Paisaje de ilusión

Conceptos básicos del surrealismo

Cuando tenemos tiempo para fantasear un poco con nuestra mente, quiero decir ahora, en las raras ocasiones en que no estamos trabajando, no en compañía de personas o dispositivos telefónicos llenos de imágenes o videos compulsivos y molestos, podemos mirar nuestro entorno. , a veces animándolos, modificándolos o enriqueciéndolos con el contenido de nuestra mente, a menudo asociado al material que nos proporciona nuestro inconsciente, que los psicólogos seguramente relacionarían con nuestros traumas infantiles más no resueltos. Lo que acabo de intentar explicar lo lograron, a través de la pintura, la fotografía, la escultura, etc., los surrealistas, cuyo arte también revisó en este sentido el género del paisaje, hacia el cual canalizaron el inconsciente, precisamente para desbloquear el poder de la imaginación, muchas veces silenciado por el ejercicio más racional de la mente.

De hecho, según los exponentes del movimiento de André Breton, es precisamente cuando dejamos a este último libre de expresarse, que podemos llegar a conocer las contradicciones que animan el mundo, así como la esencia de las cosas y el funcionamiento real de las cosas. nuestro pensamiento, listo para cobrar vida en una "superrealidad" paralela. Las imágenes extraídas de este ejercicio, que también podemos encontrar en el género paisajístico surrealista, se expresan en ocasiones mediante el recurso de la ilusión óptica, destinada a superar la frágil frontera que existe entre ilusión y realidad, haciéndonos comprender cómo el arte permite lo real y lo real. los imaginados se yuxtaponen para hacernos contemplarlos al unísono en una misma representación.

SERIE DIARIO VII (2022)Pintura de Muhammet Bakır

EL HERMOSO AYER DE MI MAÑANA (2023) Cuadro de Nazabal.

Paisajes de ilusión surrealista

Para demostrar lo dicho hasta ahora, dejo la palabra a algunas obras maestras del paisaje en la historia del arte, creadas por maestros como Dalí, Magritte y Ernst. Partiendo de lo primero, comienzo con la siguiente descripción: un paisaje terroso, situado cerca de una extensión de agua surcada por barcos, alberga, además de algunas montañas, un cuerpo de agua, capaz de convertirse en el foco de toda la narrativa pictórica. En realidad, este último alberga tres grandes cisnes, cuyo reflejo, realzado por la presencia de árboles secos, se transforma en las figuras frontales de tres elefantes. También está presente en escena, pero prácticamente decidido a ignorarla, un hombre, realizado en sombras, que, afines a las de las tierras altas pardas, parece casi formar parte de ella con su figura estática y pensativa.

Cisnes que reflejan elefantes (1937), la obra que acabamos de describir, se realizó con un componente adicional del movimiento surrealista, a saber, la frecuente referencia a la realidad onírica, en la que Dalí, como otros maestros del movimiento, reconocía la expresión más pura del inconsciente del individuo. . De hecho, es durante el sueño cuando se desata el mundo interior, revelado a través de mecanismos asociativos desligados de las reglas de la vida cotidiana, que el español plasma deliberadamente en un estilo hiperrealista, dispuesto a hacer que las situaciones fantásticas sean lo más verosímiles posible. Además, el artista, que como ya hemos descrito hizo claro uso del "truco" de la ilusión óptica, materializado especialmente en la presencia animal y humana, nos lleva a la descripción de otra obra maestra técnicamente relacionada: La firma en blanco (1965) de René Magritte. .

En este último cuadro parece evidente la imposible superposición de las tres imágenes representadas al unísono, como las de la mujer a caballo, los árboles y el fondo naturalista, claro resultado de un artificio visual similar al utilizado por Schuster para su famoso "tenedor", una imagen dispuesta a proporcionarnos información contradictoria, destinada a impedir una elaboración clara y estable del tema representado. Para que entendáis: cuando miramos la obra maestra de Magritte, a primera vista vemos una imagen cuyos distintos elementos están unidos en un todo coherente.

Sin embargo, tras un estudio más detenido, nos damos cuenta de que, por ejemplo, el caballo no puede estar delante del árbol y al mismo tiempo detrás del fondo. Es precisamente esta última imposibilidad la que mi mente hace aceptable, la cual, en cada caso, es capaz de unir todos los elementos individuales de la obra, generando algo coherente, es decir, más allá de la inconsistencia predominante. Llegamos por fin a La naturaleza al amanecer (1936) de Ernst, una obra en la que no hay una verdadera ilusión óptica, sino una afinidad cromática tal que el mundo vegetal se confunde con el mundo animal, dispuesto a adoptar la apariencia de un pájaro antropomórfico. , cuyo nido, en realidad, reside sólo en las fantasías de nuestro inconsciente.

De hecho, el cuadro traduce en pintura la concepción personal del maestro sobre la inspiración artística, cuyos impulsos necesariamente se derivarían de impulsos eróticos irracionales, bien resumidos en la figura del pájaro en cuestión, captado mientras mira con nostalgia el Figura femenina agachada en la esquina inferior derecha del soporte. Además, la relación entre el arte y el inconsciente también se repite en la elección del hábitat de la selva, un lugar vinculado a los recuerdos de infancia de Ernst, un tanto perturbado por la visión de un tema similar, repropuesto por la acuarela de su padre Philippe que representa el Monje César de Heisterbach en ermita en el bosque.

A la observación de este último siguió precisamente el deseo de definir el bosque como un entorno psicosocial, en el que la naturaleza se transforma en una categoría estética, cuya experiencia define el pintor de la siguiente manera: "El maravilloso placer de respirar libremente en un vasto espacio y, por otro lado, la impresión opresiva de estar encerrado en una prisión formada por los árboles circundantes. Dentro y fuera al mismo tiempo. Libre y encarcelado." Finalmente, el género paisajístico, siempre atrapado en los meandros de nuestra mente, vuelve a encontrar los rasgos estilísticos del surrealismo en las obras de artistas de Artmajeur como: Robert Inestroza, Andrey Kutilovsky y Gio Mondelli.

PARAÍSO PERDIDO Y ENCONTRADO (2023)Pintura de Robert Inestroza

PARAÍSO PERDIDO Y ENCONTRADO por Robert Inestroza

Los remolinos marinos se producen cuando corrientes oceánicas rápidas, que circulan en diferentes direcciones, chocan entre sí y comienzan a girar unas alrededor de otras, de modo que generan fenómenos que, dependiendo del volumen y fuerza del encuentro, presentan diferentes grados. Es muy probable que el vórtice captado en el paisaje de Inestroza sea un fenómeno menos intrusivo que la más temible vorágine del estrecho de Saltstraumen (Noruega), considerado el más potente del planeta, ya que se presenta a una velocidad de 40 km/h. capaz de generar vórtices de hasta diez metros de ancho y cinco metros de profundidad. Todas estas suposiciones mías se derivan del hecho de que, a pesar de la presencia de un llamativo vórtice en Paraíso perdido y encontrado, los nadadores en la lona continúan tranquilamente tomando el sol y jugando en el agua, habiendo tal vez interpretado el nefasto evento natural de la misma manera que un efecto de masaje de una pseudo piscina. Precisamente en esta imagen contrastante, es decir, orientada a mostrar el peligro real sin consecuencias dramáticas, leemos la contribución del movimiento surrealista al punto de vista del pintor de Artmajeur, cuya obra es a menudo testimonio de una visión contradictoria de la vida contemporánea, dispuesta mezclar estratégicamente caos y poesía, fragilidad y fuerza, así como lo efímero y lo eterno. Todo esto se presenta a menudo con extrema ligereza, dispuesto a evocar con naturalidad acontecimientos del pasado, así como aludir a los del presente, intentando al mismo tiempo predecir los del futuro.

PIEDRA GRANDE   (2022)Pintura de Andrey Kutilovsky

PIEDRA GRANDE de Andrey Kutilovsky

Una isla vibrantemente habitada se eleva desde la corteza terrestre para flotar sobre el océano, tal vez explotada por este último, debido al tipo de vórtice de agua que, en cambio, debería haber desatado el infierno en la obra descrita anteriormente. En cualquier caso, la tormenta de Kutilovsky habría amainado, fijando en el medio una visión del paisaje irreal, pero más bien tranquila, agradable y relajada. El componente surrealista de la obra en cuestión, es decir, Gran piedra, parece bastante evidente, pero al mismo tiempo ya nos sugiere en su concepto básico algunos detalles presentes en otra obra maestra de la historia del arte: la Tentación de San Antonio de Salvador Dalí. . De hecho, de la misma manera que nos cuesta creer que la roca pintada por el artista de Artmajeur pueda realmente sostenerse sobre una base muy delgada de tierra flotante, es igualmente difícil concebir que las arquitecturas y los animales en la mencionada En realidad, la obra maestra española podría descansar sobre piernas muy delgadas. En cualquier caso, en La Tentación de San Antonio es la inmensidad del mensaje divino lo que hace posible todo, en este caso incluso las visiones más inquietantes y fantásticas del santo. De hecho, este último hace todo lo posible para escapar de las imágenes de promesas sexuales y lujuriosas empuñando un crucifijo en sus manos, listo para exorcizar cualquier cosa demoníaca que ahora sea parte de su surrealidad.

LA ISLA DE LA VIDA (2006)Pintura de Gio Mondelli

LA ISLA DE LA VIDA de Gio Mondelli

La obra maestra del pintor francés Jean-Baptiste-Siméon Chardin, titulada Pompas de jabón y fechada entre 1733 y 1734, representa a un joven soplando una pompa de jabón, un tema tomado de la tradición holandesa del siglo XVII, que se intercala, debido a lo efímero. naturaleza de la burbuja en cuestión, como una de las alusiones más típicas al carácter transitorio de la vida humana. Entonces, si pensáramos en el niño presentado arriba como el creador de la gran pompa de jabón, flotando en el cielo de las pinturas de Gio Mondelli, tal vez la obra podría parecer más realista, a pesar del tamaño desproporcionado de la esfera antes mencionada, devolviéndonos diligentemente a la Lenguaje surrealista. Es precisamente la referencia a este último lo que ha dado lugar a una composición paisajística tranquila y onírica, animada por la alegría que se desprende de la visión de la pompa de jabón ligera y despreocupada, capaz de arrancar una sonrisa, especialmente a los niños, que incluso podrían querer tocar el soporte pictórico para intentar reventarlo. Hablando del artista de Artmajeur, Gio Mondelli centra su trabajo, siempre buscando nuevas técnicas, estilos y tendencias para experimentar, principalmente en el lenguaje simbolista y surrealista, a través del cual aborda principalmente el género del paisaje, aunque no deja de hacerlo en ocasiones. centra su atención en temas de sabor más abstracto.