Zwischen Malerei und Zeichnung: Die „Grenzkunst“ mit Marker, Pastell und Kugelschreiber

Artmajeur-Werke mit Marker, Pastell und Kugelschreiber

Marker und Kreativität

Ein Marker ist ein Schreib- und Zeichenwerkzeug mit einer porösen Spitze, die Tinte auf verschiedene Oberflächen wie Papier, Kunststoff, Glas und Metall abgibt. Er enthält eine eigene Tintenquelle im Stiftkörper und ist in verschiedenen Formen und Größen erhältlich, sodass er eine breite Palette kreativer Möglichkeiten bietet.

Marker haben eine reiche und interessante Geschichte, die bis ins Jahr 1910 zurückreicht, als Lee Newman das erste Filzstiftmodell patentieren ließ. Im Laufe des 20. Jahrhunderts erlebte der Marker eine bedeutende Entwicklung, mit wichtigen Meilensteinen wie Benjamin Paskachs Patent für einen „Füllpinsel“ aus dem Jahr 1926 und Sidney Rosenthals Einführung des Magic Markers im Jahr 1953. 1962 wurde der moderne Faserstift von Yukio Horie von der Tokyo Stationery Company entwickelt, der eine neue Ära des künstlerischen Ausdrucks und Schreibens einläutete.

Marker sind unverzichtbare Werkzeuge im Arsenal eines jeden Künstlers, da sie in einer großen Auswahl an Größen, Formen und Farben erhältlich sind, die Experimentierfreude und kreative Freiheit ermöglichen. Diese Vielfalt ist größtenteils der Spitze des Instruments zu verdanken, die dünn für präzise Linien oder breit für breitere Füllungen sein kann. Darüber hinaus verfügen viele Marker über spezielle Tinten, z. B. auf Wasser- oder Pigmentbasis, die ebenfalls für größere Ausdrucksmöglichkeiten sorgen sollen.

Aufgrund ihrer vielfältigen Ausdrucksform können Marker sowohl zum Zeichnen als auch zum Skizzieren verwendet werden und eignen sich ideal zum Erstellen präziser Umrisse, komplizierter Details und schnell auszuführender Kunstwerke. Darüber hinaus ermöglicht dieses Werkzeug in Bezug auf Färben und Füllen das Färben großer oder kleiner Flächen mit einer breiten Palette verfügbarer Farbtöne. Insbesondere eignen sich Marker auch für Mixed-Media-Techniken, bei denen sie zusammen mit anderen künstlerischen Ausdrucksformen verwendet werden, um komplexe, vielschichtige und einzigartige und innovative Kunstwerke zu schaffen. Schließlich werden Marker in der Welt der Straßenkunst vorwiegend zum Erstellen von Graffiti und Wandgemälden auf städtischen Wänden und Oberflächen verwendet, um diese in Kunstgalerien unter freiem Himmel zu verwandeln.

Um noch einmal kurz auf die Beziehung zwischen Marker und Malerei zurückzukommen: Technisch gesehen modulieren der richtige Druck und Winkel des Markers die Intensität der Farbe und ermöglichen so eine allmähliche Schattierung, die der von Aquarell- oder Acrylfarbe ähnelt. Darüber hinaus können Marker übereinander gelegt oder direkt auf der Oberfläche gemischt werden, um neue Farbtöne und Mischeffekte zu erzeugen, die Kunstwerken Tiefe und Dimension verleihen. Einige Künstler verwenden sogar Techniken wie Pointillismus oder Mischen mit Markern, indem sie kleine Punkte oder feine Linien auftragen, um Texturen und Nuancen zu erzeugen. Mit dieser Vorgehensweise können ähnliche Ergebnisse wie bei der Öl- oder Acrylmalerei erzielt werden, bei der die Oberfläche durch eine Reihe kleiner Striche oder Schattierungen allmählich aufgebaut wird.

Abschließend einige bemerkenswerte Beispiele für Marker: Im Laufe der Jahre haben zahlreiche Künstler dieses Werkzeug als Ausdrucksmittel verwendet, um ikonische Kunstwerke zu schaffen, wie etwa die von Keith Haring, Banksy und Quentin Blake.

MADAME RÊVE (2022)Gemälde von Jean-Humbert Savoldelli

ICH HABE ES ADOPTIERT! (2022)Gemälde von Johanne Proulx

Das Potenzial von Markern erkunden

Zeitgenössische Kunstwerke vermitteln oft einen visuellen Dialog zwischen traditionellen Techniken und modernen künstlerischen Ausdrucksformen, wobei sich Künstler an die Erforschung neuer Medien und Formen wagen. Zwei markante Beispiele für diese Verschmelzung von Malerei und der Verwendung von Markern finden sich in den Werken „Madame rêve“ von Jean-Humbert Savoldelli und „Je l'ai adopté!“ von Johanne Proulx, beide aus dem Jahr 2022.

„Madame rêve“ kombiniert Acryl und Marker auf Leinwand und veranschaulicht den Übergang des Malers vom Hyperrealismus und Trompe-l'oeil zu einem freieren, abstrakteren Ausdruck. Den Kern des Kunstwerks bilden mit einem Palettenmesser gemalte menschliche Figuren und Szenarien, während die umgebende, reich an farbenfrohen Motiven bestehende Ornamentik mit Posca-Markern und Acrylfarbe ausgeführt ist. Dieser visuelle Kontrast betont nicht nur die Tiefe der Komposition, sondern spiegelt auch Savoldellis Wunsch wider, durch Kunst Fantasie und Träume hervorzurufen. Sein Stil zeichnet sich durch seine satte Farbgebung und die Dynamik der Formen aus, die oft durch die Verwendung von Kreisen und Kugeln verstärkt werden, um ein gewisses visuelles Gleichgewicht vorzuschlagen.

„Je l'ai adopté!“ hingegen präsentiert eine intimere visuelle Erzählung, die sehr introspektiv und spontan ist. Proulx, eine kanadische Malerin, erkundet eine eher emotionale und körperliche Beziehung zu ihren Materialien, die von handgeschöpftem Papier bis hin zu bemalten Oberflächen reicht. Das Werk, das Malerei und Marker kombiniert, zeichnet sich durch breite Gesten und ausgeprägte Texturen aus, die sich auf natürliche Weise auf dem Träger manifestieren. Schließlich soll die Kombination aus leuchtenden Farben und direkter Materialmanipulation den persönlichen Ansatz der Künstlerin widerspiegeln und ihre Kunst in einen biografischen Text verwandeln.

So werden beide Werke zu einem Manifest dafür, wie Marker, die normalerweise mit Skizzen oder vorläufigen Zeichnungen in Verbindung gebracht werden, auch den Status eines vollwertigen Malmediums erreichen können, insbesondere in Kombination mit traditionelleren Techniken. Tatsächlich haben die beiden Künstler ihre Vielseitigkeit genutzt, um komplizierte Details hinzuzufügen oder Kontraste in der Textur zu erzeugen und so die Ausdrucksbreite der zeitgenössischen Malerei zu erweitern.

Ausdrücke in Pastell

Pastell ist ein künstlerisches Werkzeug zum Zeichnen und Malen. Es zeichnet sich durch eine feste Farbe aus, die hauptsächlich aus Pigmenten, Kreide oder einer Kombination aus beidem besteht und durch ein Bindemittel zusammengehalten wird. Pastell wird normalerweise in Stiftform hergestellt, ist aber auch als Bleistift erhältlich. Pastell ist für seine Vielseitigkeit und die Fähigkeit bekannt, leuchtende Farben und zarte Schattierungen zu erzeugen.

Die Verwendung von Pastell ist viele Jahrhunderte alt. Historische Belege reichen bis ins alte Ägypten und das Römische Reich zurück. Die Pastellkreide, wie wir sie heute kennen, hat ihre Wurzeln jedoch im 15. Jahrhundert, als europäische Künstler begannen, Pigmente mit Kreide zu mischen, um dichte und lebendige Farben zu erzeugen. Im Laufe der Jahrhunderte hat sich Pastell weiterentwickelt und ist aufgrund seiner einfachen Handhabung und der Möglichkeit, visuell beeindruckende Kunstwerke zu schaffen, für viele Meister zu einem bevorzugten Medium geworden.

Pastell bietet eine Vielzahl technischer Möglichkeiten und eignet sich ideal zum Skizzieren, Detaillieren, für komplexe Kompositionen und schnelle Skizzen. Dank der weichen Textur können Künstler mühelos präzise, feine, einfache und ausdrucksstarke Linien ziehen und Zeichnungen voller Ausdruck und Persönlichkeit erstellen. Darüber hinaus können Künstler mit Pastellkreiden dank der großen Farbpalette große oder kleine Flächen mit mehreren lebendigen und gesättigten Farbtönen füllen. Diese können direkt auf der Trägeroberfläche übereinander gelegt oder gemischt werden, wodurch weiche Schattierungen und fließende Übergänge zwischen den Farben entstehen. Künstler können Farben auch direkt auf der Oberfläche mischen, indem sie einfach ihre Finger oder spezielle Werkzeuge verwenden.

Diese Eigenschaften können in verschiedenen Kunstformen genutzt werden: beim Zeichnen und Malen, entweder durch das Auftragen der matten Textur in dünnen oder dicken Schichten, sowie in Kombination mit anderen künstlerischen Techniken wie Aquarell, Tinte oder Tempera.

Aufgrund ihrer hybriden Natur und vielfältigen Einsatzmöglichkeiten kann Pastell als ein Mittelding zwischen Zeichnen und Malen betrachtet werden. Einerseits bietet Pastell die für das Zeichnen typische Präzision und Kontrolle und ermöglicht es Künstlern, definierte Linien, detaillierte Konturen und schnelle Skizzen zu erstellen. Andererseits kann Pastell dank seiner weichen Textur und der gedämpften, aber dennoch kräftigen Farbe verwendet werden, um Gemälde zu schaffen, die reich an Nuancen und Texturen sind, ähnlich denen, die mit Malerei erzielt werden.

Unter den berühmten mit Pastell gemalten Kunstwerken stechen Meisterwerke von Künstlern wie Edgar Degas, Mary Cassatt und Henri de Toulouse-Lautrec hervor. Insbesondere Degas ist für seine meisterhaften Gemälde und Zeichnungen von Ballerinas in Pastell bekannt, in denen er die Anmut und Bewegung der dargestellten Personen einfängt. Mary Cassatt malte mit Pastell intime und zarte Porträts, während Toulouse-Lautrec lebendige Poster und Illustrationen schuf, die die Lebendigkeit des Pariser Nachtlebens verewigen sollten.

DU LIMONCELLO? NON JE NE CONNAIS PAS (2024)Gemälde von G. Carta

Mit Pastellfarben erstellte Kunstwerke

Die beiden ausgewählten Werke, „Le Ballet des Éclats“ von Ivan Colas und „Du Limoncello? Non je ne connais pas“ von G. Carta, bieten einen intimen Einblick in die Harmonie zwischen Pastell und Malerei und zeigen, wie diese Medien verschmelzen können, um tiefgründige und fesselnde künstlerische Ausdrucksformen zu schaffen.

„Le Ballet des Éclats“ von Ivan Colas, entstanden 2023, erforscht die lebendige Interaktion zwischen Licht und Farbe auf Papier durch den Einsatz von Pastell-, Acryl-, Bleistift- und Kohlefarben. Jedes Quadrat des Kunstwerks stellt eine Feier des Lebens dar, die sich durch die Verwendung kräftiger und leuchtender Farben manifestieren soll, die aus den Rissen der Dunkelheit zu kommen scheinen. Dadurch wird das Pastell zu einem Symbol dafür, wie sich die Natur unerwartet präsentiert und die Schönheit trotz aller Widrigkeiten triumphiert. Tatsächlich ist „Le Ballet des Éclats“ tatsächlich eine Einladung an den Betrachter, über Widerstandsfähigkeit und Wiedergeburt nachzudenken.

„Du Limoncello? Non je ne connais pas“ von G. Carta hingegen spiegelt einen anderen, aber ergänzenden Ansatz wider. Mit Ölpastellen auf Papier hat der Künstler reichhaltige Texturen geschaffen, die Licht einfangen und reflektieren und dem Werk ein Gefühl von Tiefe und Komplexität verleihen. Diese Methode, die Vorsicht erfordert, da Ölpastelle nicht vollständig trocknen, verstärkt die emotionale Fluidität des Kunstwerks, wobei jeder Strich dazu beiträgt, Geschichten von menschlichen Momenten zu erzählen, die von Emotionen, Menschlichkeit, Teilen und Hoffnung durchdrungen sind.

Es wird deutlich, dass diese beiden Werke als Symbole der Affinität zwischen Malerei und Pastell interpretiert werden können, zwei Medien, die in Kombination eine verstärkte Ausdrucksfreiheit und eine makellose Verschmelzung von Texturen und Farben bieten. Diese Synergie erregt nicht nur die visuelle Aufmerksamkeit, sondern fesselt den Betrachter auch emotional und bezieht ihn direkt mit ein, indem sie ihn in ein tiefgreifendes künstlerisches Erlebnis versetzt.

Tinte und Fantasie

Der Kugelschreiber, oft einfach „Kugelschreiber“ genannt, ist ein Schreibgerät mit einer kleinen rotierenden Kugel an der Spitze, die die Tinte verteilen soll, während der Kunststoffkörper über die Oberfläche gleitet. Dieser Mechanismus ermöglicht ein sanftes und gleichmäßiges Schreiben, weshalb Kugelschreiber sowohl im künstlerischen Bereich als auch für verschiedene alltägliche Schreibaufgaben eine beliebte Wahl sind.

Der Ursprung des Kugelschreibers geht auf das späte 19. Jahrhundert zurück, doch der moderne Kugelschreiber wurde erst Mitte des 20. Jahrhunderts erfunden. Der ungarische Journalist László Bíró ließ 1938 gemeinsam mit seinem Bruder György Bíró das erste erfolgreiche Kugelschreiberdesign patentieren. Diese revolutionäre Erfindung ersetzte die unordentlichen und unzuverlässigen Füllfederhalter der damaligen Zeit und gewann schnell weltweit an Popularität.

Kugelschreiber sind in verschiedenen Farben und Spitzengrößen erhältlich und bieten Vielseitigkeit für unterschiedliche Schreib- und Zeichenaufgaben. In der Kunstwelt werden Kugelschreiber für ihre Präzision und Kontrolle geschätzt, mit denen Künstler komplizierte Details und feine Linien erstellen können. Dennoch experimentieren Künstler mit verschiedenen Verwendungsmöglichkeiten des Kugelschreibers und verwenden ihn auch, um Schraffuren, Schattierungen und einzigartige Struktureffekte zu erzielen.

Im Allgemeinen wird der Kugelschreiber normalerweise für vorläufige Skizzen und das Zeichnen präziser Umrisse verwendet. Künstler verwenden auch Schraffur- und Punktiertechniken, um Grautöne und -nuancen zu erzeugen. Diese Techniken ermöglichen Farbvariationen und realistische Texturen, die Zeichnungen Tiefe und Volumen verleihen. Kugelschreiber werden auch verwendet, um Schatten zu erzeugen, wodurch dreidimensionale Effekte erzielt und die Form der gezeichneten Objekte geformt werden kann. Diese Ausführungsart erfordert eine ruhige Hand und eine präzise Kontrolle des Drucks auf den Stift, um sanfte Übergänge zwischen den Farben zu erzielen.

Zu den beliebtesten Motiven, die mit dem Kugelschreiber gemalt werden, gehören sicherlich Porträts, da die Präzision dieser Technik es ermöglicht, markante Gesichtszüge, von den Gesichtslinien bis hin zu den Details der Augen und Lippen, fein wiederzugeben. Kugelschreiber werden auch häufig verwendet, um städtische und natürliche Landschaften darzustellen. Dabei werden oft detaillierte Zeichnungen von Gebäuden, Straßen, Bäumen und anderen Landschaftsmerkmalen erstellt. Gerade die Vielfalt der Linien und Texturen, die mit dem Kugelschreiber erzielt werden können, ermöglicht es, die Komplexität und Tiefe dieses letzten Motivs einzufangen. Und schließlich wird der Kugelschreiber, was ein anderes berühmtes Genre der Kunstgeschichte betrifft, häufig verwendet, um Stillleben zu schaffen. Dabei werden unbelebte Objekte mit feinen Konturen und Details dargestellt, um ausgewogenen und realistischen Kompositionen Leben einzuhauchen.

Was die Verbindung zwischen Kugelschreiber und Malerei betrifft, so kann der Kugelschreiber erstens verwendet werden, um Kunstwerke zu schaffen, die eine Vielzahl von Stilen und Ansätzen aufweisen, genau wie bei der Malerei. Tatsächlich können Künstler mit Linien, Formen und Schattierungen spielen, um einzigartige künstlerische Effekte zu erzielen, die von realistischer Darstellung bis hin zu abstrakten Experimenten reichen, genau wie sie es mit Pinseln und Farben tun würden. Darüber hinaus kann die permanente Natur der Kugelschreibertinte Künstler dazu veranlassen, in Schichten zu arbeiten, was an die Maltechnik des Schichtens erinnert. Schließlich bietet der Kugelschreiber im Vergleich zu anderen Zeichenwerkzeugen eine größere Kontrolle. Diese Präzision ermöglicht es Künstlern, die Nuancen und Facetten ihrer Motive genau einzufangen und Kunstwerke zu schaffen, die mit Gemälden vergleichbar sind.

Abschließend können wir mit berühmten Beispielen der Kugelschreibertechnik einige bekannte Künstler erwähnen, die maßgeblich zur Definition der Ästhetik und des Potenzials dieses Mediums beigetragen haben, wie etwa Juan Francisco Casas, Lennie Mace und der weniger zeitgenössische Alberto Giacometti.

VENEDIG. CANAL GRANDE (2022)Gemälde von Maria Susarenko

AKADEMISCHE ZEICHNUNG. FANTASY (2022)Gemälde von Marat Myrzakhmetov

Die Kunst des Kugelschreibers

Die Werke von Maria Susarenko und Marat Myrzakhmetov sind ein faszinierendes Beispiel dafür, wie der Kugelschreiber nicht nur als Schreibgerät, sondern auch als künstlerisches Medium mit hohem ästhetischen Wert eingesetzt werden kann. Diese Künstler zeigen, wie der Kugelschreiber harmonisch mit anderen künstlerischen Techniken koexistieren und so reichhaltige und komplexe visuelle Kompositionen schaffen kann.

„Venedig. Canale Grande“ (2022) von Maria Susarenko, das mit einer Kombination aus Acryl, Gelstiften, Markern und Bleistiften auf Karton gestaltet wurde, fängt die lebendige und historische Essenz Venedigs ein. Die Künstlerin verwendet Karton, ein weniger beliebtes und strukturiertes Material, um fließende Linien und eine Mischung aus Farben und Schattierungen zu erzeugen, die die Bewegung des Wassers und die komplexe architektonische Dynamik der Stadt widerspiegeln sollen. Das Ergebnis ist eine Szene, die ebenso chaotisch wie harmonisch ist, wobei die Mixed-Media-Technik es Susarenko ermöglicht, feine Details hinzuzufügen, die darauf abzielen, bestimmte strukturelle und leuchtende Aspekte der Komposition hervorzuheben und die Vielseitigkeit des Kugelschreibers bei der Darstellung sowohl architektonischer als auch aquatischer Elemente zu demonstrieren.

„Academic Drawing. Fantasy“ (2022) von Marat Myrzakhmetov verfolgt einen eher surrealistischen und symbolischen Ansatz. Das Werk, das hauptsächlich mit Kugelschreiber auf Papier ausgeführt wurde, zeigt die Eignung des Mediums zur sorgfältigen Erforschung organischer Formen und präziser Geometrien. Tatsächlich enthält Myrzakhmetovs „ineinandergreifende“ Komposition sowohl natürliche als auch künstliche Elemente, die so konzipiert sind, dass sie sich in einer parallelen Dimension treffen, wo sie einen visuellen Dialog zwischen dem Realen und dem Imaginären erzeugen. In diesem Zusammenhang ist die Verwendung des Kugelschreibers entscheidend, um präzise Linien zu definieren und Details hinzuzufügen, die fast miteinander verschmelzen, was die Fähigkeit dieses Werkzeugs zeigt, eine tiefe und vielfältige emotionale Bandbreite hervorzurufen.

Letztendlich wird deutlich, wie die Werke von Susarenko und Myrzakhmetov durch ihre einzigartigen Stile und Themenwahlen die Fähigkeit des Kugelschreibers hervorheben, ebenso ausdrucksstark und vielseitig zu sein wie traditionellere Maltechniken. Ihre Werke zelebrieren nicht nur die ästhetischen Qualitäten des betreffenden künstlerischen Mediums, sondern eröffnen auch neue Möglichkeiten für dessen Anwendung in der bildenden Kunst, stellen traditionelle Wahrnehmungen in Frage und fördern eine neue Offenheit für innovativere kreative Experimente.