CRACKED BLUE II (2018) Skulptur von Pin Vega
Abstrakte Kunst ist eine künstlerische Bewegung, die sich von der traditionellen figurativen Kunst unterscheidet und eine nicht objektive und nicht erkennbare Realität darstellt. Während sich der Figurativismus auf die getreue Darstellung sichtbarer Daten konzentriert, zielt abstrakte Kunst darauf ab, Emotionen, Ideen und Konzepte durch Formen, Farben und Linien auszudrücken, die die Außenwelt nicht direkt imitieren. Diese Abweichung bedeutet, dass abstrakte Kunst oft einige Erklärungen erfordert, um vollständig verstanden und gewürdigt zu werden.
Abstrakte Kunst entstand im Kontext der Malerei zu Beginn des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf die kulturellen und sozialen Veränderungen der Zeit. Zu den Pionieren der abstrakten Kunst zählen Meister wie Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian. Insbesondere Kandinsky glaubte, dass Kunst über die bloße visuelle Darstellung hinausgehen und die innere Welt des Künstlers und des menschlichen Geistes erforschen sollte. Sein Aufsatz „Über das Geistige in der Kunst“ aus dem Jahr 1911 stellt einen der ersten Versuche dar, abstrakte Kunst zu theoretisieren.
Anschließend entwickelte sich die abstrakte Kunst rasch zu einer Vielzahl von Stilen und Bewegungen, wie etwa Malewitschs Suprematismus und Mondrians Neoplastizismus, von denen jede ihren eigenen Ansatz in Bezug auf Form und Farbe hatte. Diese Visionen versuchten, die Essenz der Realität in reine geometrische Formen und Primärfarben zu destillieren und schufen Werke, die sowohl kontemplativ als auch revolutionär waren.
Es ist offensichtlich, dass wir für den Moment eine Geschichte besprochen haben, die mittlerweile jedem bekannt ist: die Art und Weise, wie abstrakte Kunst in der Sprache der Malerei geboren wurde und sich etablierte. Ich möchte nun erklären und veranschaulichen, wie sich diese Sprache anschließend in Skulptur, Fotografie und anderen Kunstmedien ausgedrückt hat. All dies wird anhand zeitgenössischer Beispiele veranschaulicht, die aus dem reichen Korpus an Werken ausgewählt wurden, die Teil der sich entwickelnden Sammlung von Artmajeur sind. Beginnen wir also mit der Geschichte über die Zeichnung!
Ich habe so viele Landschaften gesehen (2023) Zeichnung von Frank Verreyken
Abstrakte Zeichnung: Geschichte, Stil und Meisterwerke
Zeichnen und Malen waren schon immer eng miteinander verbunden. Zeichnen wurde oft als Vorstufe oder Studie für größere Gemälde angesehen. In der abstrakten Kunst ist diese Beziehung weiterhin offensichtlich, da viele abstrakte Maler auch abstrakte Zeichnungen angefertigt haben, die ihre bildlichen Erkundungen widerspiegeln. Wie manifestiert sich diese Verbindung zwischen den beiden Sprachen? Sie zeigt sich in den gemeinsamen Themen, Techniken und Zielen der beiden Medien: Beide versuchen, die traditionelle figurative Darstellung zu überwinden, um neue Formen des künstlerischen Ausdrucks zu erkunden.
Um noch tiefer einzudringen: Der bereits erwähnte Wassily Kandinsky schuf beispielsweise zahlreiche abstrakte Zeichnungen, die wie seine Gemälde erkennbare Darstellungen vermeiden und sich auf rein ideale Kompositionen konzentrieren, deren Ziel die Erforschung von Farbe und Form sowie die Erweckung von Emotionen und spirituellen Konzepten ist.
Ebenso wandte Piet Mondrian sowohl in seinen Zeichnungen als auch in seinen Gemälden geometrische Prinzipien an, während Kasimir Malewitsch mit seinem Suprematismus Zeichnungen schuf, die – ebenso wie in seiner bildlichen Kunst – die reine Sensibilität der Form ohne Bezug zu physischen Objekten erforschten.
Was also unterscheidet eine Zeichnung von einem abstrakten Gemälde? Zwar hat das erste Medium viele Gemeinsamkeiten mit dem zweiten, wie etwa die Verwendung geometrischer Formen, fließender Linien und kontrastierender Farben, die Emotionen und Konzepte hervorrufen sollen, doch auch abstrakte Zeichnungen haben ihre eigenen Besonderheiten. Während die Malerei die einzigartigen Eigenschaften von Farbe und Textur ausnutzen kann, konzentriert sich die Zeichnung eher auf Linie, Komposition und Form und verwendet eine begrenztere Farbpalette. Oft konzentriert sie sich auf Schwarzweiß oder monochrome Töne, um Struktur und Bewegung hervorzuheben. Während abstrakte Zeichnungen oft die Spontaneität und Unmittelbarkeit der Markierung erforschen, kann die Malerei längere Prozesse und Arbeitsschichten erfordern.
Ohne Titel 838 (2024) Gemälde von Oto Macek
Zeitgenössische Beispiele: Vergleich der Malerei und Zeichnung von Oto Macek
Als Beweis für die Verbindung zwischen abstrakter Malerei und Zeichnung können wir die Arbeit des zeitgenössischen Künstlers Oto Macek betrachten. Sein Gemälde „Untitled 838“ (2024) und seine Zeichnung „Untitled 3732“ (2023) stellen dasselbe Thema und dieselbe Formerforschung dar, unterscheiden sich jedoch in der Verwendung von Farbe, Technik und verwendeten Farbtönen.
In „Untitled 838“ verwendet Macek verschiedene Blau- und Himmelblautöne und nutzt eine mehrschichtige Maltechnik, um eine dynamische und lebendige Komposition zu schaffen, in der sich Linien und geometrische Formen verflechten und überlappen und so ein Gefühl von Bewegung und Tiefe erzeugen.
„Untitled 3732“ hingegen präsentiert einen etwas minimalistischeren Ansatz in der Zeichnung. Die geometrischen Formen sind mit präzisen und klaren Linien gezeichnet, überwiegend in Schwarzweiß. Die Komposition ist weniger dicht, mit Zwischenräumen in der Farbe des Papiers, sodass das Auge ruhen und sich auf die Wechselwirkungen zwischen den Formen konzentrieren kann.
Diese beiden Werke von Macek zeigen, wie abstrakte Zeichnungen und Gemälde dieselben Themen und Motive durch unterschiedliche Interpretationen erkunden können, wobei die konzeptionelle Kohärenz gewahrt bleibt, während sie sich in der Ausführung und visuellen Wirkung unterscheiden.
Als nächstes geht es weiter mit dem Drucken!
Miroir (2024) Kunstdruck von Benedicte De Nouel Imbert
Ein kurzer Überblick über den Kunstdruck: Vergangenheit und Gegenwart
Ähnlich wie beim Zeichnen hat sich auch die Druckgrafik, die von der Malerei inspiriert ist, der Abstraktion zugewandt, indem sie Themen präsentiert, die denen der Malerei ähneln. Auch einige der berühmtesten abstrakten Maler haben Drucke geschaffen, so beispielsweise der berühmte Meister Joan Miró.
Ein zeitgenössisches Beispiel dieser Tradition ist „Miroir“ (2024), ein Kunstdruck der Malerin Benedicte De Nouel Imbert, der mit der Technik des Linolschnitts auf Papier erstellt wurde. Bei dieser Methode wird ein Design in eine Linoleumplatte geritzt, die dann eingefärbt und auf Papier gepresst wird, um das Bild zu übertragen. Diese Technik ist bekannt für ihre Fähigkeit, scharfe Linien und starke Kontraste zu erzeugen, ideal für abstrakten künstlerischen Ausdruck.
Die Linolschnitttechnik hat es De Nouel Imbert ermöglicht, die Wiederholung und Variation von Formen sehr detailliert zu untersuchen. Das Kunstwerk zeigt eine abstrakte Komposition mit überlappenden organischen und geometrischen Motiven. Die dominierenden Farben sind Orange und Blau, wodurch ein starker visueller Kontrast entsteht. Die orangefarbenen Formen erinnern an natürliche Merkmale, die Blättern ähneln, während die zentrale blaue Figur ein Element von Tiefe und Komplexität hinzufügt. Die Verwendung lebendiger Farben und sich wiederholender Muster verleiht dem Werk ein Gefühl von Bewegung und Dynamik.
Ohne Titel (Nr. 121) (2024) Skulptur von Didier Fournier
Abstrakte Skulptur: Geschichte, Stil und Meisterwerke
Die abstrakte Skulptur begann sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts parallel zu den Veränderungen in der Malerei zu entwickeln. Ebenso versuchten Bildhauer, sich von Traditionen und naturalistischen Darstellungen zu lösen und stattdessen reine Formen, Geometrien und neue Materialien zu erkunden. Durch diesen Ansatz waren sie in der Lage, Konzepte und Emotionen durch Form und Struktur statt durch figurative Darstellung auszudrücken.
Einer der ersten und einflussreichsten abstrakten Bildhauer war zweifellos Constantin Brâncuși. Der in Rumänien geborene Brâncuși ist dafür bekannt, dass er mit seinem Umgang mit Form und Material die bildhauerische Sprache revolutionierte. Seine Werke zeichnen sich durch klare Linien und glatte Oberflächen aus, die die Essenz von Bewegung und Leben einfangen und über jedes realistische Detail hinausgehen.
Ein weiterer Pionier der abstrakten Skulptur ist Jean Arp, der mit seinen unverwechselbaren biomorphen Werken zur Bewegung beitrug. Arp, der hauptsächlich mit Bronze und Stein arbeitete, schuf organische Formen, die scheinbar spontan aus der Natur entstanden. Seine Kreationen veranschaulichen seinen Ansatz zur Abstraktion durch die Verwendung fließender und natürlicher Formen.
Darüber hinaus ist Naum Gabo ein bemerkenswerter abstrakter Bildhauer, der dafür bekannt ist, Raum und Zeit durch geometrische Formen und transparente Materialien zu erforschen und dabei miteinander verbundene Linien und Flächen zu verwenden. Gabos Werke zielen darauf ab, Volumen leeren Raums darzustellen und stellen damit traditionelle Vorstellungen von Skulptur in Frage.
Um diese historische und künstlerische Erzählung weiter zu illustrieren, sind hier einige bemerkenswerte Meisterwerke der abstrakten Skulptur dieser Meister zu nennen: „Vogel im Raum“ von Constantin Brâncuși (1932–40), „Skulptur, die im Wald verloren gehen soll“ von Jean Arp (1932) und „Konstruktion im Raum“ von Naum Gabo (1937–39).
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass sich abstrakte Skulpturen durch die Verwendung geometrischer Formen, klarer Linien und innovativer Materialien manifestieren, die abstrakte Ideen, Emotionen und Konzepte zum Ausdruck bringen sollen.
Axoliz I (2014) Skulptur von Vincent Champion-Ercoli
Gran bañista (2024) Skulptur von Roberto Canduela
Zeitgenössische Beispiele: Vincent Champion-Ercoli und Roberto Canduela im Vergleich
Ich habe zwei zeitgenössische Beispiele in den Skulpturen „Axoliz I“ von Vincent Champion-Ercoli und „Gran bañista“ von Roberto Canduela gefunden. Was haben diese Werke gemeinsam? Abgesehen von ihrem abstrakten Ansatz verwenden beide Metalle als primäres Ausdrucksmaterial. Lassen Sie uns tiefer in die Analyse eintauchen …
Beginnen wir mit dem ersten Werk: „Axoliz I“ ist eine Kreation aus zwei linearen Bronzeelementen, die zusammenkommen und eine Aufwärtsentwicklung bilden. Diese Beschreibung verkörpert eine Art Dualismus aus Schwere und Leichtigkeit, der durch ein Gefühl der aufsteigenden Bewegung wiedergegeben wird und Wachstum und Ausdauer symbolisiert. Darüber hinaus trägt das Werk weitere Bedeutungen, da die glatten Oberflächen und die hoch aufragende Komposition Eleganz und Optimismus hervorrufen und einen kontinuierlichen Aufstieg trotz Schwierigkeiten suggerieren.
„Gran bañista“ hingegen erinnert, wie der Künstler selbst verrät, an das Thema von Cézannes „Les Grandes Baigneuses“, neu interpretiert in den abstrakten Zügen einer Person, die am Ufer ruht. In diesem Sinne wölbt sich die geometrische Form von einem Ende zum anderen und bildet in der Mitte ein Oculus, das an ein Gesicht erinnert. Die schrägen Elemente lassen die Skulptur auf der Ebene ruhen, ähnlich den Armen und Ellbogen eines Badenden, der in der Sonne trocknet. Indem sie dieses letztere Element widerspiegelt, erbt die Skulptur den Glanz der Sonne mit einem goldenen Finish.
Mit etwas Fantasie kann „Axoliz I“ auch als menschliche Figur interpretiert werden, wobei die aufsteigenden Linien die aufrechte Haltung eines menschlichen Körpers suggerieren. Auf diese Weise kann die Natur der oben analysierten geometrischen Formen mit einer vertrauteren Erzählung in Verbindung gebracht werden, die der Realität des Betrachters näher kommt. Wenden wir uns nun der Collage zu!
Societal Texture 6 (2022) Collagen von Henok Getachew Woldegebreal
Ein kurzer Überblick über Collage: Vergangenheit und Gegenwart
Die Abstraktion fand in der Collagetechnik einen fruchtbaren Boden, der es Künstlern ermöglichte, durch die Kombination verschiedener Materialien neue Ausdrucksformen zu erkunden. Die Verwendung der Collage in der abstrakten Kunst begann sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts zu entwickeln, dank der Innovation bahnbrechender Künstler, die versuchten, mit den traditionellen Konventionen der Malerei und Bildhauerei zu brechen.
Bei abstrakten Collagen verwenden Künstler eine Vielzahl von Materialien und Techniken, um Werke zu schaffen, bei denen Komposition, Farbe und Textur im Vordergrund stehen. Diese Kunstform löst sich von figurativen Darstellungen und konzentriert sich auf die Interaktion verschiedener Elemente, um Emotionen und abstrakte Konzepte hervorzurufen. Künstler können Zeitungsausschnitte, Fotografien, Stoffe und andere Materialien kombinieren, um vielschichtige und dynamische Werke zu schaffen.
Darüber hinaus ermöglicht die Collage große Ausdrucksfreiheit, da abstrakte Künstler Materialien manipulieren und neu anordnen können, um neue visuelle Konfigurationen zu erstellen. Dieser Prozess des Zusammensetzens und Zerlegens spiegelt fortlaufendes Experimentieren und Entdecken wider, typisch für Kunst, die sich der realistischen Darstellung entzieht.
Zu den Pionierkünstlern, die die Collage in die abstrakte Kunst einführten, gehört Hans Arp, bekannt für Werke wie „Ohne Titel“ (1916–17) und „Grande Collage“ (1918). Was zeitgenössische Künstler betrifft, sticht „Societal Texture 6“ des Artmajeur-Künstlers Henok Getachew Woldegebreal hervor. Diese Collage, die aus Verpackungskartons von lokalen Märkten besteht, die dann zerlegt und neu zusammengesetzt wurden, untersucht das komplexe Zusammenspiel zwischen Modernität, Konsumismus und Globalisierung in der heutigen Gesellschaft. Sie wurde konzipiert, um den zügellosen Konsumismus und die zyklische Produktion und Verschwendung zu kritisieren, die für die heutige Gesellschaft typisch sind.
Après le feu – Pink Orange Pink de Rothko (2018) Fotografie von Véronique Durruty
Abstrakte Fotografie: Geschichte, Stil und Meisterwerke
Die abstrakte Fotografie begann sich fast unmittelbar nach der Erfindung dieser Technologie auszudrücken. 1842 schuf John William Draper Bilder mit einem Spektroskop, indem er Lichtstrahlen in sichtbare Muster zerlegte, die keinen Bezug zur sichtbaren Realität hatten. Diese Bilder demonstrierten die Fähigkeit der Fotografie, das Unsichtbare in eine greifbare Präsenz zu verwandeln. Obwohl diese Bilder als wissenschaftliche Dokumente gedacht waren, werden sie heute wegen ihrer innovativen künstlerischen Qualität geschätzt.
Ähnlich verhält es sich mit Anna Atkins, einer der ersten Fotografinnen. Sie produzierte 1843 ein Buch mit Fotogrammen, indem sie getrocknete Algen auf Cyanotypie-Papier legte und ätherische Weiß-auf-Blau-Bilder mit abstrakter Qualität schuf. Obwohl diese Werke als wissenschaftliche Studien gedacht waren, besitzen sie einen erheblichen künstlerischen Wert.
Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts kam es zu einer Welle künstlerischer Erkundung, die zum Übergang vom Postimpressionismus zu Bewegungen wie dem Kubismus und Futurismus führte. Künstler wie Alfred Stieglitz, Paul Strand und Edward Steichen begannen mit abstrakten fotografischen Kompositionen zu experimentieren. 1914 stellte Erwin Quedenfeldt die ersten öffentlich anerkannten abstrakten Fotografien aus, während Alvin Langdon Coburn die Serie Vortographs (1917) schuf, in der er ein mehrseitiges Prisma verwendete, um Bilder zu erzielen, die sich von der sichtbaren Realität ablösten.
Ab den 1920er und 1930er Jahren nahm die Zahl der Meister, die sich mit abstrakten Bildern beschäftigten, deutlich zu. Wie manifestierte sich diese Bewegung weiterhin in der Fotografie? Dies geschah durch verschiedene Techniken wie Doppelbelichtung, Makrofotografie und Kameramanipulation. Diese Techniken ermöglichen die Schaffung von Werken, die die konventionelle Wahrnehmung herausfordern und den Betrachter einladen, über die scheinbare Oberfläche hinauszublicken.
Apropos Meister und Meisterwerke: Zu den renommierten Fotografen, die abstrakte Werke schufen, gehören die bereits erwähnten Alfred Stieglitz, Paul Strand und Edward Steichen sowie Man Ray und László Moholy-Nagy. Man Rays „Rayograph“ (1922) und Moholy-Nagys „Photogramme“ sind allesamt Meisterwerke, die gewöhnliche Objekte in außergewöhnliche visuelle Kompositionen verwandelten, Konventionen in Frage stellten und neue Ausdrucksmöglichkeiten in der Fotokunst eröffneten.
Materia-Serie – Komposition Nr. 32 (2024) Fotografie von Alessandro Idini
Zeitgenössisches Beispiel: Materia-Serie – Komposition Nr. 32 von Alessandro Idini
„Materia Series – Composition Nr. 32“ von Alessandro Idini ist ein Foto, das Teil einer Serie ist, die das Konzept der Abstraktion durch Materie in verschiedenen Zuständen erforscht. Dieses Werk ist von Aristoteles‘ Philosophie inspiriert, die besagt, dass Materie für die Zusammensetzung der Realität notwendig ist. Das Foto zeigt zarte, gewundene Formen, die im Raum zu schweben scheinen und Bewegung und das Gefühl kontinuierlicher Transformation und Schöpfung erzeugen.
Darüber hinaus verleiht die Entscheidung, Materie in diesen extrem flüchtigen Zuständen darzustellen, dem Werk einen flüchtigen Charakter, der darauf abzielt, einen einzigartigen Moment festzuhalten, der kurz darauf in der Materie selbst verschwindet. Es ist offensichtlich, dass Idinis fortlaufende Erforschung der Abstraktion in der Fotografie Materie in verschiedenen Zuständen verwendet, um die Ausdrucksmöglichkeiten von Formen zu erkunden und Kompositionen zu schaffen, die nur einen Augenblick lang existieren, bevor sie sich auflösen.
Linearität Nr. 7 (2024) Digitale Kunst von Carla Sá Fernandes
Ein kurzer Überblick über digitale Kunst
Die digitale Kunst begann in den 1950er Jahren durch die Experimente von Ben Laposky in den USA und Manfred Frank in Deutschland Gestalt anzunehmen. Beide waren Mathematiker und Programmierer, keine traditionellen Künstler, aber sie besaßen eine kreative Sensibilität, die sie zur grafischen Kunst hinzog.
Nach und nach machte die Welt der digitalen Kunst bedeutende Fortschritte und versuchte, ihren eigenen Raum zu schaffen und eine Marktnische zu etablieren. Es wurden zahlreiche Ausstellungen organisiert und Preise verliehen, um die Öffentlichkeit auf diese neue Kunstform aufmerksam zu machen.
Interessanterweise drückt sich digitale Kunst durch die Nachahmung und Neuinterpretation verschiedener traditioneller Kunstbewegungen aus. Dank moderner Software können digitale Künstler klassische Maltechniken wie Öl- und Aquarellmalerei nachbilden und mit neuen Ausdrucksformen wie Augmented Reality (AR) und Virtual Reality (VR) experimentieren. Diese Technologien ermöglichen es Künstlern, ständig zu forschen und zu innovieren, indem sie traditionelle Techniken mit modernen Werkzeugen integrieren, um Werke zu schaffen, die vom Impressionismus bis zum Mittelpunkt unseres Interesses reichen: abstrakte Kunst.
„Linearity #7“ ist ein emblematisches Beispiel dafür, wie digitale Abstraktion Gestalt annimmt und zum Leben erweckt wird. Dieses Werk ist eine Symphonie aus lebendigen Linien, in der jede Farbe ihre eigene Melodie spielt und gleichzeitig mit ihren Nachbarn harmoniert. Das Werk erforscht Ordnung und Rhythmus und erfüllt den Raum mit einer kraftvollen Energie, die sowohl Einheit als auch Vielfalt feiert.
Olimpia Gaia Martinelli
