CIRCLE 3 (2021)Collages de Morgan Paslier.
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1...
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1: mediante este clímax numérico que recibe el nombre de top 10, destinado a situar uno tras otro los collages más relevantes de la historia del arte. otras, por orden de relevancia, quiero acercar al lector al conocimiento de una técnica artística que muchas veces queda relegada, frente a las más populares, la pintura, la escultura y la fotografía. Por lo tanto, siguiendo esta intención de carácter puramente didáctico, pretendo presentar adecuadamente mi selección curada explicando brevemente los orígenes y las especificidades del collage, con el fin de que el lector sea más capaz de apreciar este modo de ejecución de las obras, obtenido mediante la superposición de papeles. , fotografías, objetos, recortes de periódicos, revistas, etc., que se pegan sobre un soporte, que puede ser de varios tipos, pero, en general, rígido. Desde un punto de vista histórico-artístico, la mencionada técnica tiene su origen a principios del siglo XX, período durante el cual fue explotada en la creación de múltiples obras maestras de vanguardia, creadas, en primer lugar, por los maestros cubistas Picasso y Braque y , más tarde, también por los exponentes del Futurismo y el Abstraccionismo Geométrico, así como de los más complejos ensamblajes Neo-Dada, Surrealista, Pop y Nouveau realisme. Sin embargo, esta es la historia que nos cuentan los libros de arte occidentales eurocéntricos, que a menudo son demasiado deficientes para explicar cómo, de hecho, el collage se utilizó por primera vez en el momento de la invención del papel, es decir, en China en el año 200 a. del 10, por calígrafos japoneses, que comenzaron a aplicar papel encolado, utilizando textos sobre superficies, al escribir sus poemas. Sin embargo, al mundo occidental se le atribuye sin duda la invención del fotomontaje, es decir, el collage realizado con fotografías, técnica de la que Richard Hamilton resulta ser, hasta el día de hoy, uno de los máximos exponentes. En cualquier caso, cabe señalar cómo otros métodos de combinación de imágenes también se denominan fotomontaje, como, por ejemplo, la impresión victoriana, la impresión de más de un negativo en una sola hoja de papel de impresión, la proyección frontal y las técnicas de edición por ordenador. Ahora, después de esta breve "lección", hemos llegado al fatídico momento, ya que, ahora cargado de nociones, los dejo para que contemplen, además de comprender, mi top 10 sobre la técnica en cuestión...
CONTENCIÓN (2020) Collages de Emily Coubard (Mil.)
Annegret Soltau (Autorretrato).
10. Annegret Soltau (Autorretrato)
Mi top ten comienza con Annegret Soltau, una artista visual alemana cuyo trabajo, centrado puramente en el arte del fotomontaje, teniendo como tema principal el cuerpo humano y la cara cosidos o conectados con hilo negro, marcó un hito en el arte de los años setenta y 1980 El autorretrato de Soltau que he elegido para ilustrar esta selección es un resumen de múltiples conceptos clave que se han repetido en la obra del artista, como por ejemplo, la combinación de la idea de línea, plasmada por los hilos, con la de la figura humana, en este caso personificada por la propia Annegret. Además, tal combinación da lugar a la creación de obras en las que el sujeto, atado con los mencionados hilos de seda negra, genera una suerte de “autorretrato”, en este caso capaz de unir dos épocas muy distintas de la vida del artista, manifestada, al mismo tiempo, en su juventud y madurez. De esta forma, Annegret también escribe su personalísima historia como mujer, destinada a aludir, a través de los fragmentos de su figura, a los conflictos que animan la posición marginal del "sexo débil" en el contexto social, así como a las presiones de género. y discriminación Al final, al yuxtaponer las dos versiones de sí misma, puede resaltar aún más los cambios físicos y psicológicos que el individuo enfrenta naturalmente a lo largo de su existencia.
Hannah Höch, Cortar con el cuchillo de cocina Dada a través de la última época cultural de Alemania con barriga cervecera de Weimar, 1919–1920. Collage. Berlín: Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin.
9. Hannah Höch, Cortar con el cuchillo de cocina Dada a través de la última época cultural de Alemania con barriga cervecera de Weimar (1919-1920)
En la posición número nueve encontramos a otra mujer, Hannah Höch, artista dadaísta alemana nacida en 1978 conocida por sus collages y fotomontajes pioneramente políticos, construidos a partir del uso y combinación de imágenes y textos de los medios de comunicación de masas, con el propósito de explicar una crítica cultural dirigida tanto a los fracasos de la República de Weimar como a los roles socialmente construidos de las mujeres. Vale la pena señalar cómo sus obras destilan no solo la visión personal de la artista, sino que dieron voz a una ideología compartida por gran parte del pueblo alemán de la época, muchas veces animado por ese espíritu rebelde y crítico, que marcó el período entre ambos. guerras, percibidas por muchos como el comienzo de una nueva era, en la que las vanguardias asumieron el papel de explicar el descontento. Con respecto a la obra maestra elegida para ilustrar mi ranking, a saber, Cortar con el cuchillo de cocina dadaísta a través de la última época cultural de Weimar Beer-Belly de Alemania, representa plenamente los rasgos estilísticos e ideales del artista descritos anteriormente, en el sentido de que la obra más famosa de Höch persigue la intención, a través de sus técnicas de síntesis diseñadas para reunir recortes de periódicos, de desafiar los códigos racistas y sexistas que regían en la Alemania de Weimar, haciendo explícita la experimentación con una forma de arte capaz de demostrar cómo la propia creatividad puede ser abarcada por la dinámica de lo cotidiano de vida moderna.
John Stezaker (Retrato de la portada de la monografía de Whitechapel Gallery)
8. John Stezaker (Retrato de la portada de la monografía de Whitechapel Gallery)
Habiendo llegado a la posición número ocho, aprovecho para aclarar la forma en que, durante la redacción de este top 10, muchas veces me encontré buscando desesperadamente los títulos de las obras en cuestión, tanto que muchas veces, sin poder localizarlos , informé entre paréntesis solo el tipo de sujeto representado, demostrando, sin querer, lo que anticipé en la introducción, a saber, la menor popularidad de la técnica del collage y el consiguiente acceso limitado a la información relacionada. Aclarado esto, presento brevemente la figura de John Stezaker, artista conceptual británico nacido en 1949, conocido por sus creaciones de tono surrealista, muchas veces realizadas a través de la técnica del collage, teniendo como temática imágenes extraídas de postales, fotogramas de películas y publicidad. fotografías. Principalmente esta forma de trabajar ha estado encaminada a dar vida a composiciones capaces de ilustrar glamurosos retratos de los años 50, incluyendo en ocasiones la presencia de estrellas de Hollywood, que se han mezclado con imágenes de paisajes, cuyo efecto perturbador se puede observar, por ejemplo , en el collage elegido como portada de la monografía Whitechapel Gallery (2011), donde una figura femenina se ve rota, a la altura de los ojos, por la presencia de un escorzo rocoso.
7. Eileen Agar, Piedras preciosas (1936)
Precious Stones, obra de la fotógrafa y pintora británica Eileen Agar, capta la silueta de un rostro masculino de perfil, que aparece pegado sobre una hoja de papel en blanco, donde, a su vez, queda enmarcado por la presencia de un tercer medio, que da lugar a un borde rojo que contornea la imagen. Volviendo al tema principal, la figura en cuestión ha sido recortada de un libro que ilustra unas piedras preciosas, cuya precisa disposición en cuadrícula contrasta con el contorno en parte arbitrario de la efigie, espejo de las tendencias surrealistas de la artífice, que a menudo se ha expresado a través de la técnica del collage. Además, dejando de lado por un momento las descripciones anteriores, la obra también es relevante porque constituye uno de los primeros trabajos de Agar encaminado a incluir la imagen de una cabeza y un busto de perfil, tema que luego se convertiría en algo recurrente para el artista. . En cualquier caso, en el caso específico de esta obra, es importante señalar que el rostro masculino fue modelado en parte a semejanza del esposo de Eileen, a saber, Joseph Bard, quien, no por casualidad, era un ávido coleccionista de piedras preciosas. Finalmente, otra fuente de inspiración para la realización de Piedras preciosas fueron sin duda las monedas antiguas, cuyos retratos de perfil ahora se representan de una manera sustancialmente más lúdica, ingenua e imaginativa.
Mimmo Rotella, Euromsa, 1963. Décollage.
6. Mimmo Rotella, Pepsi (1979)
Un fragmento de un anuncio de Pepsi de finales de la década de 1970, pegado en un soporte, o tal vez "arrancado" de él, nos traslada al corazón del Nouveau Réalism de la época, un movimiento contemporáneo del pop americano, a menudo concebido como su transposición a Francia, de la que el propio Mimmo Rotella fue el principal exponente italiano. El trabajo de este último se centra precisamente en la exploración de la técnica del decollage, que, cara a la citada propuesta artística, se acompañaba de ensamblajes y ready-mades, elaborados con objetos comprados a chatarreros, como chapas de botellas, cuerdas, etc. de esto remite a los objetos cotidianos, cotidianos del Pop art coetáneo, aunque a partir de principios de la década de 1970, el artista, como en el caso de Pepsi, comenzó a desarrollar un punto de vista adicional, comenzando a intervenir en los anuncios de revistas con el uso de disolventes para reducirlos al estado de frottage o borrarlos.
Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? , 1956. Collage, 26 cm × 24,8 cm. Kunsthalle Tübingen, Tubinga.
5. Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? (1956)
En el número cinco coloqué un ícono de la técnica del collage, como ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? es considerada, por muchos críticos e historiadores del arte, ¡la primera obra pop de la historia! Esta obra maestra fue creada por medio de la unión de recortes de fotografías e imágenes tomadas de la prensa estadounidense, las cuales dan vida a un bizarro interior de una casa, donde se disponen muchos objetos y algunos personajes, entre los que se destacan las facciones del fisicoculturista semidesnudo. destacan, el logo de Ford colocado en una pantalla, la figura de una pin-up tumbada en un sofá, la imagen a lo lejos de un ama de casa, una tira cómica de Joven Romanca dispuesta en la pared, etc. Si lo que describimos imaginamos en color, es importante saber que la obra se originó para el catálogo de la exposición londinense This is Tomorrow, evento por el cual se dio a conocer en realidad en blanco y negro, tanto es así que posteriormente, Hamilton también creó varias versiones de la misma. mismo tema, en el que reelaboró la composición.
Beeple, Todos los días: los primeros 5000 días , 2021. Arte digital.
4. Beeple, Everydays: los primeros 5000 días (2021)
La posición número cuatro nos habla del fotomontaje en su variante realizada mediante el uso de tecnología informática, herramienta con la que nació Everydays: the First 5000 Days, un collage digital, destinado a yuxtaponer 5.000 imágenes que representan temas y esquemas de color recurrentes, capaz de creando un todo estético que, organizado en orden cronológico, revela la presencia de imágenes abstractas, fantásticas, grotescas y absurdas, hábilmente colocadas junto a acontecimientos actuales, así como momentos de la vida personal. Lo recién descrito interpreta el más sentido miedo a la tecnología, el deseo y el resentimiento hacia la riqueza, así como la agitación política estadounidense, que el artista reconoció como las principales plagas de la sociedad. Finalmente, es imperativo saber que este collage se colocó cerca del podio, ya que tuvo un éxito icónico, ya que su NFT se vendió por $ 69,3 millones en Christie's en 2021, convirtiéndose en el token no fungible más caro de la historia. Sobre el creador, Michael Joseph Winkelmann (n. 1981), conocido como Beeple, es un artista digital, diseñador gráfico y animador estadounidense cuyo arte utiliza varios medios para crear obras cómicas y fantasmagóricas diseñadas para explicar comentarios políticos y sociales, a menudo utilizando la cultura pop. personajes como referencias.
Man Ray, Dora Maar , 1936.
3. Man Ray, Dora Maar (1936)
Es imposible olvidar al surrealista Man Ray, sobre todo si el tema de su collage fechado en 1936 es precisamente Dora Maar, una fotógrafa, poeta y pintora francesa nacida en Croacia, que, conocida por su larga relación con Pablo Picasso, fue frecuentemente inmortalizada por el fotógrafo estadounidense, que jugaba con la feminidad, la forma y las múltiples exposiciones. Precisamente a través de este último modo de acercamiento al tema se capturó la imagen del mencionado fotógrafo de éxito, quien inicialmente se formó como pintor en el estudio de André Lothe, para luego convertirse, a principios de la década de 1930 y bajo la influencia de Man Ray, amante de la lente, conocida por sus técnicas inusuales y fascinantes, que le permitieron explorar caminos artísticos alternativos, como la fotografía cinematográfica, urbana y de moda. Pablo Picasso, por su parte, quedó ciertamente impresionado por Maar como modelo, tanto que incluso antes de conocerla en persona insistió en quedarse con un retrato de ella realizado por Ray y, más tarde, incluso quiso inmortalizarla él mismo, tanto es así que se convirtió en el tema de algunas de sus obras maestras más conocidas, entre ellas, por ejemplo: Retrato de Dora Maar (1937) y La mujer que llora (1937). Lamentablemente, sin embargo, esta última obra nos revela toda la fragilidad de la mujer, retratada como una figura atormentada capaz de transformarse en la personificación del dolor. A pesar de ello, el artista español reconoció que fue la melancolía de Dora la que le proporcionó una inspiración digna, capaz de dar vida a figuras femeninas emocionalmente poderosas, a veces incluso representadas en lágrimas.
Georges Braque, Violín y pipa , 1913. Tiza, carboncillo, collage, papel, 74 x 106. París: Centro Pompidou.
2. Violín y flauta (1939)
A principios de 1900, artistas como Braque y Picasso comenzaron a utilizar un método llamado collage para crear obras de arte innovadoras. Esta es principalmente la razón por la que uno de los dos padres occidentales de la técnica artística en cuestión, a saber, Braque, se coloca en el segundo escalón más alto del podio con su Violín y flauta de 1913, obra que forma parte de una serie de papiers collés, en los que el artista francés destacaba la lectura bidireccional del cuadro y del propio cuadro. Esta aproximación figurativa es fruto de la investigación artística que lleva a cabo el Cubismo Sintético dentro del tema de la naturaleza muerta, que, en este caso particular, está compuesta por periódicos, papeles pintados impresos cortados y pegados, carboncillo, grafito y pastel sobre papel montado sobre cartón, soporte sobre el que cobra vida un violín y una flauta, interpretados en una clave a veces casi abstracta. Dejando a un lado la obra maestra, vale la pena señalar cómo Braque explotó la técnica del collage para desarrollar una conciencia de la interacción de forma y color a nivel pictórico, sentando un ejemplo para otros maestros como Jim Dine y Wayne Thiebaud.
Pablo Picasso, Guitarra y copa de vino , 1912.Collage, 47,9 × 37,5 cm. Nueva York: MET.
1. Pablo Picasso, Naturaleza muerta con silla rellena (1912)
El primer lugar es para el collage más antiguo de la historia del arte occidental: Naturaleza muerta con silla rellena, una obra maestra fechada en 1912, cuyo objetivo es inmortalizar la superficie de una mesa de forma ovalada, cubierta por un lienzo recortado, en la que hay varios objetos. , realizado mediante intervención también pictórica, así como el uso de lienzo encerado, papel y cuerda sobre lienzo. Técnica aparte, tal obra también es importante porque fue ella quien marcó el avance del proceso de afirmación del cubismo sintético, que, posterior al analítico, vio al artista prodigarse en carcare para dar vida a una síntesis de planos, representándolos en un único plano del lienzo, reduciendo los movimientos al único instante representado. Volviendo finalmente a la descripción de la obra, en el citado collage una cuerda se revela al espectador a modo de cornisa, mientras que un fragmento de juncos vuelve a proponer la imagen de una silla acolchada, tema al lado del cual el artista sitúa otro apenas insinuado, a veces objetos fragmentados, como si quisiera evocarlos, o dar una representación ilusoria de ellos, en lugar de describirlos ateniéndose al dato real ya caducado.
Olimpia Gaia Martinelli
