Die Maltechnik „Fondo oro“.
Gold war der Protagonist vieler Meisterwerke in der Kunstgeschichte, die durch die Maltechnik des "Fondo oro" geschaffen wurden, die zunächst in den frühchristlichen Mosaiken verbreitet war und später bei der Herstellung von Gemälden auf Holz, Miniaturen und Mosaiken verwendet wurde der byzantinischen Zeit. Diese Technik, die in der Abhandlung von Cennino Cennini aus dem Jahr 1400 mit dem Titel "Libro dell'arte" perfekt beschrieben wurde, basiert auf der Herstellung kleiner und dünner Goldblätter, die die spezialisierten Handwerker des Mittelalters durch Hämmern der Münzen realisierten , um sehr dünne Bleche zu erhalten. Anschließend wurde die Oberfläche der Arbeit, die bereit war, das Blattgold aufzunehmen, vorbereitet, indem eine Schicht „Bolo“, ein in Wasser und Eiweiß gelöster rötlicher Ton, aufgetragen wurde. Um das Gold auf dem Bildträger zu fixieren, wurden Beizen auf Wasserbasis wie Eiweiß, Honig, Gummi und Gemüsesäfte verwendet. Es sei darauf hingewiesen, dass bei der Realisierung dieser Technik das Blattgold in Rechtecken aufgetragen wurde, die anschließend auf einen Pinsel übertragen und durch den Druck der Borsten auf die Oberfläche aufgetragen wurden. Abschließend wurde das Gold auf der Unterlage mit dem Polierer, einer Spezialbürste aus am Ende abgeflachtem Achatstein, zerkleinert und poliert.
Prozession von Theodora , 6. Jahrhundert. Mosaik, Ravenna: Basilika San Vitale.
Ravenna und byzantinische Kunst
Ein Meisterwerk, das sich durch seinen goldenen Hintergrund auszeichnet, ist das prächtige byzantinische Mosaik mit dem Titel Prozession von Theodora , das in der Basilika San Vitale in Ravenna, Italien, aus der Zeit um 520-547 stammt. Dieses Werk zeigt die Kaiserin Theodora, die in der Mitte des Mosaiks rechts von zwei männlichen Figuren und links von sieben sich überlagernden weiblichen Figuren flankiert wird. Innerhalb dieser Personengruppe sind nur Theodora und die ihr am nächsten stehenden Figuren frontal zur Mosaikebene orientiert, während die anderen Protagonisten leicht davon entfernt sind. In Bezug auf die Kleidung tragen die Frauen der Prozession sehr reiche Kleidung und die Männer, wahrscheinlich zwei Würdenträger, tragen eine Tunika mit einem Tablion Chlamys darüber. Die Kaiserin hingegen, die in einer weißen, goldgesäumten Tunika dargestellt ist, die von einer lila Chlamys bedeckt ist, trägt auffällige Juwelen und einen sehr kunstvollen Kopfschmuck. Hinsichtlich der Darstellungsweise der Figuren sind ihre Körper überwiegend asymmetrisch und in streng frontalen und stilisierten Posen verewigt. Darüber hinaus erwecken das Fehlen von Hell-Dunkel und die starken Konturlinien zweidimensionale Figuren zum Leben, die frei von Plastizität sind. Darüber hinaus ist in Bezug auf die Art und Weise, in der die Charaktere dargestellt werden, zu beachten, dass die Figur von Theodora größer ist als die anderen, den Gesetzen der hierarchischen Perspektive folgend, die mit einer Art symbolischer Darstellung verbunden ist, bei der die Abstammung von die Zeichen sind hervorgehoben. Der goldene und zweidimensionale Hintergrund des Werks schließlich umgibt die Protagonisten der Szene, die ihre Füße auf einem grünen "Teppich" ruhen lassen. Darüber hinaus gibt es in der Umgebung auch einen kleinen Brunnen, eine Nische, die von einer kleinen muschelförmigen Apsis bedeckt ist, und rechts oben ein gestreiftes Tuch. Um auf die goldene Farbe des Hintergrunds zurückzukommen, spielt dies auf Spiritualität an, während das Purpur von Theodoras Chlamys die Macht darstellt, die den Kaisern verliehen wurde. Tatsächlich ist dieses Mosaik, das höchstwahrscheinlich kein reales Ereignis darstellt, als Werk politischer Propaganda zu betrachten.
Duccio di Buoninsegna, Majestät der Kathedrale von Siena , 1308-11. Tempera auf Holz, 214 x 412 cm Siena: Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.
Cimabue, Majestät der Heiligen Dreifaltigkeit , 1290-1300. Tempera auf Holz, 384 x 223 cm. Florenz: Galerie der Uffizien.
Giotto, Treffen an der Goldenen Pforte , 1303-1305. Fresko, 200 × 185 cm. Padua: Scrovegni-Kapelle.
Gustav Klimt, Judith , 1901. Öl auf Leinwand, 84 × 42 cm. Wien: Österreichische Galerie Belvedere.
Der Goldgrund ab dem Mittelalter...
Italienische Meisterwerke vom Mittelalter bis zur frühen Renaissance zeichneten sich durch die Verwendung der Technik des „Fondo oro“ aus, die mit einem präzisen Symbolwert verbunden war, der darauf abzielte, auf die unerreichbare und heilige himmlische Sphäre anzuspielen. Beispiele für das Gesagte sind die Werke zweier toskanischer Maler, wie der Majestät der Kathedrale von Siena von Duccio di Buoninsegna und der Majestät der Heiligen Dreifaltigkeit von Cimabue. Später, mit dem Beitrag von Giottos künstlerischer Untersuchung, wurden der goldene Hintergrund und die byzantinischen Schemata teilweise aufgegeben und die Malerei zurückgebracht, um die Welt und vor allem den Himmel darzustellen. Tatsächlich begannen ab dem 14. Jahrhundert architektonische und landschaftliche Hintergründe allmählich zu dominieren, wodurch der Prozentsatz der mit Gold verzierten Tafel allmählich abnahm. In der Renaissance wurde das Bewusstsein für die Bedeutung realistischer Hintergründe endgültig bestätigt, so sehr, dass die Technik des Goldhintergrunds weniger populär wurde. Trotzdem verschwand die Technik nie ganz, blieb auch im 16. Jahrhundert in Gebrauch und etablierte sich eher in den Einflussbereichen der orthodoxen Religion, wo sich der Ikonenkult ausbreitete. In der Neuzeit wurde der goldene Hintergrund von vielen Künstlern verwendet, von denen der berühmteste zweifellos Gustav Klimt ist.
Alena Masterkova, Ikone der Muttergottes der Zärtlichkeit , 2007. Mosaik auf Holz, 82 x 62 cm.
Alena Masterkova: Ikone unserer Lieben Frau der Zärtlichkeit
Die Farbe Gold, die für Hintergründe oder Details verwendet wird, charakterisiert auch viele Werke der Künstler von Artmajeur, die sich manchmal von den großen Meisterwerken der Kunstgeschichte inspirieren ließen, während sie in anderen Fällen diese kostbare und leuchtende Tonalität innovativ nutzten . Ein Mosaik, das sich durch die Verwendung von goldenen Emails auszeichnet und wahrscheinlich von den Madonnen mit Kind orthodoxer Ikonen inspiriert wurde, wurde von der russischen Künstlerin Alena Masterkova hergestellt. In diesem Zusammenhang ist hervorzuheben, wie sich Ikonen, die um 988 in Russland populär wurden, unter dem Einfluss der byzantinischen Kunst verbreiteten und zu einer wahren Schule des Genres wurden. Die Ikonographie dieser Zeit folgte getreu den Regeln und Gattungen der byzantinischen Kunst, während sie sich ab dem 17. Jahrhundert, beeinflusst von den Gemälden und Stichen des katholischen und protestantischen Europas, durch eine weniger zweidimensionale und statische Darstellung auszeichnete, aber naturalistischer und dreidimensionaler. Masterkovas Werk bezieht sich eindeutig auf die byzantinische Tradition, da es durch hieratische und zweidimensionale Figuren gekennzeichnet ist, die, klassisch gerahmt, eine intensive spirituelle Energie ausstrahlen.
Danco, Allegorie auf Gustav Klimt I , 2020. Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm.
Danco: Allegorie auf Gustav Klimt I
Das Werk von Danco, Künstler von Artmajeur, stellt eine weitere Hommage an die Kunstgeschichte dar, da es eine moderne und höchst originelle Neuinterpretation von Gustave Klimts Judith darstellt. Tatsächlich ist das Gesicht des von Danco gemalten Mädchens wie bei dem österreichischen Meister von einem dicken Kopf aus voluminösem schwarzem Haar eingerahmt, das hier jedoch mit goldenen Mustern verziert wurde. Während im Hintergrund von Klimt Gold und Schwarz triumphieren, die zusammen einige Obstbäume bilden, finden wir im Werk des Künstlers von Artmajeur eine abstrakte Dekoration, in der Bronze, die durch die Verwendung von Blättern hergestellt wird, und Rot vorherrschen. Innerhalb der beiden Gemälde finden sich weitere kostbare Details in der Halskette und dem Kleid wieder, die bei Danco keine Nacktheit erkennen lassen. Darüber hinaus fehlt dem Gemälde des Artmajeur-Künstlers auch der Kopf des Holofernes, sodass das Gemälde nicht mehr die beliebte Geschichte von Judith erzählt, die als Symbol weiblicher Stärke und Opferbereitschaft in vielen Meisterwerken dargestellt wurde. Infolgedessen wird Dancos Arbeit zu einer bloßen Feier der modernen weiblichen Schönheit, die in die Reflexionen von Bronze getaucht ist. Schließlich wird die Protagonistin trotz all dieser Unterschiede in beiden Gemälden zum Symbol einer sinnlichen Frauenfigur, die mit einem fast trotzigen Ausdruck entschlossen vor sich auf den Betrachter blickt.
Kamil Zaitz, Goldmind , 2021. Edelstahl, Metalle und Draht, 40 x 17 x 17 cm.
Kamil Zaitz: Goldverstand
Der Schädel, Gegenstand der Kunstwerke von Artmajeurs Künstler Zaitz, wurde oft in den berühmtesten Meisterwerken der Kunstgeschichte als Symbol der Vanitas dargestellt. Der lateinische Ausdruck vanitas vanitatum , der von vanus abgeleitet ist und vergänglich bedeutet, bezeichnet in der Malerei eine Art von Stillleben, das durch die Anwesenheit von Objekten gekennzeichnet ist, die symbolische Indikatoren für die Unsicherheit der Existenz, die Unerbittlichkeit des Zeitablaufs und die Vergänglichkeit von sind weltliche Güter. Diese Ikonographie mit moralisierender Absicht entwickelte sich im Mittelalter, als die Kirche eine strenge Warnung aussprach und daran erinnerte, wie der auf der Erde angehäufte Reichtum ohne Wert zur Verdammnis führte. Um die Sünder zur Erlösung zu bewegen, hatten die Geistlichen daher die bildliche Darstellung von Luxusgütern gefordert, begleitet von Gegenständen, die auf den Tod anspielten. Die Arbeit von Zaitz repräsentiert diese figurative Tradition höchstwahrscheinlich auf eine sehr persönliche und innovative Weise, indem sie den Schädel, das Symbol der Vanitas schlechthin, in goldfarbenem Stahl realisiert, eine Tonalität, die untrennbar mit der ewigen und unerreichbaren heiligen Himmelssphäre verbunden ist. Folglich scheint die Skulptur des Künstlers von Artmajeur ein wahres Oxymoron zu sein, in dem sich ewiges Leben und Tod vereinen.
Olimpia Gaia Martinelli
