Landschaften, Kaffee und Geniestreiche: Die Entdeckung auf ArtMajeur
Von außen betrachtet ist die Szene fast komisch. Eine Forscherin sitzt über ihren Schreibtisch gebeugt und kratzt sich nachdenklich am Kopf, während sie nach der perfekten Idee sucht, um ein scheinbar einfaches Thema interessant zu gestalten: die Diskussion von Landschaften, Aussichten und Meereslandschaften. Eine Mission, die viele als vorhersehbar, fast offensichtlich bezeichnen würden. Aber sie gibt nicht auf. Sie wirft abwechselnd einen Blick auf den Monitor und trinkt große Schlucke Kaffee, während ihr Geist auf der Suche nach einem originellen Ansatz Gedankenfäden spinnt und entwirrt.
Und doch liegt die Antwort direkt vor ihren Augen, auf dem Bildschirm – und nicht nur vor ihren: Sie liegt bereits vor jedem Besucher der Website von ArtMajeur. Ein unendlicher art marketplace, auf dem Landschaften nicht auf die klassischen, blumenübersäten Felder beschränkt sind, die Monet verewigt hat – „Gott hab ihn selig“, murmelt sie lächelnd –, sondern sich in jede erdenkliche Richtung ausdehnen. Berge, majestätisch und feierlich; Wüsten, Orte des Lichts und der Einsamkeit; Wälder, dunkel und voller Geheimnisse. Dies sind die Motive, die zusammen mit Meereslandschaften, maritimen Gemälden und Stadtansichten eine breitere, zeitgenössische und zutiefst reale und vielfältige Vision der Welt vermitteln.
Jetzt lacht die Forscherin in sich hinein, glücklich und fast erleichtert. Nichts könnte einfacher, klarer oder perfekter sein: die Geschichte der Landschaften von ArtMajeur so zu erzählen, wie sie sind, jede Facette, jede Emotion, jede Geschichte zu erforschen.
Lasst die Reise beginnen!
Die Landschaften
Felder
Nach dem Regen... (2020) Gemälde von Ans Duin
„After the Rain“ von Ans Duin zeigt eine ländliche Landschaft kurz nach einem heftigen Regenfall. Die Wiese wirkt frisch und üppig, während dunkelgraue Wolken noch am Horizont hängen und fast verheißen, dass ihr grollender Donner noch einige Stunden nachhallen könnte.
Das Werk steht in einer künstlerischen Tradition, die sich fernab der sonnenbeschienenen Gefilde des Impressionismus dunkleren und intensiveren Themen widmet. Wolkige Landschaften, dramatische Himmel und Übergangsatmosphären haben Künstler verschiedener historischer Bewegungen inspiriert, von den Romantikern bis zu den Postimpressionisten, vom Barock bis zu den Expressionisten.
Ein bemerkenswertes Beispiel einer dunklen Landschaft in der romantischen Tradition ist Caspar David Friedrichs Morgen im Riesengebirge . Dieses Gemälde zeigt eine Berglandschaft, eingetaucht in das kalte Licht der Morgendämmerung und eingehüllt in tief hängende Wolken, was ein Gefühl feierlicher Stille und Melancholie hervorruft. Wie andere Romantiker nutzt Friedrich die Landschaft, um das Erhabene zu erkunden – jenes Gefühl von Ehrfurcht und Unbehagen, das Menschen angesichts der Erhabenheit der Natur empfinden.
Ähnlich erkundet der amerikanische Künstler Thomas Cole in seinem Werk The Oxbow (1836) eine Natur, die nicht ganz idyllisch ist. Cole feiert die amerikanische Landschaft, stellt aber ein sonnenbeschienenes, fruchtbares Ufer des Flusses einem wilderen, stürmischeren Abschnitt gegenüber, der von dunklen Wolken geprägt ist. Diese Dualität spiegelt die Spannung zwischen Zivilisation und ungezähmter Natur wider.
Zu den berühmtesten Gemälden dunkler Landschaften gehört Ansicht von Toledo (ca. 1596–1600) von El Greco. Diese barocke Vision der spanischen Stadt unter einem stürmischen Himmel erzeugt eine surreale, fast mystische Atmosphäre. Die Komposition vermittelt ein Gefühl der Isolation und des Unbehagens, das mit der intensiven Spiritualität des Künstlers übereinstimmt. Die Verwendung dunkler Farben und stürmischer Himmel ist charakteristisch für den Barockstil, der oft die Realität dramatisierte und emotionale Aspekte betonte.
In den Niederlanden schufen Künstler wie Jan van Goyen im 17. Jahrhundert Werke wie Sandstraße mit Bauernhaus , die dunkle Landschaften mit grauem Himmel und melancholischer Atmosphäre zeigten. Diese Art der Darstellung war typisch für Maler des niederländischen Goldenen Zeitalters, die die Einfachheit des Alltags und die ständig wechselnden Wetterbedingungen der niederländischen Landschaft einfangen wollten.
Im postimpressionistischen Kontext sticht Vincent van Gogh durch seine Verwendung dunkler Landschaften hervor, mit denen er tiefe Emotionen zum Ausdruck bringt. Weizenfeld mit Krähen (1890) ist ein berühmtes Beispiel: Die unter einem bedrohlichen Himmel fliegenden Krähen vermitteln ein Gefühl von Vorahnung und Unbehagen. Die Bewegung der Pinselstriche und der dramatische Einsatz von Farben verstärken die psychologische Wirkung des Gemäldes und verwandeln die Landschaft in ein Fenster zur gequälten Seele des Künstlers.
Der Grund, warum Künstler aus so unterschiedlichen Strömungen – Romantik, Barock, Postimpressionismus und dem Goldenen Zeitalter der Niederlande – dunkle und stürmische Atmosphären wählten, liegt in ihrer Sicht der Natur als Spiegelbild der menschlichen Innerlichkeit. Bewölkte Himmel, Stürme und melancholische Szenen verkörpern das Erhabene, das Mysteriöse und die Verletzlichkeit der Menschheit angesichts der Welt.
So wird deutlich, wie sich Ans Duin mit „After the Rain“ nahtlos in diese lange künstlerische Tradition einfügt.
Gebirge
Komposition N3 /Regenstimmung (2024) Gemälde von Armen Ghazayran (Nem)
YeY 24 (2024) Gemälde von Armen Ghazayran (Nem)
Meine Berge / in Erinnerung 24 (2024) Gemälde von Armen Ghazayran (Nem)
Warum habe ich drei Gemälde desselben Künstlers nebeneinandergestellt? Das ist eine berechtigte Frage, und die Antwort liegt wahrscheinlich darin, wie meine Vorstellungskraft sie als fortlaufende visuelle Erzählung interpretiert hat. Vielleicht beeinflusst von Cézannes malerischer Auseinandersetzung mit Bergen wollte ich in diesen Werken eine Entwicklung sehen: eine Reise von der Abstraktion zur Konkretheit.
Die drei Gemälde bilden eine imaginäre Abfolge, wie drei Etappen einer künstlerischen Reise. Es beginnt mit einem abstrakten, undefinierten Berg, bei dem sich die Form in Farben und malerische Gesten auflöst. Es geht weiter mit einem Berg mit „kubistischen“ Zügen, der in Abschnitte unterteilt und sehr nah an den Betrachter herangeführt wird, die Landschaft quasi aufbricht, um sie von innen zu studieren. Schließlich gelangt man zum dritten Werk, das von fauvistischen Farben und gelegentlich impressionistischen Stilelementen geprägt ist und ein klares Bild der greifbaren Realität schafft: Der Berg ist da, greifbar, mit all seiner Kraft und Schönheit.
Die Faszination für Berge ist gewiss nicht neu. Im Laufe der Geschichte haben sich viele Künstler von ihrer Erhabenheit inspirieren lassen und sie zu Protagonisten oder stummen Zeugen bildlicher Erzählungen gemacht. Edward Hargitt etwa fängt in seinen Berglandschaften wie Mountain Landscape die gemischte Atmosphäre aus Ruhe und Erhabenheit ein, die typisch für die britischen Berge ist. Charles John Holmes zeigt in Clearing Mists, Ribblesdale eine in Nebel und Licht getauchte Landschaft, in der der Berg langsam als heilige Präsenz voller Bedeutung hervortritt. Der chinesische Maler Guo Xi wendet sich der östlichen Tradition zu und porträtiert in Early Spring (1072) in Nebel gehüllte Berge, durch die er ein Ideal spiritueller Harmonie erkundet, einen Dialog zwischen Mensch und Kosmos.
Ein weiterer bedeutender Beitrag zum Thema Berg stammt von Giovanni Segantini mit seinem Alpentriptychon ( Leben, Natur, Tod ). Dieser Zyklus symbolistischer Werke erhebt die Berglandschaft auf eine universelle Ebene: Sie ist nicht länger nur eine natürliche Umgebung, sondern ein Ort tiefer Reflexion über die menschliche Verfassung. Durch die Darstellung der Berge verwandelt Segantini die Natur in eine Metapher für das Leben selbst und feiert seinen unvermeidlichen Kreislauf von der Geburt bis zum Tod.
Berge haben auch in religiösen Werken eine grundlegende Rolle gespielt, da sie die Verbindung zwischen Natur und dem Göttlichen hervorheben. In Leonardo da Vincis Felsgrottenmadonna umrahmen die Berge Maria und das Kind und werden so zu einem Symbol der Ewigkeit und des Schutzes. In Giottos Der Traum des Joachim betonen Berge die Verbindung zwischen Erde und Himmel und verwandeln die Landschaft in eine spirituelle Dimension. Auf ähnliche Weise nutzt Tizian in seinem Johannes der Täufer Berge, um Einsamkeit und Stärke auszudrücken, und verleiht der Figur des Heiligen eine Aura der Macht und Widerstandskraft.
Wälder und Wüsten
Shiroka Poliana See (2024) Gemälde von Anna Mamonkina
Wüste Wadi Rum (2024) Gemälde von Anna Mamonkina
Aureolische und historische Bezüge werden beiseite gelassen, um zwei zeitgenössische Werke in einem exklusiven Vergleich zu vergleichen. Ohne einen Blick in die Vergangenheit lässt sich so die dualistische Vision einer einzelnen Künstlerin, Anna Mamonkina, zum Ausdruck bringen. Ihre Interpretation bewegt sich zwischen zwei gegensätzlichen, aber sich ergänzenden Welten: dem Wald und der Wüste, beide eingebettet in eine Erzählung, die das Wunder der Natur mit der malerischen Meisterschaft der Künstlerin verbindet. Während die Themen radikal unterschiedlich sind – das eine üppig und üppig, das andere dürr und karg –, finden diese Werke ihre Gemeinsamkeit in der Bildsprache und den Stilelementen der Künstlerin.
Das erste Werk, Shiroka Poliana Lake , ist eine Reise in die magische Ruhe eines Sees im Spätfrühling, getaucht in das sanfte Leuchten einer sternenklaren Nacht. Die Milchstraße, der himmlische Protagonist, erstreckt sich diagonal über die Leinwand, ein Regenbogen aus Licht und Dunkelheit spiegelt sich auf der Wasseroberfläche darunter. Der Wald, der die entfernten Ufer umarmt, ist eine stille und beschützende Präsenz, während die Schneereste entlang der Ufer eine Geschichte des Übergangs erzählen: Der Winter weicht dem Frühling.
Im scharfen Kontrast zur üppigen Vielfalt des Sees und des Waldes entführt uns die Wüste Wadi Rum in eine Landschaft, in der Leere und Dürre vorherrschen. Eine massive, von Wind und Zeit geformte Felsformation steht im Mittelpunkt dieser Wüste und erzählt eine Geschichte von Widerstandskraft und Trostlosigkeit. Der Nachthimmel, der wiederum von der Milchstraße belebt wird, verbindet dieses karge Land mit dem unendlichen Universum.
Seestücke und maritime Gemälde
Entre ciel et terre (2023) Gemälde von Cathy Doutreligne
Segelregatta, Acryl, Leinwand, Seelandschaft (2023) Gemälde von Pavlova
In der Kunstwelt stellen Seestücke und maritime Gemälde zwei unterschiedliche Interpretationen der Meereslandschaft dar, die sich in ihrem Wesen erheblich unterscheiden. Ein Seestück konzentriert sich auf das Meer als absoluten Protagonisten und drängt alle Figuren oder künstlichen Elemente wie Boote oder Menschen in den Hintergrund. Im Gegensatz dazu betont ein maritimes Gemälde künstliche Elemente wie Schiffe und Segelboote, die oft mit der Meeresumwelt verflochten sind. Die Werke Entre ciel et terre von Cathy Doutreligne und Sailing Regatta von Oplyart Pavlova veranschaulichen diesen Unterschied perfekt.
Entre ciel et terre ist ein emblematisches Beispiel einer Meereslandschaft, in der das Meer und der Himmel die wahren Protagonisten sind und die Szene mit ihren Schattierungen und Kontrasten dominieren. Das Gemälde zeigt zwei Kinder, die an einem Strand entlanglaufen, Figuren, die im Vergleich zur Unermesslichkeit der Landschaft fast unbedeutend sind. Der Himmel ragt mit stürmischen Wolken über dem Meer auf und schafft eine Szene, in der die kühlen Töne des Himmels und die ruhigen Farbtöne des Meeres harmonisch interagieren. Die Boote am Horizont sind kaum skizziert, visuelle Fragmente, die zur Komposition beitragen, ohne jemals das Meer selbst zu überschatten.
Im Gegensatz dazu ist „Segelregatta“ von Oplyart Pavlova ein perfektes Beispiel für maritime Malerei. Hier stehen die Boote im Mittelpunkt der Komposition, dargestellt bei einer lebhaften und dynamischen Regatta. Die weißen Segel, glatt und in Bewegung, werden von hellen Tönen beleuchtet, die die Frische des Ozeans und ein Gefühl der Freiheit vermitteln.
Urbane Landschaften
Jardin d'hiver (2024) Gemälde von Marie France Garrigues
Beim Betrachten dieses ersten Bildes, Jardin d'hiver (2024) von Marie France Garrigues, versetzt uns die Szene sofort in ein stilles und fast menschenleeres Paris. Der Blick der Künstlerin blickt von einem schneebedeckten Balkon, wo sich das schmiedeeiserne Geländer zu einem dekorativen Muster verflechtet. Die Straßen darunter, ohne Passanten, offenbaren eine Atmosphäre der Isolation in einer Stadt, in der die Zeit stehen geblieben zu sein scheint. Die Kälte des Schnees, die gedämpften Töne und die Abwesenheit menschlicher Figuren verwandeln die Urbanität in etwas Himmlisches und Introspektives.
Wenn ich mir diese Szene jetzt noch einmal ansehe, muss ich fragen: Erinnert sie Sie an irgendetwas?
Die Antwort offenbart sich, wenn man Gustave Caillebottes „Blick durch einen Balkon “ (1880) betrachtet, in dem ein Pariser Balkon zum absoluten Protagonisten wird. Auch hier fällt das schmiedeeiserne Geländer mit seinen gewundenen und dekorativen Motiven sofort ins Auge und nimmt einen Großteil der Komposition ein. Anders als in Garrigues‘ Gemälde öffnet sich dieser Blick jedoch zum Boulevard Haussmann, auf dem es von Kutschen, Litfaßsäulen und Passanten wimmelt, und fängt die Dynamik eines lebendigen und modernen Paris ein.
Olimpia Gaia Martinelli