Con la llegada del Salon du dessin 2025 , que reunirá a coleccionistas, expertos y entusiastas de todo el mundo en el Palais Brongniart de París , es el momento perfecto para celebrar el papel fundamental del dibujo en la historia del arte.
Desde los estudios más delicados hasta las expresiones más audaces, el dibujo siempre ha estado en el corazón de la creación artística, ofreciendo una mirada privilegiada a las mentes de los más grandes maestros. En honor a este prestigioso evento, presentamos 10 dibujos imprescindibles , obras atemporales que narran la evolución de la técnica, la visión y la creatividad.
Andrea Mantegna, Hombre recostado sobre una losa de piedra, 1470-80. Dibujo a pluma y tinta. Fideicomisario del Museo Británico.
Andrea Mantegna – Hombre reclinado sobre una losa de piedra (1470-1480)
La obra Hombre reclinado sobre una losa de piedra , creada entre 1470 y 1480 con pluma y tinta , encarna la extraordinaria capacidad de Andrea Mantegna para combinar precisión anatómica, dramatismo expresivo y una perspectiva ilusionista sin precedentes . El hombre representado, con su cuerpo semireclinado y una expresión de dolor y abandono , exuda una tensión escultórica que lo hace parecer vivo y tangible , casi tridimensional en su realismo. La obra de arte ahora se encuentra en el Museo Británico .
Este dibujo está en diálogo directo con el célebre Cristo muerto de Mantegna, conservado en la Pinacoteca di Brera . Ambas obras comparten la misma investigación de la perspectiva y el deseo de experimentar con el escorzo anatómico , un elemento definitorio del arte de Mantegna. El dibujo no precede al Cristo muerto , sino que es contemporáneo a él , lo que demuestra cómo el artista estaba comprometido en una exploración profunda de la representación tridimensional de la figura humana . La posición del cuerpo, el escorzo extremo y la intensidad expresiva sugieren una fuerte conexión entre las dos obras, unidas por la misma tensión plástica y la fascinación por el ilusionismo espacial .
Leonardo da Vinci, El hombre de Vitruvio, 1490. Dibujo a pluma y tinta sobre papel. Galería dell'Accademia, Venecia.
Leonardo da Vinci – El hombre de Vitruvio (1490)
Dibujado por Leonardo da Vinci alrededor de 1490 , el Hombre de Vitruvio es una de las imágenes más emblemáticas de la historia del arte. La obra representa a un hombre inscrito dentro de un círculo y un cuadrado , demostrando las proporciones ideales del cuerpo humano según las teorías del arquitecto romano Vitruvio .
El círculo , que simboliza el cosmos y la perfección divina , y el cuadrado , que representa la dimensión terrenal , se entrecruzan en la figura humana, que se convierte en el vínculo entre el microcosmos y el macrocosmos . Este concepto, derivado de la filosofía platónica y neoplatónica , refleja el ideal renacentista del hombre como medida de todas las cosas .
El estilo de Leonardo se distingue por su extraordinaria precisión anatómica , fruto de estudios minuciosos del cuerpo humano. A diferencia de las representaciones vitruvianas anteriores, su dibujo se basa en la observación directa , en lugar de limitarse a reproducir el texto clásico.
Leonardo da Vinci, Autorretrato, 1517-18. Dibujo de tiza roja sobre papel. Biblioteca Real, Turín.
Leonardo da Vinci – Autorretrato (1517-18)
El Autorretrato de Leonardo da Vinci, realizado en torno a 1517 , ha definido el imaginario colectivo del genio renacentista . Este dibujo a sanguina sobre papel , caracterizado por un trazo seguro y fluido , combina magistralmente la precisión técnica y la profunda introspección psicológica . El protagonista, un hombre de edad avanzada y rostro desgastado por el tiempo , mira al espectador con una mirada penetrante y expresiva .
El sutil claroscuro , logrado mediante el magistral manejo de la tiza roja por parte de Leonardo, otorga al retrato una fuerte sensación de volumen y tridimensionalidad , lo que le confiere una calidad casi escultórica. Su trazo esencial pero profundo , enriquecido con delicados sombreados, enfatiza la suavidad de los rasgos faciales y realza la sensación de profundidad.
Aunque originalmente fue concebido como un dibujo independiente, el Autorretrato de Leonardo influyó enormemente en el mundo del grabado , siendo reproducido y ampliamente difundido a través de estampas desde el siglo XIX . Una de las primeras reproducciones se realizó en 1810 , cuando Giuseppe Bossi creó un grabado del retrato para su tratado Il Cenacolo di Leonardo da Vinci , consolidando aún más su fama. La obra resurgió en 1839 , cuando pasó a formar parte de la colección de la Casa de Saboya , antes de ser albergada de forma permanente en la Biblioteca Reale de Turín .
Aunque se reconoce universalmente que se trata de la auténtica imagen de Leonardo , algunos estudiosos han cuestionado esta identificación a lo largo del tiempo, proponiendo que el sujeto podría ser Ser Piero da Vinci (su padre), su tío Francesco o incluso un filósofo de la antigüedad . Sin embargo, una comparación con el conocido dibujo de perfil de Leonardo en Windsor , atribuido a su alumno Francesco Melzi , ha reforzado la idea de que se trata de hecho de un retrato del Maestro en los últimos años de su vida . Esta interpretación se alinea con una descripción de 1517 del secretario de Luigi d'Aragona , que retrató a Leonardo como un hombre de más de setenta años .
Alberto Durero, Manos en oración, c. 1508. Dibujo. Albertina, Viena.
Alberto Durero – Manos en oración (c. 1508)
El dibujo de Alberto Durero es una obra que trasciende el tiempo y es reconocida en todo el mundo occidental como un símbolo universal de fe y devoción . Creada con pluma y tinta sobre papel teñido de azul , esta obra maestra representa dos manos masculinas unidas en oración , con dedos delgados y muñecas parcialmente cubiertas por mangas arremangadas .
La extraordinaria atención de Durero al detalle , desde el claroscuro refinado hasta la representación tridimensional , muestra su notable habilidad gráfica , capaz de imbuir incluso un simple estudio anatómico de profunda expresividad.
Tradicionalmente, el dibujo se ha considerado un estudio preparatorio para las manos de un apóstol que debían aparecer en el panel central del retablo de Heller , encargado para la iglesia dominicana de Frankfurt y trágicamente destruido en un incendio en 1729. Sin embargo, investigaciones recientes sugieren que el dibujo no era un mero estudio preliminar , sino más bien una reelaboración altamente refinada y virtuosa de las manos pintadas en el retablo, una imagen que Durero pudo haber traído de vuelta a Alemania después de su famoso viaje a Italia .
Michelangelo Buonarroti, Crucifixión de Vittoria Colonna, 1545. Carboncillo sobre papel. Museo Británico, Londres.
Miguel Ángel Buonarroti – Crucifixión de Vittoria Colonna (1545)
Realizada en torno a 1545 , Crucifixión para Vittoria Colonna es un dibujo en carboncillo sobre papel atribuido a Miguel Ángel Buonarroti , que hoy se conserva en el Museo Británico de Londres . Esta obra es uno de los ejemplos más íntimos de su producción gráfica , profundamente vinculado a su amistad con Vittoria Colonna , una noble y poetisa estrechamente asociada a los círculos de la Reforma .
A diferencia de las representaciones tradicionales de la Crucifixión , el Cristo de Miguel Ángel no aparece estático en la cruz , sino que parece levitar, elevándose en un movimiento de rotación . Su cuerpo, modelado con extraordinaria plasticidad anatómica , se retuerce de una manera que transmite a la vez dolor y ascensión espiritual , como si ya estuviera proyectado hacia la resurrección . A ambos lados, dos ángeles de luto , representados con líneas esenciales , participan en la escena con intensa carga emocional.
La interpretación dinámica del cuerpo de Cristo puede reflejar las influencias del pensamiento de la Reforma católica , que enfatizó su muerte como el único camino hacia la salvación individual , subrayando el sacrificio como el acto máximo de redención .
Rafael Sanzio, Estudio de las cabezas y las manos de dos apóstoles , 1519-20. Dibujo. Museo Ashmolean, Oxford.
Rafael Sanzio – Estudio de las cabezas y las manos de dos apóstoles (1519-20)
Este estudio preparatorio para La Transfiguración , el gran retablo pintado entre 1518 y 1520 , hoy conservado en la Pinacoteca Vaticana , es una obra extraordinaria que ofrece una visión del proceso creativo de uno de los más grandes maestros de la historia del arte .
El dibujo presenta dos figuras contrastantes : un joven de rostro idealizado y un anciano de barba suelta , ambos inmersos en una intensa participación emocional en la escena de la Curación del Endemoniado , representada en la parte inferior del cuadro. La habilidad de Rafael reside en su capacidad para caracterizar los rostros con extrema sensibilidad , haciendo casi tangible el patetismo de la escena .
El trazo de tiza negra , manejado con una gama tonal excepcional , permite una delicada modulación de luz y sombra , prefigurando el claroscuro pictórico del cuadro final. Este estudio no es un mero ejercicio anatómico , sino una profunda investigación sobre la naturaleza humana y sus emociones conflictivas .
La lámina también revela rastros de pouncing , una técnica utilizada para transferir los contornos de las cabezas y las manos desde un cartón preparatorio de mayor tamaño . Esto demuestra cómo el artista refinó progresivamente la composición, centrándose en los detalles más expresivos para lograr la perfección en la ejecución pictórica .
Rembrandt van Rijn, Autorretrato, 1637. Tiza roja. Galería Nacional de Arte, Washington.
Rembrandt van Rijn – Autorretrato (c. 1637)
Entre la vasta colección de autorretratos de Rembrandt, que incluye más de 40 pinturas, 31 grabados y varios dibujos , el retrato en tiza roja creado alrededor de 1637 , hoy conservado en la Galería Nacional de Arte de Washington , destaca por su inmediatez y vitalidad expresiva .
En esta obra, Rembrandt se retrata a sí mismo con un sombrero de ala ancha y una prenda ricamente plisada , pero el verdadero punto focal de la composición es su rostro , representado con líneas suaves, fluidas y casi abocetadas , que le dan a la figura un aire espontáneo y contemplativo . Su mirada directa y ligeramente irónica , combinada con un trazo rápido y vibrante , revela no solo su maestría técnica sino también su deseo de explorar continuamente su propia imagen de nuevas maneras .
Este dibujo es parte del autoexamen que Rembrandt realiza durante toda su vida , y que recorre toda su carrera: desde sus primeros autorretratos , donde aparece como un artista ambicioso y emergente , hasta los poderosos y melancólicos retratos de la vejez , marcados por sombras profundas e introspección .
Edgar Degas, Danseuse Debout, c. 1877. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.
Edgar Degas - Danseuse Debout (c. 1877)
Entre los artistas que han plasmado el mundo de la danza con una sensibilidad extraordinaria , Edgar Degas ocupa un lugar de honor. Su obra Danseuse Debout (c. 1877 ), realizada en pastel sobre papel , es un ejemplo perfecto de su capacidad para retratar el movimiento, la gracia y el esfuerzo de las bailarinas de la Ópera de París .
El dibujo muestra a una joven bailarina en un momento de preparación : el torso ligeramente inclinado, un brazo extendido y una pierna levantada , lo que sugiere un ejercicio de calentamiento o un momento de equilibrio . Degas no busca la pose teatral perfecta, sino más bien el momento fugaz, la espontaneidad del movimiento . La bailarina parece completamente absorbida en su propio mundo, sin autoconciencia ni actuación , como si no fuera consciente de la mirada del artista.
La elección de los pasteles , con sus trazos suaves y delicados matices cromáticos , permite a Degas enfatizar la luminosidad del tutú, el brillo de la seda de las medias y las zapatillas de ballet . Sus líneas rápidas y vibrantes parecen esculpir la figura con energía, mientras que el fondo indefinido atrae la atención hacia la acción de la bailarina, resaltando su movimiento y su presencia.
Vincent van Gogh, Tristeza, 1882. Dibujo, The New Art Gallery Walsall, Inglaterra.
Vincent van Gogh – Tristeza (1882)
Creada en 1882 , El dolor es una de las primeras obras maestras gráficas de Vincent van Gogh , una obra intensa y dramática que revela el profundo sentido de empatía del artista por los marginados . Este dibujo a lápiz y tinta representa a Clasina Maria Hoornik , conocida como Sien , una mujer embarazada y abandonada , cuyo cuerpo lleva las marcas de una vida dura .
La figura femenina aparece sentada, con el torso inclinado hacia delante y los brazos cruzados sobre las piernas , en una postura que expresa agotamiento, desesperación y resignación . Su cuerpo está desnudo , pero sin idealización : es una representación cruda y realista del sufrimiento humano .
La obra va acompañada de la inscripción:
“ ¿Cómo puede haber en la tierra una mujer sola, abandonada?” , cita del historiador Jules Michelet . Esta frase aporta un elemento interpretativo clave , revelando que el dibujo no es solo un retrato , sino también una denuncia social de la difícil situación de las mujeres marginadas en el siglo XIX .
Sien Hoornik no fue solo una modelo para Van Gogh, sino una mujer con la que compartió parte de su vida. La conoció en las calles de La Haya en enero de 1882. Estaba embarazada, era indigente y se veía obligada a prostituirse para sobrevivir . Van Gogh la acogió y la mantuvo durante aproximadamente un año, creando un vínculo que, para él, representaba un acto de caridad y solidaridad .
Pablo Picasso, Fauno revelando a una mujer dormida (Júpiter y Antiope, según Rembrandt), 1936. Tate, Londres.
Pablo Picasso – Fauno revelando a una mujer dormida (Júpiter y Antiope, según Rembrandt) (1936)
Pablo Picasso, Fauno revelando a una mujer dormida (Júpiter y Antiope, según Rembrandt), 1936
Tate, Londres.
La obra está inspirada en un episodio de la mitología clásica, representado anteriormente por Rembrandt en 1659: la historia de Júpiter y Antiope, en la que el dios, disfrazado de sátiro, se acerca sigilosamente a la princesa dormida. Sin embargo, la reinterpretación de Picasso va mucho más allá de la referencia histórica, transformando el tema en una imagen de fuerte tensión erótica y ambigüedad narrativa.
El fauno, una figura mitológica asociada con los instintos primarios y la sexualidad, se inclina sobre una mujer dormida, levantando el velo que la cubre. El cuerpo femenino, suave y opulento, contrasta con la fisionomía más agresiva y animal de la criatura masculina, enfatizando la dualidad entre pasividad y dominio, sueño y realidad.
Picasso emplea una combinación de aguafuerte y punta seca, técnicas de grabado que le permiten lograr una riqueza de líneas y texturas comparables a las del dibujo. Sus líneas fluidas y rápidas parecen casi esbozadas, mientras que las sombras intensas y las superficies rayadas crean un contraste dramático, aumentando la tensión de la escena.
La similitud entre este grabado y el estilo gráfico de Picasso es notable: el trazo inquieto y fragmentado recuerda sus estudios a lápiz y carbón, mientras que los efectos de claroscuro acentúan el volumen y la tridimensionalidad de las figuras, como si primero hubieran sido modeladas en papel antes de ser grabadas en la placa.
Olimpia Gaia Martinelli
