Benoît Dutour, Teasing Marilyn Monroe – Warhol , 1995. Acryl auf Holz, 90 x 70 cm.
Ein kleiner Exkurs zur Geschichte der amerikanischen Kunst
Amerika hat mit seinen Künstlern, Meisterwerken und Bewegungen die Geschichte der westlichen Kunst unauslöschlich geprägt und sich als treibende Kraft hinter Geschmäckern und Trends durchgesetzt. Aber war das schon immer so? Diese Frage können wir mit Sicherheit verneinen, denn erst seit dem 19. Jahrhundert hat die amerikanische Kunst ihre eigene Identität gefunden, die es ihr ermöglicht hat, sich endgültig von der europäischen Tradition zu lösen und sich vom „Follower“ zum „Influencer“ zu wandeln. Das Gesagte lässt sich durch einen kurzen Exkurs zur Geschichte der amerikanischen Kunst veranschaulichen, die von ihren indigenen Ursprüngen bis zur neueren Globalisierung der zeitgenössischen Kunst reicht.
Denis Kujundzic, Widmung Pollock , 1996. Gemälde, Öl auf MDF-Platte, 100 x 122 cm.
Time Machine, Dillon boy - nude Wonder Woman vs Roy Lichtenstein (blue) , 2021. Radierungen und Drucke, Lithografie / Acryl / Sprühfarbe / Bleistift / Prägung auf Papier. 60 x 45 cm.
Die Ursprünge der figurativen Kultur der Vereinigten Staaten sind in der Arbeit der Ureinwohner zu finden, die sich vor der europäischen Kolonialisierung durch verschiedene Medien und Stile ausdrückten, um rituelle und Gebrauchsgegenstände mit dem Ziel herzustellen die den Glauben und die natürliche Umgebung widerspiegeln. Nach der Ankunft der Siedler durchlief diese Produktion einen Hybridisierungsprozess, da sie mit neuen Materialien, Techniken und manchmal Stilen angereichert wurde, die von der europäischen Kunst abgeleitet wurden. Trotz des unbestreitbaren Reichtums der einheimischen Kultur war die erste anerkannte amerikanische künstlerische Bewegung der Hudson River Scholl, das Ergebnis der von den europäischen Strömungen der Romantik und des Naturalismus inspirierten Experimente der Kolonisten. Später, genauer gesagt von 1850 bis 1875, wurde die figurative Kultur der Vereinigten Staaten vom Stil des Luminismus durchdrungen, der sich durch die Produktion von Landschaften auszeichnete, die in Anlehnung an die niederländische Tradition bestimmte Lichter und Atmosphären hervorhoben, um die zu verbessern natürliche Schönheit. Ebenfalls wichtig auf dem Gebiet der Landschaften war die Forschung der Tonalisten (1870-1915) und insbesondere die des amerikanischen Impressionismus (1880-1920), die sich aus den Werken der großen französischen Meister ableitete. Es folgten die Tendenzen der Ashcan-Schule (1900-1915), ein Stil, der die Grundlage des späteren Sozialrealismus bildete, Synchronismus (1912-1924), ein Abstraktionismus, der hauptsächlich die Farbskala verwendete, um eine visuelle "Symphonie" zu schaffen, “ und die Harlem Renaissance (1920-1940), eine Bewegung, die das neue Gefühl der afroamerikanischen Würde betonte. Zwischen den zwanziger und fünfziger Jahren kamen jedoch die School of Fourteenth Street, der amerikanische Regionalismus und der soziale Realismus in Mode. Was den zweiten Stil betrifft, wird er durch die realistische Darstellung des Alltagslebens von Grant Wood gut veranschaulicht, während es im Hinblick auf den dritten wichtig ist, auf das Werk von Max Weber zu verweisen, das von dem Wunsch geprägt ist, Kunst als eine zu betrachten Waffe gegen die kapitalistische Ausbeutung der Arbeiterklasse. Darüber hinaus scheinen gerade diese letzteren Strömungen unabhängiger vom vorherrschenden europäischen Einfluss zu sein, da amerikanische Künstler begannen, sich mehr auf die Realität der Vereinigten Staaten zu konzentrieren. Zudem verlagerte sich nach dem Zweiten Weltkrieg und insbesondere mit dem Abstrakten Expressionismus (1943-1965) erstmals amerikanischer Einfluss ins Ausland. Dieses Ereignis wiederholte sich mit den nachfolgenden Strömungen des Minimalismus (1960) und der Pop Art (1950-1970), wonach es mit den starken internationalen Verbindungen schwieriger wurde, auf eine spezifische amerikanische künstlerische Richtung hinzuweisen, obwohl wir sie immer noch verfolgen können Einfluss dieses Landes in der globalen Kunstsphäre.
Stan, Basquiat von Stan , 2021. Gemälde, Acryl / Marker auf Leinwand, 100 x 100 cm.
Meisterwerke der amerikanischen Kunst: neue, originelle und beispiellose Sichtweisen
Einige Meisterwerke der amerikanischen Kunstgeschichte haben unsere visuelle Kultur unauslöschlich geprägt und sich so sehr in unsere Vorstellungskraft eingeprägt, dass sie zu wesentlichen Bezugspunkten für unsere ästhetische, technische und stilistische Konzeption geworden sind. Dies gilt nicht nur für die Benutzer, sondern auch für die Künstler, die sich allzu oft von der amerikanischen Produktion inspirieren ließen und sogar so weit gingen, echte Remakes ihrer berühmtesten Werke zu erstellen. Diese Arbeitsweise wird auch im Rahmen der Untersuchung der Künstler von Artmajeur vorgeschlagen, die wie die Galerie Teejo, Dent-De-Lion Du Midi und Tam Nightingale die ikonischen Meisterwerke von Grant Wood, David, auf innovative Weise neu vorgeschlagen haben Hockney und Edward Hopper.
Galerie Teejo, Die Messe , 2020. Digitale Malerei auf Leinwand, 80 x 60 cm.
Galerie Teejo: Die Messe
Das digitale Gemälde des Artmajeur-Künstlers Galerie Teejo ist eine innovative und ironische Neuinterpretation des berühmten Gemäldes American Gothic (1930) von Grant Wood. Apropos letztgenanntes Meisterwerk: Es ist das Ergebnis einer kompositorischen Entscheidung, die darauf abzielt, das häusliche Leben und die moralischen Werte der ländlichen Mittelklasse im Mittleren Westen Amerikas zu verewigen. Tatsächlich sind auf einem Hintergrund, der ein weiß gestrichenes Haus im Stil der Zimmermannsgotik darstellt, die Schwester und der Zahnarzt des Künstlers dargestellt, die Kleidung tragen, die eng mit der puritanischen Tradition verwandt ist. Diese realistische Interpretation wurde zunächst als Parodie aufgefasst, die sich komisch und grotesk über die starke Geschlossenheit der damaligen Gesellschaft lustig machen wollte. In diesem Zusammenhang ist anzumerken, dass der erwähnte satirische Effekt heute fast verschwunden ist, da das Werk allgemein als Meisterwerk anerkannt wird, das auch ein wertvolles historisches Zeugnis abgeben kann. In diesem Zusammenhang scheint die amüsante digitale Arbeit des Künstlers von Artmajeur an die alte Ironie der amerikanischen Gotik zu erinnern und sie einem modernen Humor anzupassen, der darauf abzielt, Grant Woods Meisterwerk unsterblich zu machen.
Dent-De-Lion Du Midi, Geschlossen | Trichter | Kunst neu gestalten, 2021. Malerei, Digitale Malerei / Digitaldruck auf Papier, 69x127 cm.
Dent-de-Lion Du Midi : Geschlossen | Trichter | Kunst neu gestalten
Ein weiteres Werk, das es uns ermöglicht, die höchste künstlerische Tradition auf andere Weise kennenzulernen, parallel dazu, mit größerer Ironie und Leichtigkeit, ist das surreale Remake von Nighthawks von Edward Hopper, des Künstlers von Artmajeur, Dent-De-Lion Du Midi. In dem amerikanischen Meisterwerk, das der Strömung des Realismus angehört, können wir die klare Absicht erkennen, das tägliche Leben der einfachen Menschen einzufangen, die in die großen Städte der Vereinigten Staaten gezogen sind. Tatsächlich befinden wir uns vor dem Fenster eines Restaurants, das, inspiriert von einem lokalen Greenwich Village (New York), in die späte Nacht getaucht ist, in einer verlassenen Straße. Im Inneren des Restaurants können wir vier Gestalten ausmachen: den Barkeeper und drei Kunden, die, wahrscheinlich von Schlaflosigkeit getrieben, dazu neigen, die Nacht auswärts zu verbringen. Diese Momentaufnahme vermittelt ein starkes Gefühl der Einsamkeit, der Nichtkommunizierbarkeit, das das Paradoxon der großen Städte voller Menschen kennzeichnet. Dabei empfindet der Betrachter, der die Szene lediglich betrachtet, eine gewisse Ausgrenzung, da er gezwungen ist, diese Szene nur von außen mitzuerleben. In der Arbeit des Künstlers von Artmajeur hingegen wird das Gefühl der Einsamkeit und Unkommunizierbarkeit durch eine geschickte Entfernung der Charaktere fast zensiert, was es dem Betrachter ermöglicht, das Meisterwerk mit Ironie neu zu interpretieren und sich vielleicht vorzustellen, dass die Protagonisten fliehen aus dem Bild.
Rinalds Vanadzins, Last Indian Ishi, 2020. Farbe, Acryl/Sprühdose auf Leinwand, 100 x 100.
Rinalds Vanadzins: Letzter indischer Ishi
Das Gemälde von Rinalds Vanadzins, dem Künstler von Artmajeur, weist sowohl farbliche als auch thematische Ähnlichkeiten mit Andy Warhols berühmtem Druck von Sitting Bull auf. Das Meisterwerk des amerikanischen Meisters, Teil der Cowboys and Indians-Reihe, das darauf abzielt, eine westliche Phase der Geschichte der Vereinigten Staaten zu verewigen, stellt die Kontroversen um die amerikanische Wahrnehmung der Indianer in Frage und enthüllt sie. In ähnlicher Weise wird dieser „kritische“ Zweck, wenn auch intensiver, durch das Gemälde des Artmajeur-Künstlers des Ishi-Indianers, des letzten bekannten Mitglieds des Yahi-Volkes, der im kalifornischen Völkermord im 19. Jahrhundert getötet wurde, wiedergegeben.
Olimpia Gaia Martinelli
