos, se presenta junto a un camachuelo, un volátil que en Japón es el conocido mascarón de proa de una ceremonia. se celebra cada Nochevieja en los santuarios de Tenjin. En esta ocasión se debe acudir al lugar sagrado armado con el camachuelo del año anterior para sustituirlo por el del nuevo curso, el cual, bendito, protegerá a su dueño de las desgracias del año siguiente. El animal benévolo, por otro lado, realizado de manera realista en la impresión de Hokusai, es definitivamente un espécimen macho, tal como se puede ver en la marca rosa, que se extiende desde la mejilla hasta la garganta del ave. Finalmente, las flores, el azul de Prusia, el pájaro y las inscripciones forman un conjunto armonioso, capaz de hablarnos de la más alta tradición artística, así como de las costumbres y la cultura de Japón.
Gustav Klimt, El Girasol , 1906 - 1907. Óleo sobre lienzo, 110 x 110 cm. Colección privada.
3. Gustav Klimt, Girasol, 1906
Olvídese de El beso (1908), La Judith (1901) y Las tres edades de la mujer (1905), obras que nos han hecho pensar que Klimt era quizás más hábil, y ciertamente más interesado, en retratar la figura humana que la naturaleza. , o naturaleza muerta. Mientras que la primera hipótesis es seguramente incorrecta, dado el eclecticismo del artista, la segunda parece bastante plausible, ya que el Girasol de 1906 resulta ser un tema inusualmente desprovisto del elemento antropomórfico más típico. En cualquier caso, las flores de Klimt antes mencionadas parecen ser muy similares a los seres humanos, ya que se paran erguidas en un jardín, donde viven, aún lejos de estar atadas en el espacio de un jarrón junto con frutas y otras flores moribundas. especímenes Por ello, si realmente queremos ser puntuales, la obra maestra, más que caer totalmente en el género de la naturaleza muerta, parecería algo afín al género del paisaje, dentro del cual los girasoles asumen los movimientos de los protagonistas de la anterior. -las obras maestras mencionadas, especialmente, haciéndose eco del agarre de los amantes en El beso con sus hojas unidas en un abrazo similar.
Claude Monet , Ninfee , 1919. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte.
2. Claude Monet, Estanque de nenúfares, armonía verde, 1899
También a medio camino entre la "naturaleza muerta" y el paisaje se encuentra la larga serie de nenúfares de Monet, que, colocados al aire libre y aún vivos, se convierten en modelos al igual que los jarrones, arreglos florales y frutales más "caseros". Este ciclo de más de 250 pinturas, realizadas entre 1890 y 1926, narra en realidad el desapego del maestro por algunas de las peculiaridades del movimiento que él mismo representó: el impresionismo. De hecho, si una de las peculiaridades de este último era pintar "en plein air", para fijar en una sola imagen, hecha muy de improviso, la impresión de un momento preciso, el maestro se quedó corto. esta forma de trabajar por dos motivos: el tamaño de sus últimos lienzos y la temporada invernal. En cuanto a lo primero, los grandes medios se mantuvieron estrictamente en su estudio, un lugar donde pudo fragmentar sus impresiones capturadas del natural para luego recomponerlas en una secuencia de momentos coherentes. En cuanto a la temporada de invierno, por otro lado, el clima frío hizo que el artista, con la ayuda de caballetes móviles, pudiera comenzar su trabajo al aire libre y luego terminarlo en su estudio, donde pudo lograr una hábil visión general.
Vincent van Gogh, Girasol , 1889. Óleo sobre lienzo, 95 x 73 cm. Ámsterdam: Museo Van Gogh.
1. Vincent Van Gogh, Girasoles, 1889
Y el ganador es: Vicente! Debo decir la verdad, siempre he tenido debilidad por los espíritus inquietos, pero en este caso sus girasoles representan verdaderamente una naturaleza muerta ineludible para la historia del arte, ya que logran la síntesis perfecta de la realidad exterior del artista y mundo interior. De hecho, el cuadro, que representa un ramo de girasoles reunidos en un jarrón panzudo y expuestos en un plano, precisamente contra una pared de color claro, es un conocido ejemplo de la experimentación figurativa de un maestro, que vivió la pintura como una terapia existencial cotidiana, es decir, tanto una búsqueda artística como un filtro con el que afrontar la realidad. Además, la serie de girasoles se realizó con la intención de agradecer a su amigo y colega Paul Gauguin, tanto es así que la concibió para decorar la habitación que Vincent le instaló en Arles, en la Casa Amarilla, donde el francés se había alojado. se unió a él. Incluso, el maestro holandés amaba tanto esta flor que llegó a identificarse con ella, hasta el punto de llamarla, “completamente Vincent”. Por último, también es importante señalar que los girasoles colocados en los jarrones por Van Gogh son, en ocasiones, como le reveló a su hermano Theo, catorce o quince, para hacer referencia a los números de los apóstoles de Cristo añadidos a las figuras de Theo. y Paul Gauguin, a los que también se podría sumar la presencia del propio Vincent.
Olimpia Gaia Martinelli
