Paul Strand

Paul Strand von Alfred Stieglitz (1917), über Wikipedia.

Wer war Paul Strand?

Paul Strand (16. Oktober 1890 – 31. März 1976) war ein einflussreicher amerikanischer Fotograf und Filmemacher. Er spielte neben namhaften modernistischen Fotografen wie Alfred Stieglitz und Edward Weston eine entscheidende Rolle bei der Etablierung der Fotografie als anerkannte Kunstform im 20. Jahrhundert. Im Jahr 1936 gehörte Strand zu den Gründungsmitgliedern der Photo League, einer Genossenschaft von Fotografen, die durch gemeinsame soziale und kreative Ziele vereint waren. Im Laufe seiner sechs Jahrzehnte dauernden Karriere schuf Strand ein vielfältiges und umfangreiches Werk, das verschiedene Genres und Themen aus Amerika, Europa und Afrika erfasste.

Leben

Paul Strand, ursprünglich Nathaniel Paul Stransky genannt, wurde am 16. Oktober 1890 in New York geboren. Seine Eltern, Jacob Stransky und Matilda Stransky (geb. Arnstein), waren böhmische Kaufleute. Im Alter von 12 Jahren schenkte ihm sein Vater eine Kamera. Am 21. Januar 1922 heiratete Strand die Malerin Rebecca Salsbury. Er fotografierte sie häufig, oft in intimen und eng gerahmten Kompositionen. Nach der Scheidung von Salsbury heiratete Strand 1935 Virginia Stevens. Sie ließen sich 1949 scheiden. Anschließend heiratete er 1951 Hazel Kingsbury und sie blieben bis zu seinem Tod 1976 verheiratet.

Ungefähr zu der Zeit, als Strand nach Frankreich ging, stand sein enger Freund Alger Hiss vor einem Verleumdungsprozess, und sie führten bis zu Strands Tod Korrespondenz. Während Strand selbst nie offizielles Mitglied der Kommunistischen Partei war, waren viele seiner Mitarbeiter entweder Parteimitglieder (wie James Aldridge und Cesare Zavattini) oder prominente sozialistische Schriftsteller und Aktivisten (wie Basil Davidson). Mehrere seiner Freunde waren ebenfalls Kommunisten oder standen im Verdacht, es zu sein, darunter der Parlamentsabgeordnete DN Pritt, der Filmregisseur Joseph Losey, der schottische Dichter Hugh MacDiarmid und der Schauspieler Alex McCrindle. Strand war eng mit Frontier Films verbunden, einer der mehr als 20 Organisationen, die vom US-Generalstaatsanwalt als „subversiv“ und „unamerikanisch“ eingestuft wurden. Als Strand in einem Interview gefragt wurde, warum er sich entschieden habe, nach Frankreich zu gehen, erwähnte er, dass zum Zeitpunkt seiner Abreise „der McCarthyismus weit verbreitet war und den Geist sehr vieler Menschen vergiftete“.

In den 1950er Jahren bestand Strand darauf, dass seine Bücher in Leipzig, Ostdeutschland, gedruckt würden, angeblich aufgrund der Verfügbarkeit eines Druckverfahrens, das in anderen Ländern nicht verfügbar war. Diese Entscheidung führte dazu, dass seine Bücher aufgrund ihrer Verbindung zum Kommunismus zunächst auf dem amerikanischen Markt verboten wurden. Nach seinem Umzug nach Europa enthüllten freigegebene Geheimdienstakten, die im Rahmen des Freedom of Information Act erlangt wurden und nun im Center for Creative Photography der University of Arizona aufbewahrt werden, dass Strand von Sicherheitsdiensten streng überwacht wurde.

Paul Strand, Portret, Washington Square Park (1917), über Wikipedia.

Fotografie

Während seiner späten Teenagerjahre studierte Paul Strand unter der Leitung des renommierten Dokumentarfotografen Lewis Hine an der Ethical Culture Fieldston School. Während einer Exkursion mit Hines Klasse besuchte Strand zum ersten Mal die Kunstgalerie 291, die von Alfred Stieglitz und Edward Steichen betrieben wurde. Die Ausstellungen modernistischer Fotografen und Maler in der Galerie beeinflussten Strand tief und veranlassten ihn, sein Fotohobby ernster zu nehmen. Stieglitz spielte eine wichtige Rolle bei der Förderung von Strands Werk, indem er es in der Galerie 291 ausstellte, es in seiner Fotopublikation Camera Work vorstellte und es in sein eigenes Kunstwerk im Hieninglatzing-Studio einbaute. Einige von Strands frühen Arbeiten, wie zum Beispiel das bekannte Foto „Wall Street“, beschäftigten sich mit formalen Abstraktionen, die Künstler wie Edward Hopper und seine ausgeprägte urbane Vision beeinflussten. Andere Werke von Strand spiegelten sein Engagement wider, die Fotografie als Mittel zur Förderung sozialer Reformen zu nutzen.

Bei der Porträtaufnahme verwendete Strand eine einzigartige Technik. Er montierte ein falsches Messingobjektiv an der Seite seiner Kamera und benutzte gleichzeitig ein verstecktes Arbeitsobjektiv, das unter seinem Arm verborgen war. Dies ermöglichte es ihm, authentische Aufnahmen zu machen, ohne dass seine Motive merkten, dass sie fotografiert wurden. Während einige diese Methode kritisierten, wurde sie zu einem charakteristischen Aspekt von Strands Ansatz. Er war einer der Gründer der Photo League, einer Organisation von Fotografen, die sich mit ihrer Kunst der Förderung sozialer und politischer Anliegen verschrieben haben. Strand und Elizabeth McCausland waren besonders aktive Mitglieder der Liga, wobei Strand die Rolle einer einflussreichen Persönlichkeit übernahm. Sowohl Strand als auch McCausland standen eindeutig linksgerichteten Ideologien nahe, wobei Strand starke Sympathie für marxistische Ideen zeigte. Sie haben zusammen mit Ansel Adams und Nancy Newhall zur Veröffentlichung der Liga, Photo News, beigetragen.

In den folgenden Jahrzehnten erweiterte Strand seine kreativen Aktivitäten neben der Standfotografie auch auf Kinofilme. Sein erster Film, Manhatta (1921), auch bekannt als New York the Magnificent, war ein Stummfilm über das tägliche Leben in New York City, der in Zusammenarbeit mit dem Maler und Fotografen Charles Sheeler entstand. Manhatta fügte eine Aufnahme ein, die an Strands berühmtes Wall-Street-Foto von 1915 erinnert. Von 1932 bis 1935 lebte Strand in Mexiko und arbeitete an Redes (1936), einem von der mexikanischen Regierung in Auftrag gegebenen Film, der in den USA unter dem Titel The Wave veröffentlicht wurde. Er wirkte auch an anderen Filmen mit, etwa an der Dokumentation „The Plough That Broke the Plains“ (1936) und dem gewerkschaftsfreundlichen, antifaschistischen Film „Native Land“ (1942).

Zwischen 1933 und 1952 verfügte Strand über keine eigene Dunkelkammer und verließ sich bei der Entwicklung seiner Fotografien auf die Einrichtungen anderer. Im Dezember 1947 wurde die Photo League in die Liste subversiver Organisationen (AGLOSO) des Generalstaatsanwalts aufgenommen. Im Jahr 1948 beauftragte CBS Strand, ein Foto für eine Werbung mit dem Titel „It is Now Tomorrow“ beizusteuern. Das Foto zeigte Fernsehantennen auf Gebäuden in New York City. Am 17. Januar 1949 unterzeichnete Strand eine Erklärung zur Unterstützung der Führer der Kommunistischen Partei, denen die Prozesse nach dem Smith Act bevorstanden. Neben anderen namhaften Persönlichkeiten wie Lester Cole, Martha Dodd, WEB Dubois, Howard Fast und Joseph H. Levy drückte Strand seine Solidarität mit Persönlichkeiten wie Benjamin J. Davis Jr., Eugene Dennis und William Z. Foster aus.

Im Juni 1949 verließ Strand die Vereinigten Staaten, um seinen Film „Native Land“ auf dem Internationalen Filmfestival Karlovy Vary in der Tschechoslowakei vorzustellen. Danach lebte er die restlichen 27 Jahre seines Lebens in Orgeval, Frankreich. Obwohl er die Sprache nicht lernte, führte er mit Unterstützung seiner dritten Frau, der Fotografenkollegin Hazel Kingsbury Strand, ein beeindruckendes und kreatives Leben. Obwohl Strand in dieser späteren Zeit für seine früheren abstrakten Werke bekannt war, kehrte er zur Standfotografie zurück und schuf einige seiner bedeutendsten Werke in Form von sechs Buch-„Porträts“ verschiedener Orte. Dazu gehören „Time in New England“ (1950), „La France de Profil“ (1952), „Un Paese“ (mit Fotografien von Luzzara und dem Po-Tal in Italien, Einaudi, 1955) und „Tir a'Mhurain“. / Outer Hebrides“ (1962), „Living Egypt“ (1969, gemeinsam mit James Aldridge verfasst) und „Ghana: An African Portrait“ (mit Kommentar von Basil Davidson; 1976).

Einige Fotos

Paul Strand, Wall Street (1915), über Wikipedia

Wall Street (1915)

Die Wall Street hat eine große historische Bedeutung, sowohl für Paul Strands Werk als auch für die Entwicklung der Fotokunst. Es stellte eine deutliche Abkehr von Strands früherem Stil des Weichzeichner-Piktorialismus dar, bei dem Kamera- und Dunkelkammertechniken zum Einsatz kamen, um Bilder zu schaffen, die nach modernistischen Maßstäben dem weniger modischen Malstil der Zeit ähnelten. Dieses Foto ist ein frühes Beispiel für Strands Neigung, Elemente des dokumentarischen Realismus und der Abstraktion in derselben Komposition zu kombinieren.

Einerseits präsentiert Strand dem Betrachter eine objektive und geradlinige Darstellung einer Straßenszene und fängt gehende Fußgänger ein, während ihre länglichen Schatten von der Sonne geworfen werden. Andererseits zeigt das Bild ein kontrastreiches Spiel von Licht und Dunkelheit, da die Schatten, die durch die Nischen des imposanten Morgan Trust Bank-Gebäudes entstehen, ein schräges geometrisches Muster erzeugen.

Im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen wie Alvin Langdon Coburn und Karl Struss, die sich in ihren Stadtbildern darauf konzentrierten, Aktivität und Bewegung einzufangen, verfolgte Strand einen bewussteren Ansatz. Sein Augenmerk richtete er oft auf langsamere Bewegungen und statische Szenen. Vor allem bei „Wall Street“ war Strand überrascht, dass es ihm gelang, angesichts der relativ langen Verarbeitungszeit, die für die Fotoplatten erforderlich war, ein so scharfes Bild der sich bewegenden Personen einzufangen. Man sagt, Edward Hopper sei von diesem Foto fasziniert gewesen und habe einige der gleichen formalen Techniken in seine eigenen Gemälde integriert.

Verandaschatten (1916)

Im Sommer 1916 verbrachte Paul Strand seinen Urlaub in einem gemieteten Cottage in Twin Lakes, Connecticut. Beeinflusst von den europäischen Avantgarden, insbesondere den Kubisten, war Strand bereits zu der Erkenntnis gelangt, dass „alle gute Kunst in ihrer Struktur abstrakt ist.“ Fasziniert von der Frage europäischer Maler nach der Natur eines Bildes, den Beziehungen zwischen Formen und der Füllung von Räumen, begab sich Strand auf eine Erkundung. Er verwendete alltägliche Gegenstände wie Küchenmöbel, Geschirr und Obst und nutzte seine große Plattenkamera, um diese alltäglichen Gegenstände in reine zweidimensionale Muster zu verwandeln.

Die daraus resultierende Fotosammlung umfasste einige der frühesten Beispiele rein abstrakter Bilder im Bereich der Fotografie. Ein solches Beispiel ist „Porch Shadows“, das Strands Ansatz verkörpert. Bei näherer Betrachtung könnten wir erkennen, dass es sich bei dem abgebildeten Objekt um nichts anderes als einen normalen runden Tisch handelt, der auf einer Veranda steht. Allerdings verändert Strand unsere Wahrnehmung, indem er zunächst das Bild dreht. Die entstehenden geometrischen Formen – dünne Streifen, Parallelogramme und ein großes Dreieck – entstehen durch das Spiel von Licht und Schatten, das durch das intensive Sonnenlicht entsteht, das durch die Lamellen des Terrassenfensters fällt.

Blinde Frau, New York (1916)

Strand war davon überzeugt, dass die diskrete Aufnahme authentischer Stadtporträts nicht nur entscheidend, sondern auch moralisch vertretbar sei. Sein Ziel war es, etwas Sinnvolles zur Welt beizutragen, ohne dabei die Subjekte auszubeuten. Dieses frühe Porträt, das ursprünglich in Camera Work veröffentlicht wurde, wurde in Five Points, dem verarmten Einwandererviertel in der Lower East Side von Manhattan, aufgenommen und spiegelt Strands sozialistische und künstlerische Mission wider. Das Foto zeigt eine einsame Frau in mittlerer Nahaufnahme. Um ihren Hals hängt ein handgemaltes Schild, das auf ihre Blindheit hinweist, während ein nummeriertes Abzeichen auf ihrem schwarzen Kittel sie als lizenzierte Zeitungsverkäuferin ausweist. Obwohl ihr Blick über den Rahmen hinaus gerichtet ist, zeigt das Bild, dass sie trotz ihrer Blindheit die unmittelbare Nähe der Kamera nicht wahrnimmt. Um solch fesselnde Porträts aufzunehmen, wandte Strand eine Strategie an, bei der er seine Kamera mit einem nach vorne gerichteten falschen Objektiv ausrüstete, während das eigentliche Arbeitsobjektiv in einem 90-Grad-Winkel unter seinem Arm verborgen war, außerhalb der Sichtweite des Motivs.

Geoff Dyer schlug in seinem einflussreichen Buch „The Ongoing Moment“, in dem er fotografische Trends untersuchte, vor, dass die außermittigen Pupillen der blinden Frau Strands eigenen unkonventionellen Objektivaufbau widerspiegelten. Darüber hinaus schlug Dyer vor, dass das blinde Motiv die vom Fotografen selbst angestrebte Unsichtbarkeit darstellte. Trotz praktischer und ethischer Komplexität beharrte Strand darauf, dass der Zweck der Porträtmalerei darin bestehe, anderen die Präsenz des fotografierten Individuums zu vermitteln und einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen. Dieses Foto wurde schnell zu einer Ikone der aufstrebenden amerikanischen Fotografiebewegung und vermischte den Humanismus der sozialen Dokumentation mit den kühnen und vereinfachten Formen der Moderne, wie das Metropolitan Museum of Art in New York anerkannte.

Die Familie Lusetti, Luzzara, Italien (1953)

Das Foto der Familie Lusetti stellt Paul Strands spätere Zeit dar, nachdem er sich in Europa niedergelassen hatte. Es ist in seinem 1955 erschienenen Buch „Un Paese, Portrait of an Italian Village“ zu sehen. Dieses Foto stellt eine bemerkenswerte Abkehr von seinen amerikanischen Porträts dar, wie etwa der „Blind Woman, New York“, wie seine Motive nun konkret posierten für Strands Kamera. Strand war von Cesare Zavattini, einem neorealistischen Drehbuchautor, eingeladen worden, Luzzara, seine landwirtschaftlich geprägte Heimatstadt im nördlichen Po-Tal in Italien, zu besuchen. Nach seiner Aufnahme in die Luzzara-Gemeinde (Strand stand jeden Tag auf dem zentralen Stadtplatz, bis sie sich an seine Anwesenheit gewöhnt hatten) verbrachte er zwei Monate damit, das Dorf und seine Bewohner zu fotografieren, das einst eine Hochburg des antifaschistischen Widerstands gewesen war. Angela Secchi, eine junge Bauerntochter und eine seiner Untertanen, erzählte später von ihrem Erlebnis: „Er [Strand] nahm einen großen Hut vom Kopf meines Onkels und setzte ihn auf meinen. Dann nahm er den Schal meines Onkels und einen alten, zerknitterten Kittel. und wies mich an, es über meinem Kleid zu tragen. Er wollte, dass ich wie ein armes Landmädchen aussehe. Diese gekünstelte Darstellung des Dorflebens, die den Blick des Touristen bediente, stand im Gegensatz zu Strands „geradliniger“ Ästhetik.

Es lag in der Verantwortung von Cesare Zavattini, den Begleittext bereitzustellen, der Strands Bildern ihre gesellschaftspolitische Bedeutung verleihen sollte. Das Porträt der Familie Lusetti zeigt eine Mutter und fünf ihrer acht Söhne, die allesamt Veteranen des Zweiten Weltkriegs waren. Ihre leeren und schmerzerfüllten Gesichtsausdrücke deuten auf ein gemeinsames Traumaerlebnis hin. Die wahre Bedeutung des Bildes wird jedoch deutlich, wenn wir erfahren, dass vier Kinder der Mutter im Säuglingsalter gestorben waren. Darüber hinaus war ihr Ehemann, der Vater der Jungen, ein örtlicher kommunistischer Partisan, zweimal von faschistischen Angreifern brutal zusammengeschlagen worden, bevor er schließlich im aktiven Dienst ums Leben kam. Eine unglückliche Ironie des Projekts bestand darin, dass nur tausend Exemplare des Buches produziert und zu einem hohen Preis verkauft wurden. Angela Secchi erinnerte sich später: „Die Leute waren erstaunt, weil das Buch so viel kostete wie ein Fahrrad“, was es für die bescheidenen Budgets der Dorfbewohner unerschwinglich machte.

Anna Attinga Frafra, Accra, Ghana (1964)

In seiner letzten Folge seiner geografischen Serie reiste Paul Strand nach Ghana, wo er zwischen 1963 und 1964 drei Monate lang das Land und seine Menschen fotografierte. In Zusammenarbeit mit dem damaligen Präsidenten Kwame Nkrumah (der später gestürzt wurde) startete Strand das Projekt. Das Buch mit dem Titel „Ghana: An African Portrait“, zu dem ein Begleittext des Afrikanisten Basil Davidson gehörte, wurde jedoch erst 1976, vier Jahre nach Nkrumahs Tod, veröffentlicht.

Das Ziel von Strands Projekt bestand, wie der Afrikastudienwissenschaftler Zachary Rosen beschreibt, darin, Ghana als „eine neue afrikanische Nation mit einer Bevölkerung, die für industrielles Wachstum bereit ist“ darzustellen. Gleichzeitig wollte Strand durch eine Reihe von Gegenüberstellungen seinen Respekt für das Erbe Ghanas zum Ausdruck bringen. Diese Paarungen umfassten Bilder des technologischen und wirtschaftlichen Fortschritts sowie Darstellungen traditioneller und natürlicher Umgebungen. Strand glaubte, dass die Aufgabe eines Dokumentarfotografen darin bestehe, das Leben gewöhnlicher Menschen einzufangen. Er sagte: „Die Menschen, die ich fotografiere, sind ehrenhafte Mitglieder der Menschheitsfamilie, und mein Konzept eines Porträts besteht darin, jemanden zu präsentieren, der als Mitmensch erkannt werden kann, mit allen Qualitäten und Möglichkeiten, die man von Menschen auf der ganzen Welt erwarten kann.“

Diese humanistische Philosophie wird in seinem Porträt einer jungen Studentin namens Anna Attinga Frafra deutlich. Sie wird in einem weißen ärmellosen Hemd vor einer schlichten weißen Wand dargestellt. Pflanzenwedel ragen von der linken Seite des Rahmens hervor, die Aufmerksamkeit des Betrachters wird jedoch auf die drei Lehrbücher gelenkt, die sie auf ihrem Kopf trägt. Als Rosen erklärte, Strand habe es erfolgreich vermieden, „bevormundende anthropologische Fotografien“ zu produzieren, ist dieses besondere Bild wahrscheinlich ein Beispiel für seine Absicht. Es fängt die Persönlichkeit eines Subjekts ein, das fortschrittliches Denken und einen unabhängigen afrikanischen Staat repräsentierte.

Percé Beach, Gaspé, Québec (1929)

Im Jahr 1929 begab sich Paul Strand in Begleitung seiner Frau Rebecca Salsbury auf eine Reise nach Kanada. Während dieser Reise fing er eine Landschaft ein, die später als Percé-Strand bekannt wurde. Obwohl es die Hauptkriterien einer Landschaftsfotografie erfüllt, gibt es ästhetische Verbindungen zu Strands ikonischem Wall-Street-Foto, das er zwölf Jahre zuvor geschaffen hatte. Anstelle eines Gebäudes ist auf diesem Foto jedoch ein großes Gewässer das dominierende Element. Die Klippen, die von der linken Seite des Bildes her eintreten, werfen ihre Schatten auf das Meer und ersetzen die Gehwege, die man an der Wall Street sieht.

In einer faszinierenden Aussage diskutierte Strand die Farbe in seiner Fotografie, obwohl er ausschließlich in Schwarzweiß arbeitete. Er verwendete oft getönte Papiere, die die Atmosphäre des Ortes simulierten, an dem er drehte. Für Percé Beach verwendete er Papiere mit kalten Blautönen, die zum Ambiente der Szene passten. Darüber hinaus war Strand fasziniert von dem Konzept, wie Räume gefüllt werden. Er glaubte, dass das Gleichgewicht zwischen Gewicht und Luft im Foto für die Komposition von entscheidender Bedeutung sei. Das Gewicht wird durch die dunkleren Farbtöne der Felsen, Dächer und Boote vermittelt, während die Vorstellung von Luft durch das Licht am Himmel und seine Reflexion auf der Wasseroberfläche dargestellt wird.

Strands Engagement für die Darstellung des Lebens gewöhnlicher Menschen lässt sich auch auf diesem Foto beobachten. Im unteren Vordergrund des Bildes ist eine Erzählung rund um die Arbeiter zu sehen. Wir sehen kleine Figuren, in diesem Fall durch die Kräfte der Natur „zwerghaft“ und nicht durch künstliche Architektur, die sich mit einem großen Fischerboot auseinandersetzen. Es bleibt unklar, ob sie sich darauf vorbereiten, in See zu stechen, oder ob sie gerade dabei sind, das Schiff festzumachen. Das Foto lässt jedoch keinen Zweifel an der Bedeutung des Bootes für ihr Leben und ihren Lebensunterhalt.

Heimatland (1942)

Mit seinem Film „Native Land“ wollte Paul Strand Licht auf die Verletzungen der bürgerlichen Freiheiten in Amerika in den 1930er Jahren werfen. Der Fokus des Films lag hauptsächlich auf der Aushöhlung der Bill of Rights, die von Unternehmen bedroht wurde. Diese Unternehmen beschäftigten Spione und Auftragnehmer, um die Gewerkschaften zu untergraben und aufzulösen. „Native Land“, gemeinsam von Strand und Leo Hurwitz inszeniert, der Mitglied der Kommunistischen Partei war und später auf die schwarze Liste gesetzt wurde, diente sowohl als Aufruf zum Handeln für die Arbeiter als auch als Erinnerung an ihre verfassungsmäßigen Rechte. Der Film enthielt eine Erzählung des bekannten afroamerikanischen Sängers, Schauspielers und Aktivisten Paul Robeson.

Native Land wird als „Halbdokumentation“ oder „Doku-Drama“ beschrieben und vermischte echtes Wochenschaumaterial, darunter Szenen aus dem berüchtigten Memorial Day-Massaker von 1937, bei dem zehn streikende Demonstranten von der Chicagoer Polizei getötet wurden, mit einer fiktiven Erzählung. Die fiktive Handlung schilderte die Unterwerfung und Ermordung von Pächtern, deren Gewerkschaft von Spionen infiltriert worden war. Im Einklang mit Strands künstlerischer und ideologischer Perspektive zielte Native Land darauf ab, den konventionellen Erzählstil des klassischen Hollywood-Kinos herauszufordern. Es verlagerte die Darstellung gewöhnlicher amerikanischer Arbeiter von untergeordneten oder komödiantischen Rollen hin zu zentralen Helden, die die Handlung vorantreiben.

Bei seiner Veröffentlichung wurde „Native Land“ vom einflussreichen Filmkritiker der New York Times, Bosley Crowther, als einer der wirkungsvollsten und zum Nachdenken anregendsten Dokumentarfilme aller Zeiten gefeiert. Bei der Aufnahme spielte jedoch ein unglücklicher Zeitpunkt eine Rolle. Der Film wurde kurz nach dem Angriff auf Pearl Harbor veröffentlicht, einer Zeit, in der das Land nach Einheit strebte und wenig Lust auf gesellschaftspolitische Selbstprüfung hatte.

Vermächtnis

1984 wurde Paul Strand mit der Aufnahme in die International Photography Hall of Fame (IPHF) geehrt. Die Auszeichnung für seine Einführung lobte seine Fähigkeit, die Alltagswelt präzise und wahrheitsgetreu einzufangen. Auch wenn einige darüber streiten, ob Strand ausschließlich als Architekt der Straight Photography bezeichnet werden sollte, lässt sich nicht leugnen, dass seine Arbeit maßgeblich dazu beigetragen hat, den Glauben zu fördern, dass nur eine Kamera die Welt mit solch komplexen Details, Klarheit und Reinheit darstellen könne. In den Händen eines erfahrenen Fotografen zeigte es, dass die Fotografie innerhalb der breiteren modernistischen Bewegung mithalten konnte.

In seinem Buch „The Photograph“ schlug der Gelehrte Graham Clarke vor, Strand mit Stieglitz und anderen „heterosexuellen“ Fotografen der f/64-Gruppe zusammenzufassen, wie László Moholy-Nagy, Manuel Alvarez Bravo, Berenice Abbott und Walker Evans , Robert Capa, Ansel Adams und Edward Weston. Laut Clarke trug diese ausgewählte Gruppe von Fotografen zu der Vorstellung bei, dass der moderne Fotograf ein inspirierter Philosoph sei, der die alltägliche Realität in etwas Neues und Ideales verwandelte.

Was Strand jedoch von seinen Kollegen unterschied, war sein Bestreben, die philosophischen Aspekte der Straight Photography mit einem stark sozialrealistischen Ansatz zu verbinden. Er lehnte die romantisierte Vision des modernen Künstlers als virtuoses Genie ab. In seinem Nachruf auf Stieglitz aus dem Jahr 1946 sprach Strand nicht als einzelner Künstler, sondern als Teil eines Kollektivs, dem Mitaktivisten wie Abbott, Zavattini, der Historiker Basil Davidson, der Filmregisseur Joseph Losey und der Dichter Hugh MacDiarmid angehörten. Strands Vermächtnis lässt sich am besten mit seinen eigenen Worten zusammenfassen: „Wir sind uns, anders als er [Stieglitz] vielleicht nicht, bewusst, dass die Freiheit des Künstlers, seine Werke zu schaffen und mit dem Volk zu teilen, untrennbar mit dem Kampf für das Politische und Wirtschaftliche verbunden ist.“ Freiheit der Gesellschaft als Ganzes.“

Schlüssel Konzepte

• Strand vertrat die Überzeugung, dass Fotografie als Kunstform über die Schaffung inszenierter und idealisierter Bilder hinausgehen sollte, eine Praxis, die als Piktorialismus bekannt ist und von Modernisten verachtet wurde. Er räumte ein, dass die Kamera einen einzigartigen Vorteil gegenüber anderen bildenden Künsten habe, da sie einen einzelnen Moment in Zeit und Raum mit beispielloser Präzision einfangen könne, anders als es mit der Hand oder in Echtzeit möglich sei. Seine „Straight Photography“ stellte daher den reinsten und authentischsten Weg zu einem tieferen und authentischeren fotografischen Erlebnis dar.

• Beeinflusst vom formalistischen Ansatz und den kubistischen Gemälden von Cézanne, Braque und Picasso entwickelte Strand eine Faszination für die Vorstellung, dass fotografische Bilder kompositorisch dekonstruiert werden könnten. In der Straight Photography nutzte er Großformatkameras, um Bilder mit auffälligen Kontrasten, minimaler Tiefe (zweidimensional wirkend), semi-abstrakten Elementen und geometrischen Wiederholungen zu erzeugen. Um ihre volle Wirkung zu entfalten, waren diese Bilder auf ihre Größe und den umgebenden Kontext angewiesen, die oft dazu gedacht waren, auf den angesehenen weißen Wänden spezialisierter Fotogalerien ausgestellt zu werden.

• Während viele Künstler in seinem Kreis strikt an der Doktrin „Kunst um der Kunst willen“ festhielten, hatte Strand eine breitere Perspektive. Er glaubte, dass Kunst die Fähigkeit haben sollte, den Betrachter sowohl auf spiritueller als auch auf sozialer Ebene zu erreichen. Infolgedessen wurde er mit der Vorstellung in Verbindung gebracht, dass bildende Kunst sowohl Abstraktion als auch Realismus gleichzeitig beinhalten kann und sollte. Dies bedeutete, dass innerhalb eines einzigen Fotos oder Dokumentarfilms Elemente der Abstraktion und des Realismus harmonisch nebeneinander existieren konnten.

Zusammenfassung

Die Geschichte der modernen Kunst zeigt, dass Amerika für viele bedeutende Pioniere der Fotografie des 20. Jahrhunderts ein fruchtbares Umfeld bot. Unter ihnen ragte Paul Strand mit einer klaren Stellung heraus. Strand wird oft als Begründer der „Straight Photography“ angesehen, einem reinen Fotografiestil, der Großformatkameras einsetzte, um neue Perspektiven auf gewöhnliche oder bisher übersehene Themen einzufangen und als bildende Kunst darzustellen. Strands „geradliniger“ Ansatz war so einflussreich, dass er von anderen prominenten Fotografen übernommen wurde, darunter auch von den Mitgliedern der f/64-Gruppe, die ähnliche Ideale wie Strand teilten. In den folgenden Jahrzehnten übernahmen auch viele andere heterosexuelle Fotografen diese Ästhetik. Strand ging jedoch noch einen Schritt weiter und erweiterte den „Straight“-Stil auf den Bereich der Dokumentarfotografie. Er erlangte hohes Ansehen und wurde zu einer führenden Persönlichkeit für diejenigen, die sowohl durch Standbilder als auch durch Filme einen gesellschaftlichen und politischen Wandel anstrebten.