Egon Schiele, 1914. Fotografie von Anton Josef Trcka (Antios)

Wer war Egon Schiele?

Egon Schiele wurde am 12. Juni 1890 in Tulln, Österreich, geboren. Nach Abschluss seiner Ausbildung in Krems und Klosterneuburg schrieb er sich 1906 an der Akademie der Bildenden Künste in Wien ein. Er studierte hier Zeichnen und Malen, fand die Starrheit der Schule jedoch entmutigend. 1907 lernte er Gustav Klimt kennen, der ihn inspirierte und seine Arbeit beeinflusste. 1909 gründeten Schiele und andere verärgerte Studenten die Neukunstgruppe, nachdem sie die Akademie verlassen hatten. Schiele nahm 1909 auf Wunsch von Klimt an der Wiener Kunstschau teil und sah dort die Kunstwerke von Edvard Munch, Jan Toorop, Vincent van Gogh und anderen Künstlern. Auf der ersten Ausstellung der Neukunstgruppe 1909 im Piska-Salon in Wien traf Schiele zum ersten Mal auf Arthur Roessler, einen Kunstkritiker und Schriftsteller. Roessler freundete sich mit Schiele an und lobte seine Kunst in seinen Schriften. 1910 begann eine enge Beziehung zum Sammler Heinrich Benesch. Schiele erhielt nun mehrere Porträtaufträge von Wiener Intellektuellen und hatte einen eigenen expressionistischen Porträt- und Landschaftsstil etabliert.

Schiele, der Isolation wollte, verließ Wien 1911 und ließ sich in einem kleinen Dorf nieder. Er konzentrierte sich immer mehr auf Selbstporträts, Allegorien auf Leben, Tod und Sex und schuf sexuelle Aquarelle. Er wurde 1912 wegen "Unmoral" und "Verführung" inhaftiert; Während seiner 24-tägigen Haft fertigte er eine Reihe bewegender Aquarelle und Zeichnungen an. Schiele beteiligte sich an mehreren Gruppenausstellungen, wie den Ausstellungen der Neukunstgruppe in Prag 1910 und Budapest 1912, der Sonderbundausstellung in Köln 1912 und mehreren Secessionsausstellungen in München ab 1911. Schieles erste Einzelausstellung wurde 1913 präsentiert in der Galerie Hans Goltz in München. 1914 veranstaltete er eine Einzelausstellung seiner Gemälde in Paris. Schiele heiratete im folgenden Jahr Edith Harms und wurde zum österreichischen Militär eingezogen. Während seiner Zeit beim Militär stellte er weiterhin seine Arbeiten aus und malte häufig. Mit seinem Soloauftritt in der Wiener Secession erlangte er 1918 kritische Anerkennung und kommerziellen Erfolg. Er starb einige Monate später im Alter von 28 Jahren am 31. Oktober 1918, drei Tage nach seiner Frau, an einer Grippe in Wien.

Egon Schiele, der Meister der expliziten Nacktheit

Schieles Darstellung des nackten Menschen war für seine Zeit revolutionär und versetzt die Menschen bis heute in Erstaunen. Selbst die fortschrittlichsten Zeitgenossen Schieles empfanden seine Arbeit als Herausforderung. Er verdrehte seine Untertanen auf reuelose, dreiste und bloßstellende Weise in sexualisierte Urwesen. Es wurde behauptet, dass Schiele während einer Sitzung frei malte und sein Thema fast ständig im Auge behielt und eine enge Bindung zu ihr entwickelte.

1910 begann Schiele, mit Akten zu experimentieren, und innerhalb eines Jahres hatte er einen unverwechselbaren Stil entwickelt, der schlanke, kränklich gefärbte Figuren umfasste, die häufig offensichtliche sexuelle Untertöne hatten. Schiele begann auch Kinder zu malen und zu zeichnen. Kniender Akt mit erhobenen Händen (1910), ein Selbstbildnis von Schiele, gilt als eines der bedeutendsten Beispiele der Aktkunst des 20. Jahrhunderts. Schieles innovative und gewagte Herangehensweise an die nackte menschliche Gestalt verwirrte sowohl Akademiker als auch Progressive. Mit seinen verdrehten Linien und der offenkundigen Verwendung figurativer Ausdrucksformen widersetzte sich dieses einzigartige Stück und Stil der starren akademischen Tradition und löste eine sexuelle Aufregung aus.

Egon Schiele – Die Orange war das einzige Licht, 1912. Gouache, Aquarell und Bleistift auf Papier, 31,9 × 48 cm.

Der nackte menschliche Körper ist intim und privat und wird normalerweise nur von einer kleinen Anzahl von Menschen gesehen. Schiele stellt seinen nackten Körper immer wieder öffentlich auf Leinwand dar, obwohl er oft privaten Momenten vorbehalten ist. Dabei untergräbt er gleichzeitig akzeptierte Normen und Vorstellungen von Anstand und zieht das Publikum in seine intime, persönliche Welt. Er zeigt sein wahres Selbst, entblößt buchstäblich alles. Schiele scheint sich der höchsten Form des Selbstausdrucks zu widmen, nachdem er für die Freiheit gekämpft hat, seine Kunst zu machen, und sich gesellschaftlichen Normen widersetzt hat.

Da es kulturell erwartet wird, dass wir den menschlichen Körper bedeckt, geschützt und außerhalb der Öffentlichkeit halten, stehen Bilder von Nacktheit für Entblößung, Schwäche und Verletzlichkeit. Schiele weist diese Annahme zurück, indem er in seinen Selbstporträts eine rebellische, offene Position einnimmt; Stattdessen wirkt er zufrieden mit der Enthüllung und begierig darauf, für kommende Generationen als sein wahres Selbst gesehen zu werden. Schieles Nacktheit befreit ihn von den konventionellen Barrieren des Egos und der Selbstdarstellung, dennoch wirkt sein Image unglaublich ausdrucksstark, kraftvoll und trotzig. Nackt zu sein ist für Schiele gesellschaftlich unangemessen, rebellisch und streitsüchtig – und doch repräsentiert es die Wahrheit, die authentischste Version von sich selbst, frei von Vortäuschung und Künstlichkeit. In einer Gesellschaft, in der Schiele häufig ein Ausgestoßener war, stellt er sich selbst als nackt, deformiert und kompromisslos dar.

Egon Schiele - Bildnis Edith Schiele mit gestreiftem Kleid, sitzend, 1915. Bleistift und Gouache auf Papier, 40,2 x 50,8 cm. Leopoldmuseum, Wien

Schieles Stil und Leistungen

Schiele war ein unglaublich produktiver Künstler, der im Laufe seiner kurzen Karriere fast dreitausend Zeichnungen anfertigte. Sein wichtigstes künstlerisches Medium war die Zeichnung, die er wegen ihrer Spontaneität im Ausdruck schätzte und mit der er einige der besten Zeichnungen des 20. Jahrhunderts schuf. Auch in seiner Malerei, in der er stark auf Kontur, zeichnerische Prägung und Linearität setzte, finden sich Spuren einer ausgeprägten zeichnerischen Ästhetik.

Schieles Porträts und Selbstporträts trugen mit ihrer beispiellosen emotionalen und sexuellen Direktheit und der Verwendung figuraler Verzerrungen anstelle konventioneller Schönheitsideale zur Wiederbelebung beider Gattungen bei. Schieles Porträts, in denen er sich selbst oder ihm nahestehende Personen zeigt, zeigen ihre Dargestellten häufig nackt, in verstörenden Winkeln platziert, häufig von oben betrachtet und frei von porträttypischen Nebenmerkmalen. Schiele fügte gelegentlich konventionelle Themen hinzu und gab den sehr intimen Bildern eine allgemeinere, metaphorische Aussage über den Status der Menschheit.

Egon Schiele - Porträt Arthur Rössler, 1910. Öl auf Leinwand, 99,6 × 99,8 cm. Leopoldmuseum, Wien.

Schieles Entwicklung wurde maßgeblich von dem Maler Gustav Klimt beeinflusst, der sein Freund und Mentor war. Obwohl Schiele Klimts Betonung der erotischen Darstellung der weiblichen Form übernahm (und Klimts unersättlichen sexuellen Appetit teilte), entwickelte Schiele schließlich den emotional intensiven, häufig verstörenden expressionistischen Stil, mit seiner Untersuchung des Innenlebens und der emotionalen Zustände seiner Dargestellten, in gewisser Weise direkt widersetzte sich dem vom Jugendstil inspirierten Stil seines Mentors.

Schieles Kunst wurde von Kritikern wie Jane Kallir als grotesk, erotisch, pornographisch oder beängstigend kritisiert, mit einem Fokus auf Sex, Tod und Entdeckung. Laut Kallir und dem Forscher Gerald Izenberg wird Schiele eine flexible Sexualität und ein flexibles Geschlecht zugeschrieben. Schiele, so Kallir, habe mit seinen eigenen sexuellen Neigungen und Geschlechterkonventionen zu einer Zeit gekämpft, als sich Geschlechternormen veränderten, die frühe Frauenbewegung auf dem Vormarsch war und Homosexualität kriminalisiert wurde. Im 21. Jahrhundert interpretierten mehrere Rezensenten seine Arbeit als queer.

Egon Schiele - Mein Wohnzimmer (Das Künstlerzimmer in ), 1911. Öl auf Holz, 40 x 31,5 cm. Kunsthistorisches Museum, Wien, Österreich

Das Vermächtnis

Trotz seines kurzen Lebens schuf Egon Schiele unglaublich viele Arbeiten auf Leinwand und Papier. Er spielte eine Schlüsselrolle bei der Gestaltung der Merkmale des Expressionismus des frühen 20. Jahrhunderts, die die Verwendung von Wellenlinien, ein häufig düsteres Farbschema und eine häufig dunkle Symbolik waren. Schiele fertigte eine Vielzahl von Selbstporträts an, die eine Selbstbesessenheit demonstrierten, die Picasso-ähnlichen Niveaus ebenbürtig war. Dies steht im Gegensatz zu seinem Mentor Klimt, mit dem Schieles Name am häufigsten in Verbindung gebracht wird. Sowohl expressionistische Zeitgenossen wie Oskar Kokoschka als auch so unterschiedliche neoexpressionistische Nachfolger wie Francis Bacon, Julian Schnabel und Jean-Michel Basquiat waren maßgeblich von Schieles Stil beeinflusst.

Egon Schiele - Der Maler Max Oppenheimer, 1910. Schwarze Kreide, Tusche und Aquarell auf Papier, 45,1 x 29,8 cm. Albertina Museum, Wien, Österreich

Schieles Leben und Werk waren Gegenstand von Herbert Veselys biografischem Film Excess and Punishment von 1980, Joanna Scotts Roman Arrogance von 1990 sowie Essays, darunter eines über Porträts, in dem der Modefotograf Richard Avedon Schieles Werk diskutierte. In seinem Roman Die Notizbücher von Don Rigoberto aus dem Jahr 1997 verführt Mario Vargas Llosa die Hauptfigur und nutzt sie ethisch aus, indem er Schieles Kunstwerke als Kanal verwendet. Schieles Selbstporträts dienten als Inspiration für Rich Pellegrinos Gemälde in Wes Andersons The Grand Budapest Hotel, David Bowies 1979er Album Lodger's Cover Art und An Honest Deceit von Guy Mankowski, das 2017 veröffentlicht wurde.

Egon Schiele - Bildnis des Malers Anton Peschka, 1909. Öl und Metallicfarbe auf Leinwand, 110,2 x 100 cm.


Egon Schieles berühmteste Gemälde:

• Porträt von Gerti Schiele, 1909; Museum für moderne Kunst, New York; Ankauf und teilweise Schenkung der Familie Lauder, 1982, und Privatsammlung
• Porträt von Wally, 1912; Leopoldmuseum, Wien
• Selbstporträt mit chinesischer Laternenpflanze , 1912; Leopoldmuseum, Wien
• Einsiedler, 1912; Leopoldmuseum, Wien
• Häuser mit Wäscherei (Seeburg), 1914
• Der Tod und das Mädchen, 1914-15; Österreichische Galerie Belvedere, Wien
• Porträt der Frau des Künstlers Edith Schiele, 1915; Kunstmuseum Den Haag, Niederlande
• Die Umarmung, 1917; Schloss und Museum Belvedere, Wien
• Vier Bäume, 1917; Belvedere in Wien, Österreich
• Stadt im Grünen (Die Altstadt III), 1917; Neue Galerie New York. Zum Gedenken an Otto und Marguerite Manley, als Vermächtnis des Nachlasses von Marguerite Manley
• Liegende Frau, 1917; Leopoldmuseum, Wien
• Kniendes Mädchen, das sich auf beide Ellbogen stützt, 1917; Leopoldmuseum, Wien

Kunstsammlungen

Das Leopold Museum beherbergt mit mehr als 200 von ihnen das wohl bedeutendste und umfangreichste Werk Schieles. Eines davon, Houses With Colorful Laundry (Suburb II), wurde 2011 vom Museum für 40,1 Millionen Dollar bei Sotheby's verkauft. Die Österreichische Galerie Belvedere, die Grafische Sammlung Albertina und das Egon Schiele-Museum, die sich alle in Wien befinden, sind weitere bemerkenswerte Sammlungen von Schieles Kunstwerken. Schieles Werke, insbesondere Dämmernde Stadt, wurden von Viktor Fogarassy gesammelt. Andere Museen, die Schieles Werke besitzen, sind das Metropolitan Museum of Art, das Museum of Modern Art und die National Gallery of Art.

Egon Schiele - Leopold Museum, 2008, Fotografie: Alan Islas