El arte contemporáneo ha sido a menudo objeto de intensa controversia . Sin embargo, estos escándalos no son exclusivos de nuestro tiempo. Ya en 1541, Miguel Ángel provocó la ira de la opinión pública al crear uno de los frescos más famosos de la Historia del Arte: El Juicio Final . En las paredes de la Capilla Sixtina, los cuerpos desnudos serán rápidamente re-vestidos por la censura eclesiástica.
Muchos otros acontecimientos marcarán la conciencia y la moral, hasta el advenimiento del impresionismo que confirmará la oposición entre la creación contemporánea y el academismo latente , modelo de una sociedad puritana vacilante.
Aquí no evocaremos las obras de indignación arraigada: Merde d'Artiste de Manzoni, Fontaine de Duchamp o la reciente Banane (" El comediante ") de Maurizio Cattelan. Preferimos hacerles descubrir algunas obras contemporáneas un poco menos famosas, pero igualmente interesantes, por su dimensión polémica, así como por su curiosa (ya veces violenta) recepción ante el público.
¡Siéntate, deja paso al escándalo!
Andrés Serrano, Piss Christ, 1987
Piss Christ es una fotografía tomada en 1987 por el artista Andrés Serrano, originario de Brooklyn. Descubrimos un crucifijo de plástico sumergido en un acuario lleno de orina y sangre .
Para el artista, esta obra desconcertante debe verse como una crítica del lucrativo negocio en torno al catolicismo y una " condena de quienes abusan de la enseñanza de Cristo para servir a sus propios fines despreciables ". ".
El alcance altamente blasfemo de este trabajo lógicamente provocará importantes controversias, en los Estados Unidos y en el extranjero, y en particular en Francia. En el continente americano, la obra no pasó desapercibida, llegando incluso a ocupar los titulares de algunos periódicos nacionales. Ahora se encuentra en el ranking de las 100 fotografías más icónicas de todos los tiempos según la revista Time .
El trabajo fue recompensado rápidamente por una poderosa institución artística en 1989 ( Southeastern Center for Contemporary Art, literalmente Southeastern Center for Contemporary Art ), financiada a su vez con fondos públicos. Algunos senadores estadounidenses se sienten ofendidos por este apoyo público a un trabajo que consideran indecente . Luego sigue una feroz lucha senatorial entre detractores y partidarios de este enfoque, en el contexto de un debate sobre la libertad artística .
Tras esta intervención política , la obra estará plagada varias veces de violencia infernal, ya sea en Estados Unidos, Suecia o incluso en Francia, donde la obra será vandalizada durante una exposición en Aviñón en 2011., por varios individuos equipados con martillos y objetos contundentes, que también atacarán al personal del museo que intervenga en esta macabra maniobra.
El director del museo recibirá numerosas amenazas de muerte y se organizará una manifestación que reunirá a más de mil personas en la ciudad sede de la obra.
Chris Ofili, "La Santísima Virgen María", 1996
La Santísima Virgen María es una pintura creada por el artista británico Chris Ofili en 1996. Representa a una mujer negra con un vestido azul, una prenda tradicionalmente atribuida a la Virgen María . No fue esta simple libertad tomada por el artista lo que atrajo la controversia.
¿Su particularidad? El artista utilizó diferentes técnicas en la realización de la obra: óleo , lentejuelas, resina de poliéster… y sobre todo: ¡ estiércol de elefante y fragmentos de imágenes pornográficas ! De hecho, alrededor de esta virgen negra, distinguimos formas similares a las mariposas. Sin embargo, estos elementos gráficos no son lepidópteros, sino atributos genitales femeninos, generalmente muy alejados de los estándares artísticos que rodean al tema sagrado de la Virgen María.
Para el artista, ex monaguillo, esta obra no constituye realmente una blasfemia, sino que describe su confusión vivida durante el aprendizaje católico, ante la inconsistencia de la historia que describe el nacimiento de la Virgen María. Considera que esta obra es una “ versión hip-hop ” de la tradición pictórica de los viejos maestros.
La obra será adquirida directamente por Charles Saatchi, un coleccionista muy influyente en el mundo del arte contemporáneo, al año siguiente de su realización. Luego se presentará en 1997 como parte de la exposición “Sensation ” en el Brooklyn Museum de Londres, dedicada a los escándalos artísticos.
En esta ocasión, Chris Ofili atraerá a un oponente de elección: el alcalde de Nueva York , Rudolph Giuliani. Este último, profundamente consternado por el descubrimiento de esta obra, iniciará una cruzada punitiva contra el artista y la institución que acoge la obra, a través de diversos procedimientos y métodos más o menos dudosos. Incluso llegará a intentar retirar el subsidio municipal de 7 millones de libras destinado a apoyar al museo, sin resultados ya que la institución obtendrá éxito en los tribunales.
Esta controvertida mezcla entre lo sagrado y lo profano también atrajo muchos vandalismos . En 1999, la obra será víctima de la proyección de pintura blanca por parte de un ferviente activista católico. El mismo año, un artista llamado Scott Lobaido arrojó estiércol de caballo sobre el plexiglás que cubría la obra, este último consideró que la obra de Ofili " denigraba la fe católica ".
Tras su intervención, los guardias del museo, no sin un toque de humor y desprecio, replicarán " No es la Virgen María". Es una pintura ” .
Desde estos eventos, el lienzo ha continuado su impresionante ascenso al corazón de la historia del arte contemporáneo. En 2015, se subastó por 4,6 millones de dólares en Christie's . En 2019, es la máxima consagración, ya que integra las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.
Marc Quinn, yo mismo, 1991 
Uno mismo es una serie de autorretratos del artista británico Marc Quinn. Estos autorretratos, en forma de esculturas, se realizaron a partir de un molde del rostro del artista , lleno de su propia sangre congelada (aproximadamente 5 litros de hemoglobina por molde). Esta serie aún no está terminada, ya que la artista toma un nuevo autorretrato cada 5 años , a partir de un elenco actualizado de su rostro y sangre "nueva".
Al dejar de lado el aspecto profundamente sangriento de este proceso, nadie puede culpar a este artista por no dar lo suficiente de sí mismo para hacer que sus obras sean personales. De hecho, Marc Quinn busca desafiar al espectador haciendo retroceder los límites del retrato, dando a luz una obra " que no tiene simplemente la forma del modelo, sino que de hecho está hecha con la propia carne del modelo " .
Este trabajo, menos divisivo que los anteriores porque se enfoca en un enfoque personal, no ha tenido que sufrir vandalismo u oprobio popular. Sin embargo, ha alimentado muchos debates intelectuales sobre su relevancia artística , algunos consideran esta obra como una espantosa sopa vampírica e inmoral, otros la consideran un fuerte valor alegórico. Esta obra puede elevarse legítimamente al rango de autorretratos legendarios , desde Van Gogh hasta Cindy Sherman, testificando de una manera más o menos ilustrada la fragilidad del hombre y permitiendo al espectador moverse dentro de un espacio de intimidad del artista. .
Ai Weiwei, "Dejar caer una urna de la dinastía Han", 1995
Dejar caer una urna de la dinastía Han es una performance del activista chino Ai Weiwei, que consiste en un ensamblaje de tres fotografías, en las que se puede ver al artista destruyendo un jarrón paso a paso .
Como sugiere el título, el jarrón objeto de esta destrucción premeditada es un artefacto ceremonial chino de más de 2000 años , de alto valor financiero y simbólico.
Lejos de un puro capricho arbitrario, este acto en realidad resuena, según el artista, con la obra emblemática de Duchamp “Fontaine ”, considerando su obra como un “ ready-made cultural ” .
De hecho, al descubrir esta serie de fotografías, muchos espectadores interpretaron directamente este acto como escandaloso e inmoral. Ai Weiwei responderá a sus detractores citando a Mao Zedong: " La única manera de construir un mundo nuevo es destruir el antiguo " . Para completar esta idea, la artista completa este planteamiento conceptual realizando varios jarrones de estilo antiguo, pintados por el artista en colores dulces que simbolizan el capitalismo moderno, o incluso con el logo de Coca Cola , que se puede analizar sin detalles.
Esta dudosa y ambiciosa destrucción obviamente ha inspirado a otros, muchos ciudadanos chinos son particularmente sensibles a la conservación de su patrimonio histórico , abusado por diferentes poderes, internos o coloniales, a lo largo de los siglos. Como resultado, un visitante de la exposición de Ai Weiwei en Miami destruyó uno de sus jarrones para protestar contra la acción del artista.
¡Responder al mal con el mal es una demostración de lucidez!
Ai Weiwei no se verá excesivamente perturbado por esta destrucción, ya que las obras estaban aseguradas y sobre todo porque está bastante acostumbrado a las controversias y a la oposición violenta (en particular, ya lleva más de 2 meses preso en China, por patrones oscuros).
Tracey Emin, Mi cama, 1998 
Por último, pero no menos importante de este trabajo superior, Mi cama es una obra de uno de los más famosos y controvertidos artistas británicos del siglo 21: Tracey Emin. Víctima de largas fases depresivas durante las cuales Tracey permaneció postrada en cama, esta obra, realizada en 1998, consiste en la propia cama de la artista en un estado lamentable , asociada a varios objetos presentes en su habitación cuando atravesaba uno de sus peores. Gran descenso a los infiernos. . Hay una alfombra sucia, sembrada de desechos que simbolizan la descomposición del cuerpo y el alma : botellas de vodka, paquetes de cigarrillos, cenicero lleno, empaques de comida rápida, pañuelos sucios, condones usados . La cama está en condiciones desastrosas, las sábanas están sucias y arrugadas, y el colchón parece definitivamente dañado por el peso de un cuerpo demasiado tiempo abandonado a su propia ociosidad .
Cuando expuso por primera vez en la Tate Gallery en 1999, las reacciones del público fueron extremadamente confusas. Algunos expresan una poderosa repulsión ante esta intimidad duramente expuesta, mientras que otros sucumben rápidamente al encanto de un nuevo concepto que ofrece un artista con un enfoque atrevido y muy personal. Te guste o no esta obra, sin duda merece un lugar especial en la historia del arte contemporáneo. Este paréntesis de intimidad constituye una plataforma de elección que sublima los tabúes de la sociedad sobre el fracaso personal , las debilidades y las imperfecciones femeninas. La obra, aunque lo menos estética posible, abre muchos debates intelectuales de gran interés, tanto para el arte como para el hombre. En 2014, la obra se subastará en Christie's y se subastará por la modesta suma de 2,8 millones de euros , prueba más, si fuera necesaria, del eminente interés conceptual que adquiere esta obra.
Obviamente, estas obras no son las únicas que han estimulado los ánimos y las disputas. Podríamos haber evocado las obras hipersexualizadas de Robert Mapplethorpe, las esculturas tan monumentales como las disputadas por Richard Serra, el árbol de Navidad (¿Plug?) De Paul McCarthy o incluso las intimas y perturbadoras interpretaciones de Marina Abravomic. El arte ha provocado escándalos constantemente, y eso es parte de lo que reconocemos.
Y tú, ¿qué opinas de estas obras?
Para los más curiosos, descubra nuestra selección de obras que reúnen un fragmento de la atrevida creación contemporánea disponible en Artmajeur.
Bastien Alleaume
Gerente de contenido - Artmajeur Online Art Gallery
Bastien Alleaume (Crapsule Project)