Die drei Grazien: von der Gelassenheit Raffaels bis zur Sinnlichkeit von Rubens

Wilhem von Kalisz, It’s love that make us see bauty , 2021. Öl / Acryl / Digitaldruck / Digitalmalerei auf Leinwand, 120 x 100 cm.

Die Grazien sind drei Schwestergöttinnen, die die römische Mythologie aus dem griechischen Beispiel der Karyatiden schöpfte, um die Verbreitung einer Ikonographie zu fördern, die unter den positivsten antiken Zivilisationen in der Lage war, auf die Harmonie anzuspielen, die durch die Verehrung der erreicht wurde Kunst, Natur und Vegetation, die Grundlagen menschlicher Lebensfreude. Was die Darstellungsweise dieses "spielerischen" Themas betrifft, so wurde seit der griechischen Zeit eine spezifische Ikonographie auferlegt, so sehr, dass in der poetischen, literarischen und kulturellen Vorstellung von damals bis heute die Grazien als drei nackte junge Frauen erscheinen, unter denen scheint einer den anderen zugewandt zu sein, während letztere dem Betrachter zugewandt sind. Beim Betrachten der großen Meisterwerke der Kunstgeschichte, die dieses Thema darstellen, konnte ich sehen, wie es im Laufe der Jahrhunderte einige Modifikationen erfahren hat, sowie eine Betonung der erotischen und sinnlichen Seite der Bildnisse. Das Obige wird deutlich aus einem Vergleich von drei Werken mit demselben Thema, wie den zurückhaltenden und Renaissance -Drei Grazien von Raphael, den feinsinnlichen neoklassizistischen Grazien von Canova und den mitschuldigen und erotischeren Grazien von Rubens.

Raffael, Drei Grazien , 1503-04. Öl auf Holz, 17 x 17 cm. Chantilly: Condé-Museum.

Canova, Die drei Grazien , 1812-1817. Marmorskulptur. St. Petersburg: Eremitage.

Rubens, Die drei Grazien , c. 1636. Öl auf Leinwand, 221 x 181 cm. Madrid: Museo del Prado.

Apropos das erste erwähnte Meisterwerk, die Tafel, datiert c. 1503, ist eines der kleinsten Gemälde Raffaels sowie das einzige nichtreligiöse Werk aus der Florentiner Zeit des Künstlers, der es unter dem Einfluss von Pinturicchio und Perugino schuf, zusätzlich zu Inspirationen aus der römischen Replik von eine Skulptur aus hellenistischer Zeit, die der Meister wahrscheinlich in der Bibliothek von Papst Pius II. Piccolomini in Siena beobachten konnte. Das Ergebnis dieser Studien ist die Komposition, in der drei junge Frauen im Vordergrund, nackt und sich umarmend, Kugeln halten, eingebettet in eine hügelige Landschaft, aus der auch ein Bach zu erkennen ist. Was die Globen angeht, könnten sie auf die Hesperiden anspielen, Nymphen der griechischen Mythologie, die sich der Bewachung von Heras Garten der goldenen Äpfel verschrieben haben, Figuren, die denen der Drei Grazien entsprechen, wenn auch von weniger künstlerischem Vermögen. Rein symbolisch hingegen stehen die erwähnten Äpfel für Unsterblichkeit, während die Grazien auf die weiblichen Tugenden Bescheidenheit, Schönheit und Liebe anspielen, verstanden als eine Art Belohnung für gute Lebensführung der Menschen. Schließlich scheint die klassische Schönheit der Aktkompositionen nicht auf schelmische Doppeldeutigkeiten anzuspielen, während in Canovas späteren Werken aufgrund der zunehmenden Nähe und Komplizenschaft zwischen den Frauen die sinnliche Aufladung sicherlich größer wird. Trotzdem stellt der neoklassizistische Stil des italienischen Bildhauers, der darauf abzielt, das Konzept der idealen Schönheit durch die physische Perfektion der Motive auszudrücken, keinen wirklich erotischen Wert dar, ein Faktor, der sich in Rubens 'späterer figurativer Untersuchung stärker entwickeln sollte. Zurück zu Canovas Drei Grazien , dem Meisterwerk von 1813-1816, das von Napoleons erster Frau, nämlich Josephine de Beauharnais, in Auftrag gegeben wurde, zeigt die Schwestern in einer familiären Umarmung in einer dreieckigen Komposition, deren Spitze durch das Haar des zentralen Mädchens dargestellt wird. In diesem Zusammenhang ist trotz des neoklassizistischen Rationalismus ein warmer emotionaler Ausdruck zu erkennen, der sich in den Gesichtern der Frauen abzeichnet, die darauf bedacht sind, die ganze Spontaneität ihrer emotionalen Bindung zu manifestieren. Die Idee der "Familie" tritt in Rubens' barocker Interpretation in den Hintergrund, da diese ästhetische Bewegung mehr Wert auf die künstlichen und sinnlichen Kompositionen legte, die von der Anwesenheit der Schlangenlinie dominiert wurden, mit der der menschliche Körper gewunden modelliert wurde. Im besonderen Fall der Drei Grazien (1636) behandelte der flämische Maler das mythologische Thema nach seinem typischen Schönheitsideal: opulente Körper mit breiten Hüften und kleinen Brüsten, deren Haut an den Gelenken deutliche Falten bildet. Solche Eigenheiten geben einem Triumph der Fleischigkeit und Sinnlichkeit weiblicher Körper Ausdruck, die sich klar und leuchtend als so üppig erweisen wie die Natur um sie herum, wahrscheinlich inspiriert von der blühenden Liebessituation des Künstlers, der kurz nach seiner Hochzeit lebte , begann, sein Glück und seine Vitalität durch "erotischere" Themen zu zeigen.

Oleg Sergeev, Die drei Grazien , 2015. Pastell auf Karton, 70 x 85 cm.

Tony Rubino, Three Graces Graffiti Tattoos , 2022. Acryl / Lithografie auf Leinwand, 50,8 x 50,8.

Die drei Grazien der Kunstgeschichte

Aus rein chronologisch-stilistischer kunsthistorischer Sicht stammen die frühesten Darstellungen der drei Grazien erwartungsgemäß aus der griechischen Zivilisation, deren Ikonographie das Vorbild für die spätere Kunst der Römer und der Renaissance darstellte. In diesem figurativen Kontext wurde das klassische hellenistische Bild der drei nackten Frauen, die so angeordnet sind, dass die mittlere von hinten zu sehen ist, während die anderen sie frontal flankieren, von Botticelli im 15. Jahrhundert auf innovativere Weise interpretiert Ära, hat die oben genannten Figuren in einem dynamischeren und innovativeren "Girotondo" festgehalten, einer Komposition, die außerhalb der traditionelleren Interpretationen großer Meister wie Francesco del Cossa und Raffael lag. Nach dem geringeren Erfolg des Themas im 17. Jahrhundert, einer Zeit, in der jedoch das Werk des oben erwähnten Rubens hervorsticht, kehrten die drei Grazien innerhalb der Strömung des Neoklassizismus, dessen Höhepunkt stilistischer Verfeinerung ist, wieder stark in Mode dargestellt durch die bildhauerische Kunst des Genies Antonio Canova. Ab dem letztgenannten historischen Moment erwies sich dieses Thema als sehr beliebt in der Erzählung der figurativen Künste, so sehr, dass es zu einem "typischen" Darstellungsobjekt der Präraffaeliten, der Vertreter des Art déco, und später wurde die der Avantgarde des 20. Jahrhunderts, Künstler, die Mädchen in den undenkbarsten Formen und Farben darstellten, bis hin zu den modernsten Interpretationen, unter denen besonders die der Bildhauer Niki De Saint Phalle und Dorit Levinstein hervorzuheben sind. Schließlich waren die drei Grazien neben den oben genannten Künstlern auch Gegenstand der Aufmerksamkeit von Artmajeur-Künstlern, die, wie Max Leonhard, Kristina Korobeynikova und Mandy Sand, ihr erotisches, expressives und emotionales Potenzial untersucht haben, indem sie stilistische Merkmale ausgenutzt haben und Techniken, die sich sehr voneinander unterscheiden.

Mandy Sand, Die drei Grazien, 1988. Conté / Bleistift auf Papier, 70 x 50 cm.

Mandy Sand: Die drei Grazien

Die Zeichnung von Sands Die drei Grazien, die im Einklang mit der traditionelleren figurativen Komposition hellenischer Abstammung ausgeführt wurde, wurde wahrscheinlich durch die Ausübung der besonderen grafischen Technik von Sanguigna hergestellt, einem Zeichenwerkzeug, das zu den ältesten im Umlauf befindlichen aus reduziertem Hämatit besteht zu Stäbchen, mit deren Hilfe Formen von eigentümlicher rötlicher Farbe nachgezeichnet werden können. Letzteres, das während der gesamten italienischen Renaissance äußerst beliebt war, eine Zeit, in der es allgemein als "Bleistift" bezeichnet wurde, war während der späteren Periode des Manierismus weiterhin ein Muss beim Zeichnen, wie die drei Grazien von Jacopo Carucci belegen. ein Meister, besser bekannt unter der Bezeichnung Pontormo, schuf um 1535 das oben genannte Thema, das heute in den Uffizien aufbewahrt wird. In letzterem Meisterwerk werden die in ihrem Hell-Dunkel skizzierten Formen durch die angestrebten Umrisse definiert Erweckung nackter Körper, die in ihren formalen Besonderheiten durch den oberen Teil des Werks hervorgehoben werden, in dem die Dynamik der Arme die Komplizenschaft der drei Damen interessanter, fesselnder und zurückhaltender sinnlicher macht. Anders als die letztgenannte Zeichnung wirkt das Werk des Künstlers von Artmajeur eher statisch, obwohl die Bildnisse durch die reichen dekorativen Motive, die darauf abzielen, ihre Körper von alter Schönheit zu schmücken und das klassische Modell mit zeitgenössischer Fantasie zu vereinen, in Bewegung versetzt werden.

Kristina Korobeynikova, Drei Grazien , 2022. Acryl auf Leinwand, 175 x 135 cm.

Kristina Korobeynikova: Drei Grazien s

Die in den Händen der drei schönen Mädchen gesammelten Äpfel in Kristina Korobeynikovas teilweise pointillistischem Gemälde erinnern an Raffaels Meisterwerk, das in seiner Aufnahme des mythologischen Themas durch die frühere Interpretation des Themas durch Francesco del Cossa, einen 1436 geborenen italienischen Maler, vorweggenommen wurde. ein bekannter Vertreter der Ferrara-Schule des 15. Jahrhunderts. Tatsächlich arrangierte der letztere Künstler die drei Grazien, nackt, stehend und "Kugeln" in ihren Händen haltend, in Aprile , einem der Fresken, die zwischen etwa 1468 und 1470 im Salone dei Mesi des Palazzo Schifanoia in Ferrara, Italien, gemalt wurden . Dieses Gemälde, das ausgeführt wurde, um ein konkretes politisches Manifest der Größe des Herzogs Borso d'Este darzustellen, ist in zwei horizontale Bänder unterteilt: ein oberes, in dem der Triumph der Venus erscheint; ein zentrales, wo das Stierzeichen und die drei "Dekane" platziert sind; und eine untere, die mit Szenen der Este-Regierung geschmückt ist. In diesem reichhaltigen Kontext finden die drei Grazien ihren Platz innerhalb des Registers, das darauf abzielt, die Wechselfälle der Liebesgöttin zu erzählen, die dargestellt wird, wie sie sich auf einem festlich paradierten Streitwagen vorwärts bewegt, der von zwei weißen Schwänen gezogen wird und sich fortbewegt, indem er über das Wasser von a gleitet Fluss. In dieser Bewegungsweise will Venus ihren Sieg über Mars feiern, der in seiner mittelalterlichen Ritterrüstung vor ihr kniet. Ganz im Hintergrund dieser Episode, eingebettet in eine hügelige Landschaft, sind rechts von der auf einem Felsen positionierten Venus die drei Grazien zu erkennen, umgeben von figurativen Elementen, die mit mehreren symbolischen Bedeutungen aufgeladen sind, von denen viele auf sie anspielen Fruchtbarkeit und Liebe, ein Gefühl, das am deutlichsten in der Umarmung junger Menschen im Vordergrund des Gemäldes zum Ausdruck kommt.

Max Leonhard, Drei Grazien , 2021. Pigmente auf Leinwand, 206 x 156 cm.

Max Leonhard: Drei Grazien

Durch Leonahards teilweise metaphysische Interpretation ist es stattdessen möglich, an die Darstellungen der Drei Grazien des 20. Jahrhunderts anzuknüpfen, die vor allem in der Popularität eines solchen Themas in der historischen kubistischen Avantgarde stattfanden, wie die von Robert Delaunay gut veranschaulicht Meisterwerk von 1912, Die drei Grazien . Dieses Öl auf Leinwand wurde mit der Absicht konzipiert, durch eine moderne visuelle Sprache ein Thema zeitloser Poetik und Eleganz zu übersetzen, das der französische Meister auch in früheren Werken untersuchte, darunter, bemerkenswert für seine Bekanntheit, La Ville de Paris und an unvollendete Skizze von 1909, inspiriert von einem Fresko des gleichen Themas aus Pompeji. Zurück zu den drei Grazien , den Datierungen des Gemäldes und einer goldenen Periode in Delaunays Karriere, der seine Position als großer Künstler der damaligen Zeit sowie als wichtiger Vertreter des Kubismus festigte. Gerade im Hinblick auf die letztere Bewegung ist hervorzuheben, wie der französische Künstler die pikassianische zersplitterte und verkettete Interpretation von Flächen aufgriff, obwohl er dennoch eine größere visuelle Zugänglichkeit zu den interpretierten Themen bewahrte. Schließlich weist das Werk bereits eine spezifische Behandlung von Licht auf, die sich in das Gefühl der Brechung durch die schimmernden Flächen übersetzt und den späteren Orphic Delaunay vorwegnimmt, Autor von Meisterwerken wie zum Beispiel The Joy of Living (1930) und Circular Forms (1930).