Paul Gauguin, Stillleben mit drei Welpen, 1888. Öl auf Holz, 91,8 x 62,6 cm. Mama.
Das Genre Stillleben: Tauchen wir ein!
Kommen wir gleich zum Punkt: Wenn Sie im Internet über Stillleben lesen, finden Sie Beispiele aus der hellenistischen, römischen, mittelalterlichen und Renaissance-Zeit. Sie zeichnen sich durch die überwiegende Darstellung unbelebter, natürlicher und künstlicher Motive aus. Obwohl dies die bestimmenden Merkmale dieser Art von Komposition waren, wurde sie erst gegen Ende des 16. Jahrhunderts offiziell zu einer eigenständigen, anerkannten, spezialisierten und geschätzten Gattung. Die Geschichte erfreute sich auch im darauffolgenden Jahrhundert großer Beliebtheit und Verbreitung, obwohl das Stillleben im 18. Jahrhundert in der hierarchischen Rangfolge der figurativen Kunstgattungen an das unterste Ende gerückt wurde. Dennoch wird die fortschreitende Bekanntheit, die das Genre erlangt hat, vor allem dem flämischen Vorbild zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert zugeschrieben, einem Kontext, in dem der Begriff „stilleven“ geprägt wurde, der wörtlich „Stillleben“ bedeutet. Während die letztere Bedeutung in den englischen Sprachen beibehalten wurde, gilt dies nicht für die neulateinischen Sprachen, wo das Wort immobile durch dead ersetzt wurde (z. B. „natura morta“). Diese Änderung resultierte aus einer italienischen Neuinterpretation des Begriffs, die im späten 18. Jahrhundert erfolgte, wahrscheinlich aufgrund eines einfachen Übersetzungsfehlers, durch den die ältere niederländische Phrase verändert wurde. An diesem Punkt setzt sich die Erzählung in meiner Rangliste fort und zeigt den Erfolg eines Genres, das oft unterschätzt wird, aber tatsächlich von unsterblichen Meistern aller künstlerischen Strömungen, Trends und Strömungen thematisiert wird.
Caravaggio, Obstkorb, 1597-1600. Öl auf Leinwand, 46×64 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Mailand.
1.Caravaggio: Obstkorb (1600)
Beginnen wir mit einem der berühmtesten Werke der Kunstgeschichte, das zum „unglücklichen“ Genre des Stilllebens gehört. Ich beziehe mich, zunächst mit einem Adrenalinstoß und einer Tendenz zum Stendhal-Syndrom, auf Caravaggios Früchtekorb, ein Meisterwerk aus dem Jahr 1600. Das Gemälde ist sowohl aus historisch-künstlerischer Sicht als auch thematisch von Bedeutung. Es ist nicht nur eines der frühesten Beispiele der Stillleben-Kunstgattung, sondern stellt im Einklang mit der italienischen Ästhetik des Realismus nicht nur makellose Früchte dar, sondern auch einen faulen Apfel und Blätter, die trocken und mit Löchern von Insekten übersät sind. All dies wurde vom Meister konzipiert, um auf die Unsicherheit der menschlichen Existenz hinzuweisen, aber auch, um die authentische Unvollkommenheit der Natur zu feiern. Dazu gehört ein geflochtener Weidenkorb, der im Zentrum der Komposition Trauben aus Weintrauben, Birnen, Äpfeln, Feigen und Pfirsichen enthält und auf einer Holzoberfläche ruht, die parallel zum Blick des Betrachters verläuft. Der Betrachter kann sich nur auf den Realismus des Motivs konzentrieren, der durch das Vorhandensein einiger Details tatsächlich negiert wird. Ist Ihnen tatsächlich aufgefallen, dass dem Maler auf unglaubliche Weise die unmögliche Aufgabe gelungen ist, Früchte aus verschiedenen Jahreszeiten nebeneinander zu platzieren? Abschließend möchte ich auch Caravaggios Motivwahl rechtfertigen, der sich in einem spätmanieristischen Kontext berechtigt fühlte, sein Interesse an der Natur zum Ausdruck zu bringen, die früher oft nur als Hintergrundelement in Porträts oder religiösen Themen verwendet wurde.
Rembrandt, Geschlachteter Ochse, 1655. Öl auf Holz. 95,5 x 68,8 cm. Louvre, Paris.
2.Rembrandt: Geschlachteter Ochse (1655)
Wir fahren mit den Tachykardien, Schwindelgefühlen, Verwirrung und Halluzinationen des Stendhal-Syndroms fort und nähern uns einem Meisterwerk voller symbolischer Bedeutungen, das bezeugen soll, wie zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert Stilllebenkompositionen triumphierten, darunter solche mit Tierkadavern erschienen, als trauriges und direktes Memento mori zu verstehen, auch übungsfähig für Künstler, die sich der Komplexität von Form und Farbe näherten. Allerdings erinnert uns auch Rembrandts „Geschlachteter Ochse“, ein Meisterwerk, das den geviertelten Kadaver eines Tieres zeigt, das an seinen beiden Hinterbeinen an einem Holzbalken hängt, an das berühmte Beispiel der Kreuzigung Jesu. Nun sind wir an einem kritischen Punkt der Beschreibung angelangt, da es sich bei dem Werk tatsächlich um ein falsches Stillleben handelt. Tatsächlich verwandelt die Anwesenheit einer Frau im Hintergrund, die hinter einer halboffenen Tür erscheint, das Gemälde in ein Genregemälde, das ganz darauf abzielt, eine Szene des Alltags darzustellen.
Chaim Soutine, Rinderkadaver, 1925. Öl auf Leinwand, 147,32 x 113,03 cm. Sammlung des Minneapolis Institute of Art.
3.Chaim Soutine: Rinderkadaver (1925)
Um das Obige in ein echtes Stillleben zu verwandeln, kam Chaim Soutine zur Rettung! Ich beziehe mich auf seinen Beef Carcass aus dem Jahr 1925, der eigentlich von dem oben beschriebenen Meisterwerk inspiriert ist und vom russischen Meister in einer Reihe von Werken mit demselben Thema neu interpretiert wurde. Es ist jedoch erwähnenswert, dass sich andere große Meister, darunter Daumier und Slevogt, dem gleichen Thema näherten, obwohl im Fall von Soutine eine besonders emotionale Interpretation erkennbar ist, die durch intensive und gesättigte Farben gekennzeichnet ist, die die exzentrische Persönlichkeit des Malers widerspiegeln. Lassen Sie mich kurz auf diesen charakteristischen Aspekt des Künstlers eingehen, um einige düstere Details über seine Ausführung der betreffenden Tierstillleben zu enthüllen. Soutine, der mit den Angestellten eines Pariser Schlachthofs befreundet war, kaufte von ihnen Fleisch und brachte es wochenlang in sein Atelier, um es dort zu malen, wobei es in dieser Zeit auch übelriechende Verwesung erlitt ... Wir wissen nicht, ob diese Fixierung auf die Tierwelt entstand aus einer anfänglichen Entbehrung, da bekannt ist, dass der Künstler, als er noch arm war, den Kauf von Fleisch vermied, weil es zu teuer war. Paradoxerweise beschloss er, als er reich wurde, es zu kaufen, nur um es zu studieren und zu malen ...
Vincent van Gogh, Sonnenblumen, 1888. Öl auf Leinwand, 92,2 cm × 73 cm. Nationalgalerie, London.
4.Vincent van Gogh: Sonnenblumen (1888)
Der Blick des Betrachters ist auf das einzige Motiv des betreffenden Stilllebens gerichtet: ein in einer Vase arrangierter Sonnenblumenstrauß, dessen Formen auf einer gelben Oberfläche ruhen und bereit sind, sich von einer hellen Wand abzuheben. Die in verschiedenen Reifestadien geernteten Sonnenblumen erscheinen in ähnlicher Weise in einer Serie von sieben Werken des Künstlers, die den Raum in Arles schmücken sollten, den van Gogh für seinen Freund und Kollegen Gauguin vorgesehen hatte. Lassen Sie mich einen Moment bei dem Wort „Freund“ innehalten, um zu verdeutlichen, dass der französische Künstler Vincent in Wirklichkeit erst kontaktierte, nachdem er von Theo van Gogh eine finanzielle Entschädigung erhalten hatte. Aber warum war Geld nötig? Nehmen wir mal an, dass Gauguin bereits davon ausgegangen war, dass das Zusammenleben mit Vincent etwas problematisch sein würde, und dass ihm die oben erwähnte Mittelmeerprovinz auch nicht gefiel. Auf jeden Fall entledigte sich Paul kurz darauf nach einem der berühmtesten Streitigkeiten der Kunstgeschichte seines Freundes, verließ Arles und löste bei van Gogh eine selbstverletzende Krise aus, die in dem inzwischen tragischen und ikonischen Vorfall mit dem Ohrenschneiden gipfelte. Zurück zu den Blumen: Auch die Anzahl der Sonnenblumen in den verschiedenen Zusammensetzungen variiert bekanntermaßen und liegt zwischen vierzehn und fünfzehn Exemplaren. Warum diese besondere Wahl? Vinzenz schätzte die Zahl 14 besonders, weil sie sich auf die Zahl der Apostel bezog, während er mit 15 sich selbst in denselben Bezug einbezog (14 Apostel + Vinzenz). Ironie: In diesen Top Ten geht es um Ereignisse, die man zu Hause besser nicht ausprobieren sollte!
Paul Gauguin, Stillleben mit drei Welpen, 1888. Öl auf Holz, 91,8 x 62,6 cm. Mama.
5.Paul Gauguin: Stillleben mit drei Welpen (1888)
Als Tieraktivistin, die ich bin, musste ich die Anwesenheit verstorbener Lebewesen in dieser Top 10 ausgleichen, ein Zweck, den ich erfülle, indem ich über Gauguins Stillleben mit drei Welpen spreche, ein Werk, das gleichzeitig Zeit, lässt meine Zweifel aufkommen. Wenn wir tatsächlich über Stillleben sprechen, wie könnten die Tiere dann überhaupt am Leben sein? Wenn wir den Annahmen des Genres treu bleiben wollen, müsste die gemalte Fauna tatsächlich tot sein und die Lebenden wären nur dann akzeptabel, wenn sie nach verstorbenen Modellen hergestellt würden. Wir wissen jedoch, dass Gauguin in dem figurativen Kontext, in dem er arbeitete, nun völlig frei von dieser Art älterer Einschränkungen war, so sehr, dass er zum Zeitpunkt der Entstehung von „Stillleben mit drei Welpen“ noch lebte in der Bretagne zusammen mit einer Gruppe experimenteller Künstler. Gerade mit letzterem entfernte er sich von den realistischeren Darstellungen und führte teilweise zu Stilmerkmalen mit teilweise abstraktem Anklang, die das Ergebnis der von ihm propagierten Verbindung von Traum und Natur waren. Ein entscheidender Bestandteil des Meisterwerks ist jedenfalls auch die eigentümliche Interpretation der Stilmerkmale der japanischen Kunst, die sich beispielsweise in der blauen Umrisszeichnung der Körper der Welpen sowie im Motiv ihres Fells widerspiegelt um an den Tischdeckendruck zu erinnern.
Paul Cezanne, Stillleben mit Äpfeln und Orangen, 1899. Öl auf Leinwand, 74×93 cm. Musée d'Orsay, Paris.
6.Paul Cezanne: Stillleben mit Äpfeln und Orangen (1899)
Hier beschreiben wir ein weiteres der beliebtesten Werke des Genres: Warum habe ich gesagt, was ich gesagt habe? Nun, es ist wichtig zu wissen, dass viele Kunsthistoriker in Stillleben mit Äpfeln und Orangen einen Vorläufer des Kubismus erkannt haben, da es geometrische Formen zur Darstellung der Früchte verwendet und gestrichelte Linien in den Falten des Stoffes aufweist. Lassen Sie uns nun beschreiben, was erwartet wurde: Auf einer Leinwand sind mehrere Äpfel und Orangen angeordnet, einige verstreut, andere auf Tellern gesammelt, die auf der rechten Seite des Trägers auch von der Anwesenheit eines Kruges begleitet werden. Die oben genannte Leinwand ruht auf einem floralen Stoff, der die Präsenz der komplementären Farben Blau und Orange hervorheben soll. Lassen Sie uns nun auf diesen chromatischen Aspekt des Meisterwerks eingehen und uns ganz auf die Beschreibung seiner Objekte mithilfe von Tonvariationen konzentrieren, die im Fall der Frucht von Gelb bis Rot reichen. Der Blick auf diese Farben erfolgt nicht aus einer Perspektive, die sich an geometrische Regeln hält, da der Raum das Ergebnis der Überlagerung sehr einfacher Volumen ist, die von einem erhöhten Standpunkt aus betrachtet werden.
Frida Kahlo, Viva la Vida, Wassermelonen, 1954. Frida Kahlo Museum. @danielharoro
7.Frida Kahlo: Viva la Vida, Wassermelonen (1954)
Die Bedeutung und Ikonizität des betreffenden Werks wird sich im Laufe der Erzählung zeigen, aber zunächst möchte ich Ihnen eine Vorschau geben, indem ich Ihnen sage, dass ich dieses Gemälde ausgewählt habe, um das Potenzial des Stillleben-Genres zu demonstrieren gleichermaßen in der Lage, äußerst positive und hoffnungsvolle Botschaften zu vermitteln. Was ich gerade erwähnt habe, ergibt sich jedoch aus einem starken Kontrast, einem wiederkehrenden Element in Fridas Werk. In diesem Fall ist die Dualität auf die Tatsache zurückzuführen, dass die Künstlerin das Meisterwerk in einem ernsten Gesundheitszustand malte, sie jedoch Wassermelonen darstellte, das Inbegriff der Lebhaftigkeit des Lebens. Wenn wir diese Themen jedoch genau beobachten, bemerken wir, dass sie unterschiedliche Reifestadien durchlaufen, was höchstwahrscheinlich auf die verschiedenen Phasen des menschlichen Lebens anspielt. Auf jeden Fall verbreitet die Verwendung von Rot in Kombination mit der grünen Komplementärfarbe der Fruchtschale Optimismus, ein chromatischer Aspekt, der einen angenehmen und lebendigen Kontrast schafft. Die bis dahin nur spekulierten Absichten des Malers werden schließlich in der unteren Wassermelone deutlich, die den Satz trägt: „Viva la Vida – Coyoacán 1954 Mexiko.“ Am Ende der Erzählung über das Gemälde endet auch die über Frida, denn Viva la Vida ist in jeder Hinsicht das letzte Werk, das der Künstler geschaffen hat ...
Salvador Dalí, Lebendiges Stillleben, 1956. Öl auf Leinwand, 125 cm × 160 cm. Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida.@
8. Salvador Dalí: Lebendiges Stillleben (1956)
Im Gegensatz dazu kommt die seltsame Assoziation zwischen Dynamik und toter Natur in Salvador Dalis Lebendigem Stillleben vor, einem Meisterwerk aus dem Jahr 1956, das in der Zeit entstanden ist, die der Katalane Nukleare Mystik nannte, einem malerischen Moment, in dem er versuchte, die Beziehung zwischen dem Bewusstsein und Quanten zu untersuchen Physik. Wie kann ich versuchen, das oben Gesagte auf einfache Weise zu erklären? Nun, Dali ließ sich bei der Schaffung des betreffenden Meisterwerks inspirieren, indem er an sein Bewusstsein appellierte und sich an das Beispiel von Van Schooten erinnerte, das in seinem Stillleben „Table with Food“ dargestellt wurde. Apropos Physik: Sie kam ins Spiel, als der Meister das niederländische Tischgedeck umgestaltete und ihm das Wunder der Bewegung verlieh, das natürlich auf perfekte surrealistische Weise interpretiert werden musste. Dadurch wird aus dem im Allgemeinen statischen Stillleben-Genre, wie der Titel schon sagt, „lebendig!“ Die Existenz wird in diesem speziellen Fall durch die Bewegung der Objekte bezeugt, die in ihrer kleinsten Komponente auf Atomteilchen reduzierbar sind. Durch letzteres gelangen wir zum generativen Konzept des Gemäldes, dem oben erwähnten Nuklearen Mystizismus, der unauflöslich von der schändlichen und schrecklichen Atombombe inspiriert ist, die die Vereinigten Staaten auf Japan abgeworfen haben.
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962. Synthetische Polymerfarbe auf Leinwand, 51 cm × 41 cm. Museum für moderne Kunst.
9.Andy Warhol: Campbell's Soup Cans (1962)
Die 32 identischen Siebdrucke, inspiriert von der Suppenverpackung von Campbell, wiederholen bewusst das jeweilige Thema und zielen darauf ab, eine Installation zu schaffen, die die typische serielle Anordnung von Supermarktprodukten reproduziert. Das vom Künstler mehrfach interpretierte Thema wurde erstmals in dem betreffenden Meisterwerk wiedergegeben, das auch auf die ständige Präsenz von Suppe im Leben der Amerikaner zu dieser Zeit anspielen sollte. Denken Sie nur daran, dass Andy selbst nach Abschluss der Arbeiten gestand, das Produkt zwanzig Jahre lang wiederholt gegessen zu haben! Darüber hinaus stellte er durch die Allgegenwart des betreffenden Bildes auch die Idee der Malerei als Mittel der Erfindung und Originalität in Frage, da der serielle Charakter von Campbells Suppendosen auf die Verwendung einer halbmechanisierten Siebdrucktechnik zurückzuführen ist. Allerdings gibt es in allem, was ich geschrieben habe, eine Ungenauigkeit: Können Sie es finden? Nur ein Scherz, aber ich möchte klarstellen, dass die Suppendosen nicht, wie oben angekündigt, identisch sind, da jedes Gemälde eine Nachbildung eines Originalmodells mit einigen markanten Details darstellt. Hat Andy an dieser Stelle unbeabsichtigt jene besonderen Eigenschaften hervorgehoben, die selbst Industrieobjekte einzigartig machen?
Giorgio Morandi, Stillleben, 1949. Privatsammlung.
10.Giorgio Morandi: Stillleben (1950)
Mehrere Haushaltsgegenstände sind fast in der Mitte des Gemäldes gruppiert, wo sie auf einer unbestimmten Oberfläche ruhen und sich von einem Hintergrund mit ähnlichen, aber helleren Farbtönen abheben. Was ist der Grund für die Entscheidung, ein paar einfach arrangierte Objekte zu verewigen? Um dies zu beantworten, müssen wir in die 1940er und 1950er Jahre zurückgehen, eine Zeit, in der sich der Maler für diese Art der Komposition entschied, um sich stärker auf die Analyse der Maltechnik zu konzentrieren. Stets dieses Ziel verfolgend, wurden auch seine Stillleben weniger „phantasievoll“, da sie überwiegend die gleichen Motive darstellten, vor allem Flaschen, Krüge, Vasen und Schalen. Was unterschied jedes Werk von den anderen? Das Format, der Standpunkt und das Licht! Tatsächlich konzentrierte sich Morandi auf minimale Farbvariationen, obwohl er die Verwendung von Grau-, Elfenbein- und Weißtönen bevorzugte, ohne dabei die Gegenüberstellung gesättigter Farben wie Orange, Rosa und Blau zu vergessen. Welche weiteren Konstanten können seiner Arbeit hinzugefügt werden? Der Maler malte mit seinen typischen gummierten Pinselstrichen und zielte darauf ab, weiche Visionen mit „schwankenden“ Grenzen zu schaffen. Diese Eigenschaft ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass helles Licht die Schatten aufhellt, die zusammen mit den Lichtquellen durch zweidimensionale Farbfelder wiedergegeben werden, die effektiv dazu neigen, die Objekte zu entmaterialisieren!
Olimpia Gaia Martinelli