Die zehn besten Modefotografen

YEUX DE BICHE 3/3 (2023)Fotografie von Bettina Dupont.

Modefotografie: eine Geschichte für Faule

Dieser Artikel richtet sich an alle, die etwas über Fotografie wissen wollen, aber zu faul sind, sich auf das Studium einzulassen. Dieser Artikel richtet sich an alle, denen die Lektüre von Wikipedia langweilig ist, denn jenseits der Terminliste oder einer eher kalten Interpretation müssen sie dringend beim Lernen angeregt, unterhalten und begleitet werden. In diesem Artikel möchten wir Sie auf eine weniger langweilige und herausfordernde Art und Weise über die Geschichte der Modefotografie informieren. Anschließend werden die zehn besten Künstler auf diesem Gebiet vorgestellt. Bevor ich mich dem ersten Ziel zuwende, erkläre ich Ihnen, was Modefotografie ist, und versuche dabei, nicht auf übermäßig anspruchsvolle Definitionen zurückzugreifen, sondern das Thema auszuhöhlen, um es für jedermann erschwinglich zu machen. Um es ganz einfach zu machen: Kennen Sie die älteste Bildkunst? Hier gibt es zum Beispiel das Genre Landschaft, in dem alle Gemälde zusammengefasst sind, die naturalistische Ansichten zeigen. Wenn ich also von Modefotografie spreche, meine ich all jene Bilder, die Kleidung und Accessoires der Kleidung einfangen, die mehr oder weniger von Models und Models getragen werden können, draußen oder drinnen aufgenommen. Bis zu diesem Punkt können wir davon ausgehen, dass Fotografie und Malerei ähnlich sind, obwohl es im ersteren Fall wichtig ist, darauf hinzuweisen, wie diese künstlerische Produktion, insbesondere zu Beginn, mit den Bildern verknüpft war, die von Modemagazinen verbreitet wurden (denken Sie an die). (ikonisches La mode practique, Harper Bazar und Vogue), ein Kontext, aus dem es sich nach und nach auch löste, da es einigen seiner bekanntesten Vertreter gelang, es zu einer Kunstform zu erheben, die auch außerhalb der rein kommerziellen Welt existiert. Ich bin zu diesem Punkt gekommen, indem ich dem Wikipedia-Stil entkommen bin, das heißt, ohne mich auf eine zwanghafte Abfolge von Daten zu beziehen, obwohl ich an dieser Stelle, zumindest um meine Erzählung an einer historischen Periode auszurichten, darauf hinweisen möchte, wie die Fotografie - Die Beziehung zu Zeitschriften setzte sich im 19. Jahrhundert durch, während die künstlerische Interpretation derselben grob in die 1930er Jahre einzuordnen ist, und zwar durch die Arbeit großer Meister des Genres wie Irving Penn, Martin Munkacsi, Richard Avedon und Louise Dahl. Wolfe. Auf jeden Fall ist hervorzuheben, dass Letztere nicht die nötige Sichtbarkeit erlangt hätten, um ihre Ansichten durchzusetzen, wenn die Modefotografie im Laufe des 20. Jahrhunderts nicht durch das zunehmende Interesse der Öffentlichkeit an Modenschauen allmählich einen neuen Stellenwert erlangt hätte , Designer und Models. Nachdem wir nun die Geschichte der Fotografie vereinfacht, also auf das Nötigste reduziert haben, damit Sie sich vielleicht ein für alle Mal daran erinnern können, wenden wir uns nun der Vorstellung der zehn Fotografen zu...

„ROSÉ“ (2021)Fotografie von Dasha & Mari.

Die zehn besten Modefotografen

Adolf de Meyer, über Wikipedia.

1. Baron Adolf de Meyer

Die Erzählung setzt sich in den einzelnen Vorstellungen der Fotografen fort, die auf ihren Stil hin untersucht werden, da ich unbedingt vermeiden wollte, die Stationen ihrer Existenz mechanisch wieder aufzuwärmen, so wie es mein heutiger Erzfeind (nur ein Scherz) Wikipedia tut. Beginnend mit Baron Adolf de Meyer gilt der 1868 geborene Franzose als erster Fotograf der Vogue und zeichnete sich durch die Verwendung eines defekten Objektivs aus, das seinen Bildern einen unvergesslichen Anschein von Unschärfe verlieh. Neben dieser Besonderheit zeichnete sich Adolf de Meyers Werk dadurch aus, dass er aufhörte, systematisch High-Society-Damen, elegante Passanten, Models usw. zu porträtieren, um sich stattdessen die Interpretation des verewigten Subjekts zum Ziel zu setzen, das, Als Vertreter eines Stils wurde er zu einer Art Mitarbeiter des Fotografen, bereit, sich im Einklang mit diesem zu bewegen, um authentisch entdeckt zu werden. Das Ergebnis waren für die damalige Zeit beispiellose Fotografien, die nicht nur die Kleidung, sondern auch die Stimmungen der Models wiedergeben konnten, Gefühle, die das Genre zum ersten Mal in eine Art Kommunikationsmodus verwandelten, der nicht nur das offenbaren konnte, was wir sind, sondern auch, wie wir auftreten möchten.

Der Teich – Mondlicht (1904) von Edward Steichen

2. Edward Steichen

Edward Jean Steichen (1879-1973), ein in Luxemburg geborener amerikanischer Fotograf, Maler und Kurator, gilt zusammen mit dem bereits erwähnten Adolph de Meyer als Pionier des betreffenden Genres, dem er einen künstlerischen Ansatz verlieh. sowie einen etwas bildnerischen Stil, in dem sich ein weicher Fokus herausbildete, begleitet von ästhetischen Retuschen, bereit, sich von den mechanischen, scharfen Bildern seiner damaligen kommerziellen Kollegen abzuheben. All dies konnte nicht ohne eine geschickte Prise Fantasie, Gespür und Experimentierfreude geschehen, wie das in der Februarausgabe 1928 von Vanity Fair veröffentlichte Foto zeigt, auf dem Steichen Gloria Swanson dabei festhielt, wie sie ein Stück schwarzen Spitzenschleier darüber legt ihr Gesicht. In dieser letzten Idee erkannte die Frau sich selbst so sehr, dass sie ihren Blick weitete und den einer Leopardin nachahmte, die hinter einem Busch zum Angriff bereit ist, während sie ihre Beute beobachtet und ahnen lässt. Genau hier zeigt die vorstehende Beschreibung, wie die Modefotografie mit Edward Jean Steichen ihre sterile Wiederholung vermied und in den Modellen eine ursprüngliche Interpretation des betreffenden Kleides oder Accessoires suchte und so jene alte Beziehung wiederherstellte, die seit Jahrhunderten die des Malers verband Gespür für die schauspielerischen Fähigkeiten seines Lieblingsmodells.

Lee Miller während des Zweiten Weltkriegs, über Wikipedia.

3. Lee Miller

Lee Miller (1907–1977) war, bevor sie Fotografin wurde, Model, sowohl für ihren Vater als auch für einige bedeutende Fotografen ihrer Zeit, wie Edward Steichen, George Hoyningen-Huene und Arnold Genthe, die sie für Vogue fotografierten vor 1929, als Miller beschloss, auf die andere Seite der Linse zu wechseln und ebenfalls mit dem großen Man Ray zusammenzuarbeiten. Wenn wir uns schnell ihrer Sichtweise zuwenden, können wir uns einen Eindruck von Letzterem verschaffen, indem wir die glamouröse Aufnahme beschreiben, mit der die Fotografin 1933 die Schauspielerin Lilian Harvey einfing, die ein elegantes und auffälliges Abendkleid aus Satin und Pailletten tragen wollte, das aufgewertet wurde durch eine teilweise liegende Haltung, bei der das Modell auf dem linken Arm das Gleichgewicht findet. Das Besondere daran ist jedoch der fotografische Prozess der Solarisation, bei dem die Bilder durch gezielte Überbelichtung des Films während der Entwicklung teilweise negativ ausfallen. Diese Technik veränderte gleichzeitig das Kleid und die Figur und verwischte sowohl die Hand als auch die Definition der Ärmel des Kleides und den Hintergrundraum. Darauf folgen starke Farbkontraste, die in dem oben erwähnten liegenden Körper Gestalt annehmen, der nach und nach immer flacher und substanzloser erscheint, so dass sich das Subjekt mit einem wissenden Lächeln zunehmend aufzulösen scheint Raum.

4. Helmut Newton

Elsa Peretti in einem Halston-Bunny-Kostüm, New York (1975): Dies ist die Aufnahme, mit der ich die Arbeit von Helmut Newton (1920-2004) präsentieren möchte, der in diesem speziellen Fall Peretti, sein Modell und später seinen Schmuck einfing Designerin, beim Posieren für die französische Vogue erwischt, während sie in einem Hasenkostüm auf dem Dach ihrer New Yorker Wohnung stand. Alles entsteht vor dem Hintergrund der oben erwähnten Metropole, einem Ort, an dem sich bei Tageslicht typische Atmosphären der Nacht offenbaren, was wohl auf eine Form des offengelegten Voyeurismus anspielt. Sicherlich wurde das, was gerade beschrieben wurde, von der Palyboy-Erfahrung des Fotografen inspiriert, der sich folglich dazu entschloss, die weibliche Erotik und Sexualität frei zu erforschen, Dimensionen, die bereit sind, auf innovative Weise in das Genre der Modefotografie einzusteigen. Damals wurde ein solcher Ansatz des farbenblinden Fotografen tatsächlich als höchst sinnlich, manchmal sadomasochistisch, stilisiert oder sogar fetischistisch empfunden. Trotz des Extremismus mancher Bewertungen steht fest, dass die Künstlerin Frauen in einem neuen Licht darstellen wollte und dabei den Schwerpunkt auf eine dominante Natur legte, eingefangen durch seltsame Blickwinkel, dramatische Beleuchtung und gekonnt kuratierte und komponierte erotische Posen, die bereit sind, etwas hervorzubringen zu starken und provokanten Visionen.

5. Richard Avedon

Richard Avedon, geboren 1923, war ein amerikanischer Fotograf und Porträtkünstler, der vor allem für seine unzähligen Schwarz-Weiß-Porträts bekannt war, die in verschiedenen Genres herausragten, darunter auch in der Reportage und der Mode, wo beispielsweise die Wirkung der Aufnahmen im Vordergrund stand wie Dovima mit Elefanten, Dior-Abendkleid, Cirque d'Hiver, Paris (1955) bleibt unsterblich. Das letztere Foto offenbart den Stil des Meisters, der sich als ein Spiel der Kontraste präsentiert und die blasse Haut des Modells mit ihrem Band und die dunkelgraue Haut der rauen und faltigen Elefanten kontrastiert, die bereit sind, vom Vergehen der Zeit zu sprechen, zu dem die Die junge Frau scheint nichts zu befürchten zu haben und nimmt eine starke, wenn auch etwas eckige Pose ein. Auch in den Linien ziehen sich Gegensätze an, denn die Strenge der Frau scheint sich von den instinktiven, aber schweren Tierrunden abzuheben. Obwohl die betreffende Aufnahme den Aufstieg des Meisters auf dem Gebiet der Modefotografie markierte, erinnert er sich mit einer Art Bedauern daran: „Ich schaue mir dieses Foto heute noch an und weiß nicht, warum ich das Band nicht auf der linken Seite hatte.“ herausspringen, um die Bildlinie zu vervollständigen. Für mich wird das Foto immer ein Misserfolg sein, weil diese Schärpe nicht da ist.“

6. Ellen von Unwerth

Ellen von Unwerth ist eine 1954 geborene deutsche Fotografin, die ihre Karriere als Model begann, bevor sie zu einer Ikone der Mode- und Werbefotografie wurde und sich auf das weibliche Motiv spezialisierte, das sie anhand des Beispiels aus der Arbeit von Guy Bourdin interpretiert Helmut Newton. Das von der Künstlerin vor allem angesprochene Thema liegt in der Stärkung der Kraft des weiblichen Blicks sowie seiner Fähigkeit, Erotik auszunutzen, die, manchmal auf provokante Weise wahrgenommen, auf die Emanzipation des schönen Geschlechts anspielt und diese durch die erzählt Hervorrufung einer glamourösen Sichtweise, die darauf abzielt, visuelle Elemente zu präsentieren, die sowohl ruhig als auch stark sind. Eine solche Erzählung nimmt Gestalt an, sowohl in Schwarzweiß als auch in Farbe, in klassischen und zeitlosen Kompositionen sowie dynamischen und verspielten Aufnahmen. Was den letztgenannten Aspekt angeht, ist seine Arbeit dafür bekannt, einen spielerischen Ansatz zu verfolgen, der darauf abzielt, die Models zu beruhigen und positive und etwas spontane Einstellungen zu fördern, die Fotograf und Motiv dazu veranlassen, gemeinsam die Themen Fetischismus, Sexualität und Weiblichkeit zu erkunden und gleichzeitig zu versuchen um die Persönlichkeit des Bildnisses zu offenbaren.

7. Tim Walker

Timothy Walker ist ein 1970 geborener britischer Modefotograf, der sich regelmäßig für Zeitschriften wie Vogue, W und Love äußert und einen Standpunkt vertritt, der mit Sicherheit die Aufmerksamkeit all derer auf sich ziehen wird, die sich weigern, erwachsen zu werden und darauf hoffen, etwas zu sehen verwirklichten die Träume, die in ihren Lieblingsmärchen zum Leben erweckt wurden. Tatsächlich zeichnen sich Walkers Aufnahmen durch die Verwendung überwiegend sanfter Farben dadurch aus, dass sie einer kindlichen Fantasie freien Lauf lassen, die bereit ist, den Anschein von verzauberten und zugleich zarten Geschichten anzunehmen, die den Betrachter dazu verleiten, sich zu entfernen von den starren mentalen Mustern der Erwachsenenwelt. Es scheint fast so, als hätte sich der Künstler das Zitat von Irving Penn „Bei der Modefotografie geht es um den Verkauf von Träumen und nicht um Kleidung“ gemacht, um den Alltag auf surreale, aber durchaus glaubwürdige Weise der Magie näher zu bringen. Dieser Zauber ist jedoch nicht das Ergebnis der digitalen Manipulation, auf die der Fotograf verzichtet, sondern vielmehr, dass das, was in der Aufnahme erscheint, authentisch am Set komponiert wurde, ausschließlich in Lebensgröße. Daraus folgt, dass sich der Betrachter wie „Es war einmal“ fühlt, d.

8. Roxanne Lowit

Roxanne Elizabeth Lowit (1942–2022) war eine amerikanische Mode- und Starfotografin, deren Hauptanliegen darin bestand, kein Detail zu übersehen, es in Bildern festzuhalten, mit dem Ziel, einer Ära ein Gesicht zu geben und sie in ewigen Momenten anzuhalten. Ihre Vision weist eine besondere Besonderheit auf: Sie ermöglicht dem Betrachter den Eintritt in die private, intime und persönliche Sphäre der Dargestellten und gleichzeitig den Zugang zu den begehrten Backstage-Bereichen der Modewelt. In ihrer figurativen Forschung verschmelzen vor allem zwei Komponenten, wie Hedonismus und Glamour, oft auch durch eine nächtliche Sichtweise ausgedrückt. Die Besonderheiten der von ihr eingefangenen Welt waren jedoch erst zu der Zeit, in der sie hauptsächlich praktiziert, erfassbar, wie die Fotografin unter Berufung auf ihre eigenen Worte erklärte: „Dann gab es auf jeden Fall mehr Verspieltheit. Die Models hatten es wirklich toll.“ Persönlichkeiten und großer Charme. Heute finde ich, dass Mädchen alle mehr oder weniger gleich sind ... Topmodels haben wirklich alles herausgefunden.

9. David LaChapelle

David LaChapelle ist ein 1963 geborener amerikanischer Fotograf und Regisseur, der in den Bereichen Mode, Werbung und im weiteren Sinne der Kunstfotografie tätig ist und sich durch einen sehr persönlichen Pop-Standpunkt ausdrückt, der in der Verschmelzung von Gestalt annimmt Themen hauptsächlich erotisch, glitzernd, heilig und mythologisch. Diese Themen finden ihre Verwirklichung in Fotografien, die wie Gemälde wirken und darauf abzielen, den Träumen des Künstlers Gestalt zu verleihen, die sicherlich auch auf die Lehren des Surrealismus verweisen. Durch diesen letzten Aspekt war es möglich, eine Sprache konkret zu machen, in der Spiritualität und Provokation in einer Mischung verschmelzen, die Märchen und Kitsch, aber auch das Beispiel von Michelangelo, Botticelli, Dalì und von Koons einzubeziehen scheint, was durch sie wiedergegeben wird die Verwendung von durchscheinenden Farben und glänzenden Bildern voller Verspieltheit und Blasphemie. Ebenso wird der Verweis auf den Berühmtheitskult, den Konsumismus und die daraus resultierende Ausdrucksgier deutlich gemacht, ohne zu vergessen, wie LaChapelle erklärte, dass er eine besondere Bewunderung für Meister vom Kaliber eines Andrea Pozzo und Caravaggio hege, auch wenn man bedenkt, dass seine Die Arbeit wurde wahrscheinlich von der Arbeit von Salvador Dalí, Jeff Koons, Michelangelo, Cindy Sherman und Andy Warhol beeinflusst.

10. Annie Leibovitz

Ohne Titel (2017): Aufnahme von Leibovitz, die teilweise ihren in der Modefotografie zum Ausdruck gebrachten Standpunkt erklärt, in diesem speziellen Fall wiedergegeben durch das Cover der Hollywood-Ausgabe von Vanity Fair, auf dem elf Stars in Designerkleidung posieren, die in aufeinander abgestimmten Farben erhältlich sind. während Sie sich vor der Kulisse eines Filmstudios abheben. Die Motive der Komposition sind entweder stehend, sitzend oder liegend arrangiert und scheinen nur durch die Tatsache vereint zu sein, dass jeder von ihnen seinen Blick auf die Linse richtet und einen teilnahmslosen Ausdruck zeigt. Das Cover wirkt ausgesprochen glamourös und elegant, auch wenn es, ganz nach Oscar-Gewohnheit, jedes Jahr mit anderen Protagonisten erscheint, auch etwas vergänglich und austauschbar ist. Es ist jedoch diese Art von Gruppenporträts von Prominenten, die der Fotografin zu Berühmtheit verholfen haben, denn sie ist bekannt für ihre Fähigkeit, durch geschickte Anordnung von Motiven, Lichtern und Requisiten visuelles Interesse zu wecken. Alles ist das Ergebnis großer Reflexion und Planung, die im Idealfall der Oberflächlichkeit des Kults berühmter Persönlichkeiten entgegensteht, obwohl es auch durch diese Leichtigkeit möglich ist, den kulturellen Moment zu erkennen, in dem eine Aufnahme Gestalt annahm ...