Sollen wir uns mit Edward Hopper sonnen?

SONNENSTRAND (2020) Gemälde von Sergey Sovkov.

Die Einladung, die in meinem Titel mitschwingt, wird Liebhaber von Edward Hopper nicht überraschen, denen sicherlich die Genauigkeit aufgefallen ist, mit der der amerikanische Meister durch filmische Rahmung das Licht in seinen Gemälden gekonnt arrangiert und verschiedene Beobachtungspunkte desselben Meisterwerks konstruiert , die in ihrer Essenz gerade durch diese heimlichen Eintritte der Sonne in die Häuser oder die unterschiedlichsten Orte, in denen sich die Protagonisten seiner Arbeit im Allgemeinen befinden, offenbart wird. Es ist jedoch nicht unbedingt so, dass, wiederum die oben genannten Kenner, festgestellt haben, dass man sogar eine allmähliche Erzählung konstruieren kann, die darauf abzielt, die leuchtenden Räume einer zunehmenden Anzahl von Charakteren allmählich zu bevölkern, ausgehend von einer teilweise sonnenbeschienenen Ansicht, aber vollständig frei von der menschlichen Gestalt. Um das zu demonstrieren, beginne ich mit Rooms by the Sea, einem Gemälde von 1951, in dem die Architektur eines Innenraums enthüllt wird, beleuchtet durch das Vorhandensein einer weit geöffneten Tür, die Licht hereinlässt und den Betrachter in Kontakt mit der äußeren Umgebung bringt: der Himmel und das Meer. Gerade letztere ständig schwimmende Wasserfläche scheint surreal bis zur Schwelle der Tür zu reichen, eine Grenze, die es uns ermöglicht, das Haus zu betreten und die Anwesenheit eines zweiten, jenseits des ersten und kahlen, möblierten Zimmers zu entdecken, ein Raum, der dem Betrachter das Gefühl vermittelt, sich tiefer in die Komposition hineinbewegen zu können. In Bezug auf den Entstehungskontext des Werks hingegen schlägt Rooms by the Sea den Blick wieder vor, den der Maler von seinem Atelier in Cape Cod (Massachusetts) aus genossen hat, obwohl dieser Blick auf die Realität eher wie eine metaphysische Erfindung erscheinen würde, ausschließlich diktiert von der Seele und Innerlichkeit des Künstlers. Schließlich ist es genau diese Platzierung irgendwo zwischen dem Bewussten und dem Unbewussten, die es mir ermöglicht, mir vorzustellen, dass der oben erwähnte Raum des Künstlers allmählich von der Anwesenheit von Figuren bevölkert wird, die, verloren in der Betrachtung des Meeres, auch geküsst und gebräunt werden Sommersonne. Diese meine Träumerei löst sich, wenn auch in einem entschieden anderen Kontext am Hang, in einer einsamen Figur auf, die der amerikanische Meister sonnengeküsst und in voller Nacktheit dargestellt hat, fast darauf abzielend, den Wunsch zu suggerieren, selbst die „dunkelsten“ Teile unseres Körpers zu haben ans Licht kommen, obwohl es in diesem speziellen Fall eher um die geheimnisvollen Gedanken des Bildnisses zu gehen scheint als um ihre nun freigelegten Geschlechtsteile. Für diejenigen, die sich verirrt haben, fahre ich mit der Beschreibung von A Woman in the Sun fort, einem Werk aus dem Jahr 1961, das darauf abzielt, genau zu bezeugen, wie Hopper, nachdem er erwachsen geworden war, begann, mehr visuelle Details seiner Bilder wegzulassen, um sich zu konzentrieren mehr über die Wiedergabe der psychologischen Daten seiner Motive, die im Falle dieses Meisterwerks die Form der oben erwähnten nackten Frau annehmen, die im Lichtstrahl gefangen ist, der aus einem Fenster vor ihr kommt. Eine solche dezidiert voyeuristische Umgebung, in der einfache architektonische Komponenten und wenige Details des Alltags erkennbar sind, ermöglicht es dem Betrachter, sich die Gedanken des Abbilds vorzustellen, aber auch die vorangegangenen und nachfolgenden Ereignisse dieser spezifischen Vision zu rekonstruieren, um die Merkmale einzufangen der Frau des Künstlers, nämlich Josephine Nivison. In der Absicht, in Hoppers Gemälden einen Bevölkerungshöhepunkt zu erreichen, beschloss ich, mir vorzustellen, wie ich das oben genannte Modell ideal anziehe, um es ihr zu ermöglichen, sich zu einem späteren Zeitpunkt einigen ihrer Mitmenschen anzuschließen, die in die wohltuende kontemplative Aktion verwickelt sind von der Sonne. Um die Frau auf den Ausstieg vorzubereiten, wollte ich mir daher zunächst vorstellen, wie sie sich in einem pfirsichfarbenen Kleid bekleidet vorstellt, während sie nachdenklich die Sonnenstrahlen genießt, wohl um in der Öffentlichkeit nicht zu bleich zu wirken, denn , zumindest hier bei mir in Italien sind die Menschen es gewohnt, in der schönen Jahreszeit um die Menge der Sonne zu konkurrieren. Das Beschriebene führt uns zu einem weiteren Meisterwerk des amerikanischen Meisters, Morning sun (1952), ein Gemälde, das eigentlich mit der weniger optimistischen Absicht konzipiert wurde, die Erfahrung menschlicher Isolation in modernen Städten zu illustrieren, die sich in einem buchstäblich in ihr verlorenen Abbild widerspiegelt Gedanken, platziert in kahlen Wänden, die Gestalt annehmen in einem einzigen, desolaten hohen Stockwerk. Dieses isolierte Leben hört erst auf, als sich die fünf Figuren von People in the Sun (1960), wohl gerade in der Absicht, etwas Sonne zu genießen, in bequemen Liegestühlen vor einer rätselhaften ländlichen Landschaft versammeln, eine Vision, die der Künstler aus der Beobachtung der Landschaft ableitete Gewohnheiten der Bewohner eines New Yorker Parks, wobei letzterer städtischer Kontext durch einen Raum ersetzt wird, der sicherlich durch die Erinnerung an die vielen Reisen in den Ferienort Massachusetts angeregt wird. Wenn die Einsamkeit verblasst zu sein scheint, bleibt doch das Geheimnisvolle, das das Werk durchdringt, ein wiederkehrendes Merkmal der vom Künstler behandelten Themen, das uns in diesem speziellen Fall zu der Frage veranlasst: Welchen Blick bewundern die Bildnisse? Was ist der Mann mit dem Buch? Warum sich so schick anziehen, um in der Sonne zu schwitzen? Wie stehen die Charaktere zueinander? Auf diese letzte Frage gibt es leider und trotz der Enge des Bildes immer nur eine, tragische und nur eine Antwort, nämlich die einer eigentlich dauerhaften Einsamkeit, die vor allem aus einem tiefen Fremdheitsgefühl stammt, das die Protagonisten bestimmt ' ewige Unfähigkeit, miteinander zu kommunizieren, während ihre Gesichter jedoch zunehmend gebräunt werden. Schließlich setzt sich die Verbindung zwischen Kunst, Sonne und Bräune in zeitgenössischen Gemälden von Artmajeur-Künstlern fort, wie zum Beispiel Beach von Roza Bronnikova, Lazy days von Angela Brittain und Arcachon-Liebhaber von Stan.

HOT CHILL 2 (2022) Gemälde von Stuart Dalby.

STRAND (2021) Gemälde von Roza Bronnikova.

Roza Bronnikova: Strand

Bronnikovas Gemälde, das eine sonnendurchflutete Landschaft in einem tropischen Paradies darstellt, die mit einer Hängematte ausgestattet ist, lässt nichts vermissen, um darin eine entspannte und genießende Figur unterzubringen, die uns, auffallend abwesend, daran zu erinnern scheint, wie die menschliche Anwesenheit auf dieser Erde ziemlich überflüssig ist , ob badend oder nicht, die sonne, falls sie scheint, wird es immer tun, höchstens landschaften und wasserflächen küssen, statt ein schönes gesicht. Neben dem erwähnten Stern, der für uns aus der Ferne ungenau sichtbar ist, birgt das Gemälde auch die stille Präsenz des Windes, wie es die eigenen Aussagen des Künstlers nahelegen, und offenbart, wie der letzte Atemzug der gewundenen Bewegung der Palmblätter und Hängemattenpony gewidmet ist. Eine Vision ähnlicher "Abwesenheit" bietet uns die parallele Erzählung der zeitgenössischen Kunst, gut wiedergegeben von Snarkitectures The Beach, einer Installation von 2015, die, bevor sie von Massen von Besuchern gefüllt wird, die Form eines verlassenen Badehauses annimmt, das, in der Great Hall des National Building Museum in Washington, DC, präsentiert sich in Form einer Vielzahl von durchscheinenden Kugeln aus recycelbarem Kunststoff, Strandkörben, Baumaterialien wie Gerüsten, Holzplatten und perforierten Netzen, die von künstlichem Licht beleuchtet werden. Wenn also die Arbeit des Künstlers von Artmajeur als eine Art Manifest einer ruhigen und authentischen Verbindung von Mensch und Natur daherkommt, so entsteht die Installation des von Daniel Arsham und Alex Mustonen gegründeten New Yorker Gemeinschaftsstudios als eine dramatischere Erinnerung an die verheerenden Auswirkungen menschlicher Aktivitäten auf der Erde, die jetzt weitgehend von künstlichen Orten besetzt sind, die das authentischste Konzept des Strandes verändert haben.

LAZY DAYS (2023) Gemälde von Angela Brittain.

Angela Brittain: Faule Tage

An einem nicht sehr überfüllten Strand kämmt eine reife Frau die Haare einer jüngeren weiblichen Figur, die sich gut sitzend sonnt, indem sie ihren Kopf auf ein Handtuch legt, dessen Anwesenheit zusammen mit dem einsamen Badeanzug auf der rechten Seite des Ständers einen suggeriert gerade vollendetes Baden des Mädchens. Trotz der phantasievollen Weise, in der auch die Figurengruppe im Hintergrund in Handtüchern, die Frau mit ihrem Hund, der Mann im braunen Anzug, Mutter und Tochter, die Figuren im Meer und die Boote beschrieben werden, spreche ich von dem Gemälde etwa, nämlich Degas' Meisterwerk mit dem Titel Strandszenen wurde vom Meister im Studio ausgeführt, wie wir an einigen Versäumnissen des französischen Künstlers sehen können, wie zum Beispiel dem Rauch der Schiffe, die in verschiedene Richtungen fahren. Außerdem sagte der Maler selbst über die Ausführung dieses Meisterwerks: „Es war ganz einfach. Ich breitete meine Flanellweste auf dem Atelierboden aus und ließ das Modell darauf sitzen. Sie sehen, die Luft in einem Gemälde ist nicht unbedingt die gleiche wie.“ die Luft außerhalb des Hauses." Beim Thema Bräunung kam es allerdings erst rund fünfzig Jahre nach Entstehung dieses Gemäldes in Mode, so sehr, dass das kleine Mädchen mit einem Sonnenschirm ausgestattet ist und nur die Frau, vermutlich ein Kindermädchen aus einer niedrigeren sozialen Schicht, sich nicht darum kümmert um ihre Haut zu färben. Heute hingegen wird Bräunen sofort mit dem Dolce far niente der reichen, ewigen Urlauber in Verbindung gebracht, die statt Identitätskrisen im Büro in der Sonne braten wie Garnelen, deren Durst am liebsten mit dem berühmtesten Cocktail der Saison gestillt wird , so wie es die rothaarige Protagonistin von Lazy days tut, während sie, wohl fast ein wenig beschwipst, eingebettet in einen Felsen einschläft.

ARCACHON-LIEBHABER (2023) Gemälde von Stan.

Stan: Arcachon-Liebhaber

In Stans Pop-Gemälde denken die leidenschaftlichen Protagonisten nicht mehr ans Sonnenbaden, indem sie die Markierung ihres Kostüms winzig machen, denn sie sind total verliebt in einen gemeinsamen Kuss, der auf einem Schlauchboot vollzogen wird, das in wer weiß welcher Wasserfläche platziert ist . Sie sollten jedoch nicht so sorglos und beschäftigt sein, denn wenn sie vergessen, sich zu schützen, werden sie mit einer großen prozentualen Wahrscheinlichkeit "rot" wie der Protagonist von Nude Sunbathing, Roy Lichtensteins Meisterwerk von 1995. In der Tat ist der Zweck dieses neuesten Werks, mit Hilfe der persönlichen Ben-Day-Technik die weibliche Erzählung des amerikanischen Meisters zu illustrieren, die in ihrer endgültigen Fassung präsentiert wird, d. Eine Figur, die oft in den Wirren des Dramas oder artikulierter stilistischer Interpretationen dargestellt wird, erscheint in ihrer reinsten Form: der des Aktes, in der sie ohne Zurückhaltung eine verführerische, sinnliche und erotische Konnotation annimmt. Tatsächlich kam die amerikanische Künstlerin, um die Essenz einer Weiblichkeit zu feiern, die jetzt selbstbewusst, träge, müßig, magnetisch und sehr kokett ist und den Betrachter verzaubern und vollständig verführen kann, indem sie mit ihrer Hand, die mit blonden Locken spielt, beschwört Haare, eine kühnere Interpretation früherer Meisterwerke, wie zum Beispiel Matisses Drapierter Akt und Tizians Venus von Urbino.