Cébé, Heavenly piano , 2014. Acrílico sobre lienzo, 80 x 80 cm.
La música y el arte representan, sin duda, dos disciplinas afines que, a través de la inmaterialidad del sonido y el encanto de las imágenes, son capaces de revelar los sentimientos y la experiencia humana, tanto en su lado positivo y alegre como en su lado más introspectivo y los serios Precisamente por estas peculiaridades, las artes mencionadas han jugado un papel destacado desde la antigüedad, y en particular, desde los albores de las civilizaciones clásicas, cuando, a partir de su unión, se generaron dos combinaciones bien diferenciadas: el arte que cuenta la música y el arte que sustenta la música. Respecto a este último aspecto, basta referirse a los anfiteatros y teatros griegos y romanos, como, por ejemplo, el Teatro de Epidauro (Epidaurus, Grecia), que, construido en el siglo IV a.C., representa una obra maestra de la arquitectura diseñada con el propósito de maximizar la acústica.
Policlito el Joven, Teatro de Epidauro, 340 a. C., Epidauro.
Por otro lado, en lo que se refiere al arte que cuenta la historia de la música, este binomio se ha realizado a lo largo de los siglos a través del trabajo de importantes pintores, diseñadores gráficos y escultores, quienes, con el objetivo de inmortalizar, tanto a los músicos como a los instrumentos musicales, en consecuencia, también han documentado su evolución. En sus primeros ejemplos, esta historia nos la cuentan las estatuillas y los jarrones de las primeras civilizaciones mediterráneas, como el Lira del segundo milenio a. C., de las islas Cícladas. La última estatuilla de mármol, que representa a un hombre decidido a tocar la lira, fue realizada en la más pura esquematización geométrica de la forma humana típica del arte de las Cícladas. Para representar la relación arte-música en el mundo helénico, por otro lado, podemos tomar como ejemplo el ánfora de columnas rojas con fondo negro, que representa a Orfeo tocando la lira, una obra vascular del Ática que ahora se encuentra en el Museo de Pérgamo. en Berlín. El mismo mito "musical" se repropone también en el mundo romano y, más concretamente, en el suelo de mosaico conservado en el Museo Arqueológico de Palermo, decorado con Orfeo rodeado de animales . Precediendo al ejemplo de la antigua Roma, sin embargo, están los frescos etruscos de la Necrópolis de Tarquinia, capaces de resaltar un aspecto más propiamente lúdico del mundo de la música, ya que inmortalizan a ejecutantes de lira y aulos acompañados de bailarines.
Tocador de lira , segundo milenio a.C., mármol. Atenas: Museo Nacional. 
Orfeo rodeado de animales , 1º - 2º siglo. AD, Piso de mosaico romano. Palermo: Museo Arqueológico.
La historia del vínculo entre el arte y la música continúa hasta la Edad Media, época en la que, además de pinturas y esculturas, los manuscritos iluminados también se convirtieron en un importante medio de difusión del conocimiento musical, al igual que la Remède de Fortune del poeta y músico Guillaume. de Machaut, que, datando del siglo XIV, representa una de las fuentes artístico-literarias más completas sobre el tema. Siguiendo con el tema de este período, también es importante mencionar los portales de las catedrales románicas y góticas, que, en múltiples ocasiones, albergan esculturas de ángeles, o santos, armados con instrumentos musicales. Ejemplos de esta asociación de arte, religión y música son el Portal de Santa Ana en Notre Dame en París y el Portal de la Gloria en Santiago de Compostela.
Guillaume de Macaut, Remede de fortune , siglo IV, códice iluminado.
Unos siglos más tarde, y más precisamente a finales del siglo XV, algunos de los más grandes maestros flamencos narraron el mundo de la música a través del arte, tal y como se puede apreciar en Ángeles músicos de Hans Memling (c. 1485) y El jardín de los terrenales de Hieronymus Bosch. Delicias (1480-1490). En este último cuadro, sin embargo, los instrumentos, colocados en el panel derecho del tríptico que representa el infierno, parecen aludir al sonido de una melodía todo menos agradable, es decir, un ruido bastante molesto y caótico, también presente en el combinación de notas transcritas en el pentagrama presente dentro de la obra. Al igual que El Bosco, Caravaggio, en el cuadro Descanso en la huida a Egipto de 1595, también se mostró muy atento a los mensajes emitidos por las partituras. De hecho, la partitura de una melodía precisa, la del compositor flamenco Noel Bauldewijn, basada en el texto del Cantar de los Cantares y titulada "Quam pulchra es", se encuentra en manos de José.
H. Bosch, El jardín de las delicias , 1480. Óleo sobre tabla. Madrid: Museo del Prado.
Caravaggio, Descanso en la Huida a Egipto , 1595. Óleo sobre lienzo. Roma: Galería Doria Pamphilj.
Saltándose un lapso de tiempo de unos dos siglos, el siglo XIX se caracteriza por una visión más intimista de la relación entre arte y música; de hecho, los jugadores retratados en esta época resultan más recogidos en sus estudios y, en consecuencia, en su mundo. Un ejemplo de ello es El gaitero de Thomas Couture, quien, totalmente absorto en su práctica, no se preocupa por su entorno. Finalmente, es importante resaltar cómo, con la llegada del siglo XX, el binomio arte-música fue modificado de manera indeleble por las vanguardias, inexorables portadoras de visiones inéditas sobre la realidad. Muestra emblemática de lo que se acaba de afirmar es la Guitarra de Pablo Picasso (1912-1913), que, actualmente conservada en el MOMA de Nueva York, representa una idealización tridimensional de la música, encaminada a adquirir "concreción" a través de un volumen tangible, espesor y forma Además, la obra maestra antes mencionada, al ser a todos los efectos capaz de reproducir sonidos, ya no es solo una obra de arte que representa algo, sino también un medio que expresa la existencia de un instrumento.
Kristof Toth, Díptico escultura violonchelista + arpista , 2020. Escultura, bronce sobre piedra, 52 x 30 x 15 cm / 10,00 kg.
Karen Axikyan, Melody , 2020. Escultura, Metales sobre metal, 41 x 26 x 10 cm / 1,20 kg.
La combinación de arte y música en las obras de los artistas de Artmajeur
La marca de nacimiento atemporal de contar la historia del mundo musical a través del arte continúa hasta el día de hoy; de hecho, este deseo anima el trabajo de un gran número de artistas contemporáneos, incluidos los de Artmajeur, quienes, a menudo, se han inspirado en los más grandes ejemplos figurativos del pasado. Sin embargo, esta voluntad de emular la más alta tradición del arte va acompañada de un fuerte deseo de innovación que, con el objetivo de enriquecer el vínculo histórico entre el arte y la música, se manifiesta bien en las obras de arte de Pierre Duquoc, Massimo Iacovelli y Jamie Lee.
Pierre Duquoc, Ghost #36 , 2022. Fotografía, Fotografía manipulada / Fotografía digital sobre papel, 50 x 75 cm.
Pierre Duquoc: Fantasma #36
La toma de Pierre Duquoc, titulada Ghost #36 , captura a una violinista usando una técnica un tanto paradójica; de hecho, como afirma el propio artista, no es habitual que un fotógrafo quiera desdibujar sus obras. En realidad, sin embargo, Duquoc llevó aún más lejos la contradicción antes mencionada, ya que recreó el desenfoque a partir de tomas originalmente nítidas. Este procedimiento persigue el intento de indagar en las pequeñas desapariciones de la vida cotidiana, es decir, esos momentos efímeros captados y guardados en nuestra memoria, que, posteriormente, se transforman en recuerdos. Las representaciones en el escenario, a menudo marcadas por movimientos repetitivos y ordenados, resultan especialmente adecuadas para plasmar el concepto de reminiscencia también porque los músicos, una vez finalizada la actuación, generan una especie de "desaparición" que favorece las recreaciones. En el tema de la historia del arte, por otro lado, Ghost #36 tiene múltiples afinidades con Las manos del violinista de Giacomo Balla, una pintura en la que el maestro italiano capturó, a través de un efecto óptico cercano al desenfoque fotográfico, el movimiento de un músico. .
Massimo Iacovelli, Formidable , 2022. Escultura-madera, 74 x 24 x 24 cm.
Massimo Iacovelli: Formidable
La escultura de Iacovelli, realizada con un violín real, es el resultado de la descomposición de este último instrumento musical, con el objetivo de generar visiones múltiples, fragmentadas y diseccionadas del objeto en el espectador. En este contexto, la obra de arte se presenta al espectador en toda su relatividad, ya que, al mostrar la imagen conocida de un violín, la vuelve a proponer de una manera inédita y poco convencional, liberada de cualquier costumbre. Además, Formidable recuerda a las icónicas esculturas de violines descompuestos de Arman, concebidas con el mismo propósito de mostrar, al mismo tiempo, diferentes formas y perspectivas en un mismo objeto. Exponente junto a otros artistas como Yves Klein y Jean Tinguely del Nouveau Réalisme, el mencionado maestro francés tenía la costumbre de recuperar objetos reales y obsoletos para descomponerlos en sus formas alterando su percepción y revelando su esencia. En consecuencia, las peculiaridades de la obra de Iacovelli resultan muy afines a la más alta tradición histórica del arte.
Jamie Lee, Buddy Rich , 2022. Acrílico/spray sobre lienzo, 70 x 70 cm.
Jamie Lee: amigo rico
La pintura pop de Jamie Lee representa, en estilos tomados de Roy Lichtenstein, al famoso baterista y director de orquesta estadounidense Buddy Rich. Tal elección de tema no debería sorprendernos, ya que el arte pop siempre ha estado muy ligado al mundo musical; de hecho, desde el siglo XX, las formas de cultura más populares tendieron hacia la multimedia, es decir, la combinación de palabras, música, imágenes y danza que creaba complejos resultados artísticos. Además, en su constante referencia a la modernidad ya los nuevos fenómenos de masas, el mencionado movimiento obviamente tuvo en cuenta la música y sus protagonistas. Referencias evidentes al mundo musical se encuentran en la obra de Peter Blake, David Hockney, Richard Hamilton y Andy Warhol, por lo que la obra del artista de Artmajeur se enmarca de lleno en una gran tradición.
Olimpia Gaia Martinelli
