Drei Innovationen im fotografischen Stillleben

STILL LIFE N°2 (2021) Fotografie von Séverine Maigre (AERIN m.).

1. Eine andere Art von Vanitas ...

Ein kleiner, von sanftem Licht beleuchteter Tisch erinnert uns an die unerbittliche Unsicherheit unseres Lebens, auf dessen Oberfläche verwelkende Blumen, Totenköpfe und ein paar Luxusgegenstände ruhen, die sich als ziemlich nutzlos erweisen werden, sobald wir die Schwelle des jenseitigen Grabes überschreiten. Dieser Beschreibung könnte eine große und fast unbestimmte Zahl von Vanitas gegenübergestellt werden, Stilleben mit symbolischen Elementen, die auf das Thema der Vergänglichkeit des Lebens anspielen und als Memento mori, also als ernsthafte Warnung vor der Vergänglichkeit, dienen sollen der menschlichen Existenz zumindest auf dieser Erde. Vielleicht ist es möglich, als eine Art Vanitas zu gelten, auf das Minimum reduziert und in einen eher ungewöhnlichen Porträtkontext gestellt, diese Art von "Stempel", verziert mit einem Totenkopf und einem Knochen, den wir auf Frida Kahlos arrangiert bewundern können Stirn, genau in ihrem Selbstporträt von 1943 mit dem Titel „Denken an den Tod“. Diese Neuinterpretation des genannten Genres, nun integriert in die Frontalansicht der Gesichtszüge des Malers, stammt aus einer äußerst gequälten Zeit des Künstlers, der sich durch zahlreiche Krankheiten und Komplikationen auf die Probe gestellt, als zum Tode Verurteilter fühlte. In der alten mexikanischen Kultur bedeutet der Tod jedenfalls auch Wiedergeburt zu neuem Leben, so sehr, dass sich die Frida des oben genannten Meisterwerks mit blühenden Pflanzen umgab, Symbolen der Ewigkeit, die sie auf ihrer nächsten langen Reise begleiten werden. Zurückkehrend jedoch zum Konzept der Todesstrafe und aufgeben der Malerei für das fotografische Medium, setzen sich die Innovationen der Vanitas in der Gegenwart fort, durch die Arbeit von Mat Collishaw, einem britischen Künstler, der sich auf die Verwendung von Video und Fotografie spezialisiert hat schuf Last Meal on Death Row, eine Serie von Bildern, die die letzte Mahlzeit von sieben zum Tode verurteilten Gefangenen darstellen, die in Stillleben-Kompositionen nachgebildet wurden, die, ohne auf die typischen Schädel Bezug zu nehmen, eine neue Interpretation und Sichtweise auf das oben genannte Genre bieten .

BEAUTYGONE 2 (2023) Fotografie von Edgar Garces.

EWIGES STILLLEBEN... [ AUSZUG 2 ] (2020)Fotografie von Cédric Zuwala.

2. Die Explosion ...

BOOOOM! Dieses Geräusch, das uns sofort an eine heftige Explosion denken lässt, wird überwiegend mit Werken der figurativen Kunst in Verbindung gebracht, die dramatische und etwas detaillierte Szenen darstellen, oder mit Meisterwerken, die das Thema durch die prägnantere Sprache von Comics aufgreifen. Um das erste zitierte Beispiel zu veranschaulichen, beziehe ich mich auf George Grosz' Explosion (1917), das mit der Darstellung einer Stadtlandschaft aus zertrümmerten, brennenden Häusern, zersplitternden Fenstern, halbnackten Decken, schattenhaften Gesichtern und sich umarmenden Charakteren die Absicht verfolgte Inszenierung der Schrecken des Ersten Weltkriegs. Die Dramen des letztgenannten Ereignisses werden durch die Verwendung mehrerer Perspektiven und intensiver Farben verinnerlicht, die uns durch die Betonung der Gefühle von Instabilität und Gefahr zu einer klaren Interpretation des futuristischen Ansatzes zurückbringen. Wenn man statt der Welt der Comics spricht, ist es unmöglich, nicht an die bekannte Explosion (1965-66) von Roy Lichtenstein zu denken, dessen Pop-Sprache sich ab 1962 der Entlehnung von Explosionsbildern aus Kriegscomics widmete um sie in seine ikonischsten Gemälde zu "transportieren". In der zeitgenössischen Welt angekommen, ist das „explosive Phänomen“ durch die Intervention von Ori Gersht, einem israelischen Kunstfotografen, auch auf unvorhersehbare Weise im Stillleben-Genre gelandet, wie seine Werkserien which , mit dem Titel Blow Up, zeigt aufwändige Blumenkompositionen, die auf Blumengemälden des 19. Jahrhunderts basieren, insbesondere denen von Henri Fantin-Latour, die durch genaue Aufnahmen eingefangen werden, die darauf abzielen, den Moment einzufangen, in dem sie explodieren. Die Explosion ist jedoch nicht die einzige Neuheit, die diese Art von Stillleben mit sich bringt, denn ihre Folgen verwandeln Blumen, das Symbol des Friedens schlechthin, in eine Art Opferlämmer: Opfer eines brutalen Terrors, der zu Unrecht allzu oft vorkommt schlägt auf die zartesten, zerbrechlichsten und unbewusstesten Formen des Lebens ein.

FOTOGRAFIE JEANTURCO NUMMER 1589 (2022) Fotografie von Jean Turco.

3. Neue Materialien...

Abschließend bringe ich Sie zurück zu dem Bild eines der klassischsten Blumenstillleben überhaupt: Blumen in einer Holzvase von Jan Brueghel dem Älteren, ein Meisterwerk aus der Zeit um 1606, das darauf abzielte, einen Behälter zu fixieren, in dem eine Vielzahl von Schnitten steckte Blumen wurden gelegt und nach Größe geordnet, so dass unten die kleinsten Exemplare und oben die größten platziert wurden. Obwohl seit der Zeit der Griechen die ersten künstlichen Blumen erfunden wurden, die geschickt orientalischen Bräuchen entlehnt waren, benutzten die Maler des flämischen 17. Jahrhunderts im Allgemeinen echte Pflanzen als Modelle, daher frage ich mich: Was wäre, wenn moderne Plastikblumen in das klassischere Stillleben eintreten würden? Genre? Diese Kuriosität wird uns reichlich von Richard Kuiper offenbart, einem Fotografen, der, inspiriert vom holländischen Goldenen Zeitalter und insbesondere von den Gemäldesammlungen der reichen Kaufleute der damaligen Zeit, Werke von Meistern wie Pieter Claesz, Floris van in Auftrag gab Dijck, Frans Snyders, Adriaen Coorte und Balthasar van der Ast fängt Stillleben aus Plastik ein und prangert nicht nur die Kostümveränderungen an, sondern auch die weite Verbreitung dieses schädlichen Materials in unserer Umwelt. Die Analyse von fotografischen Stillleben wird fortgesetzt und umfasst die Arbeiten einiger Künstler von Artmajeur, wie The Imaginati, Ordo Abkao und Sofia Zelenskaya.

EIN SCHUH ALS STILLLEBEN MIT FRÜCHTEN (2023) Fotografie von The Imaginati.

Die Imaginati: Ein Schuh als Stillleben mit Früchten

Was ist innovativ an der Fotografie von The Imaginati? Um es zu erklären, brauche ich Miró! Der spanische Meister fertigte genau 1937 während seines Aufenthaltes in Paris ein Stillleben mit altem Schuh an, in dem die isolierten, nicht maßstäblich dargestellten Objekte einen räumlichen Bezugspunkt im hinteren, unregelmäßigen Rand der Ebene finden, auf der sie ruhen , die als ungefähre Horizontlinie gelesen werden kann. In Bezug auf die Chromatik hingegen erscheint die Farbe des Werks etwas säuerlich, hochgesättigt und dissonant, mit dem Ziel, eine tiefe und faszinierende Realität einzufangen, um sich auf die eigenen Worte des Künstlers zu beziehen. In Wirklichkeit ergeben sich solche apokalyptischen Farbtöne jedoch aus dem Kontext des spanischen Bürgerkriegs, einem Ereignis, das durch die starken Gefühle von Angst und Angst des Künstlers synthetisiert und verinnerlicht wird, so sehr, dass das Gemälde oft mit Picassos ruhelosem Guernica verglichen wird. Das Werk von 1937 ist eines der vielen Beispiele für Schuhe, die innerhalb des Stillleben-Genres "passiv" dargestellt werden, während sich in Ein Schuh als Stillleben mit Früchten das erwähnte Objekt dagegen durch seine "aktive" Rolle auszeichnet dass es nicht nur als das erscheint, was es ist, sondern auch zu einer Art Obstbehälter wird, der wie eine gewöhnliche Schale verwendet wird. Vielleicht rechtfertigt die Tatsache, dass der Schuh etwas abgenutzt und für seine ursprüngliche Funktion wahrscheinlich nicht mehr sehr brauchbar ist, die ökologische Entscheidung des Künstlers, den alten nicht loszuwerden, um ihm eine neue lebenswichtige Funktion zu geben. Abschließend zitiere ich die eigenen Aussagen von The Imaginati, dass das Foto ein zeitliches Medium darstellt: „Ein Schuh als Stillleben mit Früchten ist eine originelle künstlerische Schöpfung, die einen modernen Sneaker mit Früchten oder Gemüse zu einer symbiotischen Komposition verbindet, einer Alchemie zwischen Vergangenheit und Gegenwart ."

PRINZESSIN (2018) Fotografie von Ordo Abkao.

Ordo Abkao: Prinzessin

Die Überreste einer T-Rex-Prinzessin oder eines anderen Dinosaurierexemplars erscheinen als einziger und frontaler Protagonist von Abkaos ironischer Fotografie, der in der Lage ist, einem Tier, das noch vor der Geburt des Menschen starb, die höchsten Adelstitel zuzuschreiben und, folglich von diesen neuesten sozialen „Anerkennungen“. Ein ähnlicher „prähistorischer“ Humor findet sich, diesmal in der Skulptur, in Maurizio Cattelans Felix, einem Skelett, das für das MCA (Sydney) geschaffen wurde, das, inspiriert von der Popularität des im Field Museum (Chicago) ausgestellten Tyrannosaurus rex, wollte seine bedrohliche und gigantische Figur in eine Version einer freundlicheren und "umgänglicheren" Hauskatze umzuinterpretieren, mit der Absicht, die Wahrnehmung des Themas herauszufordern und voreingestellte Vorstellungen von Artefakt und Ausstellung in Frage zu stellen. In Bezug auf den Namen der Skulptur wurde sie jedoch von der bekannten Zeichentrickfigur Felix the Cat inspiriert, um das jüngere Publikum in die zeitgenössische Museumserzählung einzubeziehen. Um auf den Künstler in Artmajeur zurückzukommen, löst sich seine Vanitas, die das getreueste Abbild des Raubtiers respektiert, jedoch von einer reinen Wahrnehmungsabsicht und demonstriert vielmehr, wie am Tag unseres Todes jeder im Leben erworbene Ehrentitel ziemlich nutzlos sein wird .

FRÜHLING (2021) Fotografie von Sofia Zelenskaya.

Sofia Zelenskaya: Frühling

Sofia Zelenskaya ist eine russische Fotografin, die sich so sehr auf die Darstellung der weiblichen Figur spezialisiert hat, dass ihre Arbeiten, die sich hauptsächlich auf weibliche Themen konzentrieren und oft in der Aktversion untersucht werden, sich durch ein neues und visionäres Licht auszeichnen, fast aufschlussreiche Blickwinkel dem menschlichen Auge noch unbekannt. Tatsächlich stellt das Frühlingsfoto auf etwas beispiellose Weise eine weibliche Nahaufnahme einem Blumenporträt gegenüber und verschmilzt zwei Genres zu einer Geschichte, die die Affinität zwischen der Zartheit der Frau und der einer bestimmten Pflanze zu erzählen scheint. die sich ganz unten am Wangenknochen des Modells in zwei Fragmente trennt. Ein "ähnliches" Frauenprofil taucht auch in einem bekannten Meisterwerk der Kunstgeschichte auf, das die weibliche Präsenz noch einmal neben das Genre des Stilllebens stellte: Ich spreche von Balthus' Stillleben mit einer Figur (1940), an Ölgemälde dominiert von einer Komposition aus auf einem Tisch arrangierten Stillleben, in denen ganz rechts eine junge, rätselhafte Frauengestalt zu sehen ist, die am rechten Bildrand abrupt abgeschnitten wird, so dass nur noch ihr Kopf, Hände und ein Ärmel ihres Kleides sind sichtbar. Obwohl die Arbeit des polnischen Meisters nicht die physische „Verschmelzung“ von Frau und Natur beinhaltet, bietet sie uns, wie die des Künstlers von Artmajeur, eine studierte Perspektive des weiblichen Körpers, die verwendet wird, um zu zeigen und vorzustellen , als eine Art Kammerdiener, die Besonderheiten von Blumen, Früchten usw.