¿Qué se entiende por historia del arte holandés?

La historia del arte holandés se confunde a menudo con la flamenca, ya que, antes del siglo XVI, es decir, la independencia y, por lo tanto, el nacimiento de la República Holandesa, los Países Bajos estaban unidos con los Países Bajos del sur, que, conocidos como Flandes, se pueden ubicar en el territorio de la actual Bélgica. Estos dos países, incluso cuando ambos estaban bajo el dominio español, diferían notablemente en el tipo de producción artística, en que los flamencos católicos, representados por maestros como Rubens y Antoon van Dyck, produjeron obras predominantemente lujosas, cortesanas y a menudo religiosas. mientras que los maestros holandeses, como Johannes Vermeer y Rembrandt, por ejemplo, guiados por la ideología del protestantismo, tendieron más a celebrar el mundo real, que, en ese momento, estaba dominado por la ciencia y el comercio de su fructífera nación. En resumen, la pintura, la gráfica y la escultura flamencas se produjeron en un área de tamaño similar a la Bélgica moderna, aunque el adjetivo antes mencionado se usa para describir el trabajo realizado dentro de una región histórica que en realidad era mucho más grande, que abarcaba a los vecinos Brabante, Henao, Picardía y Artois. . La mencionada producción artística asumió un papel decisivo en la historia figurativa europea especialmente entre los siglos XV y XVII, mientras que, en Holanda, es imposible no mencionar la Edad de Oro de las artes, que se extendió aproximadamente a lo largo del siglo XVII.

Taco Eisma, La habitación , 2022. Óleo sobre lienzo, 60 x 80 cm.

Van Lanigh, La cosecha , 2022. Óleo sobre lienzo, 60 x 50 cm.

La edad de oro del arte holandés

La denominación Edad de Oro denota ese período particular de la historia holandesa que, ubicado entre los siglos XVI y XVII, es decir, posterior al logro de la autonomía política, estuvo marcado por un desarrollo formidable de la ciencia y el comercio, por decir lo menos. En este contexto, las artes figurativas, que necesariamente debieron verse afectadas y, en consecuencia, reflejadas por este clima floreciente, florecieron de manera extraordinaria, convirtiéndose en un modelo para toda la tradición del arte europeo. En particular, en lo que respecta a la pintura del Siglo de Oro, se puede situar en un lapso de tiempo que va desde aproximadamente 1620 a 1672, período en el que se abandonan fuertemente las representaciones sacras y los temas bíblicos, para favorecer las escenas de género, bodegones, "pequeñas bagatelas", paisajes, tronie y retratos realistas, destinados a satisfacer las demandas de una clientela secular y mercantil, más que institucional, eclesiástica y aristocrática. Es precisamente este tipo de producción figurativa, junto con mapas y estampas, la que se difundió con gran éxito en los hogares de los holandeses, tanto que, muchas veces, ha quedado plasmada en pinturas de la época, donde es posible discernir obras de pequeño formato extremadamente comerciales. Sin embargo, cabe destacar cómo no faltó la pintura de gran formato, que sin duda se incrementó con el paulatino aumento de la prosperidad del país. Hablando del estilo de las pinturas de la época, el realismo de estas últimas estuvo a menudo acompañado por la precisión con la que se representaban tanto la luz como el brillo, a menudo yuxtapuestos con un impresionante cuidado y atención al detalle, seguramente heredado de la cercana tradición flamenca. En conclusión, es bueno enfatizar cómo estos rasgos estilísticos holandeses abrieron la puerta a un tipo innovador de representación de la sociedad, que fue capturada a través de figuras individuales, familias campesinas, escenas de tabernas, escenas de fiestas, mujeres en el trabajo, pueblo o ciudad. escenas, escenas con animales, y muchas otras. Finalmente, es imposible no mencionar a los maestros más icónicos del Siglo de Oro como, por ejemplo, Rembrandt, Veermeer, Johannes Vermeer, Frans Hals, Jan Steen, Rachel Ruysch y Judith Leyster.

Roco.Studio, Retrato rosa , 2020. Acrílico sobre lienzo, 115 x 95 cm.

Karin Sommen, Onderbovenwater , 2019. Acrílico sobre lienzo, 140 x 100 cm.

La "Edad de Oro" contemporánea

Así como entre los siglos XVI y XVII, un período significativo para las artes figurativas holandesas, el mundo contemporáneo continúa influenciado por el punto de vista creativo de los Países Bajos, que continúa distinguiéndose por técnicas, estilos y temas extremadamente innovadores. de investigación provocado por el trabajo de algunos artistas emergentes populares, como, por ejemplo, Wouter le Duc, Wouter Venema, Koen Taselaar y Jonathan van Doornum. Además, los Países Bajos ahora representan uno de los mayores mercados de arte contemporáneo en los países en desarrollo de Europa, donde la rica oferta a menudo se mejora y destaca mediante la organización de múltiples eventos, como la conocida Semana del Arte de Róterdam. Finalmente, en este próspero contexto, es imposible no considerar la inédita y variada investigación figurativa de los artistas holandeses de Artmajeur, bien representada por las obras de Bart Stillekens, NCJ Stam y René Rikkelman.

Bart Stillekens, Ibex skull , 2022. Escultura, metales / resina, 40 x 40 x 40 / 1,00 kg.

**Bart Stillekens: cráneo de cabra montés**

Bart Stillekens, también conocido con el diminutivo de B-art, es un ecléctico pintor y escultor contemporáneo holandés nacido en 1993, cuya investigación artística se lleva a cabo mediante el uso de múltiples materiales y técnicas, que se expresan dentro de una experimentación constante. Parte indiscutible de su producción son las mínimas esculturas de vanidad en resina y metal, que, reducidas a meros cráneos de animales dorados, quedan bien ejemplificados en la obra Ibex skull de 2022, destinada a reproducir el cráneo de cabra montés. Este último, realizado probablemente con la intención de cruzar la mirada del espectador, como en una especie de memento mori visual, también invita a disfrutar de los placeres de la vida, sugeridos por el color dorado, que siempre ha simbolizado el sol, el calor, la fuerza. , poder y riqueza, pero también incorruptibilidad e inmortalidad divina. Hablando de historia del arte, vale la pena considerar cómo precisamente el género de la vanidad tuvo su mayor desarrollo en la Holanda del siglo XVII, donde se convirtió en sinónimo de la precariedad, que arrasó el continente europeo tras la Guerra de los Treinta Años y la expansión de las epidemias.

NCJ Stam, La carga de la corona , 2021. Escultura de bronce / collage, 20 x 10 x 8 / 3,00 kg.

NCJ Stam: La carga de la corona

NCJ Stam, también conocido como Co Stam, es un escultor holandés contemporáneo nacido en 1942, que se expresa principalmente modelando el bronce, material a través del cual investiga mayoritariamente la figura humana y, secundariamente, también la figura animal. La técnica utilizada para crear las obras del artista Artmajeur es la de la "cera perdida", un proceso difundido ya en el tercer milenio antes de Cristo, según el cual se realiza un modelo de cera, que se cubre con arcilla, creando un molde. Luego, a través de agujeros en la arcilla, se extrae la cera del molde calentándola, después de lo cual se vierte bronce fundido en ella. Al final de la operación, posterior al desmoldeo, se obtiene una escultura de bronce idéntica al modelo de cera de partida. Esta técnica de "cera perdida", que recibe el nombre de método directo, se distingue bien del método indirecto, según el cual el modelo de cera se construye sobre uno de arcilla, permitiendo crear en su interior formas huecas. Fue precisamente a partir del proceso histórico que se creó la irreverente escultura La carga de la corona , destinada a representar al titán de la mitología griega Atlas, quien, en lugar de estar condenado a llevar el universo sobre sus hombros, debe soportar el peso de las tragedias actualmente no resueltas de Covid-19.

René Rikkelman, Sensual labios dorados , 2020. Escultura, resina sobre madera, 40 x 60 x 20 cm / 3,00 kg.

René Rikkelman: Sensuales labios dorados

René Rikkelman, escultor holandés contemporáneo nacido en 1959, prefiere la creación de obras estilizadas, que, creadas primero en cera o arcilla, son luego fundidas en bronce, un metal destinado a expresar un lenguaje figurativo en constante búsqueda de la línea o la forma sensual. . Precisamente esta última aspiración se materializó en gran medida en la obra Sensual labios de oro , destinada a inmortalizar un suave, sinuoso, erótico y refinado primer plano de la boca de una mujer carnosa suavemente entreabierta. Con la misma intención, el sofá en forma de labios, diseñado por Gufram en 1970 y expuesto en los museos más importantes del mundo, como el Louvre (París), el Museo de Artes Aplicadas y Ciencias (Sídney) y el Museo del Diseño (Múnich), buscó hacer icónico uno de los símbolos por excelencia de la belleza femenina. Sin embargo, los orígenes de este ahora legendario objeto de diseño se pueden encontrar en la historia del arte, ya que este sofá sin duda se inspiró en el rostro de Mae West, inmortalizado en la pintura de Salvador Dalí de 1935.