Von den Augen bis zum Mund, über die Hände....

In der Mitte der Leinwand ist ein realistisch geflochtener Weidenkorb angeordnet, dessen Aufgabe es ist, die etwa zwölf Exemplare von Früchten verschiedener Art zu „pflegen“ und zu „wiegen“, die darin eifersüchtig bewacht werden. Dargestellt ist die Darstellung mit der Absicht, sie dem Betrachter zu zeigen, der sich auf jeden Fall darauf beschränken muss, ein so reichhaltiges Bankett aus Birnen, Äpfeln, Feigen, Trauben und Pfirsichen nur anzuschauen und somit nicht anzufassen oder darin zu beißen. Tatsächlich zeigt die soeben beschriebene Bildfiktion, die Teil des Stillleben-Genres caravaggesker Errungenschaften ist und den ikonischen Titel „Früchtekorb“ (1594–1598) annehmen soll, wie Essen in der Erzählung der Kunstgeschichte zunächst als ausschließlich zu betrachtendes Thema etabliert wurde, wobei häufig jede Art von Darstellung vermieden wurde, die eine unternehmungslustigere Beziehung zwischen dem Menschen und einem saftigen Gericht zum Verzehr ermöglichen würde. Das eben Gesagte lässt sich aus der Tatsache ableiten, dass die frühesten Stillleben bereits in der hellenistischen Zeit entstanden sind, während Genreszenen, in denen die in ihren Behausungen beim Essen erwischten Motive häufig ins Bild fallen, erst mit der figurativen Erfassung Hollands in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts Einzug hielten. An diesem Punkt stellt sich jedoch eine mehr als berechtigte Frage: Was ist mit Kunstwerken, die Bankette darstellen? Dieses seit den frühesten Zivilisationen vorherrschende Motiv wurde geschaffen, um der Öffentlichkeit ein Bild eines gesellschaftlichen Kontextes zu vermitteln, in dem Essen und Trinken konsumiert wird, obwohl selten große Anstrengungen unternommen wurden, um Motive einzufangen, die tatsächlich mit offenem Mund, das heißt beim Schlucken von Köstlichkeiten, erwischt wurden, so sehr, dass man in den meisten Fällen eher die Gäste trinken sieht, während ihre üppigen Teller, gelinde gesagt, makellos bleiben. Um einer realistischeren und authentischeren Darstellung der Beziehung zwischen Essen und Mensch Ausdruck zu verleihen, werde ich daher eine figurative Erzählung konstruieren, die die reinste caravaggeske Betrachtung in eine praktische Reise umwandelt, deren Ziel es ist, Lebensmittel vom Markt, also vom Versorgungsort schlechthin, in den Mund eines gefräßigen und hungrigen Charakters oder einer Gruppe von Charakteren zu bringen. Wie oben erwartet, könnte die erste enge Begegnung zwischen Mensch und Obst, Fisch, Fleisch usw., die der nächsten vorausgeht, die weitaus intimer und herzhafter ist, in der Vucciria stattfinden, einem bekannten historischen Markt in Palermo, der 1974 vom italienischen Maler Renato Guttuso dargestellt wurde, der durch einen sehr persönlichen Stil und Standpunkt eine Erzählung zum Leben erweckte, die darauf abzielte, Käufer zu beschreiben, die sich in den engen Räumen der Stände bewegen, wo die Figur einer weiß gekleideten Frau hervorsticht, die weitergeht Beim Vorwärtslaufen trifft er auf einen jungen Mann, der in die entgegengesetzte Richtung geht. Schließlich sind die anderen Charaktere, die in dem stoffreichen Meisterwerk anwesend sind, neben anderen Passanten auch die Verkäufer, die hauptsächlich mit dem Ordnen, Beobachten und Verkaufen ihrer Waren beschäftigt sind. Ein weiterer Ort, an dem die modernere, passivere Tätigkeit der Lebensmittelbeschaffung stattfinden könnte, ist Annibale Carraccis Bottega del macellaio (Metzgerei), ein Gemälde aus dem Jahr 1585, das sich durch die Anwesenheit geschlachteter Tiere auszeichnet, die an Haken hängen und bereit sind, fachmännisch zerschnitten und stückweise verkauft zu werden.

Vincenzo Campi, Die Ricotta-Esser , ca. 1585. Öl auf Leinwand, 72 cm × 89,5 cm. Museum der Schönen Künste von Lyon, Lyon.

Annibale Carracci, Bohnenesser , 1584–1585. Öl auf Leinwand, 57×68 cm. Galleria Colonna, Rom.

An diesem Punkt, zwischen dem Kauf- und dem Essensvorgang, drängt sich eine entscheidende Phase auf, nämlich die, in der das Essen vorbereitet wird, damit es von unseren Zähnen zerkleinert, von unserem Speichel geknetet und geschluckt werden kann, um in den unersättlichen Magen zu gelangen. Um den Moment des Kochens, Schneidens, Zerkleinerns usw. der in der oben genannten Vucciria gekauften Köstlichkeiten zu beschreiben, beziehe ich mich daher auf Two Cooks in the Kitchen des flämischen Künstlers Marten De Vos, ein Werk, das wahrscheinlich darauf abzielt, zwei Köche darzustellen, die das Mittagessen des reichen Epulon zubereiten wollen. Nach diesem letzten Meisterwerk sind wir dann bereit, zwei Werke zu illustrieren, deren Bildnisse sich ohne jegliche Bescheidenheit auf das Essen stürzen, indem sie auffällig den Mund öffnen, was beispielsweise in Vincenzo Campis „I mangiatori di ricotta“ und, wenn auch auf eine viel weniger eindringliche Weise, in „Mangiafagioli“ von Annibale Carracci der Fall ist. Was das expliziteste der oben genannten Meisterwerke betrifft, so wird in I mangiatori di ricotta die Absicht des Malers verwirklicht, den typischsten Volksgeist der bäuerlichen Tradition einzufangen, nämlich den, der durch die Auferlegung spontaner und vulgärer Gesten gekennzeichnet ist und von einem gesunden rustikalen Realismus belebt wird. Darüber hinaus scheinen die vier Protagonisten des von Campi Buffonaria selbst benannten Meisterwerks von der Tradition der Commedia dell'arte inspiriert worden zu sein, während die Merkmale des Ricottas auf die schändlichere Form eines Schädels anzuspielen scheinen, was wahrscheinlich darauf abzielt, uns daran zu erinnern, dass eines Tages sogar die mit dem Essen verbundenen Freuden ihr Ende finden werden. Was Carracci hingegen betrifft, so verewigt das bekannte Öl auf Leinwand die Gesichtszüge eines Mannes, vielleicht eines Bauern, der an einem Tisch sitzt, einen Teller Bohnen verzehrt und den Löffel anhebt, um ihn an seinen bereits gierig geöffneten Mund zu führen. Ein bemerkenswertes Detail ist das Detail, das darstellen soll, wie ein paar Tropfen Brühe von dem mit Essen gefüllten Löffel fallen, eine unerwartete Tatsache, die mit dem erstaunten Blick des Bildnisses harmonieren soll, das plötzlich merkt, dass er beobachtet wird, während er sein armseliges Gericht verzehrt. Nachdem ich schließlich die klassischsten Esser der Kunstgeschichte illustriert habe, werde ich die Geschichte mit denselben Figuren fortsetzen, die von den zeitgenössischen Malern von Artmajeur interpretiert wurden.

PRIMA DONNA EATING PIZZA (2023) Gemälde von Ta Byrne.

Ta Byrne: Primadonna beim Pizzaessen

Eine Frau mit wildem Haar, die bereit ist, an die Mähne eines kräftigen Löwen zu erinnern, erscheint wie beabsichtigt an einem Tisch sitzend, der mit den Farben des Hintergrunds verschmilzt, und genießt eine Peperoni-Pizza, die so reich an Mozzarella-Käse ist, dass der Strang des letzteren auffällig zwischen ihren Lippen hängt und das leckere Stück in ihren Händen festhält. Dieses einfache und unmittelbare Bild muss jedoch mit komplexeren Bedeutungen aufgeladen sein, die uns von der Künstlerin selbst offenbart werden, die zugibt, dass ihre Arbeit im Allgemeinen das Ergebnis einer Aufmerksamkeit ist, die auf die Komplexität der emotionalen Natur des Menschen gerichtet ist und durch die stilistischen Merkmale eines Surrealismus mit deutlich erkennbaren Besonderheiten wiedergegeben wird, die darauf abzielen, die künstlerische Forschung von Meistern wie Picasso und Lowry anzusprechen. Immer noch zum Thema der oben erwähnten Emotionalität: Die Reflexion über die fragliche innere Welt stammt hauptsächlich aus Byrnes Kindheitserinnerungen und persönlichen Erfahrungen, die neu interpretiert werden, um positive Gedanken zu vermitteln, in einem Hauch von Freude und Glück, der den Zuschauern für die kommenden Jahre ausgeschüttet werden soll. Um schließlich auf das betreffende Gemälde zurückzukommen: Die Bedeutung „Primadonna“, mit der das Bildnis im Titel des Werks bezeichnet wird, könnte uns entweder an eine Figur mit großer Persönlichkeit oder an Königin Margarete von Savoyen selbst denken lassen, also an die Persönlichkeit, der der Pizzabäcker Raffaele Esposito im Jahr 1889 die ikonische und klassische Geburt der Pizza Margherita widmete. In Wirklichkeit handelt es sich bei dem vom Artmajeur-Künstler dargestellten Essen jedoch um eine Salamipizza, eine Delikatesse, die gegen Ende des 19. Jahrhunderts von italienischen Einwanderern in den USA erfunden wurde, die das traditionelle Rezept mit lokalen Zutaten überarbeiteten und dabei sogar zu falschen Aussprachen zwischen Italienisch und Englisch führten. Tatsächlich handelt es sich um Peperoni, die mit Chili-Pfeffer zubereitet werden, ein Wort, das im Englischen einfach mit „Pfeffer“ übersetzt wurde und der bekannten Pizza ai den Namen „Pepperoni“ gibt.

VEGAN (2022)Gemälde von Artseeker-Künstlern.

Artseeker-Künstler: Vegan

Betrachten Sie mich so, wie ein Veganer ein schönes, selten gegartes Fleischsteak betrachten würde, genießen Sie mich mit diesem Verlangen, gemischt mit Unmöglichkeit, Irrationalität, Unrichtigkeit, manchmal Ekel, aber vielleicht gerade deshalb auf eine sehr starke, sehr intensive, sehr tiefe, wahre, verbotene und unwiederholbare Weise. Erblicken! Genau das, was ich beschrieben habe, scheint den Titel des Gemäldes von Artseeker Artists vollständig zu erklären, der in starkem Kontrast zu dem steht, was gezeigt wird: der Wunsch, Spiegeleier und Speck eines kleinen, schwarzen, pelzigen Wesens zu verschlingen, das wahrscheinlich mit der Hunderasse der französischen Bulldoggen identifiziert werden kann und der Interpret einer intensiven und leidenschaftlichen Liebe ist, die aus Blicken besteht, die höchstwahrscheinlich einem nervösen und schnellen Verzehr der Mahlzeit vorausgehen, der sowohl durch Abstinenz als auch durch die Angst, entdeckt zu werden, diktiert wird. Um die Verbindung zu beschreiben, die zwischen diesen verträumten, schelmischen, nachdenklichen Augen und dem oben genannten Gericht hergestellt wurde, beziehe ich mich außerdem auf den zeitgenössischen Begriff „Food-Porn“, also auf jene Form der Food-Fotografie, die durch einen Stil, der darauf abzielt, Gerichte ansprechend zu präsentieren, in einer Weise analog zur glamourösen oder pornografischen Fotografie wirkt. Im Fall der veganen Arbeit ist es jedoch nicht so sehr das Aussehen des betreffenden Lebensmittels, sondern die Verliebtheit, die zwischen dem Essen und dem, der es isst, entsteht, eine „Bindung“, die bereit ist, eine intensiv sexualisierende Assoziation hervorzurufen, die ihren Ursprung in der Tatsache hat, dass Süßigkeiten, Zucker, Fleisch usw. unauslöschlich mit den intimsten Genusserlebnissen unseres Lebens verbunden sind, die, wenn sie nicht konsumiert werden, auf einen voyeuristischen Genuss reduziert werden können, der den meisten ebenbürtig ist erotische sexuelle Fantasien.

POP BURGER 03 (2021)Gemälde von Miguel Angel Lozano Bonora.

Miguel Angel Lozano Bonora: Pop-Burger

Schwarz-weiße Streifen, die sich nebeneinander wiederholen, ergeben das Bild von Marion Crane, die in einer neuartigen Interpretation der bekannten Duschszene aus Alfred Hitchcocks Film mit dem Titel „Psyco“ den Mund weit öffnet, um an einem Cheeseburger zu knabbern, anstatt über die Ankunft ihres Todes zu schreien. Tatsächlich hat Lozano Bonoras Ironie die Konnotationen der Handlung des oben genannten Films deutlich verändert, in dem der gesamte erste Teil als eine Art Einführung in das erscheint, was wirklich kommen wird, was sich ab der Ermordung von Marion Crane abzeichnet. Wie nimmt die Beziehung zwischen Kunst und Ironie in der Bildsprache Gestalt an? Es ist allgemein bekannt, dass Ironie die Fähigkeit des Sprechers bedeutet, seine eigenen Gedanken durch Worte oder Sätze, die das Gegenteil von dem bedeuten, was sie bekräftigen, durch einen sarkastischen, humorvollen und sogar polemischen Ton zu verschleiern, der die wahren Absichten beleuchtet und den Sprecher dazu zwingt, sich nicht auf eine oberflächliche Lektüre der Äußerung zu beschränken, sondern eine weitere Interpretation vorzunehmen aktive Anstrengung, die darauf abzielt, die wahre Bedeutung dessen zu erfahren, was gerade bestätigt wurde. In der Kunst manifestiert sich das Gesagte durch das Vorhandensein widersprüchlicher und daher ironischer Symbole, die darauf abzielen, die wahre moralische Bedeutung, die der Verkünder angibt, zu verbergen und gleichzeitig zu enthüllen, in einer Haltung, die in der Zeit der Avantgarde- und Neo-Avantgarde-Bewegungen ihren Höhepunkt erreichte. Als ich an dieser Stelle über die bittere Kritik an der Gesellschaft nachdachte, die sich hinter Manzonis respektloser Ironie verbirgt, fragte ich mich: Verbirgt sich hinter Lozano Bonoras Humor tatsächlich eine Verhöhnung der Filmindustrie, der berüchtigtsten Fast-Food-Restaurants oder vielleicht eine bittere Sicht auf eine Gesellschaft, die am Rande eines Nervenzusammenbruchs steht?