Karin Aznavour, astronauta dios griego , 2020. Arte digital, varios formatos disponibles.
La importancia de la escultura griega antigua
La escultura de la antigua Grecia representa un referente imprescindible para el estudio de la representación realista del cuerpo humano, de hecho, ha marcado de forma indeleble la historia del arte occidental en sus más variadas corrientes y manifestaciones, que se han extendido desde la época moderna hasta la contemporánea. unos. Pero, ¿cuáles son los orígenes de esta forma de arte que ha cambiado el mundo?
Yaroslav Kurbanov, Guerra del mundo , 2016. Óleo/acrílico/témpera sobre lienzo, 100 x 80 cm.
Secam, V.nus - antik gaming , 2019. Acrílico / pintura en aerosol / rotulador / stencil / plástico sobre lienzo, 116 x 73 cm.
Breve historia de la escultura de la antigua Grecia
Las manifestaciones más tempranas de la escultura griega antigua, que se encuentran entre el 800 y el 300 a. C., tienen claras referencias al arte monumental egipcio y del Cercano Oriente, que, solo más tarde, se convirtió en una visión estética griega única. De hecho, en la Grecia del siglo VIII a. C., la producción de pequeñas figuras sólidas en arcilla, marfil, bronce y madera estaba muy extendida, aunque se han conservado pocos ejemplares de este último material debido a su susceptibilidad a la erosión. Los temas representados con estos soportes eran a menudo figuras de hombres y animales, cabezas humanas y grifos, que se usaban como accesorios para vasijas de bronce o como exvotos destinados a santuarios. En cuanto al estilo, las figuras humanas mencionadas presentan una fuerte afinidad con la cerámica geométrica contemporánea, ya que se caracterizan por tener extremidades alargadas y torsos triangulares. En cuanto a las esculturas más antiguas realizadas en piedra caliza, se remontan a mediados del siglo VII a. C., época en la que comienzan a ser más comunes los trabajos en bronce más complejos, que representan guerreros, aurigas y músicos. Las esculturas de mármol, por su parte, se difunden a partir del siglo VI aC, mediante la producción de estatuas monumentales o de tamaño natural, destinadas tanto a ofrendas para santuarios como a lápidas. Volviendo a las esculturas realizadas en piedra, los ejemplares más populares y de gran tamaño, que datan del siglo VII a. C., se conocen con el nombre de Kouroi , cuando inmortalizan a jóvenes varones, o de Kore , en el caso de que representen figuras femeninas vestidas. Estos personajes, marcados por una fuerte rigidez, similar a la de las estatuas monumentales egipcias, se caracterizan por brazos rectos a los lados del cuerpo, pie adelantado, mirada fija y una morfología facial inexpresiva. Este estatismo se desvaneció con el tiempo, en particular gracias a la introducción de detalles llenos de "vida", fruto del ingenio de los escultores griegos, que se alejaron de las rígidas reglas del arte conceptual arcaico, para comenzar a reproducir lo que en realidad observado de la vida. La búsqueda de tal realismo explotó con fuerza durante el período clásico, cuando los artistas comenzaron a crear esculturas de mármol de tamaño natural, con el objetivo de glorificar la forma humana, y especialmente la forma masculina. A partir de ese momento, las figuras, realizadas con una sensualidad sin precedentes, quedaron congeladas en el estado de acción, como si sólo un segundo antes hubieran estado realmente vivas. El innovador estudio de los cuerpos se combina también con un nuevo enfoque en la representación de los rostros y la ropa, de hecho, los primeros adquieren una mayor expresividad, convirtiéndose en un recordatorio de un estado de ánimo particular, mientras que los segundos se esculpieron de una manera más realista y sutil, pudiendo revelar los contornos de los cuerpos. En resumen, estas esculturas lograron transformar la materia dura y sin vida en cualidades intangibles como el equilibrio, el estado de ánimo y la gracia, lo que dio lugar a algunas de las más grandes obras maestras del arte mundial.
Egidio Gariano, Apolo MMXXI , 2021. Acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm.
Marko Grgat, Fragmento 8 , 2020. Escultura de loza sobre madera, 31 x 17 x 14 cm / 2,00 kg.
Escultura griega en el arte contemporáneo
La escultura griega antigua, con su elegancia, refinamiento y sofisticación de ejecución, sigue inspirando a artistas de todo el mundo, incluidos los de Artmajeur, que nos han brindado una interpretación contemporánea de obras y temas icónicos, capaces de "resucitar" el arcaísmo griego y clasicismo en nuevos ambientes, derivados del Abstraccionismo, Surrealismo y Pop-Street art. Esto está bien ejemplificado por Kouros de Antoni Dragan, Nike liberado por Marco Tidu y Zeus Pop por Vincent Bardou.
Antoni Dragan, Kouros, 2022. Escultura en piedra, 35 x 10 x 10 cm / 2,00 kg.
Antoni Dragan: Kouros
La escultura del artista de Artmajeur, Antoni Dragan, vuelve a proponer un Kouros griego arcaico respetando sus peculiaridades formales. De hecho, el joven desnudo, realizado en piedra, queda inmortalizado en su pose estandarizada, marcada por manos a los lados del cuerpo y una pierna adelantada. Es importante destacar que en el contexto griego esta falta de adhesión a los cánones del realismo estaba ligada tanto a una observación "superficial" de la realidad como a la necesidad de representar ante todo el concepto de juventud del que el Kouros era símbolo. . En la obra de Dragan se suma a esta tradición un nuevo simbolismo que, conferido por una innovadora fundición cromática en rojo y negro, sitúa la obra en un nuevo contexto a medio camino entre el arcaísmo y la contemporaneidad. De hecho, la técnica con la que el artista coloca la pintura sobre el soporte sigue la del dripping de Pollock, maestro indiscutible de la historia del arte del siglo XX.
Vincent Bardou, Zeus Pop, 2022. Acrílico/spray/tinta/rotulador/pigmentos sobre lienzo, 100 x 80 cm.
Vincent Bardou: Zeus Pop
Zeus, divinidad suprema de la religión griega, fue objeto de muchas representaciones en el mundo antiguo, entre las cuales, la más icónica es seguramente la de Olimpia (Grecia), lamentablemente hoy perdida. La estatua de la ciudad de los Juegos, realizada por el famoso Fidias y colocada en el interior del Templo de Zeus, fue considerada en realidad una de las siete maravillas del mundo. De hecho, la obra se destacó, tanto por su altura, casi 12 metros, como por su preciosidad, al estar chapada en oro y marfil y enriquecida con detalles en cedro adornados con ébano, marfil, oro y piedras preciosas. Desafortunadamente, el templo que contenía esta obra maestra fue destruido en el año 426 d. C., por lo que solo queda su fama legendaria de la estatua. Sin embargo, el mito de la iconografía de Zeus continúa vivo, de manera sorprendente, incluso en el arte contemporáneo, como lo demuestra la pintura dinámica y colorida del artista de Artmajeur Vincent Bardou. De hecho, esta obra, a medio camino entre la vivacidad cromática del Pop art y los tags y graffitis del Street art, celebra al dios de una manera profana y completamente nueva, casi como si se hubiera convertido en una popular estrella de Hollywood.
Marco Tidu, Nike liberated, 2016. Carboncillo sobre cartón, 136 x 96 cm.
Marco Tidu: Nike liberata
El hiperrealismo surrealista del carboncillo realizado por Marco Tidu destaca, en un contexto imposible, la perfección de los elementos estilísticos griegos, que se celebran a través de nuevos e innovadores remakes, entre los que destacan los de la Victoria alada de Samotracia y la Venus de Milo . destacan claramente. De hecho, como sugiere el título, parece que la Victoria Alada , protagonista de la obra, ha logrado, a diferencia de las otras dos "mujeres" estáticas, "liberarse" de su inmovilidad, obteniendo el dinamismo de un ser vivo. Ciertamente, lo dicho ha sido posible gracias al realismo de la obra maestra de Pitócrito, ya que sólo una estatua, que ya en sí misma parece real, podría llegar a serlo realmente. Por eso, con este relato de libertad, la obra de Tidu, además de mostrar la belleza del clasicismo, también nos invita a la ensoñación.
Olimpia Gaia Martinelli
