MOMA-Meisterwerke: Zeitgenössische Interpretationen

Chap, Musée Fabre , 2013. Acryl auf Leinwand, 116 x 89 cm.

Das moderne Museum: kurzer Exkurs einer langen Entwicklung

Die Menschen verbinden die Idee eines Museums oft und fälschlicherweise mit der eines Ortes oder vielmehr einer Institution, die dazu bestimmt ist, als bloßer Behälter die großen Meisterwerke des menschlichen Genies zu beherbergen. Tatsächlich hat auch das Museum eine Geschichte zu erzählen, denn es ist das Ergebnis der komplexen Verflechtung von Kulturen, philosophischen Gedanken, politischen Strömungen und gesellschaftlichen Phänomenen, die seine Form im Laufe der Zeit geprägt haben. Tatsächlich weist das Museum antike Ursprünge auf, die sogar bis ins antike Griechenland zurückreichen, obwohl diese Institution, wie wir sie heute kennen, ihre Wurzeln in der Wunderkammer des 16. Jahrhunderts und später in Europa zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert hat. Die Wunderkammern oder "Wunderkammern" stellten besondere Umgebungen dar, in denen neugierige Adlige, reiche Kaufleute und Gelehrte außergewöhnliche Objekte zusammenstellten, mit dem Ziel, die Vielfalt und den Reichtum der Welt zu zeigen und zu interpretieren. Später, gegen Mitte des 18. Jahrhunderts, entstand ein neuer Aufbewahrungsort, der, untrennbar mit den Idealen der Aufklärung verbunden, sein erstes wichtiges Beispiel im British Museum in London (1750) fand, wo Architektur und reiche Sammlungen aus verschiedenen Teilen ausgestellt wurden der Welt, wurden mit dem Ziel konzipiert, die Größe des Britischen Empire zu zeigen. Darüber hinaus entstanden in dieser Zeit spezialisiertere Sammlungen, wie die ausschließlich der Kunst gewidmete Sammlung des Louvre-Museums in Paris (1793). Diese letztere Museumstypologie präsentierte ein lineares und didaktisches Layoutschema, das darauf abzielte, Entwicklungs- oder Fortschrittsgeschichten zu entwickeln, die durch chronologische Anordnungen realisiert wurden, die nach Nation, lokaler Schule und Künstler unterteilt waren. Schließlich kulminiert die Geschichte des modernen Museums in den Vereinigten Staaten, wo in den 1930er Jahren der neue konservative Ansatz des „White Cube“ aufkam, also die Tendenz, weiße und kahle Räume zu schaffen, in denen sich der Benutzer frei fühlt historischen Bezügen, das Kunstwerk in seiner höchsten Reinheit erfahren konnte. Genau dieses letztere Museumsmodell hat sich heute durchgesetzt und breitet sich weltweit wie ein Lauffeuer aus.

Mila Kochneva, Frau in der Galerie. Malewitschs Schwarzes Quadrat , 2021. Acryl auf Leinwand, 50 x 40 cm.

Sebastian Olivier Burckhardt, MOMA, 2012. Acryl auf Leinwand 100 x 150 cm.

MOMA (Museum für Moderne Kunst)

Zu den bekanntesten und ältesten Beispielen des „White Cube“ gehört sicherlich das MOMA in New York, das Ende der zwanziger Jahre mit dem Ziel gegründet wurde, eine fortschrittliche Institution zu schaffen, die, ausschließlich der modernen Kunst gewidmet, die Absicht verfolgte, den Menschen zu helfen, sie zu verstehen und zu verstehen Genießen Sie die bildende Kunst der Zeit. Bis heute gilt dieses Museum als eine der größten und umfassendsten Sammlungen, die ausgehend von einer anfänglichen Spende von acht Drucken und einer Zeichnung auf etwa 200.000 Werke angewachsen ist, darunter Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Drucke, Fotografien, Medien und Performancekunst, Architekturmodelle und -zeichnungen, Designobjekte und Filme. Es ist wichtig hervorzuheben, dass die Sammlung in ihren Anfangsjahren keinen festen Wohnsitz hatte und dreimal in immer größere provisorische Räume umzog, bis sie sich 1939 schließlich in dem ikonischen Gebäude in Midtown Manhattan niederließ. Dieser neue Raum, ein Ergebnis der Zusammenarbeit zwischen den amerikanischen Architekten Philip L. Goodwin und Edward Durell Stone, umfasst auch einen Skulpturengarten, der vom Kurator John McAndrew und dem historischen Direktor des MOMA, Alfred H. Barr Jr., entworfen wurde Böden aus elegantem weißem Marmor und Isolierglas, beherbergt auch einen Filmsaal, eine Bibliothek und zwei Etagen mit Büroräumen. Dieses Gebäude mit mehreren Abteilungen wurde in den 1950er und 1960er Jahren weiter und sukzessive erweitert, während 1984 eine umfassende Renovierung durch den Architekten Cesar Pelli stattfand, mit dem Ziel, die Galeriefläche des Museums zu verdoppeln und die Besuchereinrichtungen zu verbessern. In diesem Zusammenhang hat das Museum ein aktives Programm moderner und zeitgenössischer Kunstausstellungen unterhalten und führt dies auch weiterhin fort, das darauf abzielt, ein breites Spektrum an Themen, Medien und Zeitperioden anzusprechen und bedeutende neuere Entwicklungen in der bildenden Kunst und neue Interpretationen hervorzuheben bedeutende Künstler und historische Bewegungen.

Duc Evelyna, Les murs de verre , 2019. Foto aufgenommen im MOMA.

Drei MOMA-Meisterwerke: Zeitgenössische Interpretationen

Unter den wichtigsten Kunstwerken des MOMA ragen sicherlich Van Goghs Sternennacht , Andy Warhols Campbells Suppendosen und Jasper Johns Flagge heraus. Diese Meisterwerke sind nach wie vor eine Quelle der Inspiration für zeitgenössische Künstler aus aller Welt, die sie in originelle, moderne, aktuelle und manchmal ironische Kunstwerke neu interpretiert haben, wie zum Beispiel Tony Rubinos Vincent Van Gogh Starry Night-Parodiekarte Google , Igor Matvienkos Andy Warhol und David Decourcelles Old Glory .

Tony Rubino, Vincent Van Gogh Starry Night Parodie Karte Google . Acryl / Lithografie auf Leinwand, 50,8 x 61 cm.

Tony Rubino: Vincent Van Gogh Sternennacht Parodie Karte Google

Vincent Van Goghs Meisterwerk auf Leinwand aus dem Jahr 1889 mit dem Titel Sternennacht stellt eines der letzten Gemälde des gequälten holländischen Meisters dar, das nur ein Jahr vor seinem tragischen Tod ausgeführt wurde. Die Arbeit, Teil der Sammlung des MOMA, zeigt eine ländliche Landschaft bei Nacht, wo die einzigen Lichter aus den Fenstern der Häuser kommen, der Halbmond und die Sterne, die in einem Himmel voller unheimlicher Wirbelwinde platziert sind. Was den Stil betrifft, so wurde Starry Night durch kurze Modellierungs- und Materialpinselstriche realisiert, wobei die Richtung der Zeichen der Form der Figuren folgt. Die vorherrschende Bildmatrix, durchdrungen von der in all ihren Schattierungen untersuchten blauen Farbe, verleiht der Atmosphäre ein gequältes Gefühl der Einsamkeit. Was die Rahmung betrifft, wollte sie schließlich vor allem dem Sternenhimmel, dem emotionalen und dramatischen Zentrum der Komposition, Raum geben. In Bezug auf den zeitgenössischen Kontext wurde diese ikonische Leinwand zum Gegenstand mehrerer Remakes, die in den meisten Fällen den Fokus auf den Sternenhimmel nicht aufgeben konnten, ihn jedoch mit neuen Details bereicherten, oft lustig und unaufhaltsam mit der zeitgenössischen Welt verbunden, wie zum Beispiel das Gemälde des Künstlers von Artmajeur, Tony Rubino, Vincent Van Gogh Starry Night Parody Map Google . Tatsächlich wurde in dieser Arbeit mit stark ironischer Absicht die kanonische Reproposition der Sternennacht hinzugefügt, das Symbol der Positionsanzeige von Google Maps, das zu einem Bezugspunkt für die Bewegungen unserer Zeit geworden ist. Darüber hinaus liegt die Parodie der Malerei von Tony Rubino wahrscheinlich auch in der modernen Prosopopöe, dank der Technologie jede Art von Ziel finden zu können, in diesem Fall sogar die, die sich die großen Künstler aller Zeiten ausgedacht haben.

Igor Matvienko, Andy Warhol , 2021. Collage auf Papier, 100 x 72 cm.

Igor Matvienko: Andy Warhol

Zu den wichtigsten Werken im MoMA in New York gehört Andy Warhols berühmte Campbell's Soup Cans , eine Serie von 32 Siebdrucken, inspiriert von fotografischen Reproduktionen der beliebten amerikanischen Suppe, die in vier Reihen zu je acht Stück aufgereiht auf industrielle Serialität anspielen und anspielen die Anordnung von Produkten in Supermärkten. Diese Installation von 1962 stellt Warhols erste von diesem Thema inspirierte Arbeit dar, bei der jeder Siebdruck so gestaltet ist, dass er ein Originalmodell nachbildet, angereichert durch ein kleines, unverwechselbares Detail. Zusammenfassend ist es dieser Arbeit durch die erwähnten Besonderheiten definitiv gelungen, ein Supermarktprodukt in ein Pop-Manifest des amerikanischen Lebensstils zu verwandeln. Campbells Suppendosen haben auch viele zeitgenössische Werke inspiriert, wie die Collage des Künstlers von Artmajeur, Igor Matvienko, eine innovative Hommage an die Lektion des amerikanischen Meisters, in der eine beispiellose Unordnung in der Anordnung von Konsumgütern und die Präsenz von Warhol zu sehen sind selbst, erlauben uns, uns definitiv von der Supermarkttheke zu entfernen, um uns der Welt der Imagination zu nähern.

David Decourcelle, Old Glory , 2021. Acryl- und Kartonfarbe auf Leinwand, 81 x 116 cm.

David Decourcelle: Alter Ruhm

Flag (1954-1955), ein Encaustic-Gemälde von Jasper Johns, das im MOMA aufbewahrt wird, stellt das erste einer Reihe von Werken dar, die der amerikanischen Flagge von 1912-1959 gewidmet sind, wo 48 weiße Sterne auf blauem Karton abgebildet sind, begleitet von dreizehn rot-weiße Streifen, die sich unter sichtbaren Zuschnitten von Werbepapier abheben. Die Wahl dieses Themas ist untrennbar mit der Strömung des New Dada verbunden, von dem Johns ein überzeugter Vertreter war, der das Ziel verfolgte, Kunstgegenstände des allgemeinen Gebrauchs ins Rampenlicht zu rücken, um die zeitgenössische Gesellschaft zu erzählen und zu kritisieren. Die Flagge, die eine klare Neuinterpretation von Duchamps Ready-made darstellt, wird in diesem Zusammenhang ihres figurativen Wertes beraubt und zu einem konzeptuellen Werk, das das berühmteste Symbol der amerikanischen Nation zu einem künstlerischen Objekt erheben kann. Innerhalb der zeitgenössischen Kunst gab es viele innovative Neuinterpretationen dieses Themas, wie zum Beispiel Old Glory des Artmajeur-Künstlers David Decourcelle, in dem die ikonische Flagge, obwohl sie einige ihrer charakteristischen Merkmale verliert, weiterhin sowohl die westliche Bildtradition als auch die große Popularität der amerikanischen Kultur.