0023 (2021)Dibujo de Hiperblackart.
Hay varias formas de hablar sobre el arte del dibujo, como ilustrar el origen de su técnica explicando su evolución, o mostrar en orden cronológico obras que cambiaron su historia, finalmente, ubicar la narración en un marco temporal preciso, para dejar que el Las obras de los principales exponentes de la época en cuestión hablan por sí solas, como si tomáramos como modelos a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael para contar la historia del dibujo renacentista. Con respecto a esto último, introduciendo el tema de una manera más general, es decir, sin mencionar aún a los genios antes mencionados, es bueno resaltar cómo durante el Renacimiento, la técnica artística antes mencionada se utilizó principalmente con un propósito utilitario: el de servir como un tiempo prolífico para dedicarse a la elaboración de ideas artísticas, que se desarrollaron, quizás, en una etapa posterior. Esta práctica, conocida como dibujo preparatorio, se volvió sumamente necesaria para los artistas, que querían prepararse para un próximo encargo o composición. Dentro de esta exteriorización artística se distinguían el dibujo real y la invención, siendo el primero entendido como la capacidad de crear figuras armoniosas y proporcionadas, el segundo entendido como el elemento de pura innovación en la presentación de una imagen, dispuesta a evocar lo imaginario y lo desconocido, así como dar nueva forma a la iconografía convencional, experimentando, por ejemplo, con perspectivas novedosas. Dejando de lado la invención y el dibujo, en el arte renacentista podemos encontrar generalmente cuatro tipos de dibujo: preliminar (boceto), del natural, maquetas y viñetas, y los dibujos transferidos. Respecto a los primeros, es bueno destacar cómo los artistas del Renacimiento realizaban bocetos, en los que, imaginando un futuro tema a tratar, daban vida a figuras con eficacia gestual, desprovistas de minuciosos contornos musculares y proporciones precisas, dando peso a la expresividad y la Relaciones entre los elementos de la composición. El dibujo del natural, por su parte, se utilizó para estudiar las poses específicas asumidas por las figuras vivas, mientras que se terminaron maquetas y cartones, dibujos formales que el artista compartió con el comisario para la realización de un encargo específico. Finalmente, precisamente muchos cartones terminados fueron utilizados entre los siglos XV y XVI para trasladar el dibujo a la superficie que contendría la obra terminada. Volviendo ahora al relato del dibujo a través de sus exponentes más importantes del Renacimiento, es obligatorio hablar en primer lugar de Leonardo da Vinci, y luego pasar a Miguel Ángel y al joven Rafael. Del primer maestro en cuestión, es necesario dar a conocer cómo él, que se estremecía por conocer el mundo que le rodeaba a través de la razón, se apoyó en el modelo científico, investigando precisamente a través de la técnica del dibujo, que ha de entenderse como la representación más inmediata de la idea y el pensamiento. En este contexto, lo dicho queda bien ejemplificado en el dibujo de la catapulta, mezcla de arte, practicidad, ciencia, ingeniería e imaginación, que, realizada con pluma de tinta sobre papel, representa un boceto de la antigua máquina de guerra acompañada por notas explicativas, destinadas a transformar una obra de arte en un dibujo diseñado para ser utilizado concretamente. De hecho, dicha tinta insinúa cómo habría funcionado el dispositivo, mediante el uso de algunas palancas, engranajes y pesos de madera, quizás con el agregado de algunos elementos metálicos, funcionales para lanzar piedras a largas distancias.
CONVERGENCIA DE VARIABLES ALEATORIAS (2019)Dibujo de Marco Paludet.
OFICIUM (2021)Dibujo de Karen David.
Después de Leonardo le toca el turno a Miguel Ángel, cuya extraordinaria habilidad para el dibujo se puso al servicio de disciplinas tan diversas como el fresco, la arquitectura y la escultura, técnicas en las que sus bocetos habrían sido el primer y principal punto de referencia. Generalmente los dibujos de Miguel Ángel aparecen inacabados, tanto que parecen ser funcionales únicamente para la realización de la obra principal, ya que sólo en contadas ocasiones se realizaron también en detalle, lo que, transformándolos en obras complejas, creaba composiciones que los maestro solía dar como regalos a amigos y colegas. Un ejemplo del dibujo del genio toscano es Il sogno (El sueño), uno de los dibujos más conocidos del Renacimiento italiano, cuyo significado, enigmático y elusivo, probablemente esté relacionado con el mundo onírico, plasmado a través de la representación de un espíritu alado, descendiendo en picado para llevar un mensaje a un joven desnudo, decidido a apoyar la parte superior de su figura sobre un globo terráqueo, que encuentra su lugar sobre una caja que contiene enigmáticas máscaras. Formando el fondo de esta composición hay varios grupos de cuerpos retorcidos, que se pierden en los humos de una neblina bastante turbia. En este contexto, la figura principal del desnudo podría interpretarse como la personificación de la conciencia humana, despertando de un sueño, para consagrarse a la virtud renunciando al vicio, tal vez representada por las múltiples figuras del fondo. Finalmente, otros símbolos parecerían ser el saco de dinero, alusivo a la avaricia, y las máscaras, emblemas del engaño y la mentira. El resultado es una obra capaz de testimoniar las dotes excepcionales de Miguel Ángel como dibujante, un artista capaz de crear composiciones complejas y poderosas, en las que la carne se plasma con trazos casi invisibles, definida con contornos firmes, dispuesta a evocar el milagro del arte escultórico. Finalmente, el último maestro en cuestión es Rafael, un artista que, refiriéndose a las palabras de Giorgio Vasari, estudió mucho, experimentando con composiciones innovadoras, precisamente a través del dibujo, técnica que durante el Renacimiento fue reconocida como un forma de arte autónoma y, por lo tanto, también comercializada como pintura. Sin embargo, Rafael siguió concibiendo el dibujo como obra acabada sólo en contados casos excepcionales, explotándolo sobre todo con fines utilitarios, es decir, como modelo para el desarrollo creativo posterior, a realizar exclusivamente en pintura, ya sea al fresco, lienzo o panel. Un ejemplo del dibujo del maestro italiano es Giovane donna seduta al parapetto di una finestra e altri studi, di figura e architettonici (1511-1514), obra conservada en el Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi (Florencia), en la que un llamativa figura femenina, colocada como indica el título, está acompañada por el estudio de ángeles realizado para el fresco con la Apparizione di Dio a Mosè (Aparición de Dios a Moisés) en la bóveda de la Stanza di Eliodoro (Sala de Heliodoro) en el Vaticano y bocetos arquitectónicos. Aparte de los genios italianos, la narrativa sobre el dibujo en la historia del arte continúa a través del trabajo de artistas de Artmajeur como: Alexander Boytsov, Philippe Alliet y Francesco Marinelli.
NEGRO. METAMORFOSIS. ABSTRACCIÓN (2021) Dibujo de Vesta Shi.
NACIMIENTO (2023) Dibujo de Alexander Boytsov.
Alexander Boytsov: Nacimiento
"Un momento más y un rayo de luz te tocará": son las palabras con las que Alexander Boytsov, artista de Artmajeur, presenta su Nacimiento, un dibujo donde, como él mismo afirma, la presencia de la luz, un ente físico capaz de se impone la construcción, a través de su presencia y ausencia, de sombras afiladas y alargadas, en las que, en este caso, se distinguen bien los volúmenes del cuerpo de una bailarina, dispuesta a moverse de puntillas, mientras viste un tutú clásico. Precisamente esta potenciación de la función de la luz, me trajo a la mente unas fotografías icónicas, encaminadas a hacer concreto y "tangible" el binomio dibujo-brillo: me refiero a los "dibujos de luz" de Pablo Picasso, inmortalizados por los conocidos planos de Gjon Mili, símbolo del brillante encuentro de estos dos grandes exponentes del arte del siglo XX. Recorriendo la historia de los "dibujos de luz" en cuestión, Gjom Mili, un fotógrafo albanés nacido en 1904 e innovador en el campo de la iluminación, visitó a Picasso en 1949, mientras éste residía en el sur de Francia, lugar donde los El fotógrafo dio a conocer al pintor sus últimos experimentos, destinados a retratar a los patinadores sobre hielo, quienes, provistos de luces especiales en sus patines, se desplazaban dibujando en el aire. El maestro español, entusiasmado con tal proyecto, propuso la realización de una sesión fotográfica similar de 15 minutos, a la que siguieron cinco sesiones, en las que se esforzó por trazar en la atmósfera unos bocetos en forma de estelas de luz, teniendo como temas los motivos más populares de su obra, entre ellos, centauros, toros y perfiles griegos. El contraste entre la oscuridad y la luminosidad del dibujo se logró mediante la disposición, dentro de una habitación a oscuras, de dos cámaras, la primera utilizada para la vista lateral y la otra para la vista frontal.
Philippe Alliet: Caballo rebelde 032
La competencia y el dinamismo de los caballos "incompletos" creados por el artista de Artmajeur Philippe Alliet resultan estar en la línea de uno de los experimentos más conocidos, nuevamente en lo que respecta a la técnica del dibujo, llevado a cabo por Henri de Toulouse-Lautrec. Al mismo tiempo, Rebel horse 032 contrasta fuertemente con una obra maestra decididamente más estática del mismo maestro, así como con otra realizada por Leonardo da Vinci. Hablando del caballo que corre, el maestro francés produjo este tema en Sheet of Sketches (c. 1881), un grafito en el que una doncella burguesa avanza saltando vallas a horcajadas sobre su corcel, con la intención de saltar en un movimiento, que se repite en el impulso. de dos minutos, perritos ágiles. El dinamismo que distingue, tanto a Sheet of Sketches, como a la tinta del artista de Artmajeur, deja de existir en Una mujer y un hombre a caballo (1879-81), un dibujo de Toulouse-Lautrec, en el que se encuentra, tanto la influencia de el primer maestro del artista, el deportista René Princeteau, y la influencia de las figuras de moda, que Henri pudo haber observado en la finca familiar de Albi. A la quietud de Una mujer y un hombre a caballo se une la de Estudios de caballos, punta de plata sobre papel azul de Leonardo da Vinci, genio que también representó al mamífero en cuestión de una forma más dinámica, como se evidencia en los dibujos realizados en los contextos de las batallas, así como en las figuras individuales de caballos y caballos y jinetes.
PUEBLO FRANCÉS (2023) Dibujo de Francesco Marinelli.
Francesco Marinelli: pueblo francés
La tinta sobre papel de Francesco Marinelli, titulada French Village, vuelve a proponer un tema muy querido para la historia del arte, a saber, el de la vista, que, en el contexto de las pequeñas ciudades, ciertamente remite al ejemplo de Rembrandt, autor de El molino de viento. (1641), obra en la que practica el arte de dibujar sobre una plancha de metal, posteriormente corroída por el proceso de grabado en huecograbado. Dejando de lado la técnica, la obra maestra de 1641, al igual que la de Marianelli, describe con gran detalle la realidad de la ciudad, aunque en la obra del holandés, el límite entre el pueblo y el campo es algo difuso, ya que muestra principalmente el molino que estaba ubicado en el baluarte De passeerde, situado a lo largo de la muralla de la ciudad que corría el límite occidental de Amsterdam. Este lugar, sede del gremio de peleteros, dedicados al negocio de suavizar el cuero curtido tratándolo con aceite de hígado de bacalao, fue cuidadosamente elaborado, tanto que parece que el trabajo fue observado, estudiado y comenzado desde la vida, y luego terminado en el estudio. Finalmente, desvinculadas de la técnica del dibujo están las rayas diagonales en el cielo, realizadas al pincelar ácido sobre la plancha, con la intención de materializar un efecto atmosférico.
Olimpia Gaia Martinelli
